Porträttgalleri: ”Noshörningen Clara”(1751)

Idag kommer jag att presentera ett ovanlig porträtt. Huvudpersonen, snarare sagt, huvuddjuren är indisk noshörning (Rhinoceros unicornis) som heter Clara. Vi har ganska mycket informationer om henne. Clara var sin tids stjärna. Hon föddes i Indien 1738 och var bara en månad gammal när hennes mamma dödades av jägare. Den unga noshörningen omhändertogs sedan av en hög tjänsteman från den holländska Östindiska Kampanjen och blev hon en husattraktion. Efter en kort tid sålde han Clara till sin kollega från företaget kapten Douwe Mout van der Meer (1705-75). Noshörningen fick en ny ägare och en riktigt agent.
Pietro Longhi ”Porträtt av noshörningen Clara” (1751)
olja på duk, 62 x 50 cm
Museo del Settecento Veneziano, Ca’ Rezzonico

Clara på resande fot (upps fötter)

I 17 år, fram till djurets död 1758, visade sjökapten henne i europeiska städer. Clara besökte många platser, hon var i Breslau, Krakow, Warszawa, London och Paris. År 1751 blev hon höjdpunkten på Carnevale di Venezia och porträtterades där på begäran av den lokala aristokraten Giovanni Grimani.

Vi vet inte mer om sådana ”underhålningsresor”, man hoppas bara att kapten tyckte om Clara och tog hand om henne. Han tjänade mycket pengar på faktum att noshörningen fascinerade det europeiska folket.

Vem avbildade familjen Grimaldi och Clara?

Den italienske målaren hette Pietro Longhi (1701-85). Han skildrade scener från vardagen: från besök hos frisör, apotekare till familjelivscener, konserter, evenemang och liknande. Longhi erbjöd alltid en glimt av vad som pågår ”bakom de stängda dörrarna”, bokstavligen och bildligt talat.

Clara poserar till Pietro Longhi

Tillbaka till porträttet.

Kompositionen är mycket intressant; trä staketet delar visuellt duken i två delar; förgrunden där Clara slarvigt äter hö, och bakgrunden där observatörernas finns. Några av nyfikna venetianerna bär masker, det var trots allt karnevalens tid!

Mannen längst till vänster, den arrogant skrattande person utan mask, är kapten van der Meer, han håller i handen Claras horn som hon antingen hade gnuggat av, eller så skars det av, men hur som helst ett nytt horn växte fram senare. I slutändan kan det finnas ett dolt skämt i målningen, eftersom djurets skadat horn kan vara en metafor som ofta används för äktenskapsbrott. Vissa konsthistoriker tror att han vill sälja Claras värdefulla utväxt från nosen. Pulvret från hornet ansågs vara ett beprövat afrodisiakum som återställer manliga krafter. Har det varit allusion till Grimaldis förhållande?

Giovanni Grimaldi hade ett privat menageri med många exotiska djur i sin villa på fastlandet

Men hallå, ni kollar inte alls på mig!

Åtta åskådare har kommit för att se föreställningen, noshörningen lugnt äter sitt foder. Ingen av betraktare observerar dock det monstruösa djuret. Varken eleganta damen med den trehörniga hatten eller mannen med lerpipan som mediterar fördjupad i sina tankar. Kvinnan i den gröna tittar åt andra sidan och hennes granne tittar orörlig genom en mask. Inte ens lilla tjejen visar intresse. Alla är stela i sin skenbara livlighet, overkliga bakom masken. Inför detta sällskapet står tyst Clara: tung, apatisk och majestätisk.

Ovanpå hänger affischen ”Vero Ritratto di un Rinocerotto” (trompe l`oeil) som bekräftar att detta är sanna porträttet av noshörningen. Men den venetianska society har blivit så konstigt, att det går inte att överraska dem med sådana typ av underhållning. Allt som är dold bakom masken väcker starkare känslor än ”vanlig” fast exotisk djur.

”Porträtt av noshörningen” är Pietro Longhis mästerverk

Det är utan tvekan en av främsta Longhis verk, som lyckades dokumentera venetianska familjescenen genom att placera Clara i den fascinerande atmosfären av karnevalen. I centrum av kompositionen finner vi Giovanni Grimaldi själv (som då var 23 år) bredvid sin vackra brud, Caterina Contarini, som skulle dö kort efter att ha fött deras enda dotter.

Longhis målning är ganska liten. Å andra sidan den franske målaren Jean-Baptiste Oudry hade målat Clara i full storlek.

Jean- Baptiste Oudry (1686-1755) ”Porträtt av Klara i Paris” (1749)
olja på duk, 310 x 456 cm
Staatliches Museum Schwerin

Visste Clara att hon var så känd?
Verket uppskattades mycket,
för att snart målade Longhi liknande tavlan på uppdrag av en annan venetiansk aristokrat- Girolamo Mocenigo.
Fyra maskerade ansikten vid räcket gör ett fantastiskt intryck. Mer karneval!

Clara träffar aristokrater, eller aristokrater träffar henne

År 1751 fortsätter Clara och kapten van der Meer deras resa. De passerade genom Verona på vägen till Wien. Nästa målet var London i slutet av året, där hon sågs av den brittiska kungafamiljen. Gent, Prag, Breslau (en andra gång) och Köpenhamn mellan 1753-55. Clara skapar publik, filosofer skriver om henne. Hon återvände till London 1758, där hon ställdes ut på Horse and Groom i Lambeth. Det var här hon dog den 14 april, ungefär 20 år gammal.

Heder och erkännande

1991 höll Natuurhistorisch Museum i Rotterdam en utställning om Clara. År 2008 skapades Clara Memorial på samma museum för att markera 250-årsdagen av noshörningens död.

Longhi lyckades dokumentera Claras besök i Venedig. Hennes porträtt berättar mer för oss om det venetianska samhället, om deras dekadenta stunder. En nypa salt på lyxiga tårtan!

En gång
Månadsvis
Årligen

Gör en donation en gång

Gör en donation en gång i månaden

Gör en donation en gång om året

Välj ett belopp

30,00 Skr
90,00 Skr
600,00 Skr
30,00 Skr
90,00 Skr
600,00 Skr
30,00 Skr
90,00 Skr
600,00 Skr

Eller ange ett anpassat belopp

Skr

Ditt bidrag uppskattas.

Ditt bidrag uppskattas.

Ditt bidrag uppskattas.

