Konstverk på hotell och restauranger

Konstverk på hotell och restaurang recensioner

Konstverk på hotell och restauranger – mer än bara dekoration petitmoulin.se

Hotell och restauranger är inte bara platser där vi sover eller äter – de har blivit allt viktigare miljöer för konstupplevelser och visuell identitet. Genom att integrera konstverk i inredningen skapas atmosfär, berättelser och unika gästupplevelser. I dag är det vanligt att såväl exklusiva som mindre hotell satsar på konst för att lyfta sina miljöer och skapa en personlig prägel.

🖼 Varför konst i hotell och restauranger?

Att placera konstverk i offentliga miljöer som hotell och restauranger har flera syften:

1. Skapar stämning och känsla

Rätt konst kan förstärka känslan av platsen. Det kan vara lugnande naturmotiv i ett spa-hotell, expressiva målningar i en cocktailbar eller subtil skandinavisk design i en boutique-restaurang.

2. Bygger varumärke och identitet

Konsten speglar företagets själ. Ett modernt hotell kanske väljer samtidskonst för att upplevas nytänkande, medan ett slottshotell lyfter fram klassiska oljemålningar för att stärka en historisk känsla.

3. Gör platsen minnesvärd

Gäster kommer ofta ihåg unika konstverk. Det kan bli ett samtalsämne, ett fototillfälle – och ett intryck som dröjer sig kvar.

🏨 Exempel på var konsten kan synas:

  • Lobbyn: Stora verk eller skulpturer som sätter tonen direkt vid entrén.
  • Hotellrummen: Mindre, noga utvalda verk – ofta lokala konstnärer.
  • Restaurangväggar: Målningar eller installationer som lyfter matupplevelsen.
  • Trapphus och korridorer: Används ofta till roterande konstutställningar.
  • Konsttemarum: Vissa hotell erbjuder temarum där varje rum är designat av olika konstnärer.

🧑‍🎨 Vilka typer av konst används?

  • Målningar och illustrationer – ofta originalverk eller tryck.
  • Fotokonst – populärt för att skapa stämning och urbana inslag.
  • Skulpturer och installationer – gärna i entréer eller trädgårdar.
  • Digital konst och projektioner – används allt mer i moderna hotell.
  • Textil konst och väggbonader – för en varm, ombonad känsla.

🤝 Samarbete med konstnärer

Många hotell och restauranger samarbetar med lokala konstnärer eller gallerier för att:

  • Hålla konsten levande och uppdaterad.
  • Skapa en plats för utställningar.
  • Stärka kopplingen till platsens kultur.

Det kan också vara ett sätt att stötta det lokala kulturlivet och samtidigt erbjuda gäster en äkta och unik upplevelse.

🍽 Konst i restaurangmiljö – tips

  • Färgval och motiv bör inte konkurrera med maten, utan komplettera miljön.
  • Belysning är avgörande – konst ska synas utan att ta över.
  • Ljudmiljö och konst kan samspela – t.ex. lugn konst i en finmiddagsmiljö, eller street-art i en livlig bistro.

💡 Tips för dig som vill inreda med konst i hotell/restaurang

  1. Använd originalkonst där det är möjligt – det skapar värde och känsla.
  2. Låt konsten spegla ert koncept – modern, rustik, lokal, internationell?
  3. Roterande utställningar – skapar liv och återkommande besök.
  4. Arbeta med lokala konstnärer – bygger gemenskap och trovärdighet.
  5. Tänk långsiktigt – konst ska tåla slitage och komplettera miljön över tid.

Konst på hotell och restaurang guiden är inte bara vackert – det är en del av upplevelsen. Den förstärker varumärket, skapar atmosfär, och kan göra platsen oförglömlig. I bästa fall blir konsten en naturlig del av samtalet mellan gäster och en självklar punkt i minnesbilden av vistelsen.

Vill du ha tips på konststilar som passar olika typer av restauranger eller hotellmiljöer? Jag hjälper gärna!

Konstsamling på Stockholms slott

Konstsamlingen på Stockholms slott – Ett kungligt kulturarv

Stockholms slott är inte bara en av Sveriges mest betydelsefulla byggnader – det är också hem till en av landets mest imponerande och historiska konstsamlingar. Här möts det kungliga, kulturella och konstnärliga i ett levande museum där över fem sekler av svensk historia hänger på väggarna.

Konstsamlingen på slottet tillhör den Kungliga samlingen, som förvaltas av Kungliga Husgerådskammaren. Den omfattar tusentals verk: från porträtt och historiska målningar till samtidskonst, skulpturer och textilier – många av dem fortfarande i aktivt bruk i de kungliga salarna.

🏰 En levande miljö för konst

Till skillnad från traditionella museer är Stockholms slott inte bara en utställningsplats – det är fortfarande ett fungerande residens för statschefen, vilket ger konsten en levande roll. Många av rummen är inredda med både antika och moderna konstverk som speglar monarkins historia och Sveriges estetiska utveckling.

🎨 Vad ingår i konstsamlingen?

Konstsamlingen på Stockholms slott rymmer en unik mix av:

1. Kungliga porträtt

Porträtt av svenska kungligheter har varit centralt sedan 1500-talet. Här finns verk av berömda porträttmålare som David Klöcker Ehrenstrahl, Alexander Roslin och Anders Zorn. Porträtten har använts för att manifestera makt, status och kontinuitet inom kungahuset.

2. Historiska målningar

Scener ur svensk historia, mytologi och kristen tradition är vanliga. Gustav II Adolfs död i Lützen, Karl XII:s fälttåg och allegoriska motiv från stormaktstiden är ofta förekommande. Dessa målningar pryder salar som Rikssalen och Vita Havet.

3. Samtida konst

Kungafamiljen har länge stött samtida konstnärer. Drottning Silvia och Kronprinsessan Victoria har båda visat intresse för samtida uttryck, och verk av moderna svenska konstnärer förekommer i privata och offentliga rum på slottet.

4. Skulptur och dekorativ konst

Marmorbyster, bronser och gipsmodeller är utspridda i salar och trapphallar. Även möbler och textilier, som ofta är konstverk i sig, är en del av den större estetiska helheten.

🖼️ Intressanta delar att besöka (vid guidad tur)

  • Bernadottevåningen – Här visas konst relaterad till ätten Bernadotte, med särskilt fokus på 1800-talets förändringar inom både politik och konst.
  • Rikssalen – Ett av slottets mest magnifika rum med Karl XI:s silvertron, där konst och maktsymbolik går hand i hand.
  • Ordenssalarna – Här finns konst kopplad till de kungliga riddarordnarna, ofta med symbolik och religiösa motiv.
  • Slottskyrkan – Innehåller religiös konst, målningar och skulpturer från både äldre och nyare tid.

🖌️ Vem äger konsten?

Konsten på Stockholms slott är statlig egendom men tillhör Kungliga Husgerådskammaren. Det innebär att den förvaltas av staten men används av hovet. Den har växt fram genom kungliga inköp, gåvor, donationer och ibland genom personliga initiativ av kungligheterna själva.

📚 Konstens roll i historieberättande

Konstsamlingen på slottet är inte bara vacker att titta på – den fungerar också som ett verktyg för att förstå Sveriges historia. Varje målning, byst och möbel berättar något om sin tid:

  • Politiska budskap
  • Modets växlingar
  • Teknologiska framsteg i konst och hantverk
  • Hur Sverige ville uppfattas internationellt

👑 Samtidskonst i en historisk miljö kungahuset.nu

En intressant aspekt med svenska kungafamiljen är hur samtida konst lever sida vid sida med det historiska. Kungafamiljen har under 1900- och 2000-talet öppnat dörrar för samtida konstnärer, vilket innebär att det ibland dyker upp moderna inslag även i traditionsrika rum – något som ger kontext och liv åt den historiska samlingen.

