PHILIP von SCHANTZ -att kunna se det vackra i det enkla.

Philip von Schantz föddes 1928 i Norrköping. Han var en svensk målare, grafiker och professor i grafisk utbildning vid Kungliga Konsthögskola. En ung Philipp studerade tre terminer hos Otto Sköld och några månader hos Andre Lhote i Paris. Efter studieperiod har kommit tid att debutera och Philipp von Schantz gjorde det på ett framgångsrik sätt.

"Philip von Schantz,"Stilleben med druvor" (1985)
olja på duk, 
65 x 56 cm
”Stilleben med blåbär i trälåda” (1976), 100 x 81 cm, olja på duk
”Rensåpa”(1976), 92 x 65 cm
Detalj

Sin store popularitet fick han när han utförde bilder av bär i stora, charmfulla korgar, hinkar och högar. Formen fanns i geometri, ju mer man sysslar med henne, desto snabbare når man perfektion. Ingen kunde måla så utmärkt och fullkomligt enstaka bär eller frukter som Philip von Schantz. Hans stilleben visade minsta detaljer, allt i okomplicerad landskap som efter många år av ständigt arbete, blev integrerat nästan i tavlorna!

”Röda vinbär II” (1980)
”Blåbärsfat” (1980), Färglitografi 39,5 x 51,5 cm
”Kursbär”
”Stilleben med kursbär”(1981), 94 x 60 cm
”Vattenmeloner” (1985), 60 x 72 cm

Från 1988 bodde von Schantz i sin nya atelje i Gåsvik(Väddö). Det blev hans smultronställe, naturen existerade i närheten, bara att gå till skogen och fånga härliga bilder.

”Vid Väddö kanal”(1988), 120 x 150 cm
”Lerkrus mot kust” (1987),45 x 62 cm
”Motiv från Väddö” (1991), 120 x 150 cm

Hans stillebenmåleri utfördes från enpunktperspektivet och var alltid i 1:1 skalan. Allt för att skapa fullkomlighets ideal. Philips von Schantz konst påminner om den äldre traditionen där en skarp realism var det viktigaste! Trompe-l`oeil måleri är känd redan från antiken men blomstrades under barocken. Den typ av konst http://www.artely.se/ kräver uppmärksamhet och en dos av samarbete hos betraktare. Det är inte konstnär som leker med oss, snarare han utmanar vårans intelligens.

Philip von Schantz var chefen för Moderna Museet mellan 1973-77 och ordförande i Föreningen för Grafisk Konst (1972-88). Under sin aktivitet som konstnär fick han utmärkningar och priser i Sverige och utomlands. Han dog i Stockholm 1998 som folkkär och uppskattad artist. Hans finstämda tavlor, litografier säljes fortfarande runt i olika europeiska auktionshusen.

Är du intresserad av svensk samtida konst? Besök gärna Artely http://www.artely.se/ som har ett stort urval av en bra svensk konst.

ZURBARAN – en spansk Caravaggio.


Francisco de Zurbarán (1598-1664) var en spansk målare, särskilt känd för sina skildringar av munkar, nunnor och martyrer. Francisco föddes i Fuente de Cantos i Extremadura 1598. Som barn gillade han att rita i träkol och vid 16 års ålder skickade hans far honom till Sevilla för att träna som konstnär. Först var vid Juan de Roclas-skolan i sin hemstad, senare kom han till verkstaden hos Pedro Diaz de Villanueva. 1617 blev han utbildad målare, gifte sig och skaffade tre barn.

1622 var han redan en erkänd konstnär, att han anlitades för att måla ett altartavla till sin stad. Hans stil präglas av Caravaggio och chiaroscuro, en form av konst som kännetecknas av starka och djärva kontraster mellan ljus och mörk, som påverkade hela kompositionen.

Första viktiga verk:
Zurbarán var känt som en målare av storskaliga religiösa tavlor, mycket efterfrågade för kyrkor och kloster i hela Spanien och den nya världen. Hans färgpalett är begränsad och hans kompositioner strikt enkla; kombination med detalj och stark belysning, ger åt hela måleriet en intensiv, nästan mystisk närvaro. Dags att träffa lite närmare Francisco de Zurbaran!

