Porträttgalleri: Marie-Denise Villers (1774-1821)

”Ung kvinna som tecknar” (1801) eller
”Porträtt av Charlotte du Val d’ Ognes”
oil on canvas, 161,3 x 129 cm
Metropolitan Museum of Art, New York

Detta osignerad verk hade tre olika konstnärer och två olika titlar. Vid vissa tillfällen är konsthistoriker bland annat detektiver, och följer olika ledtråd i målningen för att konstatera vem utförde faktiskt verk. Tyvärr, kan jag inte upptäcka någon sensationell fynd, men det är alltid spännande att fördjupa sig i ämne!

Tavlan ”Ung dam tecknar” köptes av Metropolitan Museum of Art på 1920-talet i djupaste mening med Jacques- Louis David (1748-1825) som upphovsmålaren. Ursprungligen var porträttet hos familjen du Val d`Ognes i generationer och alla tänkte att verk målades av J.L David- den ledande fransk gestaltare inom nyklassicismen.

Emellertid antog en kurator från Louvren, Charles Sterling (i 1951) att tavlan faktiskt var målad av en ”lite känd kvinna.” Sterling var specialist inom den franska konsthistoria och eliminerade J.L Davids från upphovsrätten, särskilt att verket ställdes först ut på Salongen 1801 under året som målare bojkottade utställningen.

Teorier jagar teorier.

Dags att fokusera på ”den lite känd kvinna”. Har det varit Constance Marie Charpentier (1767-1849) som utförde målningen? Hon specialiserade sig i kvinnliga porträtt och var en elev till J.L. David. Sterling byggde sin teori på hennes liknande tavlan ”Melankoli” från 1801.

Constance- Marie Charpentier ”Melankoli” (1801)
oil on canvas, 130 x 165 cm
Musée de Picardie, Amiens

Det finns en teori till som hävdar att sittande kvinna är Charpentier själv och att det är Marie-Denise Villers, som avbildade henne. Med tanke på att målningen visar en kvinna som skissar när hon tittar noga på konstnären. Två konstnärinnor som utförde sina porträtt? Det är inte heller omöjligt hypotes…

Det är känt att Jacques-Louis David tog ibland kvinnliga elever och det hade inte varit någon överraskning om han gav dem övningen att skissa varandra.

Ett feministiskt perspektiv.

År 1996 bekräftade konsthistorik Margaret Oppenheimer att målningen skulle tillskrivas Marie-Denise Villers. Oppenheimers omfördelning baserades på hennes uppmärksamhet. Verket visar ju en kvinna som tecknar framför ett trasigt fönster. Bakom henne står ett par på en galleri. Rummet som avbildas i målningen är faktiskt ett galleri i Louvren, vilket upptäcktes av nästa konsthistorikern – Anne Higonnet.

Higonnet påstått att galleriet användes av studerande kvinnor för att undervisa och instrueras i konst. Den namngivna kvinnan, Charlotte du Val d’Ognes, ville en gång vara en professionell konstnär, men valde istället att ge upp konsten när hon gifte sig. Behövs så många år att ledtråden faller på ett rätt plats?

Ett trasig fönsterruta är ett utmärkt exempel på trompe l’oeil-målning och demonstrerar konstnärinnans tekniska skicklighet. Man kan läsa det också som en subtil hänvisning till kaos och våld under den franska revolutionen. Tider var mycket brutala och omänskliga.

Detalj

Vem var då konstnärinna?

Marie-Denise Villers föddes som Lemoine i Paris 1774. Hon kom från en konstnärsfamilj, hennes två systrar sysselsätt också med porträttmåleri. Marie-Denise blev så småningom elev hos kända målare som Anne-Louis Girodet-Trioson (1767-1824), François Gérard (1770-1837) och slutligtvis hos Jacques-Louis David (1748-1825).

Vid 20 års ålder gifte sig Marie-Denise med en arkitekturstudent Michel-Jean-Maximillien Villers. Första utställning skedde på parisiska Salon i 1799. Från och med då fick hennes porträtt mycket uppmärksamhet. Hennes sista utställning på Salongen var i 1814, sju år innan hon dog 47 år gammal.

Ung kvinna som tecknar” är hennes främsta verk. Den ljusa avbildade ansikte fångar omedelbart uppmärksamhet.

Detalj

Villers porträtt är enkelt och elegant, ett bra exempel på den neoklassiska stilen. Verkets framgång beror på den genomtänkta och kreativa komposition. Målningen visar en ung kvinna, upptagen med att skissa något som är osynligt för betraktaren. Hon tittar upp och studerar förmodligen det hon tecknar; skuggan över hennes ansikte antyder att något är direkt framför henne.

Målningen är inte perfekt, men det finns tillräckligt med skicklighet här för att övertyga betraktaren att detta är en begåvad konstnärinna. Det är därför sorgligt att efter bekräftelse att detta verk utfördes av en kvinna snarare än en man, sjönk dess monetära värde på konstmarknaden.

O tempora, o mores!

Det har inte ändrat sig mycket i detta ämne.

Vilka politiska åsikter hade Marie-Denise Villers, vet vi inte, men ställde hon inte längre ut under imperiet-tider. När Bonaparte föll, dök Villers upp igen och presenterade ett porträtt av hertiginnan av Angoulême på salongen 1814.

Tillbaka till dagens porträttgalleri. Tavlan hänger på Metropolitan Museum och amerikaner är förtjusta i porträttet. Många säger att ”Charlotte du Val d’Ognes” är 1800-talet Mona Lisa. Den franska bortglömda konstnärinna Villers förmedlar kunskap, skönhet och bevisar hur det har varit svårt att vara kvinnlig artist, även i Paris. Hon hamnade ju inte så dåligt, från galleri för kvinnor i Louvren till Metropolitan Art Museum i New York!

Källor:

https://www.metmuseum.org/art/collection/search/437903

https://en.wikipedia.org/wiki/Marie-Denise_Villers

En gång
Månadsvis
Årligen

Gör en donation en gång

Gör en donation en gång i månaden

Gör en donation en gång om året

Välj ett belopp

30,00 Skr
90,00 Skr
600,00 Skr
30,00 Skr
90,00 Skr
600,00 Skr
30,00 Skr
90,00 Skr
600,00 Skr

Eller ange ett anpassat belopp

Skr

Ditt bidrag uppskattas.

Ditt bidrag uppskattas.

Ditt bidrag uppskattas.

DoneraDonera en gång i månadenDonera en gång per år

Francesco Hayez (1791-1882)-patriotismen och passionen.

Francesco Hayez föddes i Venedig 1791 i en relativt fattig familj. Hans far Giovanni var av franskt ursprung, medan hans mor Chiara Torcella var från Murano. Francesco uppfostrades av sin mors syster, som hade gift sig med Giovanni Binasco, en välbärgad konstsamlare. Hayez studerade både i Venedig och i Rom, där stannade han en stund. 1823 flyttade han till Milano och blev senare direktör för Pinacoteca di Brera. Sjuttio år av Francescos Hayez arbete sammanfaller med viktiga vändpunkter i den italienska konsten och historien.

Detta ungdomliga arbete var till viss del fortfarande rotat i venetiansk konst men avslöjar också Antonios Canova inflytande. Hayez skapade en fantastisk effekt i hur ljuset filtrerar genom det gröna i den förföriska trädgården. Ett stort format måste göra enormt uttryck, detaljer och precision är på högsta nivå. 
”Rinaldo och Armida” (1812-13)
olja på duk, 197,5 x 296,5 cm
Gallerie dell`Accademia, Venedig

Temat är hämtat från Torquato Tassos ”Gerusalemme liberata” (1581). Armida var en trollkvinna som genom sitt vackra utseende förför den kristna krigaren-Rinaldo.

Artisten specialiserade sig främst i allegoriska, historiska scener och porträttmåleri som förde honom upp till toppen. Det är märkligt: han signerade inte sina tavlor, datumet visar när verket såldes, inte när det gjordes. Dessutom målade Hayez ofta samma kompositioner många gånger och förändrade bara detaljer.

Francesco Hayez och vänner

Ett gammalt ordspråk påstår: "säg mig vem du umgås med, och jag ska säga dig vem du är". Francesco Hayez har skildrat sig omgiven av vänner. 

Alla är konstnärer: Pelagio Palagi (1775-1860) till vänster, högst upp Giovanni Migliara (1785-1837) och till höger Giuseppe Molteni (1800-67), klädd i en topphatt, tillsammans med poeten Tommaso Grossi (1791-1853). I förgrunden och i mitten av scenen är Hayez . Av någon anledning har han avbildat sig själv som en något anspråkslös person. Bakgrunden på målningen ligger oavslutad och ändå smälter den in i kläderna som männen har på sig och knyter vänner ihop på ett sätt och därmed ger den gruppen en känsla av ett intellektuellt brödraskap.