Vanliga frågor (FAQ)

🔹 Får allmänheten se konstsamlingen?
Ja, delar av slottet är öppna för guidade turer där man kan se stora delar av konstsamlingen – särskilt under sommaren.

🔹 Vem bestämmer vilken konst som hängs på slottet?
Kungliga Husgerådskammaren förvaltar samlingen, men kungafamiljen har inflytande – särskilt i privata rum.

🔹 Är allt gammalt, eller finns ny konst också?
Både och. Det finns både konst från 1500-talet och samtida verk från nutida svenska konstnärer. Svenska kungafamiljen

🔹 Kan man låna konst från kungahuset.nu slottet till andra utställningar?
Ja, konst från den kungliga samlingen har ibland lånats ut till större museiutställningar, både i Sverige och utomlands. Godis från godisfabriken

En spansk resa med Erasmus projekt.

León / Madrid

15.05. – 21.05.2022

avgång ERASMUS + ARTIST

Hur var det? Bäst!

Konstspegel hade en ära att genomföra projektet tillsammans med skolor och kulturella institut från Turkiet, Kroatien, Polen, Italien och Spanien. 33 elever och 8 lärare har blivit bjudna av en delegation från skolan Colegio Carmelitas Nuestra Señora del Carmen – Fundación Vedruna Educación från León. Under en hela veckan utvecklade vi konstnärliga workshops ledda av våra spanska lärare och vänner.

Vad som hände?

Det var pappersmaché-workshops och ritlektioner, både teoretiska och praktiska. Vi fick också möjlighet att delta i afrikansk dans och yogaklasser. Dessutom skapades två väggmålningar: en på väggen på innergården till skolan Colegio Carmelitas Nuestra Señora del Carmen i León, den andra på väggen på Paseo de Papalaguinda vid floden Bernesga.

Alla kunde upptäcka sig själva där eller gå vilse bara för att återupptäcka sig själva! Atmosfären i den kastilianska León bidrog inte bara till perfekt integration under workshoppen, utan tillät också fantastiska oändliga promenader och lärande om stadens historia efter det ordinarie programmets slut.

Vad har vi lärt oss?

Att det var här det spanska (kastilianska) språket föddes, som vi känner det idag, och att det är kastilianerna som talar språket mest oklanderligt av alla spanska regioner. Studenter från andra länder som vi har träffat säger att det är därför Kastilien oftast väljs ut som en plats för att lära sig spanska.

León är huvudstad i provinsen med samma namn, belägen i nordvästra Spanien. Ordet kommer från latinets Legio Septima Gemina, vilket betyder namnet på en av de romerska legionerna som är krediterade med att grunda León.

En viktig accent här är också det faktum att staden León ligger på den historiska pilgrimsleden till Santiago de Compostela, bevis är speciella fotspår i formen av musselskalet på gatorna gör att resenärer kan hitta rätt ledtråd.

Det viktigaste monumentet här är den gotiska katedralen Santa María de Regla de León, byggd på 1200-1400-talet, på platsen för de tidigare romerska baden. Inuti dras uppmärksamheten till enorma målade glasfönster – anses vara en av de största samlingarna av medeltida målat glas i världen, samt en barockfasad, skyhöga valv och rosettfönstret. Ett annat mirakel är den romanska Basilica de San Isidoro med relikerna från heliga Isidor av Sevilla, uppförd på 1000-talet på platsen för ett tidigare tempel tillägnat Johannes Döparen. Sedan kan vi besöka renässansens Convento de San Marcos, där idag det mesta är ombyggt till ett femstjärnigt hotell, perfekt integrerat i platsens historia. En arkitektonisk bit från en annan tid är Casa De Botines, vars upphovsman är ingen mindre än Antoni Gaudí själv. Han ritade byggnaden åren 1891-1892 där man ser hans förmodernistiska tendenser som han var förtjust i.

Domkyrka i Leon

Basilika di San Isidoro
Casa de los Botines (1891-92)

Vi ägnade kvällarna mest åt promenader och middagar i distriktet Barrio Humedo. Vad landade på våra tallrikar? Läckra tapas, naturligtvis, croquetas (kroketter) i len ost, tortilla española eller omelett med många smaker – att välja mellan, vegetarisk pesto gjord av tomater, paprika, zucchini, lök, vitlök och olivolja, eller paella eller fidueà – där istället för ris serveras fin pasta. Men Barrio Humedo är inte bara platsen med flest pubar och restauranger (det finns tydligen över 150). Det är också ett område där vi gick vilse och befann oss gång på gång i mängden av små, smala gator omgivna av romerska murar i sin ursprungliga form. Det här var riktig resa i tiden!

Madrid, som vi nådde den 19 maj, välkomnade oss med oändlig sol och en temperatur på 36 grader, men det hindrade oss inte från att släppa allt, genast hoppa i shorts och springa så fort vi kunde till Museo del Prado.

Prado – drömmen för alla som älskar konst. Prado, hem för världens största samling av klassiskt måleri. Prado, det vill säga över 5000 verk, 100 rum, 3 våningar. Prado med sin oanständiga rikedom av måleri och skulptur, från Bosch, Caravaggio, El Greco, till Titian, från Rubens till Velazquez och Raphael Santi. Den sjunde himlen för konstkännare. Så mycket har betyd för oss.

Nästa dag ägnades också åt våra irrfärder. Så köpte vi först turrón i alla befintliga varianter och violgodis, och sedan såg vi Plaza Mayor, ett torg omgivet av trevånings hyreshus och ett vittnesmål om kungars kröning eller en avrättningar.

Palazio Real är i sin tur det officiella sätet för kungen av Spanien, även om det för närvarande har en mer representativ funktion. Det manifesterar både barock utanför och rokoko och klassicism inuti. Även här, direkt efter besöket i palatset, kan man hämta andan i den lilla parken Jardines de Sabatini, full av prydligt trimmade träd och buskar, samt skulpturer och behagligt mumlande stora och små fontäner runt om.

Tänk om man vill se hela Madrid från ovan?

Det är värt att gå till Templo de Debod, som donerades till Spanien av Egypten. Och det är från den närliggande Parque de la Montaña, på sluttningen ovanför floden Manzanares, som det finns utsikt över Madrid, huvudstaden och den största spanska staden som ligger i de kastilianska högländerna vid foten av Sierra de Guadarrama, en bergskedja från eocentiden, vilken är bevuxen med ek och tallar. Det är här handlingen i Hemingways roman ”Klockan klämtar för dig” utspelar sig.

Det finns olika teorier om ursprunget till namnet på staden Madrid. Vi gillar den om björnar som finns i de omgivande skogarna och som äter vilda jordgubbsträd (spanska: madroño), för den här historien är inte bara vacker, utan också den mest adekvata för platsen för dessa djur finns på Madrids vapensköld. En sådan björn som äter frukt direkt från madroño kan ses i all sin glans på Puerta del Sol, i hjärtat av staden. Även här finns nollpunkten från vilken avstånden från Madrid till andra spanska städer mäts.