  • Kristus på korset” utförd i 1627, en tavla som var så beundrat av hans samtida att Sevillas kommunalråd övertalade Zurbaran att etablera bostad, atelje i denna spanska staden. Kristus är spikad vid grovt träkors, den ljusa vita duken som draperas runt midjan står i kontrast till den välformade kroppen. Det outhärdliga lidandet gör plats för den sista önskan- uppståndelse. Zurbaran visar detta visuellt, på ett genialt sätt!
”Cristo en la Cruz” (1627)
290 x 168 cm
Institute of Art, Chicago

För jämförelse visar jag Diegos Velazquez verk om samma motiven:

”Korsfasten Kristus”(1632)
250 x 170 cm
Prado, Madrid
  • Zurbarán undertecknade ett nytt uppdrag 1628 med klostret Nuestra Señora de la Merced Calzada. Han målade till salen De profundis målningen av San Serapio, en av martyrerna, som dog 1240 efter att ha torterats, troligen av saracenska pirater.
”St: Serapion” (1628)
120 x 103 cm
kolektion Woldsworth Atheneum, Connecticut

Den mercedarisk kloster var en riddarerodning som grundades i Barcelona 1218 av Peter Nolasco. Munkarna praktiserade de traditionella löftena om kyskhet, fattigdom och lydnad. Huvudsyftet med denna religiösa församling var att befria kristna slavar från muslimska händer. Konvent hade två grenar: prästerskap och riddare. Bröderna-riddare hade ett separat löfte att slåss mot Morer för att befria hela Spanien från sina händer.

”Fra Francisco Zumel”(1633) från Mercedariekloster
204 x 122 cm
Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, Madrid
”Fra Pedro Machado” (1630-34)
  • 1626 nästa stora uppdrag var ett kontrakt med en dominikanorden-San Pablo el Real i Sevilla. Zurbarán producerade 21 målningar på åtta månader. Fjorton av verk skildrade St. Dominicus liv, de andra representerade St. Bonaventura, St. Thomas av Aquino
”St. Bonaventuras begravning”(1629-30)
245 x 220 cm
Louvre, Paris
”Apoteos av Thomas av Aquino” (16319
475 x 375 cm
Zurbarán fick i uppdrag att måla denna apoteos och fick exakta instruktioner om dess utförande: verkets dimensioner, positionering, karaktärer etc. Den enorma duken bör placeras i Colegio de Santo Tomás de Sevilla. Denna skola har utbildat framtidens läkare, så ämnet är inget annat än en upphöjning av kollegiets och dess munks arbete.
  • 1630 utnämndes han till hovmålare för kungen Filip IV. Uppdraget var att utsmycka det nya kungliga palatset, Buen Retiro i Madrid med en svit målningar, som  Herkules stordåd (1642)
”Herkules stordåd” (1634)
Prado
Den kanske mest ovanliga aspekten är den visuella plaggs brinnande. Zurbarán verkar förena Hercules med de kristna martyrer som han skildrade så ofta. Herkules smärta blev vår smärta, och lidandet av hans död blev mycket närvarande.
”Försvaret av Cádiz mot engelsmännen” (1634)
Museo del Prado
  • Från 1628 till 1640 arbetade han på ett större antal målningar för Hieronymusklostret i Guadalupe
”St.Jerome frestelser”

”Padre Gonzalo de Illescas” (1639)
”Bröder Juan de Carrions farväll ” (1637-40)
Guadalupekloster
  • 1634 första resa till Madrid, Zurbaran träffade sin vän Diego Velazquez och beundrade verk av italienska konstnärer som Guido Reni
  • 1635 stannade konstnären igen i Sevilla och började ett framgångsrikt decennium
  • 1636 en stor serie bilder av heliga kvinnor. De skapades för olika religiösa institutioner. Han framställer vanligtvis unga och mycket eleganta kvinnliga karaktärer, fyllda med skönhet och fred, utan tecken på smärta eller lidande. Målningarna kritiserades som för mycket pompösa och utsmyckade. Heliga såg ut som vanliga andalusiska damer. Zurbarán försvarade sig mot kritik och argumenterade att de vackra klänningarna gav karaktärerna realism och stärkte de troendes tillbedjan.
”St. Cassilda”(ca. 1630)
171 x 107 cm
Museum Thyssen- Bornemisza
”St. Isabel de Portugal” (ca.1635)
Prado
”St. Apolonia” (1636)
Louvre
”St.Lucia”
”St.Ursula” Genova,
Musei di Strada Nuova
”St. Margareta i fårdräkt”(1630-34)
National Gallery, London
Hon avbildades i en bondeklänning från Andalusien. Den färgglada väskan står i kontrast till den mörkblå jackan. Hon åtföljs av det traditionella drakeattributet.
” Abbot Hugo av Cluny i kartusianernas refektorium” 
(ca.1633-35)
262 x 307 cm
Museo de Bellas Artes, Sevilla
  • St.Hugo vördas som helgon i den romersk-katolska kyrkan. Zurbaran avbildar kartusianer i sina vita dräkter, framför varje munk är en skål med kött och bitar av bröd. Den enorm stor tavla visar Bruno av Köln, som grundade konvent i 1084 och de sex andra medlemmar
  • 1639 Zurbaran målade också en serie målningar för kyrkor till spanska kolonier i Amerika och exporterade dem genom sin hustrus familj, bosatt i Peru. Men han hade problem med att få betalt för sitt jobb
  • Francisco de Zurbaran avbildade ofta ”Poverello” från Assisi, St. Franciskus ett av de mest Kristus-lika helgonen:
St. Franciskus (1632)
Museo Nacional de Bellas Artes, Buenos Aires
”Den helige Franciskus i bön”(1635-39)
National Gallery, London
De flesta av ”franciskanerna” runt om i världen målade av Zurbarán kommer också från denna period, framställda på knä, stående eller i ekstasi.
”Agnus Dei eller Guds lam” (ca. 1635-40)
Prado
”St. Franciskus in extasen” (1658)
Alte Pinakothek, Monachium
”St.Franciskus av Assisi enligt påven Nicholas vision”(ca 1640),
olja på duk
110 x 180,5 cm
Museum Nacional d’Art de Catalunya, Barcelona
”St. Franciskus in meditation”(1639)
National Gallery, London

