Utvalda

ANDREA del SARTO

ANDREA del SARTO (1486-1531) en italiensk målare född Florens,vars karriär blomstrade under högrenässansen.Han skapade  fresker,altartavlor, porträtter och teckningar. Giorgio Vasari betraktade del Sarto som en konstnär senza errori ("utan fel"). Men hans berömmelse försvann snabbt efter hans död. Kanske därför att efter honom verkade sådana kändisar som da Vinci, Michelangelo och Raphael.
Jag vill gärna ta honom tillbaka till konsthistoria!

”Självporträtt”(ca.1528), Corridorio Vasariana, Uffizi

Andrea del Sarto fick sin smeknamn tack vore far Agnolo di Francesco, som var skräddare- på italienska sarto. Ung Andrea lärdes till en guldsmed och sedan till målare hos Gian Barili och Piero di Cosimo. Tillsammans med vän (Franciabigio) öppnade egen målning studio in Florens och fick första uppdrag. Efter en tid blev han självständig och dekorerade med fresker korsgång (Chiostro dei Voti) i Basilica Santissima Annunziata. Arbete pågår 1509-1514 och är exempel på början av den florentinska manierismen.


St. Filippo botar en spetälska.
”Florentinarna sköter om St. Filippo relik.”
Detalj
(Andrea della Robbia)

”Straff”

”San Filippo Benizis död och en pojkes uppståndelse”.
Viaggio dei Magi
”Maggi`s resa”
Detaljen med Medici-giraff
En giraff var en gåva för Lorenzo de Medici 1487 från sultan i Egypten. Det väckte en stor uppståndelse vid sin ankomst till Florens: även om Medici Familje hade ett stort menageri så var det första gången giraffen ett levande exempel hade sett i staden. Den överlevde inte länge och en annan giraff sågs inte i Europa på nästan 300 år(!)

Två sista fresker avslutade del Sarto i 1514.

”Jungfru Marie födelse”
Del Sarto återvände 1525 för att måla i Annunziata-klostret ”Madonna del Sacco”, i en lunett uppkallad efter en säck
Verket är bland konstnärens mest berömda, en monumental vision med en elegant komposition. Maria håller barnet i knäet, lutar sig teatralt mot betraktaren och går utöver den perfekta ramen med kjolens mycket stora draperi. Lite bakåt, i profil, är en ung St. Josef,läsande en bok. Han lutar sig på en säck, som ger det traditionella namnet på målningen, och som betecknar scenen som vila på flyget till Egypten.

Alla detta fresker hjälpte till att positionera Sarto som en ledande florentinsk målare (!).

Noli me tangere” är den latinska översättningen av de ord som den uppstigna Jesus sagt till Maria Magdalena- ”rör inte vid mig, jag har ännu inte stigit upp till min fader” (Joh. 20:17) . Verket var det första som framfördes för kyrkan San Gallo i Florens av Andrea del Sarto.
Scenen utspelar i en muromgärdad trädgård, kanske kloster(?). Enormt palmträd till vänster hänvisar till Kristus martyrdomen. Ikonografin och den traditionella miljön, med en mjuk och nyanserad ritning, härledd från exemplet av Piero di Cosimo, konstnärens första mästare.

”Noli me tangere”(1510)
176×155 cm
Uffizi

Han skapade det som kanske är hans mästerverk:

  • ”Madonna delle Arpie””(1517) beställdes av klostret San Francesco dei Macci och skulle avbilda Jungfru med barn omgiven av heliga Johannes Evangelisten och Franciskus + två änglar. Målningen avviker från ursprungliga tankar och presenterar Maria med Jesus på en piedestal, flankerad av två helgon. Sockeln är dekorerad med kvinnliga figurer tolkades som harpier och gav således upphov till namnet.

Konstnären arbetade i många toskanska kloster. Fresker i Chiostro della Scalzi (1515-26) uppfördes i tekniken en grisaille, berättar om St. Johannes.
Den teknik utvärderar konstnärens extraordinära skicklighet i ritning. Målningar kommer att kopieras av generationer av målare.

”Jesus dop i Jordan av Johannes döparen”
Skiss till Johannes huvud
  • Nattvarden”utförd för San Salvi kloster (1519-27) (fortfarande inne!), där alla karaktärer tycks vara porträtt. Konversationen mellan Kristus och lärjungarna äger rum i den realistiska miljön i ett rum med tre stora fönster genom vilka man kan se himlen.
”Il Cenacolo”eller ”L’Ultima Cena
så låter på italienska.


Andrea del Sarto gick bort från de befintliga mönstren och introducerade två tjänare som tittade på scenen från loggian. Detta är början på ”fullbordandet” av evangeliet, som snart kommer att leda bland annat Paolo Veronese i Venedig till inkvisition domstolen…

  • Pieta från Luca”(1527) avbildar en sörjande Jungfru Maria vid sin döde sons kropp i sällskap av helgonen. Han målade den tavlan till kloster Luco i Mugello, östre om Florens. Monumentala figurer påminner om den tidiga manierismen.
238 × 198 cm
Galleria Palatina, Florens
  • Madonna della Scala”(1522-23) inspirerades av liknande tavlan av Michelangelo. Del Sarto tog från honom draperi-, rörelse- och komposition lösning.
177×135 cm
Museo del Prado, Madrid
  • Offrandet av Isaaks”(ca.1527)
  • Historien som inom judendomen traditionellt kallas AKEDA– bindandet av Isak har varit närvarande i konsthistoria från gamla tider. Denna dramatiska scen avbildades av en ung del Sarto (han var knappt 30-årig). Abraham håller sin son på offeraltaret med sin vänstra hand och håller fast kniven med sin höger. Abrahams och Isaks smärtsamma ansikten bryter konventionen om traditionell renässansmålning och är redan en förhandsvisning av manierism.
  • Det finns 3 avslutade versioner av verket, en hänger i Gemäldegalerie (Dresden) och andra i Prado-museum.
Cleveland Museum of Art, Denver
  • Bebådelsen” (1512) målades för den augustinska kyrkan San Gallo i Florens. Tavlan visar konstnärens fascination för Michelangelo, Santi och teknik-sfumato. Maria dominerar på vänstersidan och Gabriel med änglar till höger. Budbärarna går på molnet och deras ansikten är fulla av känslor. Bakgrunden för scenen är ruiner av en forntida byggnad.
  • Andra”Bebådelsen”(1528) avbildar på ett vackert sätt det ögonblick i vilket ärkeängeln Gabriel överlämnar budskapet till Maria att hon ska föda Guds son, Jesus.
”Bebådelsen”(1512)
Palazzo Pitti