Och om någon fortfarande har lite tur och tid? Man får inte glömma Casa Suecia (Svenska huset), Chocolateria San Gines – en chokladplats öppen 24 timmar om dygnet i över 120 år (en hit på platsen – choklad con churros). Och Villa-Rosa förstås – ja, det var här Pedro Almodóvar filmade sin ”Höga klackar”. Och det är knappast förvånande, för platsen med dess stilistiska cocktail, från klassisk konst till söt kitsch, är helt enkelt fängslande.

Sammanfattningsvis: behovet av att umgås med konsten och känna den med hela själen har uppfyllts till hundra procent. Resan har också blivit en inspiration och en stark stimulans att ha i minnet till nästa resa och det blir Gliwice den 24.09. – 30.09. 2022.

Vi väntar redan på detta konstnärliga äventyr!

ERASMUS + ARTIST

Tekst och foto i bildspel: Hanna Halek

Översättare: Karl Bure Berglund

Deltagare från Sverige: Hanna Halek, Karl Bure Berglund

https://twitter.com/search?q=A.R.T.I.S.T(%40ARTIST_ERASMUS)&src=typeahead_click&f=image

https://www.facebook.com/Artist-Erasmus-108084038264027

Att vara en konstsamlare

Här kommer ett långt och inspirerande inlägg om att vara en konstsamlare, oavsett om du är nybörjare eller redan har en passion för konst.

🎨 Att vara en konstsamlare – passion, investering och personlig resa

Att samla konst är så mycket mer än att köpa vackra tavlor eller skulpturer att pryda väggarna med. Det är en livsstil, en passion och för många en djupgående personlig resa. För vissa handlar det om att stödja unga konstnärer, för andra om att bygga en värdefull samling över tid. Oavsett syftet finns det något unikt berikande i att leva med konst – den skapar känslor, berättar historier och speglar våra inre världar.

Vad är en konstsamlare?

En konstsamlare är en person som medvetet köper, bevarar och ibland ställer ut konstverk. Det kan vara målningar, fotografier, skulpturer, grafik eller digital konst. Samlingen kan vara liten och personlig eller stor och offentlig.

Det viktiga är inte hur mycket konst du äger – utan att du valt den med omsorg, intresse och kärlek till uttrycket.

🖼️ Varför samlar man på konst?

Det finns många olika anledningar till varför människor börjar samla konst:

  • Estetisk njutning: Man vill omge sig med skönhet och inspiration i sitt hem eller på sin arbetsplats.
  • Investering: Konst kan öka i värde med tiden, särskilt om du köper verk av lovande unga konstnärer.
  • Kulturellt och historiskt intresse: Konst berättar om sin tid, samhälle och konstnärens personliga upplevelser.
  • Personlig identitet: En konstsamling kan spegla din personlighet, smak och utveckling över tid.
  • Relation till konstnären: Många samlare får en relation till de kreativa personerna bakom verken – vilket ger samlingen extra värde.

🧭 Hur börjar man samla konst?

Att börja samla konst behöver inte vara dyrt eller komplicerat. Här är några steg att följa:

1. Utforska din smak

Besök gallerier, museer, konstmässor och utställningar. Låt dig inspireras. Vad dras du till? Är det färg, form, material, budskap eller något annat?

2. Sätt en budget

Du kan hitta originalkonst från nya konstnärer för några hundralappar. Konst behöver inte vara dyrt – och alla stora samlare har börjat någonstans.

3. Köp med hjärtat

Köp inte konst enbart för att den kan öka i värde. Konsten du köper kommer att vara en del av ditt liv – välj sådant som berör dig.

4. Utforska olika kanaler

  • Gallerier och konsthallar
  • Onlineplattformar som Artfinder, Artsy eller Instagram
  • Konstskolor och examensutställningar
  • Konstnärer direkt via deras hemsidor eller sociala medier

5. Dokumentera din samling

Börja redan från början att spara kvitton, certifikat, information om konstnären och verket. Det är viktigt både för värdering och eventuell framtida försäljning eller försäkring.

📚 Att bli kunnig – kunskap ger trygghet

Som konstsamlare lär du dig hela tiden. Läs böcker om konsthistoria, konstnärsporträtt och samtida konst. Lyssna på konstpoddar eller gå kurser. Ju mer du vet, desto säkrare blir dina val och desto mer kan du njuta av varje verk.

💼 Konst som investering

Konst är en alternativ investeringsform. Det finns exempel på verk som köpts för några tusenlappar och sålts för miljonbelopp år senare. Men det finns också risker.

Fördelar:

  • Kan öka mycket i värde
  • Fysiskt objekt som du kan njuta av under tiden
  • Ej beroende av börsmarknaden

Nackdelar:

  • Svårbedömd värdeutveckling
  • Glutenfri mat och bakverk laktosfri
  • Kräver underhåll och försäkring
  • Likviditet – inte alltid enkelt att sälja
  • Hälsa och alternativbehandling

Rådet är att inte bara köpa för investering, utan för att du älskar konsten hos bettysinspiration.se

Konstverk behöver omvårdnad:

  • Undvik direkt solljus som kan bleka färgerna
  • Ha stabil luftfuktighet och temperatur
  • Använd rätt upphängning och inramning
  • Förvara konst som inte hängs upp i syrafritt material

Om du har värdefull konst – se till att ha rätt försäkring och gärna en katalog över din samling.

🖼️ Digital konst och NFT

I modern tid har även digital konst och NFT:er (Non-Fungible Tokens) blivit en del av samlarvärlden. Dessa lagras i digital form, ofta på blockkedjan, och kan vara både ett konstverk och ett samlarobjekt. Detta är ett spännande, men också riskfyllt område för nybörjare – så sätt dig in i det ordentligt om det intresserar dig.

🧡 Konsten som själsspegel

Många konstsamlare beskriver det som att de ”hittar en del av sig själva” i varje konstverk de köper. Det blir en resa genom känslor, estetik, och själens landskap. Vissa samlare fokuserar på feministisk konst, andra på landskap eller abstrakt måleri. Vissa samlar bara svartvita fotografier. Det finns inga rätt eller fel – bara din personliga smak.

Avslutande tankar

Att vara en konstsamlare handlar inte om pengar eller status – utan om kärlek till uttryck, kreativitet och berättelser. Det är ett livslångt äventyr där varje verk du äger blir en del av ditt hem, ditt liv och din inre värld.

Du behöver inte ha ett galleri eller ett museum – du behöver bara ett hjärta som slår för konsten.

Andrea del Sarto (1486-1531)-en begåvad och bortglömd mästare.

ANDREA del SARTO (1486-1531) föddes i Florens och hans karriär blomstrade under högrenässansen. Han skapade fresker, altartavlor, porträtt och teckningar. Krönikor Giorgio Vasari betraktade del Sarto som en konstnär senza errori ("utan fel"). Men hans berömmelse försvann snabbt efter hans död. Kanske därför att efter honom verkade sådana kändisar som Leonardo da Vinci, Michelangelo och Raphael Santi.
Jag vill gärna ta honom tillbaka till konsthistoria!

”Självporträtt”(ca.1528) Corridorio Vasariana, Uffizi, Florens

Andrea del Sarto fick sitt smeknamn tack vare sin far Agnolo di Francesco, som var skräddare (på italienska sarto). Den unge Andrea lärde sig först som guldsmed och sedan som målare hos Gian Barili och Piero di Cosimo. Tillsammans med sin vän Franciabigio öppnade Andrea en egen målningsstudio i Florens och fick sitt första uppdrag.