Målningen representerar den tridentinska ikonografiska linjen,
-en asketiskt inställning
-mystisk kontemplation
helgonet håller en skalle nära bröstet, en traditionell symbol på askes. Franciskus mediterar över döden. Hans klänning rivs på ärmen för att visa hans fattigdom. Bakgrunden är slätt och mörk vilket ökar målningen intensitet.


Målarens hela verk skapades i tjänst för kyrkan och motreformationen. Religiösa scener bekräftade den katolska kyrkans position, en nya ikonografiska regler visade helgonen mediterande i naturlig storlek för att närma de för oss.

”Veronikas duk” (1650)
Nationalmuseum, Stockholm
Zurbaran avbildade svetteduken i dramatisk sidbelysning och med en hyper-realism som väckte respekt hos betraktaren.

Zurbarans sent arbete är en av de mest intressanta och det verkar som att målaren självporträttades i figuren av St. Lukas. Konstnären fortsätter med mörk naturalism och scenen är mycket realistiskt. Det starka ljuset från vänster skapar kontraster mellan områden med ljus och skugga, som Caravaggio`s ärv.

”St. Lukas som målar korsfästelsen” (c.1650) även känd som korsfästelsen med helgen Lukas
Prado

Sista men inte minsta är Zurbarans stillebenmåleri- lugna, välbyggda kompositioner med utmärkt återspegling av materi. Han utförde några av nature morte tavlor:

”Stilleben med frukter och en rosa” (1633)
The Norton Simon Foundation, Los Angeles
”Bodegon con cacharros”(1633)
Prado


Bodegones” imponerar med sin originalitet, föremål målade Zurbaran ceremoniellt. Objekten är arrangerade på samma plan. Det är ett galleri med former, storlekar och olika material. Han arbetade noggrant, ljuset passerade porslinet, lera- vas och till slut den kalla metallen. Jag har skrivit om bodegones i januari-inlägg. Låt mig citera ”Zurbarans stilleben är enkla och visar respekt till vardagliga frågor. Här finns ordning, varje objekt har sitt plats och inget är viktigare än den andra. En religiös symbolik är tydlig. Tre grupper av föremål anordnades i asketisk ordning kan symbolisera den heliga treenigheten. Bildkompositionen är mycket minimalistisk, man vill stanna längre och kontemplera…”

Det var först 1658, sent i Zurbaráns liv, som han flyttade till Madrid på jakt efter arbete och förnyade sin kontakt med Velázquez. Den populära rykte att Zurbarán dör i fattigdom, var falskt. Vid hans död var värdet på hans gods cirka 20 000 reales. Hans hus (Fuente de Cantos) har blivit museum och väcker intresse hos många av turister.

https://www.fuentedecantos.eu/casa-de-francisco-de-zurbaran/

Den lögnaktiga konsten som stiger ut ur ramen och skapar illusorisk måleri.

Det finns en lockelse hos människan att bli lurad och överraskad. Barockens illusionistiska måleri bedrar oss på helt ovanlig sätt!

Tänk, att någon dag kommer man till museum och alla tavlor hänger så – omvandlat. Mardröm… faktiskt. Men inte på 1700-talet!

TROMPE L´OEIL måleri är en fascinerande riktning i konsthistoria. Det är trend att leka med oss, konstbetraktare, att lura vårans traditionell tänkesätt.

Tavlan har titel ”Baksidan av en målning”(1670) och hänger i Statens museum för kunst i Köpenhamn. Det är en målning med två baksidor, den målade och den verkliga.Tittare vill vända tavlan som verkar vara till salu, vilket dessutom föreslås av en lapp med nummer 36! Skapad av flamländsk konstnär, Cornelis Norbertus Gijsbrechts från Antverpen. Han var en skickligt konstnär: skuggorna som faller över och lätt smutsade träet gör en känsla av verkligheten!