”Bebådelsen” (1528)
96×189 cm
Galleria Pitti, Firenze
  • Andrea arbetade i den benediktinska kloster Vallombrosa (1528-29) med polyptyk ”Pala di Vallombrosa”
Olja på tavla , 200G
Galleria degli´ Uffizi, Firenze
  • En av sista var tavlan ”Jungfru Marie himmelsfärd” (1530). Verket hade målats också för Vallombrosa-klostret i Poppi tillägnad San Fedele di Como. Andrea del Sarto oavslutade vid sin död och resten utförde vincenzo Bonilli, känd som Morgante
  • Den nedre halvan framställer fyra helgon i den klippiga landskapet medan den övre halvan visar Madonna i härlighet, sittande i ett moln i en ljuskrona på huvud och med små änglar.
Galleria Palatina, Florens
309×205 cm
  • Kejsarens skatt”(ca.1520) fresken som dekorerar Medici villan i Poggio a Caiano avslutades av Alessandro Allori (ärlig talat förstörades av honom i 1582) Scenen utspelar på trappan till en majestätisk klassisk byggnad, känner vi igen i centrum Cesare / Lorenzo de ‘Medici med lagerkrans, som tar emot några ambassadörer. De förde många gåvor,inklusive den berömda Medici-giraffen, en gåva från sultan i Egypten 1487.
502 x 526 cm
https://click.adrecord.com?c=34582&p=419
  • PORTRÄTTER
  • ”Portrait of a Women with a Basket of Spindles””(ca.1516)
Galleria degli Uffizi
1517-18
National Gallery London
1528-30
Metropolitan Museum of Art
San Giovannino (1528)
Galleria Palatina
”Lucrezia del Fede”(1513-14)
hans fru
Prado, Madrid
”Dama col petrarchino” (1528)
”Lady with a book of Petrarch`s rhyme”
Uffizi


Andrea del Sarto anses vara en av de största konstnär under högrenässansen. Färg och mjuka former var extrem viktiga för honom, vilket gjorde honom till den bästa kolorist utanför Venedig. Bland hans elever och efterföljare fanns Jacopo Pontormo, Rosso Fiorentino, Francesco Salviati.


MODERN KONST: Lennart Samor

Konstspegel borde presentera lite oftare samtida artister, nya efternamn, artister som inspirerar och är populära i den svenska konstvärlden. Idag helt slumpvis har jag valt Lennart Samor, född 1971 i Norrtälje, bosatt i den vackra Östersund.

”Alice” – 73 x 92 cm, akrylmåleri http://Alice Lennart Samor Måleri Akryl 73 x 92 cm 2019

Lennart berättar gärna om sig själv och sin konst :”Jag tänker oftast bilder i berättelser och bygger upp historier av det jag ser och av de jag möter. Mina uttryck och motiv är därför för mig oftast berättelser i olika former. Ibland är det historier som jag i mina tankar spelar upp och sedan visualiserar och ibland sådant jag upplever och ser. Mitt bildspråk är figurativt men när jag letar i former i motiven så kan ibland motiven upplevas abstrakta”.

Han observerar vardaglighet och berättar enkla, förståeliga historier. Han kunde vara en bra författare! Mest, gillar jag hans serie målningar om tiden som vi alla har problem med. Vad hände med tiden som vi tappar medan vi väntar …i busskö, i tvättstugan. Känner ni denna tidens outhärdlig tik-tak? Är detta ”väntetid” samma värdefull som den andra? Hur ofta lever vi och hur ofta väntar vi för att leva? Kolla närmare på Lennarts Samor måleri!

”Tonåringar”(2020)
100 x 80 cm
”I väntan” (2020)
100 x 80 cm
”Drosophelia” (2019)
73 x 92 cm
”Kl. 22.26 the tube”
50 x 50 cm
”Någon annanstans”
50 x 50 cm
”Bevarade tankar”
50 x 50 cm


Hur vacker avbildar Lennart naturen och miljön som finns runt honom. Allt är ett berättelse som kan ske i Norrtälje, Stockholm eller Östersund!

”Picknik” (2018)
50 x 50 cm
”Bokskog”(2020)
100 x 80 cm
”Björnö”
80 x 100 cm
”Minnesgården 2”
”Odensala ängar” (2017)
100 x 100 cm

Fascination av ytor, vinklar och färgstark palett präglar hans måleri. Har ni sett skuggor under vattenyta?

”Under vatten” (2018)
100 x 100 cm
”Alghero” (2017)
100 x 100 cm
”Kefalonien” (2017)
70 x 70 cm

Lennart Samor hyllar Östersunds vintersporter som har faktisk en lång tradition i början av 1900-talet. Coubertins olympiska ideal var alltid levande vid de Nordiska spelen. Sportmotiv visar rörelse, dynamik och är en spännande måleri äventyr!

”Colour of Biathlon”
”Biathlon”(2015)
100 x 100 cm

Lennarts konst får man gärna köpa direkt efter kontakt med honom på http://www.lennartsamor.com/

eller hos Artely https://www.artely.se/lennart-samor/

Picasso och Cranach- en kreativ möte.

Det är inte ovanligt att stora, moderna konstnärer har inspirerats av tidigare mästare. Pablo Picasso har parafraserat så många bland annat: El Greco, Velazquez, Delacroix eller Courbet. När Picasso vänder sig till den tyska renässanskonsten hade man kanske kunnat vänta sig att det blir Durer eller Holbein. Varför Lucas Cranach den äldre engagerade den åldrande Picasso?

”Mötet” mellan Picasso och Cranach skedde mest av en slump, när han fick en museikatalog från Berlin med 500 svartvita bilder ”David och Batseba”. Den album blev som en riktigt inspirationskälla. Mellan 1947-49 utförde Picasso en serie litografier som är varianter på Cranach`s målning.