Efter en tid blev han en helt oberoende konstnär och dekorerade korsgången (Chiostro dei Voti) i Basilica Santissima Annunziata med fresker. Arbetet pågick mellan 1509 och 1514 och är ett exempel på början av den florentinska manierismen.

”En befrielse av en demonen”
364 x 300 cm
Sju fresker varav fem illustrerade livet och miraklerna av Filippo Benizzi, en servitordens helgon vilken dog 1285 (kanoniserad förresten i 1671). Florentinarna blev hängivna till St. Filippo och Andrea del Sarto utförde vackra, narrativa fresker.
Detalj
”St. Filippo botar en spetälska”.
Detalj
”Florentinarna sköter om St. Filippo relik.”
Detalj
(den äldre man är skulptör och keramiker- Andrea della Robbia)
”Straff”
Detalj
”San Filippo Benizis död och pojkens uppståndelse”
Detalj
”Viaggio dei Magi”

Detaljen med Medici-giraffen:
En giraff var en gåva från den egyptiske sultanen till Lorenzo de Medici 1487. Djuret väckte stor uppståndelse vid sin ankomst till Florens. Även om Medici-familjen hade ett stort menageri, så var det första gången som en levande giraff sågs i staden. Den överlevde inte länge och en annan giraff sågs inte i Europa på nästan 300 år!

Två sista fresker avslutade del Sarto i 1514.

”Jungfru Marie födelse”

Alla detta fresker hjälpte till att positionera Sarto som en ledande florentinsk målare (!)

Andrea del Sartos mästerverk:

  • ”Noli me tangere”
är den latinska översättningen av de ord som den uppståndne Jesus sa till Maria Magdalena: "Rör inte vid mig, jag har ännu inte stigit upp till min Fader" (Joh. 20:17). Verket var det första som framfördes för kyrkan San Gallo i Florens.

Scenen utspelar sig i en muromgärdad trädgård, kanske ett kloster(?). Ett enormt palmträd till vänster hänvisar till Kristi martyrskap. Ikonografin och den traditionella miljön, med en mjuk och nyanserad ritning, härstammar från exemplet av Piero di Cosimo, konstnärens första mästare.

”Noli me tangere”(1510)
Olja på duk, 176 x 155 cm
Uffizi
  • ”Madonna delle Arpie””(1517) beställdes av klostret San Francesco dei Macci och skulle avbilda Jungfru med barn omgiven av heliga Johannes Evangelisten och Franciskus med två änglar. Målningen avviker från ursprungliga tankar och presenterar Maria med Jesus på en piedestal, flankerad av två helgon. Sockeln är dekorerad med kvinnliga figurer tolkades som harpyor och gav således upphov till namnet.
”Madonna med harpyor”
Temperamåleri, 207 x 178 cm
Uffizi

Konstnären arbetade i många toskanska kloster. Fresker i Chiostro della Scalzi (1515-26) uppfördes i tekniken en grisaille och berättar om Johannes Döparen liv. Den teknik utvärderar konstnärens extraordinära skicklighet i ritning. Målningar kommer att kopieras av generationer av målare.

”Jesus dop i Jordanfloden av Johannes döparen”
Skiss till Johannes huvud

  • Nattvarden” utfördes för San Salvi kloster (1519-27) och fresken är fortfarande inne, där alla karaktärer tycks vara porträtt!

Konversationen mellan Kristus och lärjungarna äger rum i den realistiska miljön i ett rum med tre stora fönster genom vilka man kan se himlen.

”Nattvarden”

Detalj
”Il Cenacolo” eller ”L’Ultima Cena”
så kallas fresken på italienska.

Andrea del Sarto bröt mönstren och lade till två tjänare som tittade på scenen från loggian. Detta var början på ”fullbordandet” av evangeliet, som snart ledde till att Paolo Veronese, bland andra, ställdes inför inkvisitionsdomstolen i Venedig.

  • ”Pieta från Luca”(1527) avbildar en sörjande Jungfru Maria vid sin döde sons kropp i sällskap av helgonen. Han målade den tavlan till kloster Luco i Mugello, östre om Florens. Monumentala figurer påminner om den tidiga manierismen.
”Pietà di Luco”
Olja på pannå, 238 × 198 cm
Galleria Palatina, Florens
  • ”Madonna della Scala”(1522-23) inspirerades av liknande tavlan av Michelangelo. Del Sarto tog från honom draperi-, rörelse- och kompositionens lösning.

Verket beställdes av bankiren Lorenzo di Bernardo Jacopi, vilket förklarar närvaron av den helige Matteus, beskyddare av hans yrke som han var (skatteindrivare för det romerska riket).

”Madonna della Scala”
Olja på duk, 177×135 cm
Pradomuseum, Madrid
  • ”Offrandet av Isaaks”(ca.1527) Historien som inom judendomen traditionellt kallas Akeda – ”bindandet” av Isak är en av de starkast profetiska berättelser som finns i Bibeln och i konsthistorien.

Del Sarto skapade en dramatisk scen där Abraham håller sin son på offeraltaret och håller en kniv i sin andra hand. Deras ansiktsuttryck bryter med traditionell renässansmålning och antyder manierismen.

”Offrandet av Isaak” (ca.1527)
olja på pannå, 178 x 138 cm
Cleveland Museum of Art, Denver
  • ”Bebådelsen” (1512) målades för den augustinska kyrkan San Gallo i Florens. Tavlan visar konstnärens fascination för Michelangelo, Santi och teknik-sfumato. Maria dominerar på vänstersidan och Gabriel med änglar till höger. Budbärarna går på molnet och deras ansikten är fulla av känslor. Bakgrunden för scenen är ruiner av en forntida byggnad.
  • Andra”Bebådelsen”(1528) avbildar på ett vackert sätt det ögonblick i vilket ärkeängeln Gabriel överlämnar budskapet till Maria att hon ska föda Guds son, Jesus.
”Bebådelsen”(1512)
Palazzo Pitti

”Bebådelsen” (1528)
96×189 cm
Galleria Pitti, Firenze
  • Andrea del Sarto arbetade i den benediktinska kloster Vallombrosa (1528-29) med polyptyk ”Pala di Vallombrosa”
”Palla de Vallombrosa” (1520)
Olja på tavla, 250 cm
Galleria degli´ Uffizi
  • En av sista var tavlan ”Jungfru Marie himmelsfärd” (1530). Verket hade målats också för Vallombrosa-klostret i Poppi tillägnad San Fedele di Como. Andrea del Sarto avslutade inte målningen och resten utförde Vincenzo Bonilli, känd som Morgante
  • Den nedre halvan framställer fyra helgon i den klippiga landskapet medan den övre halvan visar Madonna i härlighet, sittande i ett moln med en ljuskrona på huvud och med små änglar.
”Jungfru Marie himmelsfärd”
Galleria Palatina, Florens
Olja på pannå, 309 x 205 cm
  • ”Kejsarens skatt”(ca.1520) fresken som dekorerar Medici villan i Poggio a Caiano avslutades av Alessandro Allori (ärlig talat förstördes av honom i 1582). Scenen utspelar på trappan till en majestätisk klassisk byggnad. Här ser vi en lagerkransad Julius Caesar som tar emot ambassadörer. De förde många gåvor, inklusive den berömda Medici-giraffen.
”Kejsarens skatt” (ca.1520)
fresken, 502 x 526 cm
Poggio a Caiano

Fantastiska portätter av del Sarto

  • ”Portrait of a Women with a Basket of Spindles””(ca.1516)
  • ”Porträtt av en kvinna med korg och sländor”
Förmodligen hans!
Olja på pannå, 76 x 54 cm
Galleria degli Uffizi
”Porträtt av en ung man” (1517-18)
Olja på pannå, 72 x 57 cm
National Gallery London
”Porträtt av en man” -en präst från Pisa domkyrka (1528-30)
olja på pannå, 66,7 x 50,5 cm
Metropolitan Museum of Art
”Lucrezia del Fede” (1513-14) hans fru
olja på pannå, 73 x 56 cm
Prado, Madrid
”Dama col petrarchino” (1528)
Olja på panel, 87 x 69 cm
Uffizi

Andrea del Sarto anses vara en av de största konstnärerna under högrenässansen. Färg och mjuka former var extremt viktiga för honom, vilket gjorde honom till den bästa koloristen utanför Venedig. Bland hans elever och efterföljare fanns Jacopo Pontormo, Rosso Fiorentino, Francesco Salviati.