DoneraDonera en gång i månadenDonera en gång per år

Konstnärer från Uppsala

Uppsala är en stad med en rik konst- och kulturhistoria som har fostrat många konstnärer genom åren. Här är några av de mest framstående konstnärerna med koppling till Uppsala, samt några nutida talanger som bidrar till stadens kreativa scen:


Bror Hjorth (1894–1968)

En av Uppsalas mest kända konstnärer är Bror Hjorth, en av Sveriges främsta modernister. Han arbetade med både måleri och skulptur och är kanske mest känd för sina färgstarka och folkloristiska verk. Hans tidigare hem och ateljé är idag Bror Hjorths Hus, ett museum i Uppsala som visar upp hans verk och liv. Hans offentliga konstverk, som ”Resenären” vid Uppsala Centralstation, är en välkänd symbol för staden.


Olle Norås (1933–2019)

Olle Norås, en konstnär och grafiker med stark koppling till Uppsala, var känd för sina detaljrika och surrealistiska verk. Hans konst bär ofta en drömlik kvalitet och har inspirerat många inom både bildkonst och grafik. Han var också en viktig pedagog för kommande generationer konstnärer.


Göran Brunius (1903–1977)

En annan framstående konstnär från Uppsala är Göran Brunius, som var både målare och konsthantverkare. Han skapade många monumentala verk och hade en stor inverkan på den lokala konstscenen under 1900-talet.


Nutida konstnärer från Uppsala

Staden fortsätter att vara en grogrund för konstnärliga talanger. Här är några exempel på moderna konstnärer som är verksamma i eller har koppling till Uppsala:

  • Eva Zettervall är en samtida konstnär från Uppsala som är känd för sina expressiva målningar, ofta med motiv som utforskar människans inre liv och känslor.
  • Johanna Karlsson är en modern konstnär och illustratör som kombinerar traditionella tekniker med digitalt skapande och har uppmärksammats för sina detaljrika och berättande verk.
  • Petra Lindholm, med koppling till Uppsala, är en multimedia-konstnär som arbetar med både video och ljud. Hennes verk har visats på flera internationella utställningar och speglar ofta naturens skönhet och tidens gång.

Offentliga konstverk i Uppsala

Många konstnärer från Uppsala har också bidragit till stadens offentliga rum. Förutom Bror Hjorths ”Resenären” finns det flera andra konstverk att upptäcka runtom i staden, såsom skulpturer, muralmålningar och installationer som skapats av både etablerade och lokala konstnärer. Finns även många campingplatser i Uppsala samt även husvagnar och husbilar.


Konstscenen i Uppsala idag

Uppsala har en levande konstscen med flera gallerier och konstnärskollektiv. Institutioner som Uppsala Konstmuseum och Bror Hjorths Hus spelar en central roll i att främja och bevara konst från både äldre och nutida konstnärer. Staden är också hem till många kreativa ateljéer och konstnärsdrivna initiativ som ger nya generationer möjlighet att uttrycka sig.


Uppsala fortsätter att vara en dynamisk plats för konst och kultur, och konstnärer med koppling till staden lämnar sina spår både lokalt och internationellt.

Varför bli konst värdefullare efter konstnärens död?

Att konst ofta blir värdefullare efter konstnärens död är ett välkänt fenomen på konstmarknaden. Det beror på flera psykologiska, ekonomiska och marknadsmässiga faktorer. Här är en utförlig förklaring:


1. Begränsad tillgång

När en konstnär lever kan hen fortfarande producera nya verk. Efter döden blir antalet konstverk slutgiltigt.

  • Färre tillgängliga verk → högre efterfrågan → högre pris.
  • Detta gäller särskilt för konstnärer med stark efterfrågan medan de levde.

Ekonomiskt kallas detta för knapphetseffekt.


2. Ökad historisk och kulturell betydelse

Efter döden börjar ofta konstnären betraktas mer som en del av konsthistorien.

  • Konstverket får status som “klassiker” eller historiskt dokument.
  • Historiskt värde kan locka samlare och institutioner, vilket driver upp priserna.
  • Konstnärens liv och karriär blir mer dokumenterad och intressant.

3. Spekulativ efterfrågan

  • Många investerare köper verk med vetskap om att tillgången är begränsad efter döden.
  • Detta ökar efterfrågan och kan höja priser på både små och stora verk.
  • Auktioner tenderar att dra nytta av detta psykologiska tryck.

4. Märkbar förändring i samlarkretsen

  • Levande konstnärer kan sälja direkt via gallerier, ofta till ett begränsat pris.
  • När konstnären dör ökar konkurrensen mellan samlare och institutioner, eftersom ingen ny konst kan skapas.
  • Auktioner blir ofta mer intensiva och priserna kan stiga kraftigt.

5. Psykologiska effekter

  • Död ger en känsla av exklusivitet och prestige.
  • Att äga ett verk från en avliden, känd konstnär ger status.
  • Samlare är ofta villiga att betala mer för det “sista verket” eller sällsynta verk.

6. Exempel på effekten

Historiskt har vi sett detta fenomen:

  • Vincent van Goghs verk var nästan okända under hans liv, men idag säljs de för hundratals miljoner kronor.
  • Pablo Picassos verk ökade i värde dramatiskt efter hans död 1973.
  • Moderna och samtida konstnärer kan också uppleva prisökningar efter sin bortgång, särskilt om de redan hade ett starkt rykte.

7. Undantag

  • Inte alla konstnärer blir mer värdefulla efter döden.
  • Konstnärer som inte har byggt ett starkt rykte eller som inte har samlarintresse kan se sina verk förbli lågt värderade.
  • Efterfrågan måste finnas – det räcker inte att konstnären är död.

Sammanfattning

Konst blir ofta mer värdefull efter konstnärens död på grund av:

  1. Begränsad tillgång – inga fler verk kan skapas.
  2. Historiskt och kulturellt värde – konstnären betraktas som del av konsthistorien.
  3. Spekulativ efterfrågan – samlare och investerare vill säkra sällsynta verk.
  4. Prestige och psykologiska faktorer – ägande blir exklusivt.

Kort sagt: död + knapphet + efterfrågan = högre pris på konst.

Saker att tänka på innan du lånar för att köpa konst

  1. Värdering av konstverket: Se till att konstverket har ett autentiskt värde och att det är verifierat av en auktoriserad värderingsman.
  2. Ränta och villkor: Lån utan säkerhet har oftast högre ränta än lån med säkerhet, så jämför olika alternativ noggrant.
  3. Konstens likviditet: Kom ihåg att konst inte alltid är en likvid tillgång, vilket innebär att det kan vara svårt att sälja snabbt vid behov.
  4. Skatter och avgifter: Vid konstinköp kan skatt och försäkring vara viktiga faktorer att ta hänsyn till.

Genom att kontakta din bank och fråga om deras erbjudanden kan du få en bättre förståelse för vilka alternativ som passar din situation. Om du handlar konst för investering eller samlande är det ofta en bra idé att konsultera en ekonomisk rådgivare eller konstexpert innan du lånar pengar.

BOTANIKEN OCH KONSTEN.