1.”Portrait de Jeune Fille”(1958)
Museo Picasso Malaga
2.Lucas Cranach den yngre ”Female Portrait” (1564)
Kunsthistorisches Museum, Wien

Den här målning var baserat på ett vykort som skickades till Picasso av hans återförsäljare Daniel-Henry Kahnweiler av en verk skapades av Lucas Cranach den yngre från Kunsthistorisches Museum i Wien.

”David och Batseba”, litografi (1947)
Nationalmuseum
”David och Batseba”(1526)
Gemäldegalerie, Dresden

https://click.adrecord.com?c=34582&p=1065

Picasso beundrade hos Cranach hans arkaisk stil, trots renässansartade lösningar. När man kollar närmare på original upptäcker man hur Picasso byggde upp sin komposition och gradvis förandrades. Arkitektur är fortfarande viktigt för figurernas placering.

En annan versionen från 1534
En vacker detalj för modeälskare!

1949 gjorde Picasso ”En ung flicka” i litografi efter Cranachs brudporträtt från 1526 av den 14-åriga saxon prinsessan Sibylla av Cleve. Porträtten framställer fortfarande en ung kvinna men är överdriven i det ornamentala detaljer.

Picasso ”Ung flicka”(1949)
Litografi
Bibliotheque National, Paris
”Sibylla av Kleve”(1526)
Schlossmuseum, Weimar

https://click.adrecord.com?c=34582&p=1065

”Venus och Amor

Redan 1942 hade Picasso gjort en tuschteckning i stort format efter Cranachs träsnitt av samma ämne (från 1509). 1949 återkommer han till temat i en serie där målningen ”Venus och Amor” interpreteras på nytt. Första variant är mer kubistiskt för att sedan blir det mer figurativ.

”Venus och Amor som honnungstjuv” (1949)
”Venus och Amor”(1634)
Bayerisches Museum
”Venus och Amor som honungstjuv”
ca.1530
1949
1949


Pablo Picasso, en produktiv och outtröttlig konstnär, påverkade konstvärlden med enastående storlek. Inspirerad av afrikansk, iberisk konst och världen runt honom, bidrog Picasso avsevärt till ett antal konstnärliga rörelser, som kubismen, surrealismen, nyklassicismen och expressionism. Picassos verk lista innehåller över 20 000 målningar, tryck, ritningar, skulpturer, keramik och kostymdesign. Hans inspirationer av Cranach bekräftar bara att i konsten finns inga, absolut inga gränser.

Alessandro Magnasco- hektisk, nervös och egenartad konstnär från Genua.

Alessandro Magnasco, även kallad il Lissandrino på grund av sin korta figur, föddes i Genua 1667 och död 1749, var en italiensk sen barockmålare. Han var mest känd för stiliserade, fantastiska, ofta ossanolika scener. Alessandro var sonen till en mindre känd målare, flyttade sig efter att ha studerat i sin hemstad till Milano, där han arbetade längre hos Filippo Abbati. Möte med Sebastiano Ricci var avgörande till hans karriär och stilen(1703-09).

Korta fakta från livshändelser:

  • Vid 20 års ålder började han sin konstnärliga karriär
  • Från 1697 kommer hans första kända målning ”Munkar i ruiner”, för närvarande förvaras i privata samlingar i Milano
  • Under åren 1703–1711 stannade han i olika städer i Ligurien, Emilia och Toscana
  • Från 1703 förblev Magnasco i tjänst hos Grand Duke Ferdinand de’Medici (1663-1713) i Florens. Hans nära samarbetspartners under denna period (medhjälpare till några av hans verk) var landskapsarkitekter: Clemente Spera, Antonio Francesco Peruzzini, Carlo Antonio Tavella och Marco Ricci
  • 1711 återvände han till Milano, blev självständig och befriade sig från samarbete med andra målare
  • Alessandro började måla sina scener med munkar och landskap med figurer
  • Under åren 1720–1725 skapade han en serie målningar på uppdrag av guvernören i Milano
  • Han arbetade för de inflytelserika familjerna: Borromeo och Visconti
  • 1731 skedde ett genombrott i hans arbete: dramatiska accenter började dominera i målningar och deras färg blev nästan monokromatisk
  • 1735 återvände han till Genua, där han bodde ensam till sin död. Verken från denna period har en mer glad färg och liknar ungdomens stil. Hans mest berömda målning skapas då, som upprätthålls i en ljus ton ”Picknick i Albano-trädgården”
  • Han dog 82 år gammal
”The Tame Magpie”(1707-08)
Vad framställs här?
Detta är helt ovanlig! Folk tränar en skata.
Metropolitan Museum of Art, New York


Efter 1710 började Magnasco producera små dukar med kusliga och dystra landskap och ruiner. Människorna i hans målningar var ofta i rörelse, nästan flytande: tiggare, soldater, munkar eller eremiter. Allt skapades i flimrande, nervösa penseldrag. Ofta handlar tavlor om ovanliga ämnen som tjänster i synagogan, rånares sammankomster, naturens katastrofer och förhör av inkvisitionen. Varför han valde dessa ämnen är generellt oklart. Magnasco fann också samtida beskydd för sitt arbete, bland framstående familjer och samlare från Milano, t.ex Arese och Casnedi.
Påverkningarna på hans arbete är också otydliga. Vissa misstänker inflytande av Sebastiano Ricci (1659-1734), Domenico Piola (1627-1703) och Gregorio de Ferrari (1647-1726).