Francesco Hayez ”Självporträtt med vänner” (ca.1824-27)
olja på duk, 30 x 33 cm
Museo Poldi-Pezzoli, Milano

Francesco Hayez och Carolina Zucchi

Carolina Zucchi var en milanesisk konstnär och litograf, dotter till bokföraren Zucchi som gjorde sitt hem till en mycket populär salong, en referenspunkt för alla artister. Carolina gick in i Hayez’s atelier redan 1823 som student och modell. ”Fornarina dell’Hayez” (som hon ofta fick smeknamnet vid den tiden) blev kär i sin mentor.

Deras erotiska förhållanden varade mellan 1820 och 1830 och Carolina skulle avbildas i några av målarens ritningar. Passionen var stor och fördomsfri, men slutade inte alls med Francescos och Carolinas äktenskap. Han ägnade sig åt måleri och sexuella teckningar, som hittades för några år sedan av Zucchis ättlingar.

Sista kyss mellan Romeo och Julia” (1823)
olja på duk, 291 x 202 cm
Villa Carlotta, Tramezzo


Det är den första målningen som Carolina hade poserat för Hayez. Hon betraktade tavlan som manifest för deras kärlek. Men romansen hade framför allt starka, erotiska impulser.

Porträtt av Carolina Zucchi” / ”La Malata”(1825)
olja på duk, 60 x 53 cm
Turin City Museum of Ancient Art
”La Maddalena penitente” (1825) med poserande Carolina
Civica Galleria d’Arte Moderna, Milano
”Första gången Francesco lade tungan mellan benen – skrev Carolina Zucchi i sina dagböcker (1833 )
kände jag en rysning rinna nerför ryggraden”

privat kollektion

Hayez fullständiga samling av dessa intima verk består av nitton teckningar – en har försvunnit. Naturligtvis föreställer de samlag i olika positioner, men sådana överväldigande känslor fanns aldrig förut hos andra föregångare inom erotisk konst. Tydliga linjer på mjukpapperet innebär att konstnären hade förvarat dem för sig själv. Francesco gjorde en kopia för Carolina för att hon ska komma ihåg intensiteten i de mest intima stunderna. Denna hypotes bekräftas av teckningarna när de släpptes ut på marknaden. Fem av dessa verk auktionerades den 9 juni 2009 i Milanos kontor i Sothebys, och såldes för 10.000- 15.000 euro.

Carolina som bibliska ”Ruth”(1835)
Collezioni Comunali d’Arte Antica, Bologna
”Batseba i badet” (1834)
olja på duk, 107 x 77 cm
Pinacoteca di Brera, Milan

Den patriotiska Hayez

Detta är ett bra exempel på den typ av grandiosa historiska målningar som Hayez utförde. En dold symbolik finns bakom.

Stora scenen handlade verkligen om den italienska Risorgimento. Hayez har valt det klassiska ämnet för att undvika censur.

Korsfarare törstar nära Jerusalem” (1836-50)
olja på duk
Palazzo Reale, Turin

Året 1848 var ett år som sjöd av revolutioner i Europa. Det började i Frankrike och spred sig snart över hela Europa. Anledningarna till uppror var olika; missnöje med de politiska ledarna och folket krävde ett mer demokratiskt styre. I Italien var det framför allt önskan om Risorgimento, enandet av Italien. Särskilt för Milano, det handlade allt om att befria sig från det österrikiska styret.

Detalj
Förstörelsen av Jerusalems tempel” (1867)
olja på duk, 183 x 252 cm

Gallerie dell`Accademia, Venedig

Det är inte bara militäriska scener som visar upp Francescos Hayez patriotism. Det är detta nedanstående verk som har en vacker titel ”Meditazione” och är en fantastisk tavla. Modellens sensualitet är fängslande, men målningen har inga erotiska konnotationer. För att förstå skildringen måste man förstå tidens historia.

Upproret 1848 spred sig spontant i hela Milano; folk uppförde hundratals barrikader på de smala gatorna i staden. Över fyrahundra personer förlorade sina liv i strid, särskilt från de lägre klasserna, hantverkare och arbetare.

Francesco Hayez ”Meditazione ”(1851)
olja på duk, 90 x 70 cm
Galleria d’arte moderna Achille Forti, Verona

Hayez blev besviken när första självständighetskriget mot Österrike blev inte något och detta återspeglas starkt i denna målning.

Kvinnan mediterar. Hon tänker på vad som kunde ha varit anledningen för kampens misslyckande. Hon sitter med sänkt huvud men hon har en penetrerande blick. Hon symboliserar besvikelsen efter blodiga händelser. På hennes knä finns en bok vars titel vi ser på ryggen är Italiens historia. I ”Meditationen” ekar Caravaggios stil med samma belysningstekniker och starka bakgrunder för att verkligen koncentrera fokus på den integrerade kvinnliga figuren!

Il bacio” / Kyssen” (1859)
oil on canvas, 110 x 88 cm

Pinacoteca di Brera, Milano

Tro mig eller inte, men ”Kyssen” är den mest patriotiska tavlan i konsthistorien. Patriotism i duett med kärlek är gripande och blev alltid väl mottagen av Italienare. Bilden visar ett par kyssas i skymningen. De förenas i en kyss precis som italienska städer förenas i ett självständigt land!

Karaktärens dräkter och inredningsdetaljer antyder att handlingen äger rum under medeltiden. Kvinnan lutar sig tillbaka, medan mannen vilar sin vänstra fot på trappsteget för att stötta upp henne, vilket ger intrycket av att vara redo att fly. På dukens vänstra sida finns dock skuggor av odefinierade figurer, vilket tyder på hotet och fara.

Det patriotiska budskapet befästs också i färgerna: de röda strumporna, den gröna kavajen på manteln och den blå- vita klänningen hänvisar till Italiens och Frankrikes flaggor och deras samarbete. Kan ni föreställa sig er en italiensk kamp utan kärlek? No, non è possibile!

https://pinacotecabrera.org/en/collezione-online/opere/the-kiss/

Hayez hade verkligen utvecklat ett intresse för sitt lands historia och började införliva politiska och sociala figurer i den historiska bakgrunden.

Död av doge Marino Faliero” (1867)
olja på duk, 238 x 192 cm
Pinacoteca di Brera
, Milan

Självporträttet

Hög ålder börjar försvaga målarens kreativa energi, så att formatet på tavlorna minskas. Hans självporträtt från 1878 visar att han fortfarande är produktiv. Den här gången signerade Francesco Hayez målningen. Men han gjorde sig själv äldre, eftersom han ville berika sitt konstnärliga liv.

Den äldre mannen har alltid varit respekterad och uppskattad av omgivningen. Affären med Karolina Zucchi kränkte inte honom och försvagade inte deras konstnärliga karriär. Självporträttet bekräftar värdet av hans yrke och är den bästa sammanfattningen av mästarens långa karriär.

Francesco Hayez dog slutligen i Milano den 11 februari 1882, 91 år gammal, sörjd av sina samtida; han begravdes på en del av den monumentala kyrkogården, en plats avsedd att rymma berömda personligheter.

Autoritratto a 88 anni”/ ”Självporträtt i 88 års ålder” (1878)
olja på duk, 58 x 46 cm
Gallerie della`Accademia, Venedig

Det är en av Hayez mest kända självporträtt. Han signerade tavlan (!) men höjde sin ålder med bara ett år, för att förstärka sin konstnärliga livslängd. Artisten verkar sitta i sin ateljé med en pensel, omgiven av ett monokromt utrymme, upplyst av ett varmt och omslutande ljus som kommer från vänster. Den äldre mannen har alltid varit respektabel och uppskattad av sin omgivning. Självporträttet bekräftar värdet av hans yrke och är den bästa resumén av den långvariga konstnärsbanan.

KÄLLOR:

https://www.legendarte.shop/pl/blog/francesco-hayez-and-his-passion-for-his-lover-carolina-zucchi/

https://www.stilearte.it/carolina-zucchi/

Gör som 1 271 andra, prenumerera du med.

En gång
Månadsvis
Årligen

Gör en donation en gång

Gör en donation en gång i månaden

Gör en donation en gång om året

Välj ett belopp

5,00 Skr
15,00 Skr
100,00 Skr
5,00 Skr
15,00 Skr
100,00 Skr
5,00 Skr
15,00 Skr
100,00 Skr

Eller ange ett anpassat belopp

Skr

Ditt bidrag uppskattas.

Ditt bidrag uppskattas.

Ditt bidrag uppskattas.

DoneraDonera en gång i månadenDonera en gång per år

Émile Friant (1863-1932)- reporter från Nancy.