Man brukar säga att renässansen ”upptäckte den naturliga världen” som glömdes bort under den hårda medeltiden. Idag vet vi att detta inte är sant, men faktum är att renässanskonstnärer studerade växter och blommor med särskild nyfikenhet. Leonardo da Vinci var pionjär, en av första målare vars intresse kan säkert kallas vetenskapligt!

Leonardo da Vinci ”Studie av liljor” (ca.1480-85)
Bläck och svart krita på papper
The Royal Collection, Librarian (Windsor)
Flower study” (ca.1504)
Penna och bläck på lätt brunaktigt papper,
Galeria dell`Accademia
, Venedig


Primavera! Finns något av vackraste verk?

Visste ni att Sandro Botticelli (1445-1510) var tvungen att studera dussintals växtarter som förekom i hans ”Primavera”? Blommor prydar och dekorerar figuren av den mytologiska Flora- fruktbarhetsgudinnan. Den tavlan beställdes till Villa di Castanello, som tillhörde Lorenzo och Giovanni di Perifrancesco, kusiner till Lorenzo Medici.

Primavera(ca. 1477-82)
tempera on panel, 203 x 314 cm
Uffizi

Giorgio Vasari (1511-74) nämner i sin krönika” Berömda renässanskonstnärers liv” (1551) att tavlan representerar ”Venus, dekorerad av gracerna med blommor, som tillkännager vårens ankomst”. Och det var faktiskt Vasari som först kallade verk ”Primavera”.

Detalj
Floras klädning

Botticellis ikonisk bild anses också vara en extraordinär botanisk samling, eftersom målaren presenterade cirka 500 identifierade växter: apelsin (citrus sinensis), tusensköna (belis perennis), iris (iris), viola (viola), klinter (centaurea), kornvallmo (papaver rhoeas), hyacinter (hyacinthus).

Men det är i norra delen av Europa hände revolution. Konstnärer visade detaljer i naturbilder och uppnått perfektion. Ingen förut såg gräs som Albrecht Dürer gjorde. Enligt honom var naturen världen i sig själv, han iakttog den, förundrades över den, och avbildade….grästuvan.

Ett banal ämne eller ett genialt ämne?

Albrecht Dürer ”Den stora grästuvan” (1503)
Akvarell penna och bläck monterad på kartong, 40 x 31 cm
Albertina, Wien
Albrecht Dürer ”Den lilla grästuvan” (ca.1495-1500)
Akvarell, 42,7 x 28,8 cm
Albertina
, Wien

Båda studier är perfekta i sin realism. De är faktiskt första kända naturstudierna i den europeiska konsthistoria. Dürer blandade sina akvareller i olika gröna nyanserna och skapade en känsla av djup i hela kompositionen. Meisterstück! Han urskilde så många växter; maskrosor, groblad, tusensköna, teveronika och röllika.

Luca Ghini (1490-1556) och första botaniska trädgården i Europa.

Tillbaka till Italien!

Tack vore florentinska borgarsläkt Medici och deras mecenat pluggade Luca Ghini filosofi och medicin. Sedan blev han professor i botanik. År 1543 grundade han Orto dei semplici, den botaniska trädgården i Pisa, två år senare en liknande i Florens. Ghini katalogiserade växter, beskrev dem. På sådana sätt skapade han världens första herbarium.

Luca di Ghino

Herbarier och växtsamlingsböcker.

För mer praktiska ändamål började man på 1500-talet sammanställa systematiska kataloger över växter som var användbara inom medicin – herbaria. Senare i tiden tog det formen av vetenskapliga arbeten. Herbarier används för att studera noggrann växter, för att verifiera växters klassificering. Därför var det önskvärt att så mycket som möjligt av växten tas tillvara, liksom blommor, stjälk, blad och rötter. Växten brukar läggas så att både fram- och baksida på blad och blomblad syns. En fransk målare François Clouet (1510-72) skapade en av sina bästa verk som avbildar apotekaren med sin herbarium. Mannen heter Pierre Quthe (1519-88) och poserar majestätiskt med en öppen bok där torkade och pressade växtprover förvaras.

François Clouet ”Apotekare Pierre Quthe” (1562)
oil on wood, 91 x 70 cm
Louvre

Vacker detalj

Basilius Besler (1561-1629) och Hortus Eystettensis (1613).

”Hortus Eystettensis” är en växtsamlingsbok skrivet av apotekaren, botanikern och samlaren från Nürnberg , Basilius Bessler. Verket visar växtarter från hela världen, inklusive 349 arter som förekom i Tyskland, 209 av sydösteuropeiskt ursprung, 63 asiatiska, 9 afrikanska och 23 amerikanska arter. Han arbetade för fursbiskop Johannes Konrad von Gemmingen, som investerade nästan 20 000 gulden att anlägga Eichstätt-trädgård. Detta magnifika bok är ständigt aktuellt och eftertraktat som mest omfattande växtboken genom tiderna.

”Hortus Eystettensis” (1613)
Plate 79: Late white tulip, Golden garlic, Mountain garlic
Solros
Papaver laciniatum” (1613)- Vallmoväxt

Leonhart Fuchs (1501-1566) samlar växter och beskriver deras medicinska egenskaper.

Fuchs var inte bara botaniker, han var också doktor i medicin och en av första tyska humanister. Hans egna botaniska anteckningar kännetecknas av att han försökte identifiera vilka plantor som de antika författarna skrivit om. Och så skapade Fuchs De historia stirpium commentarii (1542), ett verk som beskriver 400 vilda och 100 odlade växter och deras medicinska egenskaper i alfabetisk ordning. Icke desto mindre anlände han en av Tysklands äldsta botaniska trädgårdar vid universitetet i Tübingen.

Heinrich Füllmaurer Porträtt av Leonhart Fuchs” (1541)
oil on fir wood,
Landesmuseum, Württemberg
Vackra illustrationer utförde Heinrich Füllmaurer, detsamma som skildrade Leonhart på porträtten.
Boken är fortfarande ett riktigt kompendium inom botanikens område!

Kåra vänner, det var bara exempel på botaniska upplevelse i konsten! Det börjades under Renässansen och fortsatt, fortsatt hela tiden. Summariskt: människor var alltid nyfikna och undrande över naturens hemligheter. Är det konstigt att man ville framställa skapelses skönhet?

Minns ni Maria Sibylla Merian och hennes supervackra kopparplåtar? Hon fascinerade mig, jag levde med hennes drömmar! https://konstspegel.com/2020/01/10/463/

  • Konstpegel behöver din hjälp mer än någonsin. Jag har inte någon bidrag för att driva portalen. Utan dina donationer kommer jag inte att ha medel för publikationer. Därför är ditt stöd mycket viktigt. Om du gillar det här stället och gillar att läsa mina artiklar – stöd mig! Även en liten belopp har en stor betydelse.
  • Tack!