”Laterna Magica” (1703-11)
Nationalmuseum, Warszawa
”Bachanalia”(1710-20)
Ermitage
”Vanrande berättare” (1710-40)
Nationalmuseum, Poznan
”Tvätterskor och skogsarbetare”(1712-15)
Nationalmuseum, Krakow
”Landskap med zigenare och tvätterskor”
Indianapolis Museum of Art
”Rånare vilar” (ca.1710)i samarbete med Clemente Spera
Ermitage
”Lazarus väckes frän de döda”(1715-40)
Rijksmuseum, Amsterdam
”Zigenare`s bröllop”(1730-35)
Louvre
”Franciskaner begravning”(ca.1730)
Konstmuseum, El Paso
”Noli me tangere”(ca.1705-10)
J.Paul Getty Museum, Los Angeles
”Josef tolkar faraons drömmar” (ca.1726-31)
134 x 177 cm
At Robilant & Voena


Mystiskt, mörkt och fantasifullt tänkt fängelset där Magnasco har placerat Josef är ett exempel på hans unika och omistliga stil. Till skillnad från hans samtida kollegor, som föredrog ljusa, glödande färger, föredrog Alessandro Magnasco den dramatiska kontrasten mellan ljuset och mörkret.

”Förhör av Inkvisitionen” (ca.1710-20)
Kunsthistorisches Museum, Wien
”En judisk begravning ”(ca.1720)
Musée d’Art et d’Histoire du Judaïsme, Paris
”Garden party in Albano” (ca.1740)
Musei di Strada Nuova, Genova
Palazzo Bianco
”Kristus på Galilea-sjön”(ca.1740)
National Gallery of Art
”Exorcismes of the Waves”(ca.1735)
Memorial Gallery of Art
” (1736-37)The Observant Friars in the Refectory
Oil on canvas, 176 x 143 cm
Museo Biblioteca Archivio, Bassano del Grappa
Bassano Civic Museum

Mängden av munkar och rika dekorationer antyder att detta inte är en vanlig middag utan någon högtidlig samling i den franciskanska klostern.

”En poet och en fågel” (ca.1710-40)
National Museum of Ancient Art, Lisabon
”Den heliga rån”(1731)
160 x 240 cm
Museo Diocesano in Milano

Målningen illustrerar ett brott som begicks den 6 januari 1731. Tjuvar försökte bryta sig in i kyrkan S. Maria i Campomorto i Siziano (Pavia) för att stjäla de heliga fartygen som används under mässa. De sågs av skelett som utfärdades från gravarna på den omgivande kyrkogården. Den makabra scenen äger rum framför Jungfru Maria, som försöker lugna kaos. Tjuvarna kommer att få sin straff genom att hängas.
Duken tillhör den kyrka där stölden ägde rum, men av säkerhetsskäl bevaras den i Milanos Museo Diocesano.

”Eremita i öknen”(1700-04)
Museo Lasaro Galdiano

Stil

Magnascos verk kännetecknas av en nervös, skissartad stil och ett onaturligt vibrerande, skimrande ljus, vilket ökar känslan av fantastiskhet och groteskhet i hans konst. Ett karakteristiskt drag är streck av mörka färger med en övervägande av bruna, gråa, svarta och vita med små accenter av rött, blått och gult. Allt detta utgör hans originalitet.

Han var en föregångare till romantiker, impressionister och expressionister. Han påverkade konstnärernas arbete som: Marco Ricci, Giovanni Battista Tiepolo, Francesco Guardi samt Francisco Goya och Honoré Daumier. Magnasco dog utan att lämna några studenter, utan att få några imitatörer. Under hela 1800-talet var han helt glömt. Romantiker beundrade hans landskap, inte ens veta namnet på deras skapare. Han upptäcktes och uppskattades igen först i början av 1900-talet och har fått sin originalplats i konstvärlden.

ZURBARAN – en spansk Caravaggio.


Francisco de Zurbarán (1598-1664) var en spansk målare, särskilt känd för sina skildringar av munkar, nunnor och martyrer. Francisco föddes i Fuente de Cantos i Extremadura 1598. Som barn gillade han att rita i träkol och vid 16 års ålder skickade hans far honom till Sevilla för att träna som konstnär. Först var vid Juan de Roclas-skolan i sin hemstad, senare kom han till verkstaden hos Pedro Diaz de Villanueva. 1617 blev han utbildad målare, gifte sig och skaffade tre barn.

1622 var han redan en erkänd konstnär, att han anlitades för att måla ett altartavla till sin stad. Hans stil präglas av Caravaggio och chiaroscuro, en form av konst som kännetecknas av starka och djärva kontraster mellan ljus och mörk, som påverkade hela kompositionen.

Första viktiga verk:
Zurbarán var känt som en målare av storskaliga religiösa tavlor, mycket efterfrågade för kyrkor och kloster i hela Spanien och den nya världen. Hans färgpalett är begränsad och hans kompositioner strikt enkla; kombination med detalj och stark belysning, ger åt hela måleriet en intensiv, nästan mystisk närvaro. Dags att träffa lite närmare Francisco de Zurbaran!

  • Kristus på korset” utförd i 1627, en tavla som var så beundrat av hans samtida att Sevillas kommunalråd övertalade Zurbaran att etablera bostad, atelje i denna spanska staden. Kristus är spikad vid grovt träkors, den ljusa vita duken som draperas runt midjan står i kontrast till den välformade kroppen. Det outhärdliga lidandet gör plats för den sista önskan- uppståndelse. Zurbaran visar detta visuellt, på ett genialt sätt!
”Cristo en la Cruz” (1627)
290 x 168 cm
Institute of Art, Chicago

För jämförelse visar jag Diegos Velazquez verk om samma motiven:

”Korsfasten Kristus”(1632)
250 x 170 cm
Prado, Madrid
  • Zurbarán undertecknade ett nytt uppdrag 1628 med klostret Nuestra Señora de la Merced Calzada. Han målade till salen De profundis målningen av San Serapio, en av martyrerna, som dog 1240 efter att ha torterats, troligen av saracenska pirater.
”St: Serapion” (1628)
120 x 103 cm
kolektion Woldsworth Atheneum, Connecticut

Den mercedarisk kloster var en riddarerodning som grundades i Barcelona 1218 av Peter Nolasco. Munkarna praktiserade de traditionella löftena om kyskhet, fattigdom och lydnad. Huvudsyftet med denna religiösa församling var att befria kristna slavar från muslimska händer. Konvent hade två grenar: prästerskap och riddare. Bröderna-riddare hade ett separat löfte att slåss mot Morer för att befria hela Spanien från sina händer.