Émile Friant tillhör en av de målare vars namn inte blev känt hos konsthandlare, men hans måleri väcker en stor uppmärksamhet. Han brukade skapa storformatsdukar och när man ser de på museum, stannar de i vårt minne under lång tid.

Friant föddes den 16 april 1863 i Dieuze, i regionen Lorraine. Han växte upp i arbetarens familj och detta präglades honom enormt.

1870 bröt det fransk-preussiska kriget ut. Liten Dieuze och hela Elsass-Lothringen område annekterades till Preussen och familjen Friant flyttade till Nancy, som förblev på den franska sidan.

Émile Friant påbörjade sin utbildning i konsthögskola i Nancy (1874-79). Efter examen lyckades han få ett stipendium från staden för att fortsätta sina studier i Paris. Han blev elev hos en av ledarna för den akademiska rörelsen, Alexandre Cabanel.

1885 träffade Friant bröder Ernest och Benoit Coquelin, kända skådespelare, som blev viktiga klienter och beskyddare för honom. Tack vore intäkterna reste konstnären till Belgien, Nederländerna, Italien, Spanien och länderna i Nordafrika. Friant var också en stor idrottsman som tränade paddling.

Den mest populära målningen av Émile Friant är ”Les amoureux”. Vi tittar på ett par som har stannat på en bro (Pont Cassé) vid floden Meurthe som flyter genom Nancy. Mannen berättar en historia, flickan vilar ansiktet på handen och lyssnar. Höstlandskapet i bakgrunden passar perfekt in i den melankoliska stämningen.

The Lovers” (1888), oil on canvas, 111 x 145 cm,
Musée des Beaux-Arts de Nancy

Vi kan snabbt konstatera att licenser konstnären var intresserad av mänsklig natur och skapade realistiska verk med psykologisk klang. Bildkomposition verkar vara statisk, men Friant koncentrerar all sin uttrycksstyrka i älskarnas ögon och i den intensiva dialogen.

Självporträtt som student” (1885)
Musee des Beaux- Arts, Nancy
Les Buveurs” eller ”Le Travail du lundi” (1884)
oil on canvas, Musée des Beaux-arts de Nancy

En fransk sed, känd som ”Holy Monday” innebär att arbetare tog frivilligt ledigt på måndagar. Oftast har de sedan tillbringat dagen utanför verkstaden. Friant skildrar här två karlar som supar. Helig måndag hade ett dåligt rykte och kom att ersättas i slutet av 1800-talet av den lediga söndagen, som normalt ägnas åt religion och familjen. Scenen har en tydlig moralisk konnotation: ledighet leder till missbruk.

Cast Shadows” (1891) oil on canvas, 116 x 67 cm,
Musee d´Orsay, Paris

Émile Friant var en uppskattad artist och ställde ofta ut på Salon de Paris. Detta verk med par och deras skuggor är förtjusande. Friant har varit noga med att bygga sin komposition på spel av utseende, händer och ljuskällan. Parets mörka kläder reduceras kropparna till silhuetter.

”Les canotiers de la Meurthe” (1887), oil on canvas,
Musée de l’École de Nancy

Scenen framställer en utomhusfest för roddare. Det finns rött vin, bitar av bröd, ankan på bordet. Lägg märke till hur brödet är majestätisk avbildad. Tack vore sitt intresse för vattensporter, kände Friant bra ämne och avbildade sina kamrater som delar en måltid efter en hård träning. Men genom att välja exakt tretton karaktärer har artisten kul att framkalla den sista måltiden (Kristus och de tolv apostlarna). Religiösa karaktär bekräftas av brödet och vinet i förgrunden.

La discussion politique” (1889), oil on canvas, 34 x 16 cm

Genrescenen var en viktig motiv av Friants arbete. Han hade gåvan att förstå attityder, ansiktsuttryck och sociala koder hos arbetare. Han intresserade sig för sin tids verklighet. Hans tavlor har en funktion som en bra reportage, innehåller person- och miljö skildringar. Scenens noggrannhet beror också på psykologiska dimension: de fyra männens olika karaktär leder dem till specifika politiska ställningar.

”La Lutte”
Kampen (1889), oil on canvas, 180 x 114 cm
Montpelier, Musée Fabre

Friant – en skicklig idrottsman, målar här unga brottare. Realism är slående! Konstnären fokuserar mycket på brottningsrörelse och skapar ett narrativt verk.

Young lady from Nancy in snow landscape” (1887),
oil on canvas,
46 x 37 cm

Musée des beaux-arts, Nancy

En annan fas kommer dock i Friants liv. Målaren skildrar en ung flicka från Nancy; seriös, sorglig, klädd i svart. Det är vinter, gråaktig överallt. Landskapet är behandlat på ett impressionistiskt sätt, men Émile Friant väljer frihet, det vill säga vägran att knyta till någon rörelse. Målningen inleder en viss omvandling inuti konstnären och han avbildar livet på duken i dess mörkare version…

All Saints Day” (1888), oil on canvas, 254 x 334 cm,
Musée des Beaux-arts, Nancy

År 1889 var Friant 26 år gammal. Vid världsutställningen i Paris vann han en guldmedalj för sin imponerande målning ”La Toussaint”. Scenen sker framför ingången till Préville-kyrkogården i Nancy. Friant avbildar en familj från Lorraine, med dess sorg ritualer, dess uppfattning om välgörenhet. Det träffas här två sociala klasser, en rik familj och en gammal, blind man. Förmedlaren är den lilla flickan som lämnar snart ett mynt för tiggare och det är enda utbytet mellan två olika världar.

” Pain” (1898) oil on canvas,
Musée des Beaux-arts, Nancy

På ett liknande sätt malar han ”La douleur”, som visar en dramatisk scen från begravningen.

”Självporträtt” (1887), oil on panel, 35,5 cm x 28 cm,
Musée des Beaux Arts, Nancy
L`Expiation” (1908), oil on canvas, 65 x 69 cm,
Art Gallery of Hamilton, Ontario

Det är en mycket tilltalande scenen som ger ett enormt uttryck, trots sitt litet format. Émile Friant avbildar en sista väg till giljotinen, gottgörelse och försoning. Den unga man hade mördat en flicka, och vi vet att Friant deltog i hans rättegång. Straffet är avrättningen på giljotinen. Vilken kontrastbild mellan prästens skalliga huvud och unga mannen tjocka hår! En gammal man som leder en ung man till döds.

Émile Friant var utbildad i akademiska andan, men hade innovativa influenser. Inom sin måleri ägnade han sig särskilt åt genrescener. Han var inte immun mot nya impressionistiska trender. Men det är inte kopplat till någon som helst rörelse. Friant förblev fri. Han observerar och inspirerar sig själv.

Hans konst härstammar från hans realistiska blick på världen, ibland otrevliga och ironiska. Alltid intressanta.

År 1931 belönades Friant med Hederslegionen, Frankrikes främsta orden. Han dog ett plötsligt död i juni 1932.

En gång
Månadsvis
Årligen

Gör en donation en gång

Gör en donation en gång i månaden

Gör en donation en gång om året

Välj ett belopp

30,00 Skr
90,00 Skr
600,00 Skr
30,00 Skr
90,00 Skr
600,00 Skr
30,00 Skr
90,00 Skr
600,00 Skr

Eller ange ett anpassat belopp

Skr

Ditt bidrag uppskattas.

Ditt bidrag uppskattas.

Ditt bidrag uppskattas.

DoneraDonera en gång i månadenDonera en gång per år

Augustus Egg (1816-1863) skildrar viktorianska konvenanser.

August Leopold Egg föddes i London 1816, och var mest känd för sina verk som skildrade slutet på en viktoriansk medelklassfamiljs epok. Han började sin konstnärsbana på Henry Sass Drawing School för att senare fortsätta på Royal Academy. Hans drömmar blev verklighet och han blev antagen till den kända konstskolan i Storbritannien.

Gruppen The Clique och deras regler

Augustus Egg hade breda intellektuella intressen, kärlek för litteratur och teater. Han tillhörde en skissklubb The Clique (Klicken). Denna lilla grupp inkluderade grundaren, Richard Dadd, Alfred Elmore, William Powell Frith, John Phillip och Edward Matthew Ward. Klicken karaktäriserades av sitt avståndstagande från akademisk konst till förmån för enklare genremåleri, och stilen påverkades av William Hogarth och den skotska historiska målaren David Wilkie. De ansåg att ett konstverk inte borde bedömas enbart på hur väl det överensstämde med akademiska riktlinjer.

Egg älskade teatern och det var genom denna kärlek han blev vän med Charles Dickens. Hans hälsa var aldrig bra och under sina senare år försökte han åtgärda detta genom att leva i de varmare klimaten i Medelhavsländerna. Han dog i Alger 1863 av astmabesvär i en ålder av 46 år.