En gång
Månadsvis
Årligen

Gör en donation en gång

Gör en donation en gång i månaden

Gör en donation en gång om året

Välj ett belopp

30,00 Skr
90,00 Skr
600,00 Skr
30,00 Skr
90,00 Skr
600,00 Skr
30,00 Skr
90,00 Skr
600,00 Skr

Eller ange ett anpassat belopp

Skr

Ditt bidrag uppskattas.

Ditt bidrag uppskattas.

Ditt bidrag uppskattas.

DoneraDonera en gång i månadenDonera en gång per år

Leonardo da vinci

Leonardo da Vinci (1452–1519) är en av historiens mest berömda och mångsidiga genier. Han var inte bara en framstående konstnär utan också en vetenskapsman, uppfinnare, ingenjör, anatom, arkitekt och filosof. Hans arbete och vision har haft en djupgående inverkan på både konstens och vetenskapens historia.


Tidiga år och utbildning

Leonardo föddes den 15 april 1452 i byn Vinci nära Florens i Italien. Han var född utom äktenskapet som son till en notarie och en bondkvinna. Trots detta fick han en god utbildning som ung. Som tonåring blev han lärling hos konstnären Andrea del Verrocchio i Florens, där han lärde sig måleri, skulptur och tekniska färdigheter. Det var här han började utveckla sitt mångsidiga intresse för både konst och vetenskap.


Mästare inom konst

Leonardo da Vinci är mest känd för sina mästerverk inom måleriet. Några av hans mest berömda verk inkluderar:

  • ”Mona Lisa” (1503–1506): En av de mest kända målningarna i världen. Mona Lisas mystiska leende och subtila detaljer har fascinerat generationer av konstälskare. Målningen finns idag på Louvren i Paris.
  • ”Nattvarden” (1495–1498): Ett storslaget väggmåleri som visar Jesu sista måltid med sina lärjungar. Den finns i klostret Santa Maria delle Grazie i Milano och är ett mästerverk inom komposition och dramatisk effekt.
  • ”Vitruvianske mannen” (cirka 1490): En teckning som kombinerar konst och vetenskap genom att visa proportionerna av den mänskliga kroppen baserade på Vitruvius teorier.

Leonardo strävade efter att fånga naturens skönhet och komplexitet i sina verk. Han experimenterade med tekniker som sfumato, som gav hans målningar mjuka övergångar mellan ljus och skugga.


Vetenskapliga och tekniska framsteg

Leonardo var inte bara konstnär, utan också en passionerad vetenskapsman och uppfinnare. Han fyllde sina anteckningsböcker med skisser och observationer om anatomi, mekanik, optik, geologi och flygning. Han dissekerade kroppar för att bättre förstå människans anatomi och gjorde noggranna studier av muskler, organ och skelett. Hans teckningar av människokroppen är än idag kända för sin detaljrikedom.

Han ritade också prototyper för maskiner som föregick sin tid, inklusive flygmaskiner, stridsvagnar och hydrauliska system. Många av hans idéer kunde inte realiseras under hans livstid på grund av tekniska begränsningar, men de visar på hans banbrytande tänkande.


Arbete i olika städer

Leonardo tillbringade sitt liv i flera italienska städer och vid olika hoven. Han arbetade för den mäktiga familjen Medici i Florens, hertigen av Milano och senare den franska kungen Frans I. Han fick uppdrag som spände från att måla och designa byggnader till att skapa militära ingenjörsverk.


De sista åren

Mot slutet av sitt liv flyttade Leonardo till Frankrike, inbjuden av kung Frans I, som var en stor beundrare av hans arbete. Han bodde på slottet Clos Lucé i Amboise och fortsatte att arbeta fram till sin död den 2 maj 1519.


Leonardos arv

Leonardo da Vinci personifierar renässansens ideal om den ”universella människan,” som strävar efter att bemästra många olika områden av kunskap. Hans kombination av konstnärlig skicklighet och vetenskaplig nyfikenhet gör honom unik i historien. Hans anteckningsböcker, fyllda med skisser och idéer, fortsätter att inspirera konstnärer, ingenjörer och forskare.

Leonardos mästerverk och innovationer är en påminnelse om att kreativitet och vetenskaplig utforskning kan samverka för att skapa något tidlöst. Han är än idag en av de mest beundrade och studerade figurerna i historien.

”Schlaraffenland” (1567)- att njuta av livet enligt Pieter Bruegel.

Pieter Breugel d.ä ”Schlaraffenland” (1567)
oil on panel, 52 x 78,3 cm,
Alte Pinakothek, Monachium

När jag startade min blogg visste jag en sak: konsten inte låter sig beskrivas och ibland man måste läsa mellan raderna. Det finaste är att leta efter än att hitta. Vad serveras idag? Meny är en gott bondomelett och en flaska vin Rooiseheide Riesling. Kan vi säga årgång 1567? Jag hör skeptiska röster. Låt mig fantisera, för att huvudmeny tavlan handlar om ett riktigt sagoland.

”Schlaraffenland” skapade Pieter Bruegel den äldre (1525/30-1569) två år inför sin död. Han skildrade tre sovande figurer som föreställde tre olika sociala grupper. Liksom ett ståndssamhälle, men vänta lite…det fattas prästen. På något oförklarligt sätt glömde eller missade Bruegel att avbilda någon kyrkoherde.

Då har vi här: en legosoldat (landsknekt) med en spade, skribenten med en bok, och bonde med en slaga, alla tycks ligga lat och i fullständigt tillfredsställt läge. Deras kroppar bildar ett osynligt hjul – är det ”lyckohjulet”? Bruegel använder ofta medeltidens konst sinnebild och tecken.

Ser ni i bakgrunden sjömjölk och lilla båten?

Huvudpersoner är alldeles stilla, fullproppade med mat. Dem kan knappt röra på sig. Överflöd av mat, vin och alla goda grejer. Schlaraffenland är ett fantasi land, där ingen kan vara hungrig eller törstig. På tyska innebär orden ”Schlaraffe” en slöfock, dåre- kort sagt en lathund! Samtidigt känns att Bruegel kritiserar inte sådana lata människor. Han skapade sin egen definition av den där platsen, ett ställe där all folk kunde föreställa sig den absoluta friheten från sina egna rädslor och livets svårigheter.

En nykomling har precis ätit sig igenom deg-berg.

Personligen älskar jag Bruegels sätt att tänka, att skapa en miniatyrvärld tack vore oändliga detaljrikedom. Målningen är grotesk intill parodins gränser. Den vida panorama och en hög utsiktspunkt bekräftar att konstnären parodierade verkligheten. Ämnesvalet och dess hantering pekar på en ganska nedslående bild av mänskligheten.