”Fra Francisco Zumel”(1633) från Mercedariekloster
204 x 122 cm
Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, Madrid
”Fra Pedro Machado” (1630-34)
  • 1626 nästa stora uppdrag var ett kontrakt med en dominikanorden-San Pablo el Real i Sevilla. Zurbarán producerade 21 målningar på åtta månader. Fjorton av verk skildrade St. Dominicus liv, de andra representerade St. Bonaventura, St. Thomas av Aquino
”St. Bonaventuras begravning”(1629-30)
245 x 220 cm
Louvre, Paris
”Apoteos av Thomas av Aquino” (16319
475 x 375 cm
Zurbarán fick i uppdrag att måla denna apoteos och fick exakta instruktioner om dess utförande: verkets dimensioner, positionering, karaktärer etc. Den enorma duken bör placeras i Colegio de Santo Tomás de Sevilla. Denna skola har utbildat framtidens läkare, så ämnet är inget annat än en upphöjning av kollegiets och dess munks arbete.
  • 1630 utnämndes han till hovmålare för kungen Filip IV. Uppdraget var att utsmycka det nya kungliga palatset, Buen Retiro i Madrid med en svit målningar, som  Herkules stordåd (1642)
”Herkules stordåd” (1634)
Prado
Den kanske mest ovanliga aspekten är den visuella plaggs brinnande. Zurbarán verkar förena Hercules med de kristna martyrer som han skildrade så ofta. Herkules smärta blev vår smärta, och lidandet av hans död blev mycket närvarande.
”Försvaret av Cádiz mot engelsmännen” (1634)
Museo del Prado
  • Från 1628 till 1640 arbetade han på ett större antal målningar för Hieronymusklostret i Guadalupe
”St.Jerome frestelser”

”Padre Gonzalo de Illescas” (1639)
”Bröder Juan de Carrions farväll ” (1637-40)
Guadalupekloster
  • 1634 första resa till Madrid, Zurbaran träffade sin vän Diego Velazquez och beundrade verk av italienska konstnärer som Guido Reni
  • 1635 stannade konstnären igen i Sevilla och började ett framgångsrikt decennium
  • 1636 en stor serie bilder av heliga kvinnor. De skapades för olika religiösa institutioner. Han framställer vanligtvis unga och mycket eleganta kvinnliga karaktärer, fyllda med skönhet och fred, utan tecken på smärta eller lidande. Målningarna kritiserades som för mycket pompösa och utsmyckade. Heliga såg ut som vanliga andalusiska damer. Zurbarán försvarade sig mot kritik och argumenterade att de vackra klänningarna gav karaktärerna realism och stärkte de troendes tillbedjan.
”St. Cassilda”(ca. 1630)
171 x 107 cm
Museum Thyssen- Bornemisza
”St. Isabel de Portugal” (ca.1635)
Prado
”St. Apolonia” (1636)
Louvre
”St.Lucia”
”St.Ursula” Genova,
Musei di Strada Nuova
”St. Margareta i fårdräkt”(1630-34)
National Gallery, London
Hon avbildades i en bondeklänning från Andalusien. Den färgglada väskan står i kontrast till den mörkblå jackan. Hon åtföljs av det traditionella drakeattributet.
” Abbot Hugo av Cluny i kartusianernas refektorium” 
(ca.1633-35)
262 x 307 cm
Museo de Bellas Artes, Sevilla
  • St.Hugo vördas som helgon i den romersk-katolska kyrkan. Zurbaran avbildar kartusianer i sina vita dräkter, framför varje munk är en skål med kött och bitar av bröd. Den enorm stor tavla visar Bruno av Köln, som grundade konvent i 1084 och de sex andra medlemmar
  • 1639 Zurbaran målade också en serie målningar för kyrkor till spanska kolonier i Amerika och exporterade dem genom sin hustrus familj, bosatt i Peru. Men han hade problem med att få betalt för sitt jobb
  • Francisco de Zurbaran avbildade ofta ”Poverello” från Assisi, St. Franciskus ett av de mest Kristus-lika helgonen:
St. Franciskus (1632)
Museo Nacional de Bellas Artes, Buenos Aires
”Den helige Franciskus i bön”(1635-39)
National Gallery, London
De flesta av ”franciskanerna” runt om i världen målade av Zurbarán kommer också från denna period, framställda på knä, stående eller i ekstasi.
”Agnus Dei eller Guds lam” (ca. 1635-40)
Prado
”St. Franciskus in extasen” (1658)
Alte Pinakothek, Monachium
”St.Franciskus av Assisi enligt påven Nicholas vision”(ca 1640),
olja på duk
110 x 180,5 cm
Museum Nacional d’Art de Catalunya, Barcelona
”St. Franciskus in meditation”(1639)
National Gallery, London

Målningen representerar den tridentinska ikonografiska linjen,
-en asketiskt inställning
-mystisk kontemplation
helgonet håller en skalle nära bröstet, en traditionell symbol på askes. Franciskus mediterar över döden. Hans klänning rivs på ärmen för att visa hans fattigdom. Bakgrunden är slätt och mörk vilket ökar målningen intensitet.


Målarens hela verk skapades i tjänst för kyrkan och motreformationen. Religiösa scener bekräftade den katolska kyrkans position, en nya ikonografiska regler visade helgonen mediterande i naturlig storlek för att närma de för oss.

”Veronikas duk” (1650)
Nationalmuseum, Stockholm
Zurbaran avbildade svetteduken i dramatisk sidbelysning och med en hyper-realism som väckte respekt hos betraktaren.

Zurbarans sent arbete är en av de mest intressanta och det verkar som att målaren självporträttades i figuren av St. Lukas. Konstnären fortsätter med mörk naturalism och scenen är mycket realistiskt. Det starka ljuset från vänster skapar kontraster mellan områden med ljus och skugga, som Caravaggio`s ärv.