Varför är Augustus Egg så viktig för konsthistorien?

Den ikoniska verk

Troligtvis alla känner hans typiska verk ”Travelling Companions” som han avslutade 1862 och som nu finns på Birmingham Museum and Art Gallery. De ljuvliga klipporna och strandlinjen finns i verkligheten. Det är Menton, en populär kurort för viktorianska gäster som ligger på franska Rivieran. Förmodligen var det också ett hälsobadställe under Eggs konvalescens.

Augustus Egg ”Traveling Companions” (1862)
olja på duk, 65,3 x 78,7 cm
Birmingham Museum and Art Gallery

Så förtjusande detta verk är! Titta vilken perfekt symmetri hos kvinnorna när de sitter mitt emot varandra i vagnen. De bär nästan identiska böljande voluminösa gråklänningar och likadana hattar. Vid första anblicken ser de nästan ut som en spegelbild av varandra, men när vi tittar närmare finns det uppenbara skillnader.

Den ena sitter med en fruktkorg, medan den andra har en bukett blommor bredvid sig. Den ena läser medan den andra lutar sig tillbaka med slutna ögon. Det finns ingen interaktion mellan de två kvinnorna. Den ena verkar varken vara intresserad av den andra eller utsikten från vagnens fönster. Är det bara en enkel målning av två kvinnor som reser i en järnvägsvagn? Eller har tavlan en dold betydelse?

Två unga damer reser till staden för att njuta av det gynnsamma mikroklimatet. Det finns inga andra personer i vagnen som kan ha varit en tydlig indikation på att män och kvinnor på den tiden reste i segregerade tågvagnar.

Jag påträffade en intressant åsikt att målningen döljer sexuella konnotationerna. Artikeln jag stötte på var på webbplatsen Victorian Visual Culture och skrevs av Erika Franck som en del av en utbildningskurs i modern litteraturvetenskap.

Hon skrev:”… Även om Egg’s Travelling Companions (1862) anses vara en reflektion om järnvägsresor och hur olika klasser separerades, kan man inte ignorera de sexuella konnotationer som är uppenbara i målningen. Målningen visar två unga damer som verkar vara identiska och ändå inte vid närmare granskning. Det verkar som om flickan till vänster har väckts sexuellt trots att hon sover. Detta kan bara upptäckas i jämförelse med flickan till höger. För det första har den unga damen till höger blommor bredvid sig i motsats till den andra damen som har en korg med frukt. Blommorna förmedlar flickans oskuld och sexuella dygd till höger medan frukten bredvid flickan till vänster innebär att hennes oskuld har förlorats och hennes oskuld har ersatts av sexuell överseende och följaktligen sexuell mognad.”

Augustus Egg ”Traveling Companions” (1862)

Denna analogi fortsätter när man studerar hur damen till vänster har tagit bort sina handskar och exponeras fysiskt. Det innebär att hon är mindre bevakad än sin reskamrat. Vi lämnar vackra damer och går vidare.

Triptyk Past and Present”

Augustus Egg målade 1858 en triptyk ”Past and Present” där han skildrade tre scener från den viktorianska epoken. Hans verk är liksom en roman eller en teaterpjäs. Vi har en vacker hemmiljö, en välmående familj med söta barn. Atmosfären är tjock. Detta är en berättelse om den fallna kvinnan. Bokstavligt och bildligt. Stämningen är typisk för de sociala moralistiska tavlor som var populära i viktorianska konsten.

Past and Present Number One
Otroheten upptäcks” (1858),
olja på duk, 63, 5 x 73,2 cm
Tate Gallery, London

Mannen upptäckte sin frus otrohet. Den första scenen är mycket dramatisk, frun ligger vid sin mans fötter, medan han sitter dyster vid bordet och deras barn spelar kort i bakgrunden. Mannen håller ett brev, bevis på hennes äktenskapsbrott, och pressar samtidigt en miniatyrmålning av fruns älskare under sin fot.

Augustus Egg påverkades i sitt verk av Holman Hunts (1827-1910) ”The Awakening Conscience”.

Holman Hunt ”The Awakening Conscience” (1853)
Tate Gallery

Se bara på de söta viktorianska flickorna. Den äldre dottern är orolig och tittar mot sin mamma som ligger på golvet. Den andra flickan tittar fortfarande på lekbordet. Korthuset kollapsar, vilket betyder att parets äktenskap har gått sönder. Ett äpple har skurits i två delar, den ena halvan (som representerar hustrun) har fallit på golvet, den andra (som representerar mannen) har knivhuggits till kärnan.

Vilket känslomässigt ansiktsuttryck!

Kvinnans armar och armbanden runt handlederna ger intrycket av att hon är bunden. I det viktorianska England kunde en man säkert ta en älskarinna utan rädsla för förföljelse, men att vara otrogen för en kvinna var ett oförlåtligt brott… Har det ändrat sig någonting?

Eggs tre målningar har inga enskilda titlar, men när de ställdes ut 1858 på Royal Academy, åtföljdes de av texten: ”4 augusti – Har precis hört att B – har varit död mer än fjorton dagar, så hans stackars barn har nu förlorat båda föräldrarna. Jag hör att hon sågs på fredagen i närheten av Strand, uppenbarligen utan plats att vila på. Vilket fall hennes har varit!”

De två nästa tavlorna skiljer sig tydligt. Scenen är ett svagt upplyst vindsrum, fem år senare.

Rummet är glest möblerat och på väggarna hänger porträtt av den frånvarande modern och fadern. Fadern har nyligen dött och modern har drivits ut ur sitt hem. De två föräldralösa flickorna tröstar varandra. Den äldre dottern sitter och stirrar ut genom det öppna fönstret på en fullmåne, medan hennes yngre syster är knäböjande delvis i bön och delvis i sorg.

”Past and present 2. De övergivna döttrarna”

När bilduppsättningen visades på Royal Academy 1858 hängdes salongsscenen mellan de andra två. Författaren och konstkritikern John Ruskin beskrev de tre verken i sina anteckningar:

I det centrala stycket upptäcker mannen sin frus otrohet; han dör fem år efteråt. De två sidobilderna representerar samma ögonblick två veckor efter hans död. Samma lilla moln finns under månen. De två barnen ser det från kammaren där de ber för sin förlorade mamma och deras mor syns bakom en båt under ett valv vid flodstranden.”

(John Ruskin, Academy Notes, 8 maj 1858)

”Past and present 3: Den övergivna modern med sitt barn”

Sista scenen avbildar en hemlös kvinna. Hon försöker att skydda sitt barn under själen, ett tydligt resultat av hennes affär, som nu är över… Märkligt är att månen intar samma position på himlen, vilket indikerar att scenen äger rum samtidigt. Barnens mor har tagit sin tillflykt under valven på en av Londons broar.

Den viktorianska tiden varade till 1901 och karakteriserades som en pryd och socialt mycket regelstyrd period. Själva ord ”viktorianism” pekar på en dubbelmoral, som undertryckte känslor, och skapade många sociala konventioner. Till exempel att ta av sig handskarna kunde betraktas som en sexuell uppmuntran. I samhället var det förbjudet att prata om graviditet eller till och med att använda vissa ord som alltför direkt beskriver människans biologi. Paradoxalt nog utvecklades prostitution betydligt under den viktorianska eran.

En gång
Månadsvis
Årligen

Gör en donation en gång

Gör en donation en gång i månaden

Gör en donation en gång om året

Välj ett belopp

30,00 Skr
90,00 Skr
600,00 Skr
30,00 Skr
90,00 Skr
600,00 Skr
30,00 Skr
90,00 Skr
600,00 Skr

Eller ange ett anpassat belopp

Skr

Ditt bidrag uppskattas.

Ditt bidrag uppskattas.

Ditt bidrag uppskattas.

DoneraDonera en gång i månadenDonera en gång per år

Porträttgalleri: Jean-Étienne Liotard.

Madame Adélaïde costumed à la turque
”Woman on a Sofa Reading” (1753)
oil on canvas
50 x 56 cm, Uffizi

Jean Etienne-Liotard (1702-89) var en schweizisk pastell och miniatyrmålare. Han gick i lära hos Daniel Gardelle (1679-1753) i Genève och från 1723 hos Jean-Baptiste Massé (1687-1767) i Paris. Etienne-Liotard hade besökt alla de stora städerna i Europa och hade målat porträtt av påven Clemens XIII och kejsarinnan Maria Teresa.

Han tillbringade fem år i Konstantinopel (1738-1743) med Lord Duncannon. Efter återkomsten till Paris fortsatte han att bära turkiska plagg, som gav honom smeknamnet ”turkisk målare” (”peintre turc”) och skapade publicitet i hela Europa. Etienne-Liotard målade ett flertal porträtt av sig själv i denna klädsel.