Han visste.

Han kände till folks beteende och vanor. Han ansåg att människans njutningslystnad är meningslös och ynklig.

Detalj

För att komma till mjölkens och honungens land måste en kandidat först äta sig igenom ett berg av mask. Om det görs kommer han att befinna sig på en plats där nästan allt är ätbart. Lyckligare kan äta och vila. Göra ingenting mer. Här är lathet en dygd. Detta motiv var oerhört populärt på 1500-talet, tillsammans med berättelser om paradiset och dårhistorier. Inspirationer hittade Bruegel i satiriska dikten ”Narrskeppet” (1494) av humanistisk författare Sebastian Brandt. Skalden beskriver ett skepp full av gycklare som är på väg till overkliga landet Narragonia.

Albrecht Dürer (?) utförde träsnitt ”Dumheter” till detta litterära verk

Bakom den sagolika fantasilandet, där det finns näring i överflöd, ligger upplevelsen av ständigt återkommande hunger och svält.

Den senmedeltida världen kämpade mot brutala verkligheten. Folk hotades ständig av krig och hunger. Om vi tittar på politisk situation i Nederländerna kan vi förstå bättre sinnesstämningen i Bruegels verk. Hans land var under spanskt styre och när makten gick till Filip II av Spanien, blev inkvisitionen ännu strängare än förut. Det största upprorsförsöket gjordes 1567 under ledning av Vilhelm av Oranien. Tyckte Bruegel kanske att det innebär slut på konflikter och oroligheter? Målningen gjordes precis i år 1567. Vi borde se hans verk som ett ljus för Nederländerna och deras samhälle!

Märkligt är att Bruegel värderade mycket Hieronymus Bosch måleri, uppskattade hans levnadsvisdom kryddad med en stor dos av grotesk och absurd.

Ägget är ”lånat” från Hieronymus Bosch!

En skapande fantasi och en underliggande realism gör att Bruegels tavlor tillhör de bästa visuella skämten i europeisk konst. En spegelbild för oss, en chans att se hur levde våra förfäder 400 år sedan!

Konstpegel behöver din hjälp mer än någonsin. 
Jag har inte någon bidrag för att driva portalen. Utan dina donationer kommer jag inte att ha medel för publikationer. Därför är ditt stöd mycket viktigt. 
Om du gillar det här stället och gillar att läsa mina artiklar - stöd mig! 
Även en liten belopp har en stor betydelse.
Tack!
En gång
Månadsvis
Årligen

Gör en donation en gång

Gör en donation en gång i månaden

Gör en donation en gång om året

Välj ett belopp

30,00 Skr
90,00 Skr
600,00 Skr
30,00 Skr
90,00 Skr
600,00 Skr
30,00 Skr
90,00 Skr
600,00 Skr

Eller ange ett anpassat belopp

Skr

Ditt bidrag uppskattas.

Ditt bidrag uppskattas.

Ditt bidrag uppskattas.

DoneraDonera en gång i månadenDonera en gång per år

Vill du gå online kurser?

Att gå onlinekurser har blivit en populär och tillgänglig väg för många att utveckla sina färdigheter och bredda sina kunskaper. Med teknikens framsteg har utbildning flyttat utanför klassrummens väggar och gjort det möjligt för människor att studera när och var de vill. Oavsett om du är intresserad av att lära dig ett nytt språk, fördjupa dig i programmering eller utforska kreativt skrivande, finns det kurser som kan anpassas efter dina behov och intressen.

En av de största fördelarna med onlinekurser är flexibiliteten. Du kan studera i din egen takt, vilket är perfekt för den som har ett hektiskt schema eller vill kombinera studier med arbete och andra åtaganden. Det stora utbudet av plattformar och ämnen innebär också att det finns något för alla, från grundläggande introduktionskurser till avancerade och specialiserade program. Många av dessa kurser erbjuder också interaktiva moment, såsom diskussionsforum och möjligheter att ställa frågor till lärare, vilket ger en känsla av gemenskap och stöd trots det digitala formatet.

En annan fördel är tillgängligheten till världsledande experter och utbildningar som kanske inte hade varit möjliga att nå geografiskt. Genom att delta i kurser från internationella universitet eller organisationer kan du få insikter och kunskap som är globala i sin natur. Dessutom kan onlinekurser vara mer kostnadseffektiva jämfört med traditionella utbildningar, och många plattformar erbjuder gratis eller prisvärda alternativ.

Köpa vegansk make up och hudvård online

För att få ut det mesta av en onlinekurs är det viktigt att vara motiverad och disciplinerad. Eftersom du oftast studerar på egen hand är det bra att skapa en plan och avsätta tid för studierna. Att ha tydliga mål och förstå varför du vill ta en kurs kan också hjälpa dig att hålla fokus och engagemang. Vilka onlinekurser finns det i Sverige?

Onlinekurser öppnar upp möjligheten att växa, både professionellt och personligt, på ett sätt som är anpassat till den moderna livsstilen. Oavsett om du vill stärka ditt CV, utforska nya intressen eller helt byta karriär kan de vara en kraftfull resurs för lärande och utveckling.

Wally Neuzil (1894-1917) och Egon Schiele (1890-1918)- om konstnären och hans musa.

Den vackra tjejen heter Wally.

År 1911 mötte Egon Schiele en 17-årig tjej som poserade för Gustav Klimt. Flickan blev hans musa, Schiele skildrade henne väldigt ofta. Wallys hypnotiska ögon och karakteristiska hår är allmänt kända idag, men kvinnas liv förblir i stor utsträckning ett mysterium. Vem var Wally Neuzil?

Wally hette faktiskt Wallburga Neužil. Hon föddes i augusti 1894 i en fattig familj i österrikiska Tattendorff. Hon kom till världen som utomäktenskaplig barn, hennes föräldrar gifte sig senare, och de fick ytterligare tre döttrar. Farsan dog i 1905. Ett år senare flyttade familjen Neuzil till Wien.

Situationen var säkert komplicerat och Wally började jobba som modell. Hennes söta ansikte och vacker kropp fångade Egon Schiele. Hon var naturligt, hon poserade bra, vilket snart förde dem närmare varandra. Strax efter flyttade paret ihop.

Porträtt av Wally Neuzil” (1912)
oil on panel, 32 x 39,8 cm
Leopold Museum

Det var perioden då tavlor av

Egonschiele

blev populära och igenkännliga verk. Skildringen av Wally är oerhört vacker. Rödbruna hår omger ett intressant ansikte och en vit krage inramar hennes smal hals. Wallys porträtt fick namnet ”wienerska Mona Lisa” tack vore intensiva blicken och dolda känslor.