”St. Lukas som målar korsfästelsen” (c.1650) även känd som korsfästelsen med helgen Lukas
Prado

Sista men inte minsta är Zurbarans stillebenmåleri- lugna, välbyggda kompositioner med utmärkt återspegling av materi. Han utförde några av nature morte tavlor:

”Stilleben med frukter och en rosa” (1633)
The Norton Simon Foundation, Los Angeles
”Bodegon con cacharros”(1633)
Prado


Bodegones” imponerar med sin originalitet, föremål målade Zurbaran ceremoniellt. Objekten är arrangerade på samma plan. Det är ett galleri med former, storlekar och olika material. Han arbetade noggrant, ljuset passerade porslinet, lera- vas och till slut den kalla metallen. Jag har skrivit om bodegones i januari-inlägg. Låt mig citera ”Zurbarans stilleben är enkla och visar respekt till vardagliga frågor. Här finns ordning, varje objekt har sitt plats och inget är viktigare än den andra. En religiös symbolik är tydlig. Tre grupper av föremål anordnades i asketisk ordning kan symbolisera den heliga treenigheten. Bildkompositionen är mycket minimalistisk, man vill stanna längre och kontemplera…”

Det var först 1658, sent i Zurbaráns liv, som han flyttade till Madrid på jakt efter arbete och förnyade sin kontakt med Velázquez. Den populära rykte att Zurbarán dör i fattigdom, var falskt. Vid hans död var värdet på hans gods cirka 20 000 reales. Hans hus (Fuente de Cantos) har blivit museum och väcker intresse hos många av turister.

https://www.fuentedecantos.eu/casa-de-francisco-de-zurbaran/

FABIO HURTADO – por amor al arte.

Fabio Hurtado är en spansk contemporary konstnär, känd för sina intima verk som visar det feminina universum i ett urbant omgivning. Hans konstvärld flyttades i tiden till den industriella moderniteten, till 1920-talet. Hurtado föddes 1960 i Madrid av italiensk mor och spansk far. Han pluggade på Universidad Complutense de Madrid, 1984 tog examen och etablerade sin första atelje.

För 100 år sedan var Paris och Italien som konstnärens inspirationskälla. Idag tar man Asien, USA istället. Så här gjorde Hurtado. Och en genombrott. I flera år kombinerade han sitt lärararbete med kreativ produktion för att uppnå international nivå. Under sin karriär har Hurtado fått viktiga priser och utmärkelser:

  • 1995 fick han Spaniens hedersmedalj som tilldelats honom samt till ytterligare nio konstnärer
  • samma år antas Hurtado till den akademiska senaten vid Akademi för Modern Konst i Rom
  • 1998 valdes en av hans målningar till omslaget ”Financial Times Telecoms World”
  • 1999 förvärvar Ulster Museum Hurtados några verk
  • 2004 utnämndes hans sex tavlor för att illustrera en filatelisk serie ”Kvinnor och läsning”, utgivna av Correos de Espana för att förbättra den kulturella integration av kvinnor i detta land
  • Fabio Hurtados namn har inkluderats i flera ordböcker och referensböcker om spansk konst

underbara ramar till din egen konst hemma

Painting Artist Fabio Hurtado at WOoArts-
WOoArts innehåller 54 av hans konstverk på deras webbgalleri

Vi ska backa lite i tiden, till början av hans konstkarriär.

  • 1980-87
”Parque acuático”(1984)
olja 32 x 26 cm
  • 1987-90
”Libertango”
 ” Figura en reposo” (1989)
olja 130 x 97 cm
  • 1990-95
”Figura y esfera” (1990)
óleo 162 x 97 cm
”El fumador de pipa ”(1992)
óleo 97 x 100 cm
  • 1995-2000
 ”Travesia Atlántica” (1998)
óleo 146 x 97 cm

http://underbara ramar till din egen konst hemma

”Mi rincón facorito” (1997)
óleo 146 x 97 cm
El apartamento (1997)
Día de regatas (1995) óleo 114 x 195 cms
 ”Paseo en barca” (1995)
óleo 81 x 130 cms.
” Las Mil Millas” (1997)
óleo 130 x 195 cm
” Isabel” (1997)
óleo 97 x 146 cm
 ”Día de viento” (1994)
óleo 81 x 130 cm
  • 2000-2005
Solitude (1999)
óleo 89 x 146 cm
”Mi casa de campo”(2003)
114×146 cm
”Ruta 66″(2003)
130 x 195 cm
”Una noche Cotton Club”(2003)
olja 89 x 116 cm
”Siesta”(2001)
olja 65 x 100 cm
”Bus stop”(2000)
olja 146 x 87 cm
”La conquista del aire” (2008)
óleo 100 x 162 cm
Un Viaje en Toscana
114 x 81 cm, oil on canvas
The Big Crossing
150 x 150 cm, oil on canvas
”El expreso del norte”
45 x 36  cm
”Hotel Flamingo”

Det finns en underförstådd interaktion mellan åskådaren, målningarna och konstnären som uppmuntrar tittaren att använda sin fantasi för att avslöja och delta i verkets berättelse. Hurtados stil är allvarlig och produceras på ett uppmärksamt sätt, där fantasi och teknik är i harmoni. Vi är tillbaka i den 20,30-talets världen, innan andra världskriget hemska händelser, innan Francos diktatur och tuffa tider för Spanien. Fabio Hurtados konst berättar om den tidlösa oföränderliga verkligheten i det mänskliga tillståndet.

”La seductora”
”La Haima”
Work in progress.

Hans målningar finns i de permanenta samlingarna på :

  • The Ulster-museet, Belfast
  • Galeria Alfama, Madrid
  • Albemarle Gallery, London
  • National Museum of Fine Arts, La Valletta (Malta)
  • Galeria Sala Rusinol, Barcelona
  • Las Palmas
  • Taipei WTC

http://www.fabiohurtado.com/i/ediciones.html

Fantastiska landskapsmotiv under Renässanstiden.

Paradoxalt, imaginära landskap målades tidigare än riktiga landskap. I den religiösa och mytologiska verk uppfanns omgivning vanligtvis för att betona atmosfären eller dramatiken i det avbildade innehållet.

Leonardo Da VinciMadonna i grottan”(1483-86) Louvren, Paris

Igen behöver vi dela landskapsmotiver till två delar av Europa: den norra med flamländska länder och Donau-skolan och den södra med italienska, orealistiska miljö. Da Vinci är en bra exempel till konstnär som undersöker, som går egna vägar. ”Madonna i grottan” har två versioner och båda två domineras av Leonardos vetenskapliga intressen. Hans geologiska och botaniska observationer görs med stor detalj och fantasi.