Porträttgalleri idag föreställer en fransk prinsessa Marie-Adelaide (1732-1800), den tredje dottern till Louis XV och drottning Marie Leszczynska. Hon växte upp i Versailles och fick en bra utbildning. När prinsessa avbildats av Jean-Etienne är hon 21-år gammal. Den turkiska kostymen var säkert ett förslag från konstnären. Marie-Adelaide verkar vara avslappnad, hon poserar faktiskt inte… Trots sin höga position ville hon vara så ”naturellement” som möjligt.

Det som är fascinerande med detta verk är förhållandet till oss, betraktare. Vi får en diskret titt på det privata rummet. En ung kvinna i turkisk dräkt sitter i soffan. Hon är totalt involverad i läsningen av sin bok. Kvinnans fängslande uttryck är fantastiskt, liksom hennes blommiga broderade kostym och huvudbonad (tarbush eller fez). Vi borde uppskatta detta imaginära ögonblick i tiden, där konstnären inte ville störa scenen.

Self-Portrait” (1744)
Pastel on paper, 61 x 49 cm
Galleria degli Uffizi, Florence
”Self Portrait in Turkish Costume” (1746)
pastell 60,5 x 46,5 cm
Gemäldegalerie Alte Meister, Dresden
Det heltäckande skägget konstnären bar när han återvände från Turkiet var en betydande excentricitet under europeisk rokoko!

Jean-Etienne Liotard var 54 när han gifte sig med den 29-åriga Marie Fargues. Detta porträtt av sin fru som han gjorde strax efter bröllopet, är en av hans bästa pasteller. Frun är också stiliserad enligt det turkiska modet, hon är naturlig och subtil.

”Marie Fargues” ( 1756-58)
pastel on two pieces of vellum, 103.8 x 79.8c
m
Rijksmuseum, Amsterdam

Etienne-Liotard var ett barn av sin epok. Upplysningen såg han själv som spridning av vetenskap och befriande tankar. Människorna i hans målningar är nyfikna, öppensinnade. Kvinnorna poserar avslappnade och besjälade.

Strax kommer det förändras mycket på det franska hovet. Det nya kungliga paret, Louis XVI och Marie Antoinette skriver ny historia. Den franska revolutionen innebär slutet på en värld. Paradoxalt nog är att aldrig mer kommer artisten så nära den kungliga personen, att avbilda henne i intimitet med bok i handen…

Källor:

https://www.royalacademy.org.uk/exhibition/jean-etienne-liotard

https://theculturetrip.com/europe/united-kingdom/articles/the-12-best-artworks-by-jean-etienne-liotard/

https://www.metmuseum.org/art/collection/search/438120

https://www.theguardian.com/artanddesign/2015/oct/20/jean-etienne-liotard-review-royal-academy-of-arts

En gång
Månadsvis
Årligen

Gör en donation en gång

Gör en donation en gång i månaden

Gör en donation en gång om året

Välj ett belopp

30,00 Skr
90,00 Skr
600,00 Skr
30,00 Skr
90,00 Skr
600,00 Skr
30,00 Skr
90,00 Skr
600,00 Skr

Eller ange ett anpassat belopp

Skr

Ditt bidrag uppskattas.

Ditt bidrag uppskattas.

Ditt bidrag uppskattas.

DoneraDonera en gång i månadenDonera en gång per år

Samuel van Hoogstraten (1627-1678).

Samuel van Hoogstraten född 1627 i Dordrecht i familj av menoniter och tillhörde den protestantiska, anabaptistiska kyrkan. Hans far var silversmed och Samuel tränade först i hans verkstad. Efter hans fars död flyttade han till Amsterdam där han anslöt sig till Rembrandts van Rijn ateljé (1642-48). Resor till Wien, Rom och London befäste honom som mästare inom porträtt- och perspektivmåleriet. Slutligen bosatte han sig 1661-62 i Dordrecht.

Hans gåtfulla tavlor bjuder till borgerliga hem.

Var försiktigt…

Ibland sitter nyckel fortfarande kvar i låset på hans målningar!

”Självporträtt” (ca.1644)
olja på duk, 63 x 48 cm
Museum Bredius, Haag

Samuel van Hoogstraten var en man med många talanger. Förutom att vara en skicklig konstnär, var han en expert på etsningar och gravyrer, en begåvad poet och författare. Målare dog i Dordrecht 1678, bara 51 år gammal. Varför blev han så betydelsefull för holländska guldåldern?

Hans skapande var mycket omfattande: genrestycken, porträtt och religiösa bilder. Förutom att måla ägnade han en del av sin tid åt konsteoretiskt arbete. Hoogstratens opus magnum var en bok om måleri ”Inleyding tot de hooge schoole der schilderkonst: anders de zichtbaere werelt ” (1641) . Det är en sorts avhandlingsbok som innehåller intressant material om samtida konstnärer, måleriets praktik. Han såg sig själv som en universell konstnär, som skildrade hela den synliga världen, inklusive historiska och allegoriska scener.

Dags att presentera Samuels van Hoogstraten konstnärskap lite närmare!

Trompe l’œil

Kunsthistorisches Museum i Wien bevarar en unik tavla. Van Hoogstraten utförde den under sin vistelse i Wien. Han skildrade en gammal man, men faktiskt bara hans ansikte med rynkor och skägg. Vem är denna man? Enligt en tradition antas att mannen är rabbin Yom Tov Lipmann Heller (1579–1654), som lyckades få tillstånd för judar att bo i Wiens Leopoldstadt-distrikt. 1629 anklagades rabbinen för ogynnsamma uttalanden för staten och kyrkan, inkluderade i hans skriftliga verk. Han dömdes till döden, men efter 40 dagars fängelse fick han benådning.

En gammal man tittar genom fönstret” (1653)
Olja på duk, 111 x 86,5 cm
Kunsthistoriszches Museum, Wien

Vi återkommer till tavla!

Se hur många detaljer konstnären gav åt fönstret. En liten vas utanför fönstret förstärker och betonar djupet i målningen. Vi kan beundra stenarbetets struktur och yta. Det är en helt fantastiskt illusionistisk målning.

Trompe l`oeil ”(1664)
olja på duk, 46 x 58 cm
Dordrechts Museum

Här har vi exempel på en typisk trompe l`oeil som skiljer sig från en vanlig stilleben- målning genom sin avsikt att vilseleda observatören. Konstnärens tekniska förmåga är tänkt att förbli oupptäckt och med ett perfekt perspektiv, skickligt observerat ljus, realistiska färger är knep för att få betraktaren att tro att en plan yta inte är plan, eller att det finns ett utrymme där det, faktiskt inte är ett utrymme.

Van Hoogstraten var banbrytande inom detta område. Här ser vi en mängd vardagliga föremål som hålls av två läderremmar över en träram. Målare föreslår att den intima världen med samling av brevet, pärlor och sytillbehör kan handla om någon kvinnan. Eller hur?

Läkare är på besök

Mästare skildrade ofta rika hushåll med möblerna och målningarna på väggen. Bilden visar en blek kvinna, som sitter på stolen, med huvudet lutande åt sidan. Bakom henne ser vi två män. Den ena är en läkare som håller upp en kolv med kvinnans urin för att avgöra om hon faktiskt är gravid. Den andra mannen, kanske hennes man, kanske hennes älskare, ser på flaskan och fruktar resultatet av undersökningen.

”Den anemiska damen” (1667)
olja på duk, 69,5 x 55 cm
Rijksmuseum, Amsterdam

Så vad är historien bakom den här scenen? Titta på golvet vid kvinnans fötter. Vi ser en katt som var en medeltida symbol för lust och i denna målning kan dess närvaro representera olaglig kärlek.

Perspektivmästare

Van Hoogstraten är den enda holländska målaren från 1600-talet som skriver om sin upplevelse av den optiska enheten kallad camera obscura.

Perspektiv vy med en kvinna som läser ett brev” (ca. 1670)
Mauritshuis, Haag
”Hofburgslottet in Vienna” (1652)
olja på pannå, 79 x 84,5 cm
Kunsthistorisches Museum, Vienna

Som sagt hade Samuel van Hoogstraten olika talanger. Han hade ett stort intresse för perspektiv, arkitektur och illusionistiska lösningar. På den här tavlan verkar imaginära linjer som dras längs trottoarplattorna och viker mot bakgrunden, mötas på insidan av eldstaden, uppe till höger. Detta enpunktsperspektiv skapar en övertygande följd av rum.

”Utsikt från en korridor” (1662)
olja på duk, 260 x 140 cm
National Trust, Dyrham Park

Han målade genrescener i liknande stil som kända kollegor Pieter de Hooch (1629-1684) och Gabriel Metsu (1629-67), han slutförde många porträtt, men kommer han mest minns som en specialist i perspektivet!