Egon och Wally letade efter platsen att leva och ägna sin tid åt kärlek och måleri. Samtidigt ville artisten fly från den klaustrofobiska wienermiljön, så reste paret till Krumau (Český Krumlov) en idylliskt stad, hans morsan födelseort. Tyvärr parets livsstil upprörde invånarna och de kastade dem ut ur staden.

Det konstnärliga tandem flyttade till Neugelbach och dåliga rykte tillsammans med dem.

Den hjälpsamma Wally.

Redan i april 1912 arresterades Schiele för förförelse av en minderårig tjej. När polisen kom till hans ateljé fann de över hundra teckningar som de ansåg vara pornografiska. I resultaten satt Schiele en månad i häktet. Under denna tid stödde Wally konstnären genom att regelbundet förse honom med mat och konstförnödenheter så att han kunde fortsätta skapa. 

Rumet i Neulengbach” (1911)
oil on wood, 40 x 31,7 cm
Kunsthistorisches Museum, Wien
Fängelse ”I Feel Not Punished but Purified” (1912)

Wally var inte bara modell för konstnären, utan också hans vän och lojala följeslagare fram till våren 1915. Under fyra år spelade hon en nyckelroll i Schieles liv och arbete. Medan han skapade sig själv som artist,  Wally gav honom redskap och verktyg som han behövde! En ärlig, öppen sexualitet som utvecklades utan begränsningar och inom en känslomässigt förhållande. Samtidigt arbetade flickan som kassörska och mannekäng i en klädbutik. Trots olika krissituationer, var Wally alltid nära sin kära Egon.

Wally” (1912)
Landessammlung Niederösterreich

När Schiele släpptes från häktet var det uppenbart för paret att återvända till Wien där han hyrde en studio som han behöll för resten av sitt liv. Adressen var: Hietzingerhauptstrasse 101.

Den narcisstiska konstnären.

Det är inte mening att bedöma artisten. Alla konstnärer är ju egocentriska och självupptagna. Egon Schiele insåg tidigt att han inte skulle uppnå framgång genom att imitera Gustave Klimt. Så han bestämde sig för att fokusera på provokativa ämnen som ingen någonsin hade hanterat. Sexuella poser skulle bli kännetecknet för hans verk. I sina många självporträtt skildrade han egna manliga attraktionskraft. Och tack vore dem kan konsthistoriker och psykologer bygga sina teorier. Vi fokuserar på konsten!

Självporträtt” (1912)
pencil, watercolor and tempera, 46,5 x 31,5 cm
Privat kollektion

Glöm inte atmosfären runt i Wien. Schiele var precis som dessa stad, självsäker, narcissistisk, fanatiskt koncentrerad på sin egen kropp. Vid den tiden var Wien ett ställe som var genomsyrad av Sigmund Freuds innovativa teser om det undermedvetna, psykoanalysen och i stort sett förstått mänsklig sexualitet. Tiden och trender präglar människor.

Den poserande Wally.

Wallburga medverkade i flera av Schieles kända målningar, bland annat ” Wally Neuzil in Black Stockings” (1912) och ”Wally in Red Blouse with Raised Knees” (1913).

Wally Neuzil in Black Stockings ” (1912)
Wally with a Red Blouse with Raised Knees” (1912)
private collection

Hon poserade med glädje, helt naturligt i kläder och utan kläder. Wally fungerade som Schieles agent och levererade personligen erotiska teckningar till dem som var beställare. Vän och beskyddare till Egon, Arthur Roessler (1877-1955), kallade Wally ”hans skugga”. Jag tycker att det var helt tvärtom. Utan Wally kunde inte Schiele arbeta så produktiv och känslomässigt. Hon var hans musa, hans fabrik, hans väninna och älskarinna.

Two Female Nudes” (1912)
”Woman in orange stockings. Wally Neuzil” (1914)
pencil, watercolour and gouache on paper

Överfylld av sensualitet och utan tabun inspirerade hon Schiele att måla henne om och om igen. I sina bilder förmedlade han sina speciella känslor för modellen, bilder är fulla av värme som gör dem extremt attraktiva. De kommer direkt in i vårt sinne och stannar där för alltid.

”Självporträtt med Wally” (1914-15)
gouache and pencil on paper, 47,4 x 30,5 cm
Sammlung Heinrich Böhler
”Liebesakt” (1915)
pencil and gouache on paper, 33,5 x 52cm
Leopold Museum

Den provokativa Wally.

Kardinal und Nonne” (Liebkosung)/ ”Cardinal and Nun” (Caress) (1915)
oil on 70 x 80,5 cm
Leopold Museum

Bilden är en ren provokation. Den busiga titeln ”Caress” hjälper inte alls att förstå bildsammanhang. Nunnan verkar vara rädd – för kardinalen, vars röda, hämningslösa lust (i form av mantel) omger henne. Eller är hon mer rädd för sig själv, för den sexuella åtrå som hon känner när det inte får vara det? Schiele omvandlar roller, leker med oss. Nunnan liknar konstnären. Kardinalfiguren tolkats ofta som en manlig version av Wally Neuzil. Schiele tog på sig kyrkans kritik. Fanns det någon som kunde stoppa honom?

Hans teckningar alltid pendlade på gränsen mellan pornografi och ”den nya sakligheten”. Schiele utforskade kvinnornas kroppar på olika sätt. Figurer var spända, nervösa och framför allt erotiska.

Farväl med Wally.

År 1914 var Schieles ekonomiska situation bedrövlig trots att han fick goda recensioner och hade fått ett par nya beskyddare. Samma år gifter sig hans favoritsyster Gertri med hans vän. Det var vid denna tidpunkt som Schiele insåg att han behövde en fru, så skrev han i ett brev till Arthur Roessler ”Jag planerar att gifta mig – mest fördelaktigt – förmodligen inte med Wally”. En total ”marriage de raison”.

I april 1915 bröt Wallys och Egons förhållande oväntat upp. Schiele bestämde sig för att gifta sig med Edith Harms. Hur träffade han henne? Edith bodde inte långt från Schieles studio. Hennes familj var anständig och respektabel.

Målaren såg intressant på sina grannar- familjen med två systrar, Adele och Edith. Han ville lära känna systrarna bättre, men det var inte lätt. Så Schiele fick be Wally om hjälp. Den älskade modellen har blivit en brevbärare. I inbjudan till mötet skrev han: ”Kära fröken Ed. & Ad. eller Ad. & Ed. Jag tror att din mamma kommer att låta dig följa med mig och Wally på bio […] eller vart du vill ”

På början var Schiele inte säker på vilken av systrarna lockar honom mest. Så varför blev Edith vald? Kanske för att hon var yngre?