”Madonna i grottan” (1495-1508)
National Gallery London

Hos Andrea Mantegna ser klippor fullständigt orubbliga ut! En fantasifull naturens framställning.

Andrea Mantegna ”Kristus på Olivberg” (ca.1455)
National Gallery, London
Giovanni Bellini med liknande verk (ca. 1459)
-dramatismen är lite mildare
National Gallery, London

Den eldiga solnedgången beundrar vi medan pågår slaget vid Issos (333 f.Kr). Den makedonska armen, styrd av Alexander den store, segrar över den persiska armen ledd av Dareios III.

Detalj

Albrecht`s Altdorfer namn är kopplat med landskapsmålningar, många av hans verk representerar den tyska Weltlandschaft (världslandskap). Detta är en typ av komposition i västerländsk målning som visar ett imaginärt panoramisk sceneri sett från en upphöjd utsiktspunkt med berg och lågland, vatten och byggnader. Ämnet för varje målning är vanligtvis en bibelsk eller historisk berättelse, men figurerna som omfattar händelse, försvinner i omgivningen.

Den bataljmålning har en effektiv landskap som är lika bergig som molnen på himlen. Det verkar att motsvara stridscenens drama på slagfältet. Jorden och därmed mänskligt liv återspeglas tydligen i himlen (och vice versa), precis som solen reflekterar i havsytan.

Albrecht Altdorfer ”Slaget vid Issos” (1529), 158 x 120 cm
Alte Pinakothek, Monachium

Joachim Patinir skapade också i stilen ”Weltlandschaft”. Bildkomposition innehåller tre färger som är typiskt för honom. Kalt och blå floden Styx är huvudelementen i målningen, Patinir skildrar här himmel och helvete, gott och ont. Till vänster avbildar han en himmelsk plats med kristallblå floder och lysande fontän och änglar. Längst till höger är en mörk himmel uppslukande av helvetet. Det brinner. Färgschema består av bruna klippor och bruna brända träd i helvetet.

Joachim Patinir ”Karon korsar floden Styx”(1520-24)
Prado, Madrid
Albrecht Altdorfer ”Lövskog med St. Göran eller St.Göran i kampen mot draken” (1510) 28 x 22 cm
Alte Pinakothek, Munchen
En helig riddare är nästan osynlig i skogen som omger honom.
Altdorfer ”Hieronymus-eremit” (1507) 23 x 20 cm Gemäldegalerie, Berlin
Patinir utförde den tavlan med sin kollegan Quentin Matsys (1466-1530). Den grönskande landskap kontrasterar med Antonius frestelse.
Pieter Bruegel den äldre ”Flykten till Egypten”(1563)
Courtauld Institute Galleries, London

Bruegel anpassade och gjorde mer naturligt landskapsmotiv, som visar små figurer i ett imaginärt sceneri. Några av hans tidigare målningar, såsom detta med ”Flykten till Egypten” ligger helt inom Patinir-konventionerna.

Niccolo dell´Abbate ”Proserpina’s bortför” (1560) 196 x 215 cm
Louvre

Proserpina är en vacker tjej, dotter till Ceres. Pluton (gr. Hades) kidnappar henne, till kalla underjordiska världen med samtycke av sin far Jupiter. Kidnapping inträffar när Proserpina leker på en äng och försöker välja en vacker blomma. Jorden öppnar sig, och Pluton tar henne. Han avser att göra tjejen till sin hustru och sig själv till härskare över underjorden. En italiensk målare, Niccolo dell`Abbate (1509/12- 1571) framställer en dramatisk landskap som återspeglar den mytologisk händelse. Scenen på ängen är lugn medan de mörka molnen som samlas över Proserpine säger till oss mer än ord att kommentera hennes sorgliga historia.

Vi återkommer till Florens, för att lägga märke till mest berömda och glorifierade konstverk i världenshistoria. Porträttet avbildar Lisa Gherardini, silkeshandlare fru, med ett avlägset landskap som bakgrund.

Konsthistoriker spekulerar att landskapet bakom damen är det Val di Chiana, en dal i Toscana. Eller är det så, att sceneri bakom Mona Lisa är likadan gåtfull som hennes leende?

Landskapsmotiv under Renässansen. Utvalda exempler.

Tavlor som endast framställde landskapsmotiv var sällsynta. Men konstnärer var fascinerande av landskap och det som de kände placerades ofta i bakgrunden till religiösa verk.

Konrad Witz”Petrus fiskafänge ”(1444)132 x 154 cm /Musée d’Art et d’Histoire, Geneva, Switzerland

”St.Christopher” (1435), 102 x 81 cm
Kunstmuseum Basel

Konrad Witz var en tyskfödd målare (ca.1400-45), verksam i Schweiz och påverkad mycket av nederländskt måleri. Hans stora målningen ”Petrus Altare” i Genève är intressant som en av den västerländska konstens första landskapsmålningar. Landskapet, där man ser Genèvesjön och Mont Salève, kontrasterar genom precisionen i sin realism och sina nyanser mot den massiva röda manteln på Kristusgestalten.
I den här målningen tar Witz det revolutionära steget att flytta scenen från det bibliska Galilé-havet till sitt lokalområde, runt Genèvesjön med snötäckta topparna i Mont Blanc.

Piero della Francesca ”ca.1416-1492) avbildade ofta landskap som en av viktigaste motiv i hans religiösa måleri.

”Kristi dop”(1448-50)
National Gallery, London
”Leggenda della Vera Croce”(1452-59) utfördes med medhjälpare till kören i kyrkan San Arezzo
356 c 747 cm- Jerusalem som den medeltida stad, Arezzo

I 1445 fick han uppdraget att utföra polyptyk till kapellet i Sansepolcro, finansierat av familjen Pichi. Kontraktet föreskrev att arbetet skulle fullbordas på tre år men det dröjde 15 år och Piero anställde medhjälpare.