En gåtfull målning hänger i Louvren i Paris. Hoogstraten fokuserade all sin uppmärksamhet på den rumsliga konstruktionen. Illusionen av perspektiv förbättras subtilt av de sneda linjerna på de olika kakelgolven. Målningen blir ett slags trompe l’oeil men motivets uppenbara enkelhet döljer en moraliserande avsikt. Verket är också känd under titeln ”Tofflor”. Slippern som ligger i full vy i målningens centrum, har just kastats hastigt i korridoren. Dessa små skor, avsedda att bäras inuti huset, blir ett tecken på en fördärvad existens nu när de har kastats. Husets ägarinna har övergett sin lugna verksamhet, hon har avbrutit sin läsning (boken är betydligt stängd) för ett amoröst möte. Målningen i bakgrunden är ett verk av Gerard Ter Borch (1617-81) som fördömer olaglig kärlek.

”Tofflor” (ca.1670)
olja på duk, 103 x 70 cm
Louvre Museum

Vissa konsthistoriker (Eddy de Jongh) pekar på bildens erotiska konnotationer. Kvinnors övergivna träskor är inte slumpmässiga föremål. De är som en inbjudan till större intimitet. Och konstnären öppnar denna dörr för att vi ska kunna kika!

Perspektiv-lådor. Peepshow

Van Hoogstraten skapade ett antal perspective box-målningar, varav endast ett fåtal finns kvar idag. Ett bra exempel är den från National Gallery i London. Perspektiv låda är en rektangulär trälåda med inredning i ett holländskt hus målat på tre sidor. Ursprungligen skulle ljus ha kommit in i lådan från sidan, kanske genom ett specialbehandlat papper. Lådan skulle ha placerats nära ett fönster eller ljus. Två kikhål visas på lådans två kortare sidor, och om man tittar igenom får man intrycket av en 3D-vy av husets interiör. Detta exempel är en av de finaste. Stativet är modernt.

Perspektiv låda” (1660)

”Perspektiv-låda med utsikt över interiören av ett holländskt hus” ( 1655-60)
National Gallery, London
Interiör.
Optiska ”camera obscura”.
Perspektivlek- en fantastisk exempel på Samuels van Hoogstraten kunskap
!

Den lyriska målningen med två kvinnor

Denna målning visar en mamma och hennes hembiträde som kärleksfullt tittar på ett spädbarn vilande i en korgvagga. Ingenting är störande på den intima scen som perfekt visar det fina penselverket och chiaroscuro-effekterna präglat av Rembrandt.

”Två kvinnor vid en vagga” (1670)
Olja på duk, 66 x 55 cm
Museum of Fine Arts, Springfield

En skapande fantasi, ett perfekt perspektiv, förmågan att leka illusioner i sina målningar – allt detta är viktiga inslag i van Hoogstratens konst. Det var ett sant nöje för mig att kunna skriva och bevisa hur häftigt denna holländska konstnär var! v

Källor:

https://www.theleidencollection.com/artists/samuel-van-hoogstraten/

https://www.wga.hu/index1.html

https://www.louvre.fr/en/oeuvre-notices/view-interior-or-slippers-traditional-title-given-19th-century

https://www.nationalgallery.org.uk/paintings/samuel-van-hoogstraten-a-peepshow-with-views-of-the-interior-of-a-dutch-house

En gång
Månadsvis
Årligen

Gör en donation en gång

Gör en donation en gång i månaden

Gör en donation en gång om året

Välj ett belopp

30,00 Skr
90,00 Skr
600,00 Skr
30,00 Skr
90,00 Skr
600,00 Skr
30,00 Skr
90,00 Skr
600,00 Skr

Eller ange ett anpassat belopp

Skr

Ditt bidrag uppskattas.

Ditt bidrag uppskattas.

Ditt bidrag uppskattas.

DoneraDonera en gång i månadenDonera en gång per år

Spel som är baserad på konst

Spel som är baserade på konst eller inspirerade av konstnärliga verk erbjuder en unik upplevelse där spelaren kan interagera med konstnärliga världar och teman. Här är några exempel på spel som tydligt använder konst som inspiration, både i stil och innehåll:


1. The Museum of Other Realities

Detta är ett VR-spel som fungerar som ett virtuellt museum. Spelaren utforskar interaktiva och surrealistiska konstutställningar skapade av moderna digitala konstnärer. Det är en perfekt plattform för att uppleva hur konst och spel kan smälta samman i en virtuell miljö.


2. Okami

Detta japanska actionäventyrsspel har en visuell stil som är starkt inspirerad av traditionell japansk konst, särskilt ukiyo-e-träsnitt. Spelaren kontrollerar Amaterasu, en varggudinna, och använder en ”målpensel” för att rita lösningar och bekämpa fiender, vilket gör spelet till en hyllning till konst och kreativitet.


3. Child of Light

Detta spel kombinerar en poetisk berättelse med en grafisk stil som påminner om målningar. Det är som att spela sig igenom en akvarellmålning med inspiration från sagor och konst. Ljus och skugga används skickligt för att skapa atmosfäriska miljöer.


4. Gris

Gris är en visuell och emotionell pärla där spelaren följer huvudkaraktären genom en resa av sorg och återhämtning. Spelets grafik är minimalistisk och inspirerad av akvarellmålningar, med subtila färgövergångar och detaljer som framhäver varje steg i berättelsen.


5. The Unfinished Swan

Detta innovativa spel låter spelaren utforska en värld som börjar helt vit, och genom att kasta färg upptäcker man detaljer och miljöer. Det är som att måla fram en berättelse, vilket gör det till en konstnärlig och meditativ upplevelse.


6. Art Sqool

I detta humoristiska och kreativa spel spelar du som en konststudent som utför olika konstuppgifter på en surrealistisk campus. Spelet har en tecknad stil och handlar om att utforska konstvärlden med lekfullhet och nyfikenhet.


7. Layers of Fear

Detta skräckspel handlar om en galen konstnär som försöker skapa sitt mästerverk. Spelaren utforskar en labyrint av skrämmande och surrealistiska miljöer, där konst spelar en central roll i berättelsen och atmosfären.


8. The Artful Escape

Ett visuellt spektakel där spelaren följer en musiker som reser genom konstnärliga och musikaliska världar. Spelets grafik är psykedelisk och fylld med inspiration från olika konststilar, och det är lika mycket en konstresa som ett spel.


9. Monument Valley

Monument Valley är ett pusselspel som är starkt inspirerat av surrealistiska konstverk och optiska illusioner, likt M.C. Eschers verk. Spelaren navigerar genom vackra och geometriska landskap där perspektivet spelar en viktig roll.


10. Passpartout: The Starving Artist

I detta spel tar du på dig rollen som en kämpande konstnär som försöker sälja sina målningar för att överleva. Spelaren kan skapa sina egna konstverk och sälja dem till kritiska kunder, vilket ger en rolig inblick i konstvärlden.


Konst i spelvärlden

Spel som dessa visar att konst och spel inte är separata världar, utan kan smälta samman för att skapa unika upplevelser. Genom att använda konstnärliga tekniker, teman och estetiska uttryck ger dessa spel spelare möjlighet att utforska konst på nya och interaktiva sätt.

Att köpa spel online är ett perfekt sätt att koppla av och underhålla sig själv när man har en nyfödd i familjen. Spel kan vara en bra distraktion och ett sätt att varva ner efter en lång dag med bebisen. Det finns många olika typer av spel att välja mellan, både för den som föredrar actionspel eller strategispel.

Svenska konstnärer med dyr konst

Sverige har en rik tradition av framstående konstnärer vars verk har uppnått höga priser på den internationella marknaden. Många svenska konstnärer är kända både nationellt och globalt, och deras konst har blivit eftertraktad av samlare, museer och konstentusiaster världen över. Här är några av de mest kända svenska konstnärerna vars verk har sålts för betydande summor:


1. Anders Zorn (1860–1920)

Zorn är kanske Sveriges mest kända konstnär internationellt. Han var en mästare på porträtt och akvareller och var även en framstående etsare. Hans verk, som ofta föreställer folkliv, nakna badande kvinnor och internationella storheter, har sålts för miljoner på auktioner. Zorns målning ”Sommarnoje” är en av de dyraste svenska målningarna som någonsin sålts.


2. Carl Larsson (1853–1919)

Carl Larsson är en av Sveriges mest älskade konstnärer, känd för sina akvareller och skildringar av sitt familjeliv i Sundborn. Hans konstverk, som ofta föreställer idylliska scener från svenska hem och landsbygd, har blivit eftertraktade både i Sverige och utomlands. Hans unika stil och koppling till det svenska kulturarvet har gjort honom till en nationell ikon.