Konstnären hade dock inte gett upp sin relation till Wally. I Café Eichberger, där de träffades för sista gången, informerade han tjejen om sina planer med Edith, men föreslog att ta en gång om året en sommarlov. Wally tackade nej till ett så förnedrande erbjudande och de träffades aldrig igen. Kärlekshistoria tog slut. Nästa avsnitt gäller en helt annat person. Men döden gäller dem alla… 

Döden och Jungfrun” (1915)
oil on canvas, 150 x 180 cm
Österreichische Galerie Belvedere, Wien

Den hela situationen ledde till att Schiele målade ”Döden och Jungfrun”. Verket är förmodligen ett självbiografiskt svar på det avslutade förhållandet med Wally. Målaren gifte sig med Edith Harms och fördes också in i militärtjänst under första världskriget. Dödens närvaro, eviga sambandet mellan döden och kärlek i flera av hans verk är förknippad med tavlan. Motivet ”döden och jungfrun” har varit känd sedan renässansen: kvinnan omfamnar döden som är hennes älskare, men döden skrämmer inte. Figuren är inte avbildad traditionell som ett skelett, utan i munkens kläder och förlorar faktiskt sin ohygglighet… .

Vad hade hänt med Wally?

Schieles onda ord slog henne inte. Tvärtom, hon utbildade sig till sjuksköterska och arbetade sedan på ett krigssjukhus i Wien. I slutet av 1917 besökte Wally Kroatien på Röda Korset uppdrag. Helt oväntat fick hon skarlagensfeber och dog, knappt 23 år gammal.

Kände Egon sig ansvarig för hennes död? Ödesmakt är skoningslös. Schiele hade dock väldigt lite kvar av sitt liv: tio månader senare insjuknades hans gravida hustru i spanska sjukan. Han drabbades också och gick bort tre dager efter henne…

Wally Neuzil i Gmunden (1913), Wien Museum

Hur kan jag avsluta mitt inlägg? Wally och Egon hade ett känslomässigt förhållande. Kanske han tänkte mest erotisk om henne, kunde han välja henne som mor till hans barn? Arvingar?

Den erotiska driften brände honom. Helt och hållet. Och bara aska återstod.

Konstpegel behöver din hjälp mer än någonsin. 
Jag har inte någon bidrag för att driva portalen. Utan dina donationer kommer jag inte att ha medel för publikationer. Därför är ditt stöd mycket viktigt. 
Om du gillar det här stället och gillar att läsa mina artiklar - stöd mig! 
Även en liten belopp har en stor betydelse.
Tack!
En gång
Månadsvis
Årligen

Gör en donation en gång

Gör en donation en gång i månaden

Gör en donation en gång om året

Välj ett belopp

30,00 Skr
90,00 Skr
600,00 Skr
30,00 Skr
90,00 Skr
600,00 Skr
30,00 Skr
90,00 Skr
600,00 Skr

Eller ange ett anpassat belopp

Skr

Ditt bidrag uppskattas.

Ditt bidrag uppskattas.

Ditt bidrag uppskattas.

DoneraDonera en gång i månadenDonera en gång per år

KÄLLOR

https://www.schielemuseum.at/de/das-museum/museumsblog/egon-schiele-wally-neuzil

https://www.leopoldmuseum.org/en

http://www.esac.cz/en/egon_schiele_art_centrum_gallery_cesky_krumlov

https://arthive.com/publications/2954~Love_story_in_pictures_Egon_Schiele_and_Wally_Neuzil

Barnkläder och barnskor

Här kommer ett informativt och inspirerande inlägg om barnkläder och barnskor – med fokus på kvalitet, funktion och vad man bör tänka på som förälder:


👶 köpa leksaker online – En guide för medvetna val hos barnfota.se

Att välja kläder och skor till barn handlar om mer än bara storlek och färg. Det är en balansgång mellan komfort, hållbarhet, säkerhet och barnets egen stil. Små barn växer snabbt, rör sig mycket, och behöver kläder och skor som kan hänga med i både lek och väderväxlingar.


👕 Barnkläder – Vad ska man tänka på?

1. Material

Det bästa är att välja naturmaterial som:

  • Ekologisk bomull – skonsam mot huden och miljön.
  • Ull – reglerar värme naturligt och är perfekt för lager-på-lager.
  • Bambutyg – mjukt, antibakteriellt och andas bra.

Undvik kläder med starka färgämnen eller plasttryck nära huden – särskilt om ditt barn har känslig hud.

2. Passform och rörelsefrihet

Kläder ska inte strama eller glida upp. Satsa på modeller med:

  • Stretch i midjan
  • Rymliga armar och ben
  • Tryckknappar och dragkedjor för enkel påklädning

3. Lager på lager

I Sverige är vädret varierande – särskilt viktigt på förskola och utomhuslek. Tänk:

  • Underställ (ull/bomull)
  • Mellanlager (fleece eller ull)
  • Ytterplagg (vind- och vattentäta)

👟 Barnskor – Viktigt för små fötter

Barns fötter växer snabbt och är känsliga. Rätt skor är avgörande för utvecklingen av fotvalv, hållning och gångstil.

1. Storlek och passform

  • Lämna alltid ca 1–1,5 cm tillväxtmån.
  • Prova skorna med strumpor och gärna på eftermiddagen när fötterna är lite svullna.
  • Välj skor med bra hälgrepp och flexibel sula.

2. Olika typer av skor

  • Förskoskor/tofflor – Lätta, mjuka och lätta att ta på/av.
  • Vardagsskor – Med kardborre eller elastiska snören.
  • Regnstövlar – Med foder för höst och vinter.
  • Vinterskor – Vattentäta, varma och halksäkra.
  • Sandaler – Med skydd för tårna och bra fäste.

3. Barfotaskor?

Barfotainspirerade skor (med tunn, flexibel sula) blir allt populärare. De kan stärka fotmuskulatur, men kräver försiktig introduktion – gärna inomhus först.


💡 Tips för smarta köp

  • Köp second hand – många barnkläder och skor är knappt använda.
  • Satsa på kvalitet – hellre färre plagg/skor av bra material.
  • Planera efter säsong – undvik att köpa vinterkläder mitt i sommaren.
  • Märk kläderna – särskilt till förskola eller skola.

🌿 Hållbart tänkande

Att handla barnkläder hållbart handlar både om miljön och ekonomin:

  • Välj ekologiska eller OEKO-TEX-certifierade plagg.
  • Tvätta skonsamt, lufttorka och laga små hål.
  • Ge vidare det ditt barn växt ur.

Vill du ha en checklista för vad som behövs i barnets garderob efter ålder eller säsong? Jag kan göra en anpassad åt dig!