Den europeiska konsthistoria har mycket att förtjäna del Sarto!

En gång
Månadsvis
Årligen

Gör en donation en gång

Gör en donation en gång i månaden

Gör en donation en gång om året

Välj ett belopp

30,00 Skr
90,00 Skr
600,00 Skr
30,00 Skr
90,00 Skr
600,00 Skr
30,00 Skr
90,00 Skr
600,00 Skr

Eller ange ett anpassat belopp

Skr

Ditt bidrag uppskattas.

Ditt bidrag uppskattas.

Ditt bidrag uppskattas.

DoneraDonera en gång i månadenDonera en gång per år


Veckomagasinet om Uppland

Självklart! Här är ett längre redaktionellt inlägg som skulle kunna publiceras i ett fiktivt ”Veckomagasin” om Upplands historia – utan externa länkar:

🏰 Veckomagasinet: Upplands historia – Människor, makt och myter

Välkommen till en tidsresa genom Upplands landskap, ett område där Sveriges historia har lämnat starka och synliga spår. Uppland är inte bara rikt på runstenar och kungagravar, utan har också varit skådeplats för maktspel, kyrkans etablering, vetenskapens utveckling och folkets vardagsliv i över tusen år.

🪧 Forntiden – runstenarnas rike

Uppland är Sveriges mest runstensrika landskap. Här finns över 1 300 runinskrifter, fler än någon annanstans i världen. Dessa stenar berättar om vikingarnas liv, död, tro och släktband. De är inte bara gravmonument, utan ofta reses som minnesstenar av anhöriga eller som ett sätt att visa på status och rikedom.

Runstenarna ger oss inblick i en förkristen tid, men också i övergången till kristendomen. Många stenar bär kors, vilket visar att det nya troslivet började etablera sig redan under 1000-talet.

👑 Medeltiden – kyrkans och kungarnas tid

Under medeltiden växte Uppland fram som ett kyrkligt och politiskt maktcentrum. Uppsala – både det gamla hednatemplet i Gamla Uppsala och det senare kristna ärkebiskopssätet i Uppsala stad – var Sveriges religiösa hjärta.

  • Gamla Uppsala högar: Tre kungshögar tros vara gravplatser för sveakungar, troligen från 500–600-talet. Här låg också det fornnordiska tempel som enligt sagorna rivaliserade med både Rom och Miklagård.
  • Uppsala domkyrka började byggas på 1200-talet och är fortfarande Nordens största kyrkobyggnad. Här vilar bland andra helgonet Erik den helige och vetenskapsmannen Carl von Linné.

Under denna tid växte även mindre städer fram, såsom Enköping, Sigtuna och Östhammar. Sigtuna grundades redan på 970-talet och anses vara Sveriges första stad med en kunglig myntverkstad.

🌾 Tidigmodern tid – bönder, universitet och stormakt

Från 1500-talet och framåt förändrades samhället dramatiskt. Reformationen gjorde slut på katolska traditioner, och kyrkans egendomar drogs in till kronan.

Under 1600-talet etablerades Uppsala universitet (grundat redan 1477 men fick stor betydelse under stormaktstiden). Här studerade många av rikets blivande präster, vetenskapsmän och makthavare.

Samtidigt levde de flesta upplänningar ett jordnära liv som bönder. Storgods och herrgårdar växte fram, och landskapet präglades av agrara traditioner.

🧪 1700- och 1800-talet – vetenskapens guldålder

Uppland blev under denna tid en intellektuell smältdegel. Uppsala var centrum för svensk vetenskap, främst genom figurer som:

  • Carl von Linné – skaparen av det moderna systemet för namngivning av växter och djur.
  • Anders Celsius – fysikern bakom temperaturskalan.
  • Olof Rudbeck – språk- och naturforskare som även spekulerade om Atlantis i Sverige.

Det sena 1800-talet innebar också en industrialisering, särskilt längs kusterna och järnvägarna. Städerna växte, och nya samhällen etablerades.

🇸🇪 1900-tal till idag – demokrati, folkhem och modern historia

Under 1900-talet blev Uppland en del av Sveriges moderna utveckling. Landskapet fick ökad befolkningstillväxt, fler arbetsmöjligheter och förbättrad infrastruktur. Samtidigt bevarades stora delar av den rika kulturmiljön.

Särskilt Uppsala har fortsatt att vara en plats för vetenskap, utbildning och kultur, medan andra delar av landskapet, som Roslagen, blivit attraktiva för både turism och sommarliv.

📚 Vanliga frågor – FAQ om Upplands historia

❓ Vad betyder namnet ”Uppland”?

Namnet kommer från att området låg ”uppåt landet” i förhållande till kustlandet. Det syftar på det område som låg ovanför det tidiga kustområdet Tiundaland.

❓ Vad är Gamla Uppsala känt för?

För sina tre kungshögar, hednatemplet och som plats för Sveriges kristnande och tidiga kungamakt.

❓ Vilken roll hade Uppsala domkyrka?

Den har varit säte för ärkebiskopen sedan 1164 och är en symbol för Sveriges kyrkliga historia och nationella enhet.

❓ Finns det några kända runstenar?

Ja, bland annat Rökstenen, även om den ligger utanför Uppland, men många unika runstenar finns här – till exempel Jarlabankes bro i Täby, ett unikt exempel på självrepresentation från vikingatiden.

🧭 Avslutande reflektion

Upplands historia är som en väv av makt, tro, vetenskap och vardagsliv. Från järnålderns hövdingar till moderna studenter, har landskapet format – och formats av – det svenska samhället. Här går det bokstavligen att vandra genom historien, från runristningar till universitetssalar.

Vill du att jag utvecklar särskilt något område, som t.ex. Uppländska herrgårdar, Carl von Linné eller vikingatida kvinnor? Jag hjälper gärna!

Välgörenhet i konsten.

Sankt Lorenzo
Capella Niccolina (1447-49)
Vatikanstaten

Under medeltiden var det en religiös skyldighet att hjälpa fattiga och sjuka. Kyrkor och kloster hade plikt att hjälpa alla utsatta människor. På 1500-talet förändrades situationen. Antalet kloster minskade, bördan att hjälpa de behövande föll på kommunala myndigheter eller privatpersoner. Det ökade befolkningstalet innebar stora problem med försörjning och den katolska kyrkan hade minskat sitt stöd till de fattiga.