3. Bruno Liljefors (1860–1939)

Bruno Liljefors är en av de mest framstående djur- och naturmålarna i konsthistorien. Hans realistiska och stämningsfulla målningar av djur i deras naturliga miljö, som rävar, fåglar och rådjur, har nått höga priser på auktioner. Hans skarpa öga för naturen och dynamiska kompositioner gjorde honom till en pionjär inom genren.


4. Hilma af Klint (1862–1944)

Hilma af Klint var en pionjär inom abstrakt konst, långt före konstnärer som Kandinsky och Mondrian. Hennes verk, fyllda av symbolism och spirituella teman, har på senare år fått global uppmärksamhet och betraktas som banbrytande inom modern konst. Hennes målningar har sålts för höga summor, och hennes utställningar har lockat hundratusentals besökare världen över.


5. Ernst Josephson (1851–1906)

Josephson var en ledande figur inom svensk konst och känd för sina porträtt och symboliska målningar. Hans senare verk, som ofta var influerade av hans psykiska ohälsa, har blivit högt värderade för sin intensitet och unika stil.


6. August Strindberg (1849–1912)

Även om Strindberg främst är känd som författare och dramatiker, var han också en skicklig målare. Hans expressionistiska landskapsmålningar, som ofta skildrar dramatiska himlar och hav, har sålts för höga priser på auktioner. Strindbergs konst speglar hans starka känslor och naturens krafter.


7. Karin Mamma Andersson (1962–)

Mamma Andersson är en av de mest framgångsrika nutida svenska konstnärerna. Hennes verk, som blandar realism och surrealism med en drömlik kvalitet, har blivit eftertraktade av internationella samlare. Hon har ställt ut på prestigefyllda gallerier och hennes målningar säljs för miljonbelopp.


8. Nathalie Djurberg (1978–)

Tillsammans med musikern Hans Berg har Nathalie Djurberg gjort sig ett namn inom samtidskonst genom sina surrealistiska och ofta provocerande animationer och skulpturer. Hennes verk har ställts ut på stora biennaler och gallerier, och hennes konst har blivit eftertraktad på den globala konstmarknaden.

Att betala för dessa dyra produkter med vinster från bitcoin mining ger en modern och digital twist till din dyra konst, vilket visar hur teknik och personlig vård kan gå hand i hand i dagens samhälle. Ta reda på hur du kan betala med 

Svenska konstnärer har skapat en rik och varierad skatt av verk som sträcker sig från traditionella landskapsmålningar till banbrytande samtidskonst. Från Zorns mästerverk till Hilma af Klints abstrakta visioner och Mamma Anderssons samtida genombrott, är Sverige hem för några av världens mest fascinerande konstnärskap. Deras verk fortsätter att locka köpare och beundrare över hela världen.

BODEGONES – en väldigt levande stil i den spanska konsthistoria…

Bodega betyder på spanska en källare med vin, kött och grönsaker, ett ställe i husets hjärta, dit ljuset kommer inte så ofta…Ett ställe i vilken förvarar man varor och intar måltiden, smakar man på vinet. Det följande vill jag fokusera på en period i spansk konsthistoria när bilder av köksinteriörer blomstrade och blev mycket populära.

Hur det börjades?

På början hade stillebensverk ingenting med konst att göra. Målningar av arrangerade matvaror fanns alltid som en del av verkliga scener, som t.ex. landskap, blommor i en vas eller i fönster, men aldrig som grundmotiv!

I slutet av renässansen skapas hos några konstnärer tavlor som skiljer sig ifrån de vanliga. Det var en effekt av kontakter med flamländska artister som Pieter Breugel, Pieter Aersten eller Joachim Beuckelauer , vilka utövade stort inflytande på konsten i Italien och Spanien. Dags att presentera de mest eftertraktade artisterna:

  • Vincenzo Campi (1536-91) italiensk målare var aktiv i Cremona. Han var mest känd som den första konstnär som skapade stilleben på ett mycket realistiskt sätt. Det är fortfarande scener från vardagslivet med vackra skildringar av frukter, fiskar och olika matvaror.
” Köket” (1580-90) oil on canvas, 145 x 220 cm
Pinacoteca di Brera, Milano
Vincenzo Campi ”Pescivendoli ”
”Fisksäljare”(1579), oil on canvas,
Musee de la Roche-sur-Yonne
Kristus hemma hos Marta och Maria
(ca.1580)
Galeria Estense; Modena
”Kvinna som säljer frukter” (1580)
Pinacoteca di Brera, Milano

Det är inte möjligt att peka på datum: när utvecklades stilleben som ett självständigt motiv? Mycket förändrades med Caravaggios modiga tavlor. Han var bestämd i sin stil och brukade säga att en bra tavla kräver samma svett och jobb oavsett den framställer människor, helgon eller blommor.

Cirka 1598 målade han ”Fruktkorg” till kardinalen Francesco del Monte, vilken hade en enormt stort konstsamling med 600 tavlor. Michelangelo Merisi da Caravaggio (1571-1610) kände väl konstmarknaden och sina potentiella chanser. För första gången hände det att konstnären bara målade ett föremål. Det finns ingen narrativ berättelse eller scen på tavlan! Dessutom innehåller korgen mogna, lite för mogna frukter med torra blad och spår av insekter. Caravaggio skapade en ny genre- stilleben.

Canestra di frutta” eller ”Fiscella” blev en av första stilleben målning i den västerländska konsthistoria.
(1598-99)
Pinakoteka Ambrosiana, Milano

Alla lärde sig från Caravaggio teknik som heter ”chiaroscuro” eller ”maniera tenebrosa”, en dramatisk kontrast mellan mörkaste delar i tavlan och ljuskällan. På detta sätt byggde han tredimensionell illusion och introducerade realism i konsten. Caravaggio hade ganska många efterföljare i Spanien och stilleben-måleri blomstrade faktiskt där som egendomlig stil.

  • Juan Cotan Sanchez (1560-1627) var mycket berömd konstnär känd av stilleben måleri och pionjär inom chiaroscuro-teknik.
”Stilleben med vildfågel, grönsaker och frukt”
(1602) 68 x 88,2 cm
Prado, Madrid
”Stilleben med frukter”
(1602), oil on canvas, 68 x 84,4 cm
The Fine Arts Gallery, San Diego
Stilleben med blommor, grönsaker och en korg med körsbär” (ca.1600 )olja på duk, 89 x 109 cm,
fransk privat samling
  • Juan van der Hamen (1596-1631) han var son till flamländske hovmannen och tack vore den skapade han en bra position som Filips IV hovmålare. Han var särskilt begåvad inom blomstermåleri, presenterade ofta föremål från kungliga hovet: vackra serviser, venetianska glas, bägare, förgyllda plattor och vaser. Han komponerade allt detta på ett extremt elegant sätt.
”Stilleben med blommor, kronärtkockor och glas” (1627)
Prado
Stilleben med frukt och glas” (1626) oil on canvas, 84 x 11 cm,
Museum of Fine Arts, Houston
”Lådor och burkar av sötsaker” (1621), oil on canvas, 38 x 49 cm,
Museo de Bellas Artes de Granada

Den stora duken är inte exempel på stilleben måleri, men presenterar Juan van der Hamen som enastående skickligt inom blommiga motiv. Han utförde en av de vackraste målningarna av vårens allegori.

Offer till Flora, (1627) 216 x 140 cm
Pradomuseet, Madrid
Kanske ni undrar varför så stor format på bilden?
Tavlan gör ett överväldigande intryck på besökande på grund av sin storlek
  • Francisco Zurbaran (1598-1664) var känd av sina religiösa tavlor och porträtt. På grund av sin kärlek till teknik ”chiaroscuro” kallas man honom en spansk Caravaggio. Zurbaran utförde några vackra stillebens tavlor:
Stilleben (ca.1633), oil on canvas, 46 x 84 cm
Prado
Stilleben med frukter och en rosa”
(1633) oil on canvas, 60 x 107 cm
The Norton Simon Foundation, Pasadena

Zurbarans målningar är enkla och visar respekt till vardagliga frågor. Här finns ordning, varje objekt har sin plats och inget är viktigare än den andra. En religiös symbolik är tydlig. Tre grupper av föremål anordnade i asketisk ordning kan symbolisera den heliga treenigheten. Bildkompositionen är mycket minimalistisk, man vill stanna längre och kontemplera…

  • Diego Velazquez (1599-1660) född i Sevilla var mest framstående spansk målare. Under 1620-talet utförde han några stilleben måleri där man särskilt kan nämna: ”Den gamla kokerskan”. Två nästa bodegones är i bakgrunden religiösa scener men på första plan kan vi se kvinnor som förbereder måltid.
Kristus hemma hos Marta och Maria”
(1616-1618)
National Gallery, London
”Kökspiga med scen Kvällsmat på Emmaus”
(1618-22) oil on canvas, 55 x 118 cm
National Gallery, Dublin

Denna tavla har en intressant historia. Som en typisk bodegón hängde målningen i Nationalgalleriet tills den mörka bakgrunden konserverades under rutinunderhåll i år 1933. Då visade sig att i det övre vänstra hörnet finns ett fönster genom vilket man kan se Kristus under kvällsmat på Emmaus. Frälsare dök upp i den här staden för två av sina elever. De kände igen honom vid kvällsmat vid det gemensamma bordet.
Varför beslutade konstnären på ett så ovanligt sätt att måla en viktig religiös scen? Den viktigaste händelse är dold i bakgrunden och Velazquez fokuserar mer på en piga och detaljerna i köket än på det bibliska berättelse.