Glutenfria bakverk och bröd

Hälsokost vitaminer online

Glutenfria Bakverk och Bröd – Hälsosamma och Läckra Alternativ

Glutenfria bakverk och bröd har blivit en populär del av många människors kosthållning, inte bara för de som har celiaki eller glutenintolerans, utan även för de som vill utforska nya kostalternativ eller dra nytta av fördelarna med en glutenfri livsstil. Glutenfritt innebär att man undviker alla produkter som innehåller gluten, ett protein som finns i vete, råg och korn. Genom att använda alternativa mjölsorter och tekniker går det utmärkt att skapa både smakrika och näringsrika bröd och bakverk. Här är en närmare titt på hur du kan baka glutenfria bröd och bakverk som är både goda och hälsosamma!


Vad betyder glutenfritt?

Gluten är ett protein som finns i vete, råg och korn, vilket innebär att man för att hålla en glutenfri kost måste undvika dessa spannmål. För att ersätta gluten använder man istället glutenfria mjölsorter som rismjöl, mandelmjöl, kokosmjöl, havremjöl, teffmjöl och majsstärkelse. Dessa mjölsorter har olika egenskaper och smakprofiler, vilket gör att du kan experimentera med olika kombinationer för att hitta den bästa konsistensen och smaken för just ditt bröd eller bakverk.


Glutenfria Bröd – Mjuka och Smakrika

Att baka glutenfria bröd kräver lite mer teknik än att baka med vetemjöl, men det går absolut att få till mjuka, luftiga och smakrika bröd med de rätta ingredienserna. Här är några populära glutenfria brödtyper:

1. Glutenfritt Surdegsbröd

Surdegsbröd är känt för sin syrliga och smakrika karaktär, och även glutenfritt surdegsbröd kan bli fantastiskt. Du kan skapa en glutenfri surdeg genom att använda en kombination av rismjöl, majsmjöl och potatismjöl samt vatten och en naturlig jäst. Låt degen jäsa långsamt för att ge brödet en djupare smak och struktur. Glutenfri surdeg kräver tålamod men ger ett fantastiskt bröd med härlig textur.

2. Glutenfria Frallor

Frallor är ett utmärkt alternativ till frukost eller som tillbehör till lunch eller middag. Glutenfria frallor kan göras genom att blanda rismjöl, potatismjöl och ibland havremjöl. Dessa ingredienser ger frallorna en lätt och luftig konsistens. För att få dem extra mjuka och saftiga kan du tillsätta en liten mängd smör eller olivolja i degen. Frallorna blir goda både varma med smör eller som smörgåsar.

3. Glutenfritt Focaccia

Focaccia är ett italienskt bröd som är perfekt för måltider eller som ett snacks. För att göra glutenfri focaccia kan du använda en blandning av ris- eller majsmjöl och tillsätta olivolja, rosmarin och flingsalt för en härlig smak. Focaccia kan också toppas med olika ingredienser som oliver, soltorkade tomater eller lök för en smakrik variation. Det är både lätt att göra och ser imponerande ut på middagsbordet.

4. Glutenfritt Långjäst Bröd

Detta bröd är perfekt för dem som tycker om ett bröd med en djupt utvecklad smak och textur. Ett långjäst bröd baserat på glutenfria mjölsorter som rismjöl, teffmjöl och majsmjöl kräver längre jästid för att utveckla sin smak och struktur. Genom långsam jäsning får brödet en fin höjd och en luftig konsistens. Det är perfekt att servera till soppor eller som en bas till smörgåsar.


Glutenfria Bakverk – En Sötare Del av Livet

Bakverk är en viktig del av många måltider och för många är det en nödvändighet att kunna njuta av söta godsaker även när man följer en glutenfri kost. Här är några exempel på glutenfria bakverk som är både goda och enkla att göra:

1. Glutenfria Muffins

Muffins är en lättbakad och populär typ av bakverk, och det finns många variationer att prova. För glutenfria muffins kan du använda mandelmjöl, kokosmjöl eller en blandning av glutenfria mjölsorter för att skapa en mjuk och saftig muffin. Du kan lägga till bär som blåbär, hallon eller äpple för extra smak. Muffins går att variera med olika kryddor som kanel, vanilj eller chokladbitar för att få den smak du gillar.

2. Glutenfria Kakor

Det finns ett brett utbud av glutenfria kakor som du kan baka, allt från havrekakor till mandelkakor och chokladkakor. För att baka glutenfria kakor kan du byta ut vetemjöl mot havremjöl, mandelmjöl eller kokosflingor. Dessa mjöl ger kakorna en härlig konsistens och smak. Tillsätt gärna chokladbitar eller nötter för extra smak och textur.

3. Glutenfria Brownies

Brownies är älskade av många, och de kan enkelt göras glutenfria. Genom att använda mandelmjöl eller rismjöl får du en fudgy och smakrik brownie. För extra god smak kan du lägga till hackad choklad eller nötter, vilket ger en härlig textur. Dessa brownies är både enkla att göra och perfekt för både fika och efterrätt.

4. Glutenfri Kladdkaka

Kladdkaka är en annan svensk favorit som är enkel att göra glutenfri. Använd mandelmjöl eller kokosmjöl för att skapa en härlig kladdig textur. Kladdkakan kan toppas med florsocker, vispgrädde eller bär för en härlig efterrätt. Denna variant är perfekt för den som söker en söt och smakrik dessert utan gluten.


Tips för Att Baka Glutenfria Bakverk och Bröd

  • Blanda olika mjölsorter: Glutenfria mjölsorter fungerar ofta inte lika bra på egen hand som vetemjöl, så det är bra att experimentera med olika kombinationer av rismjöl, potatismjöl, mandelmjöl och havremjöl för att få den bästa konsistensen och smaken.
  • Tillsätt bindemedel: Eftersom gluten är det som binder ihop degen och ger den struktur, behöver du ofta använda bindemedel som xantangummi eller guarkärnmjöl för att få en bra textur i dina bröd och bakverk.
  • Var noga med vätskan: Glutenfria mjölsorter kan absorbera mer vätska än vetemjöl, så justera mängden vätska i dina recept. Degen eller smeten ska ha rätt konsistens för att bakverken ska bli bra.
  • Låt degen vila: Många glutenfria degar behöver vila en stund för att mjölet ska hinna absorbera vätskan ordentligt. Detta ger degen bättre struktur och gör den lättare att arbeta med.

Glutenfria bakverk och bröd ger en möjlighet att njuta av både söta och matiga godsaker utan att använda gluten. Genom att använda alternativa mjölsorter som mandelmjöl, rismjöl, kokosmjöl och havremjöl kan du skapa både mjuka bröd och smakrika bakverk. Det krävs lite experimenterande för att hitta rätt blandning och teknik, men med rätt ingredienser går det att skapa fantastiska glutenfria produkter. Oavsett om du följer en glutenfri kost av hälsoskäl eller för att prova nya smaker, finns det många läckra alternativ att njuta av!