Italienska städer började bygga vårdanstalter, sjukhus och barnhem. En liknande roll hade gillen, en organisation där medlemmarna ägnade sig åt religiöst fromhetsliv, hjälpverksamhet och sällskapsliv. De hade plikt mot varandra, gemensamma sjuk- och begravningskassor. Ett visst skydd när någon hade dött.

Ospedale del Ceppo grundades i Pistoia redan i 1277 av religiös samfund Santa Maria eller ”del Ceppo dei poveri”- de fattigas offerstam, senare blev det stadens sjukhus. När Pistoia blev annekterad av Florens var det nödvändigt att bekräfta officiellt sjukhus statusläge (1401).

En känd florentinsk arkitekt Michele di Bartolomeo (1456-62) fick i uppdrag att modernisera Ospedale. Tack vare honom fick byggnaden nästan renässansstil, loggian var dekorerad med en keramisk glasyr (en s.k. majolika). En sådan insats utfördes av Luca della Robbia (1400-82) skulptör och keramiker från Florens. Luca var framför allt känd för sin sångläktare (cantoria) och dörrarna till sakristian i den florentinska katedralen Santa Maria del Fiore.

Cantoria (1431-38)
328 x 560 cm
nuvarande i Museo dell`Opera del Duomo,
Florens

Luca della Robbia utvecklade en teknik att måla keramikglasyrer i olika färger på terrakottafigurer och grundade en riktig verkstad tillsammans med sin familj. De tre nästa generationerna av della Robbia familj tillverkade terrakottafigurer i många italienska städer!

”Madonna della Mela ”(1442-1444)
terracotta invetriata, 70 x 52 cm
Firenze, Museo Nazionale del Bargello

Hans son, Giovanni della Robbia (1469-1529) inherited the workshop after his father’s death and improved methods for producing multicolored (polychrome) sculptures in a faster and more efficient way. Giovanni’s greatest and perhaps finest work was the polychrome frieze on the outside of Ospedale del Ceppo, designed between 1514-1529. The subject was associated with the hospital’s activities. Giovanni designed ”Seven Works of Mercy”:

Ospedale del Ceppo, Pistoia
Här har vi en exempel på en god gärning;
– besöka de fångna.

–besöka de sjuka

-begrava de döda

-tvätta fötter av pilgrimer

En allmän vy Ospedale del Ceppo i Pistoia

Ospedale degli Innocenti blev en av första byggnad i Florens i renässanska stilen. Den kända arkiyekt Filippo Brunelleschi arbetade med projekt mellan 1419-27. Några år senare kom Andrea della Robbia (Luccas brorson) att utforma keramiska tondo-porträtter av lindebarn som pryder fasaden. Utsökt arbete!

Fasaden av Ospedale degli Innocenti (ca.1490)

Sjukhuset var en välgörenhetsinstitution för övergivna barn. Det avspeglade en humanistisk lära som präglade den tidiga renässansen i Florens. Målet var att barnen skulle återinföras i samhället. De skulle kunna läsa, skriva och lära sig andra färdigheter. Sjukhuset tillhandahöll medgift för flickorna, och de hade möjlighet att gifta sig eller vara nunnor.

Ospedale della Scala i Siena fanns här från 1100-talet och blev ett separat institution inom kyrkans Santa Maria della Scala verksamheten. Objekten grundades från privata donationer av Sienas medborgare. Intäkterna räckte att servera måltider till fattiga, behandla de sjuka och framför allt att ta hand om överlämnande barn.

Pilgrimer kunde övernatta i Sala del Pellegrinaio (Pilgrims Hall). Sjukhuset fick uppdraget att sköta om pilgrimer, eftersom här har funnits Via Francigena, den viktigaste pilgrimsvägen till Rom, och många folk passerade genom Siena.

De erbjöds gratis rum, måltider och en sorts kuponger för mat och dryck inom Sienas territorium när de fortsatte sina resor. Barnomsorgen har varit bra organiserad. Nunnor tog hand om små barn, vid 8 års ålder lärde de sig ett hantverk och alla vinster de gjorde förvarades åt dem. När de fyllt 18 år hade barnen möjlighet att lämna sjukhuset. I detta fall fick de alla sina sparade intäkter, flickor fick även medgift.

Santa Maria della Scala är berömd för sin konst. De yttre freskerna finns tyvärr inte längre (utfördes av Lorenzetti-bröderna på 1330-talet). Vi kan koncentrera oss på några vackra exempel.

Domenico di Bartolo (ca. 1400-ca.1447) fick uppdrag att föreställa sjukhusets välgörenhet i form av fresker till Sala del Pellegrinaio (1439-44). Det är konstnärens sista färdiga verk och absolut hans mästerverk. Målningarna illustrerar det dagliga livet såväl som sjukhusets historia. Domenico utformade fem scener med imponerande detaljer, där han skildrade verksamhetens vardag.

Fresken avbildar det innersta i sjukhusets verksamheten barn: är omhändertagna från början, senare döpta och till slut får de äktenskapets sakrament

Fottvagning- slutsatscen till den välkända motiv med Kristus
som tvättar sina lärjungars fötter

Pilgrimer får kläder, mat och en så kallade allmosa (nådegåva)

Barmhärtighetsverk : att mätta de hungrande blev ett vackert bildmotiv

Måltider serverades för de fattiga tre gånger i veckan. De sjuka fick också gratis mat och behandling. Det var ovanligt för tiden, men på sjukhuset fanns en säng för varje sjuk patient och lakan hölls rena!

Religiösa välgörenhetsinstitutioner verkade också i norra delen av Europa.

Mästare från Alkmaar (Nederländerna) verkade mellan 1490-1515. Hans smeknamn härstammar från en serie målningar som gjorde honom till medlem i Den Helige Andes vid Sint Laurenskerk. Märkte ni att även den protestantiska kyrkan var tillägnad Sankt Laurentius?

Målningarna hette också ”Sju barmhärtiga verk”. Pittoreska och realistiska folkscener framställer alla sju godhjärtade verk. Det är värt att kolla lite närmare på hur man behandlade fattiga i Alkmaar.

”Sju barmhärtiga verk ”(1504)
olja på trä, 101 x 55 cm
Rijksmuseum

1. Att mätta de hungrande

2. Ge dryck åt de törstande

3. Påklädning av nakna

4. Begrava de döda

5. Ge härbärge åt husvilla

6. Besöka de sjuka

7. Trösta och besöka de fångna

Vi kommer tillbaka till Italien och staden Neapel. Till broderskapet del Pio del Monte della Misericordia utförde den kända barokmästare Caravaggio (1571-1610 )altarverket ”Sju barmhärtiga verk” (1606-07). Konstnären skildrade alla sju handlingar i en enda komposition. Det ljusa ljuset är en metafor för barmhärtighet, medan resten av tavlan sjunker ner i starka kontraster av chiaroscuro.

Det som är så spännande med Caravaggio är att många av hans verk fortfarande finns kvar i de kyrkor som han målade för!

”Sju barmhärtiga verk ”
olja på duk, 390 x 260cm
fortfarande i kyrkan Pio Monte della Misericordia, Neapel
Oljemålningen visar den katolska doktrinen på ett majestätiskt sätt. Överst på tavlan finns jungfru Maria med barnet Jesus stött av två änglar. Hon representerar medkänsla och förlåtelse. Sju barmhärtiga verk avbildar traditionella exempel som hjälp till pilgrimer, stöd till fattiga eller sjuka. Kompositionen är dessutom mycket dramatisk, vilket är typiskt för Caravaggio.