Låt oss titta lite närmare.

Jesus visade sig för sina lärjungar för att berätta sanningen om hans uppståndelse. Det verkar att Velazquez ville betona hur viktiga är Kristus ord till varje människa oavsett status och yrke. Våran kökspiga är vittne och verkar analysera allt vad hon hörde.

I Spanien på XVI-talet infördes målningen i motreformationens tjänst och bodegones hade sina religiösa ändamål. Sublima frågor presenterades i vanliga former av vardagen på mycket realistiskt sätt. Den spanska stillebenmåleri är oerhört vacker och speglas både materiella och andliga värden.

Stor samling av bodegones finns i Prado-museet och är populärt bland konstälskare från hela världen.

https://www.museodelprado.es/en/the-collection/art-works?search=bodegones

En gång
Månadsvis
Årligen

Gör en donation en gång

Gör en donation en gång i månaden

Gör en donation en gång om året

Välj ett belopp

30,00 Skr
90,00 Skr
600,00 Skr
30,00 Skr
90,00 Skr
600,00 Skr
30,00 Skr
90,00 Skr
600,00 Skr

Eller ange ett anpassat belopp

Skr

Ditt bidrag uppskattas.

Ditt bidrag uppskattas.

Ditt bidrag uppskattas.

DoneraDonera en gång i månadenDonera en gång per år

Porträttgalleri: Gustav Klimt och hans skildringar av ”Ria Munk”.

Människan och döden

Det eviga spelet som kallats liv och den sista utmaningen, döden. Jag antar att den mest oroande perioden i livet är när någon nära oss, någon vi älskar, dör. Till sist minns vi den avlidne person genom fotografier, som tyvärr, precis som våra minnen, bleknar under tiden. Dagens blogg kommer att handla om hur en familj ville komma ihåg sin avlidna dotter.

Gustav Klimt Ria Munk på sin dödsbädd” (1912)
olja på duk, 50 x 50,5 cm
privat kollektion

Döden finns i början och i slutet av detta verks historia. Porträtten avbildar Maria (Ria) Munk. Hon föddes den 6 november 1887 i en rik familj bosatt i Wien. Hennes far Alexander var en förmögen polsk industriman, mor Aranka Pulitzer kom från judisk familj. Hon var en systerdotter till Joseph Pulitzer, mannen som genom bestämmelserna i testamentet instiftade Pulitzerpriset för journalistik. Paret fick tre vackra döttrar: Lili, Maria och Lola.

Otursamt träffade Maria den tyska poeten och författaren Hans Heinz Ewers (1871-1943). Detta blev aldrig en bra matchning. Ewers rykte som en libertin var välkänt och vart han än gick, följde skandaler. Var det detta som drog Ria till honom? De förlovade sig så småningom och trots att Ria gick in i detta arrangemang med en stor hemgift, gav Ewers sig av. Som man kan föreställa sig var Ria förkrossad och den 28 december 1911 tog hon en pistol och sköt sig själv i bröstet…

I sorgen som följde gav hennes föräldrar, Alexander och Aranka Munk, den mest kända konstnären i Wien i uppdrag att måla ett porträtt av sin avlidna dotter. Gustav Klimt fick en uppdrag,


Familjen ville ha ett postumt porträtt av Ria. Arankas syster – Serena Lederer (1867-1943) var en stor beskyddare av Gustav Klimt och har rekommenderat honom som bästa porträttören i Wien. Det var ovanlig beställning för Klimt att framställa en död kvinna, och alla förväntade sig ett spektakulärt porträtt. 

Gustav Klimt

Klimt skildrar tragisk döda Ria Munk

Konstnären avbildade Ria mot en mörkblå bakgrund. Röda nejlikorna ramar in hennes vackra ansikte. Det finns inget som tyder på att Ria har dött en våldsam död. Den här målningen handlar om Rias skönhet. Hennes rosa kinder och öppna mun får oss att tro att hon bara sover. Troligtvis är att Klimt inspirerades av John Everetts Millais Ofelia” (1852). Det var ett härligt porträtt som utstrålar en aura av fred och lugn men det var också något med det som fick hennes föräldrar att avvisa det!

”Ria Munk I”

Aranka beställde ett nytt porträtt som skulle väcka minnen av dotterns livfullhet. Klimt började måla…

”Dansaren (Ria Munk II)” (1916)
olja på duk, 180 x 90 cm
privat kollektion, New York

Det finns några obesvarade frågor om den andra versionen. Det enda faktum vi vet var det konstnären gav Aranka, hon avvisade det. Varför? Om vi ​​tittar noggrant på målningen är det inte svårt att se varför en mor skulle bli förskräckt och nobba ett halvnaket porträtt av sin avlidna dotter. Kunde Klimt verkligen tro att en lidande mamma välkomnar en sådan halvnaken skildring?

Porträtten utstrålar en uppenbar sensualitet. Klimt är i sin bästa form och inspirerad tydligt av japonismen. De långsträckta ögonbrynen ger Ria Munk ett orientaliskt utseende. Klänningen visar upp kvinnans bröst. Spetskantade svarta pantalonger med vitstrumpor och högklackade skor var modiga även på Klimts tid. ”Dansaren (Ria Munk II)” blev kvar i artistens studio och han sålde det aldrig.

Ria Munk III” (1917-18)
olja på duk, 1
80,5 x 90 cm
The Levis Collection

Det tredje målning är en färgstark skildring. Porträttet är den sista målning som Munk-familjen lät Klimt skapa, men han slutförde inte sin uppgift på grund av sin plötsliga död…

Målningen presenterar en klassisk, österrikisk kvinna med ett rundat ansikte och rosiga kinder. Eftersom målningen är oavslutad är det svårt att urskilja kvinnans kroppsform. Ljusa blommor omger Rias stående silhuett. Färger, mönster och teknik visar konstnärens enorma kunskap genom olika stilar. Maria- Ria verkar vara helt lugn. Hon ger oss ett drömmande leende och inger självförtroende.

Vi närmar oss slutet av berättelsen om Gustav Klimt och hans uppdrag för familjen Munk. Konstnärens process avslutades. Komplikationer efter stroke visade sig allvarliga och han dog den 6 februari 1918.

Aranka Pulitzer hade skilt sig från sin man 1913 och det var hon som behöll detta tredje porträtt av Ria. Det hängdes i hennes villa vid Bad Ausseesjön tills året 1941. Denna äldre dam fick uppleva ännu mer dramatiska omständigheter. Krigets brutalitet tvingades henne att sälja en del av fastigheten till grannarna. Gestapo beslagtog senare allt som tillhörde den judiska damen. Oktober 1941 deporterades Aranka till Lódz (på tyska Litzmannstadt) i ockuperade Polen, där dödades hon den 26 november, en dag innan hennes 79-årsdag….Hennes dotter, Lola, skickades också till ett koncentrationsläger i Chelmno, där hon dog i september 1942.

KÄLLOR:

https://www.klimtgallery.org/

https://www.metmuseum.org/art/collection/search/656890

Konstpegel behöver din hjälp.
Jag har inte någon bidrag för att driva portalen. Utan dina donationer kommer jag inte att ha medel för publikationer. Därför är ditt stöd mycket viktigt. 
Om du gillar det här stället och gillar att läsa mina artiklar - stöd mig! 
Även en liten belopp har en stor betydelse.
Tack!
En gång
Månadsvis
Årligen

Gör en donation en gång

Gör en donation en gång i månaden

Gör en donation en gång om året

Välj ett belopp

30,00 Skr
90,00 Skr
600,00 Skr
30,00 Skr
90,00 Skr
600,00 Skr
30,00 Skr
90,00 Skr
600,00 Skr

Eller ange ett anpassat belopp

Skr

Ditt bidrag uppskattas.

Ditt bidrag uppskattas.

Ditt bidrag uppskattas.

DoneraDonera en gång i månadenDonera en gång per år

Gustav Klimt