Polyptych della Misericordia (1445-62), nedersta predella med landskap
Museo Civico di Sansepolcro
”Jesu födelse” (ca. 1480) oavslutade
National Gallery, London
Landskapet har tydliga drag av konstnärens hemtrakter i Toskanien.
Detalj med vita berg i närheten av Siena.
Andrea Mantegna /1431-1506)
”Jungfruns död” (ca.1492) visar upp staden Mantua, med bro San Giorgio vilken ser man så rejält från Maria´s kammare
Jan van Eyck (ca.1390-1441)
”Kansler Rolins Madonna”(1431-36)
Louvre
Kullarna och bergen lite mer dramatiska än i verkligheten.

Scenen visar Jungfru som kröns av en svävande ängel medan hon presenterar spädbarn för kanslier Rolin. De befinner sig i en rymlig loggia med en rik dekoration av kolumner. I bakgrunden är ett landskap med en stad vid en flod, antagligen är detta Autun i Bourgogne, Rolins hemstad.

Albrecht Durer ”View of Arco” (1500-10) utförd under andra resan till Italien.

Joachim Patinir (ca.1480-1524) var en belgisk landskapsmålare verksam i Antwerpen. Hans stil är storaktig och stämningsfylld. Tavlorna har ofta en blåaktig ton. Han mest berömda målningar är Jesu dop i Wien, ”Den helige Kristoffer” på El Escorial, samt ”Flykten till Egypten”,” Antonius frestelse” och ”Himmel och helvete” på Prado.

”Kristi dop” (1515)
Kunsthistorisches museum, Wien
”Den helige Kristoffer med Jesu barnet”(1522)
Escorial

”Landskap med flyget till Egypten”
olja på panelen, 17 × 21 cm
Royal museum of Fine Arts, Antwerpen
”Vilan på flyget till Egypten” (ca.1520)
oil on panel, 121 x 177 cm
Prado
”St.Hieronymus straff”(ca.1512-15), tryptyk
oil on wood, 117 x 81 cm
Metropolitan Museum of Art, New York

Bildens verkliga ämne är det magnifika panoramalandskapet, som tittaren uppmuntras att resa visuellt på pilgrimsfärdens väg.

”Donau landskap med slottet Worth” (1520-25)
Alte Pinakothek, Monachium

Donauskolans landskapssyn utvecklades under åren omkring 1500. Till skillnad från den italienska konstnärerna, för vilka mänskliga gestalten var huvudmotiv var det landskap som stod i centrum. Det betraktades inte längre som en bakgrund utan som ett element som aktivt verkade i bildens handling. Så här kan vi beundra naturens alla variationer- floder, berg, skogar och ängder. Den helt dominerande konstnären inom denna genre var Albrecht Altdorfer (ca.1480-1538). Has teknik är fri, uttryckskraften obegränsad. Hans landskapskompositionen har närmast en religiös karaktär!

Giovanni Bellini ”Madonna på ängen”(ca.1500)
Den presenterar en medeltida ikonografi med Jungfru som sitter framför ett fullständigt och glänsande landsbygdspanoram. Fullt med små detaljer i vardagen bidrar detta landskap till den intima och bekanta tonen i hela scen.

Ibland på tavlor framställer konstnärer verkliga atmosfäriska händelser som t.ex. storm, regnbåge. Pinturicchio (1453- 1513) avbildar påve Pius ankomst till konciliet i Basel (1431-49). Stormen observerades i verkligheten. Riktiga är också byarna hos Giorgione, Bellini och Joachim Patinir. I vissa fall kan vi enkelt identifiera målade platser:

  • den toskanska landskap typisk böljande och backig (Piero della Francesca i närheten av Siena)
  • Bodensjö hos Konrad Witz
  • Arco är en mycket vacker och mysig liten stad beläget bara några kilometer norr om Gardasjön, avbildad av Albrecht Durer på hans resa till Italien
  • en av vackraste europeiska floder, Donau i närheten av Regensburg, avbildad av Altdorfer

Följande scen visar Enea Silvio som reser till James I i Skottland, med uppdraget från Baselkonciliet att ingå en allians med suveränen. Bakgrunden visar ett extraordinärt landskap. Som typiskt för Pinturicchio upplevs landskapet av vissa bisarra element, det klippiga klippet till vänster och den torvade staden längs floden som korsas av båtar. Stormen tog hans skepp mellan Elba och Korsika.
Dessa händelser förutspås i det mörka molnet på vänster sida, men regnbågen påminner också om den framgångsrika landningen.

Pinturicchino ”Enae Silvio Piccolomini ankomst till Bazylea” (1503-08)
Siena, Libreria Piccolomini
Enea Silvio var redan biskop i Siena när han förhandlade över bröllop mellan Eleonora av Portugal och Federico III. Möte skedde 24 februari 1452. Bakgrunden skildrar med verklig detalj händelsens verkliga plats, det vill säga från Porta Camollia.
Europeiska prinser försökte förbereda ett korståg mot de osmanska Turkarna . Gammal och sjuk Enea reser från Rom till Ancona för att personligen ledda armen.
Ancona- landskap över stadsbyggnader
”Stormen”- la Tempesta är en målning av den venetiansk konstnären Giorgione,(1477-1510) daterad till 1506–1508.
83 cm × 73 cm
Gallerie dell’Accademia, Venice
Den föreställer till vänster en man som håller i en stav och till höger en ammande kvinna, framför en storm med blixtar i bakgrunden.

Det steniga landskapet är täckt med några glesa buskar, ruiner och delar av en staden, som är upplyst av ett blixtnedslag. Landskapet hos Giorgione är inte längre bara bakgrund med mindre betydelse. Snarare har den absolut prioritet över de två mänskliga figurerna som är placerade på kanten och bestämmer atmosfären i bilden. Djupa nyanser av ljusblått och grönt dominerar, med vilket Giorgione skapar en nästan magisk effekt av lugn, tystnad och harmoni, som inte störs av den avlägsna åskväder i horisonten.

En kort konstresa till norra och södra delen av den europeiska kontinenten visar till oss, konst beundrare hur viktigt varit landskapsmotiv, den närmaste som var bakom fönster och den fantasifulla. Men om detta i nästa mitt blogginlägg ”Fantastiska landskap