Sammanfattning

Barmhärtigheten/välgörenheten är ett centralt tema inom Bibeln och har ofta fungerat som ett ledmotiv inom konsten under olika tidsperioder. Renässansen öppnade upp ett intresse för människan och hennes välmående. Men för att utvecklas som en individ-humanist var det obligatoriskt att ta hand om de mest utsatta och svaga i samhället. Konstnärerna ägnade stor omsorg åt den ikonografi som förmedlade välgörenhetens budskap.

Beundra bara deras verk!

En gång
Månadsvis
Årligen

Make a one-time donation

Make a monthly donation

Make a yearly donation

Välj ett belopp

5,00 Skr
15,00 Skr
100,00 Skr
5,00 Skr
15,00 Skr
100,00 Skr
5,00 Skr
15,00 Skr
100,00 Skr

Eller ange ett anpassat belopp

Skr

Your contribution is appreciated.

Your contribution is appreciated.

Your contribution is appreciated.

DonateDonate monthlyDonate yearly

Porträttgalleri: ”Noshörningen Clara”(1751)

Idag kommer jag att presentera ett ovanlig porträtt. Huvudpersonen, snarare sagt, huvuddjuren är indisk noshörning (Rhinoceros unicornis) som heter Clara. Vi har ganska mycket informationer om henne. Clara var sin tids stjärna. Hon föddes i Indien 1738 och var bara en månad gammal när hennes mamma dödades av jägare. Den unga noshörningen omhändertogs sedan av en hög tjänsteman från den holländska Östindiska Kampanjen och blev hon en husattraktion. Efter en kort tid sålde han Clara till sin kollega från företaget kapten Douwe Mout van der Meer (1705-75). Noshörningen fick en ny ägare och en riktigt agent.
Pietro Longhi ”Porträtt av noshörningen Clara” (1751)
olja på duk, 62 x 50 cm
Museo del Settecento Veneziano, Ca’ Rezzonico

Clara på resande fot (upps fötter)

I 17 år, fram till djurets död 1758, visade sjökapten henne i europeiska städer. Clara besökte många platser, hon var i Breslau, Krakow, Warszawa, London och Paris. År 1751 blev hon höjdpunkten på Carnevale di Venezia och porträtterades där på begäran av den lokala aristokraten Giovanni Grimani.

Vi vet inte mer om sådana ”underhålningsresor”, man hoppas bara att kapten tyckte om Clara och tog hand om henne. Han tjänade mycket pengar på faktum att noshörningen fascinerade det europeiska folket.

Vem avbildade familjen Grimaldi och Clara?

Den italienske målaren hette Pietro Longhi (1701-85). Han skildrade scener från vardagen: från besök hos frisör, apotekare till familjelivscener, konserter, evenemang och liknande. Longhi erbjöd alltid en glimt av vad som pågår ”bakom de stängda dörrarna”, bokstavligen och bildligt talat.

Clara poserar till Pietro Longhi

Tillbaka till porträttet.

Kompositionen är mycket intressant; trä staketet delar visuellt duken i två delar; förgrunden där Clara slarvigt äter hö, och bakgrunden där observatörernas finns. Några av nyfikna venetianerna bär masker, det var trots allt karnevalens tid!

Mannen längst till vänster, den arrogant skrattande person utan mask, är kapten van der Meer, han håller i handen Claras horn som hon antingen hade gnuggat av, eller så skars det av, men hur som helst ett nytt horn växte fram senare. I slutändan kan det finnas ett dolt skämt i målningen, eftersom djurets skadat horn kan vara en metafor som ofta används för äktenskapsbrott. Vissa konsthistoriker tror att han vill sälja Claras värdefulla utväxt från nosen. Pulvret från hornet ansågs vara ett beprövat afrodisiakum som återställer manliga krafter. Har det varit allusion till Grimaldis förhållande?

Giovanni Grimaldi hade ett privat menageri med många exotiska djur i sin villa på fastlandet

Men hallå, ni kollar inte alls på mig!

Åtta åskådare har kommit för att se föreställningen, noshörningen lugnt äter sitt foder. Ingen av betraktare observerar dock det monstruösa djuret. Varken eleganta damen med den trehörniga hatten eller mannen med lerpipan som mediterar fördjupad i sina tankar. Kvinnan i den gröna tittar åt andra sidan och hennes granne tittar orörlig genom en mask. Inte ens lilla tjejen visar intresse. Alla är stela i sin skenbara livlighet, overkliga bakom masken. Inför detta sällskapet står tyst Clara: tung, apatisk och majestätisk.

Ovanpå hänger affischen ”Vero Ritratto di un Rinocerotto” (trompe l`oeil) som bekräftar att detta är sanna porträttet av noshörningen. Men den venetianska society har blivit så konstigt, att det går inte att överraska dem med sådana typ av underhållning. Allt som är dold bakom masken väcker starkare känslor än ”vanlig” fast exotisk djur.

”Porträtt av noshörningen” är Pietro Longhis mästerverk

Det är utan tvekan en av främsta Longhis verk, som lyckades dokumentera venetianska familjescenen genom att placera Clara i den fascinerande atmosfären av karnevalen. I centrum av kompositionen finner vi Giovanni Grimaldi själv (som då var 23 år) bredvid sin vackra brud, Caterina Contarini, som skulle dö kort efter att ha fött deras enda dotter.

Longhis målning är ganska liten. Å andra sidan den franske målaren Jean-Baptiste Oudry hade målat Clara i full storlek.

Jean- Baptiste Oudry (1686-1755) ”Porträtt av Klara i Paris” (1749)
olja på duk, 310 x 456 cm
Staatliches Museum Schwerin
Visste Clara att hon var så känd?
Verket uppskattades mycket,
för att snart målade Longhi liknande tavlan på uppdrag av en annan venetiansk aristokrat- Girolamo Mocenigo.
Fyra maskerade ansikten vid räcket gör ett fantastiskt intryck. Mer karneval!

Clara träffar aristokrater, eller aristokrater träffar henne

År 1751 fortsätter Clara och kapten van der Meer deras resa. De passerade genom Verona på vägen till Wien. Nästa målet var London i slutet av året, där hon sågs av den brittiska kungafamiljen. Gent, Prag, Breslau (en andra gång) och Köpenhamn mellan 1753-55. Clara skapar publik, filosofer skriver om henne. Hon återvände till London 1758, där hon ställdes ut på Horse and Groom i Lambeth. Det var här hon dog den 14 april, ungefär 20 år gammal.

Heder och erkännande

1991 höll Natuurhistorisch Museum i Rotterdam en utställning om Clara. År 2008 skapades Clara Memorial på samma museum för att markera 250-årsdagen av noshörningens död.

Longhi lyckades dokumentera Claras besök i Venedig. Hennes porträtt berättar mer för oss om det venetianska samhället, om deras dekadenta stunder. En nypa salt på lyxiga tårtan!

Konstpegel behöver din hjälp mer än någonsin. 
Jag har inte någon bidrag för att driva portalen.
Om du gillar det här sidan och gillar att läsa mina artiklar - stöd mig! 
Även en liten belopp har en stor betydelse.
Tack!

Köpa damkläder online
köpa barnmöbler online 
köpa antikviteter online
köpa barnkläder online
Utländska casinon
En gång
Månadsvis
Årligen

Gör en donation en gång

Gör en donation en gång i månaden

Gör en donation en gång om året

Välj ett belopp

30,00 Skr
90,00 Skr
600,00 Skr
30,00 Skr
90,00 Skr
600,00 Skr
30,00 Skr
90,00 Skr
600,00 Skr

Eller ange ett anpassat belopp

Skr

Ditt bidrag uppskattas.

Ditt bidrag uppskattas.

Ditt bidrag uppskattas.

DoneraDonera en gång i månadenDonera en gång per år

Konstnärer från Uppsala

Uppsala är en stad med en rik konst- och kulturhistoria som har fostrat många konstnärer genom åren. Här är några av de mest framstående konstnärerna med koppling till Uppsala, samt några nutida talanger som bidrar till stadens kreativa scen:

Bror Hjorth (1894–1968)

En av Uppsalas mest kända konstnärer är Bror Hjorth, en av Sveriges främsta modernister. Han arbetade med både måleri och skulptur och är kanske mest känd för sina färgstarka och folkloristiska verk. Hans tidigare hem och ateljé är idag Bror Hjorths Hus, ett museum i Uppsala som visar upp hans verk och liv. Hans offentliga konstverk, som ”Resenären” vid Uppsala Centralstation, är en välkänd symbol för staden.

Olle Norås (1933–2019)

Olle Norås, en konstnär och grafiker med stark koppling till Uppsala, var känd för sina detaljrika och surrealistiska verk. Hans konst bär ofta en drömlik kvalitet och har inspirerat många inom både bildkonst och grafik. Han var också en viktig pedagog för kommande generationer konstnärer.

Göran Brunius (1903–1977)

En annan framstående konstnär från Uppsala är Göran Brunius, som var både målare och konsthantverkare. Han skapade många monumentala verk och hade en stor inverkan på den lokala konstscenen under 1900-talet.

Nutida konstnärer från Uppsala

Staden fortsätter att vara en grogrund för konstnärliga talanger. Här är några exempel på moderna konstnärer som är verksamma i eller har koppling till Uppsala:

  • Eva Zettervall är en samtida konstnär från Uppsala som är känd för sina expressiva målningar, ofta med motiv som utforskar människans inre liv och känslor.
  • Johanna Karlsson är en modern konstnär och illustratör som kombinerar traditionella tekniker med digitalt skapande och har uppmärksammats för sina detaljrika och berättande verk.
  • Petra Lindholm, med koppling till Uppsala, är en multimedia-konstnär som arbetar med både video och ljud. Hennes verk har visats på flera internationella utställningar och speglar ofta naturens skönhet och tidens gång.

Offentliga konstverk i Uppsala

Många konstnärer från Uppsala har också bidragit till stadens offentliga rum. Förutom Bror Hjorths ”Resenären” finns det flera andra konstverk att upptäcka runtom i staden, såsom skulpturer, muralmålningar och installationer som skapats av både etablerade och lokala konstnärer. Finns även många campingplatser i Uppsala samt även husvagnar och husbilar.

Konstscenen i Uppsala idag

Uppsala har en levande konstscen med flera gallerier och konstnärskollektiv. Institutioner som Uppsala Konstmuseum och Bror Hjorths Hus spelar en central roll i att främja och bevara konst från både äldre och nutida konstnärer. Staden är också hem till många kreativa ateljéer och konstnärsdrivna initiativ som ger nya generationer möjlighet att uttrycka sig.

Uppsala fortsätter att vara en dynamisk plats för konst och kultur, och konstnärer med koppling till staden lämnar sina spår både lokalt och internationellt.

Varför bli konst värdefullare efter konstnärens död?

Att konst ofta blir värdefullare efter konstnärens död är ett välkänt fenomen på konstmarknaden. Det beror på flera psykologiska, ekonomiska och marknadsmässiga faktorer. Här är en utförlig förklaring:

1. Begränsad tillgång

När en konstnär lever kan hen fortfarande producera nya verk. Efter döden blir antalet konstverk slutgiltigt.

  • Färre tillgängliga verk → högre efterfrågan → högre pris.
  • Detta gäller särskilt för konstnärer med stark efterfrågan medan de levde.

Ekonomiskt kallas detta för knapphetseffekt.

2. Ökad historisk och kulturell betydelse

 snabblån direkt

Efter döden börjar ofta konstnären betraktas mer som en del av konsthistorien.

  • Konstverket får status som “klassiker” eller historiskt dokument.
  • Historiskt värde kan locka samlare och institutioner, vilket driver upp priserna.
  • Konstnärens liv och karriär blir mer dokumenterad och intressant.

3. Spekulativ efterfrågan

  • Många investerare köper verk med vetskap om att tillgången är begränsad efter döden.
  • Detta ökar efterfrågan och kan höja priser på både små och stora verk.
  • Auktioner tenderar att dra nytta av detta psykologiska tryck.

4. Märkbar förändring i samlarkretsen

  • Levande konstnärer kan sälja direkt via gallerier, ofta till ett begränsat pris.
  • När konstnären dör ökar konkurrensen mellan samlare och institutioner, eftersom ingen ny konst kan skapas.
  • Auktioner blir ofta mer intensiva och priserna kan stiga kraftigt.

5. Psykologiska effekter

  • Död ger en känsla av exklusivitet och prestige.
  • Att äga ett verk från en avliden, känd konstnär ger status.
  • Samlare är ofta villiga att betala mer för det “sista verket” eller sällsynta verk.

6. Exempel på effekten

Historiskt har vi sett detta fenomen:

  • Vincent van Goghs verk var nästan okända under hans liv, men idag säljs de för hundratals miljoner kronor.
  • Pablo Picassos verk ökade i värde dramatiskt efter hans död 1973.
  • Moderna och samtida konstnärer kan också uppleva prisökningar efter sin bortgång, särskilt om de redan hade ett starkt rykte.

7. Undantag

  • Inte alla konstnärer blir mer värdefulla efter döden.
  • Konstnärer som inte har byggt ett starkt rykte eller som inte har samlarintresse kan se sina verk förbli lågt värderade.
  • Efterfrågan måste finnas – det räcker inte att konstnären är död.

Sammanfattning

Konst blir ofta mer värdefull efter konstnärens död på grund av:

  1. Begränsad tillgång – inga fler verk kan skapas.
  2. Historiskt och kulturellt värde – konstnären betraktas som del av konsthistorien.
  3. Spekulativ efterfrågan – samlare och investerare vill säkra sällsynta verk.
  4. Prestige och psykologiska faktorer – ägande blir exklusivt.

Kort sagt: död + knapphet + efterfrågan = högre pris på konst.

Saker att tänka på innan du lånar för att köpa konst

  1. Värdering av konstverket: Se till att konstverket har ett autentiskt värde och att det är verifierat av en auktoriserad värderingsman.
  2. Ränta och villkor: Lån utan säkerhet har oftast högre ränta än lån med säkerhet, så jämför olika alternativ noggrant.
  3. Konstens likviditet: Kom ihåg att konst inte alltid är en likvid tillgång, vilket innebär att det kan vara svårt att sälja snabbt vid behov.
  4. Skatter och avgifter: Vid konstinköp kan skatt och försäkring vara viktiga faktorer att ta hänsyn till.

Genom att kontakta din bank och fråga om deras erbjudanden kan du få en bättre förståelse för vilka alternativ som passar din situation. Om du handlar konst för investering eller samlande är det ofta en bra idé att konsultera en ekonomisk rådgivare eller konstexpert innan du lånar pengar.