Detalj med självporträtten (1663)

Det är inte känd med säkerhet när han föddes. Hans äldsta kända målning är från 1657, resten kan man bara gissa. Man brukar ange födelsedatum som 1640 och avlidit 1683.

Han arbetade i Tyskland på början av 1660-talet, bland annat i Regensburg hos kejsar Leopold och senare i Hamburg (1665-68). Gijsbrecht`s karriär blomstrade i Danmark, när han blev anställd som hovmålare hos kungen Frederik III och därefter hos Christian V (1668-72). Han hade atelje i Rosenbergs slott. Det räcker med detektivarbete, dags att visa hans måleri!

”Trompe l`oeil med stilleben l (1663)
Beaux-Arts de Carcassonne
”Trompe-l`oeil med atelier vägg och vanitas stilleben” ( 1665)
Musee des Beaux Arts de Valenciennes
”Trompe l`oeil av en öppet glaserad skåpdörr med många papper och föremål” (1666)
Private kollektion
”Trompe-l’œil med brevet”, (1668)
Statens Museum för Kunst, Köpenhamn

Det är ingen konstighet att målare är flamländsk. Det var i Nederländerna som genre blomstrade under barockens 1600-talet. I den protestantiska land fick konsten en friare ställning från religionen. Trompe l`oeil syftade till att lura betraktarens öga, att tro att de målade tvådimensionella illusionerna var verkliga tredimensionella föremål. Oftast består den typ måleri av vanitas stilleben, traditionella symboler för livets övergång:

  • krans av halm
  • blommor i en vas
  • ett nedbränt ljus och ett timglas
  • brutna sädesax
  • dödskalle
  • allt detta var påminnelse om livets förgänglighet

Senare skapade Cornelis vanitasmotiver som del till mer komplexa trompe l`oeil-komposition i en s.k. ateljeväggarna, väggar med jaktredskap eller musikaliska instrumenter.

”Trompe l`oeil med brevet och pennor” (1670)
Museum of Fine Arts, Ghent
”Trompe l`oeil med fiol, målarredskap och självporträtt”
(1675)
Kungliga slottet, Warszawa

Trompe l`oeil teknik krävde att använda några tricks på den optiska illusionen. Cornelis hade en palett av spännande drag att använda:

  • en närmast osynlig penselföring
  • rätt perspektiv och realistiska mått
  • enhetlig ljussättning
  • signaturen utesluten men genom att sätta sitt namn på ett kuvert eller liknande, slapp konstnären att vara anonym
  • tavlan saknade av ramen
  • avbildade spikor, krokar

Det ser ut som alla föremål hänger på vägg. Allt för att det verkligen skulle uppstå en illusion!

Under sina fyra år i Köpenhamn utförde Cornelis Gijsbrechts ungefär 22 illusionistiska målningar, varav 10 finns i samlingen på Statens museum för kunst. Efter framgångsrika år i Danmark kom han till Stockholm där han bidrog till att introducera trompe l`oeil i Sverige. På Riddarhuset finns en brevvägg på drygt 2 meter, en gåva till greven Clas Rålamb, år 1673.

För att illusionen skulle vara övertygande målade Gijsbrechts främst motiv och föremål som normal fanns i kungens omgivning – allt som kunde locka betraktarens sinne och intellekt. Tavlan ”Quodlibet med brevet” från 1675 framställer ett stycke som spikade på en träram, fästes olika brevet med kungliga stämpel, kammare och andra föremål. Darför titel Quodlibet vad innebär på latin ”olika grejer”. Dessa objekter har strikt definierade betydelsen: en kam symboliserar rimligt ordnade tankar medan ett papper och penna föreslår författaren.

”Quodlibet” (1675)
Wallraf Richard Museum

Konsten att lura ögat har fascinerat i alla tider. Trompe l´oeil kan uttryckas i oändliga former, viktigaste att verken ska upplevas som det som avbildats. En ständigt lek mellan verkligheten och fiktion, en bedrägeriets trick som öppnar våra ögon för sanningen.

BODEGONES – en väldigt levande stil i den spanska konsthistoria…

Bodega betyder på spanska källare med vin, kött och grönsaker, en ställe i husets hjärta,vart ljuset kommer inte så ofta…Ett ställe i vilken förvarar man varor och intar måltiden, smakar på vinet. Under sådana förhållanden vill jag fokusera på en period i spansk konsthistoria när köksbilder med ett stilleben blomstrade och blev väldigt populära.

Hur det börjades?På början stilleben hade ingenting med konst att göra. Det fanns alltid som en del av ”levande”scener, som t.ex landskap, blommor i vas eller på fönster men aldrig som grundmotiv!

I slutet av renässansen framkommer hos några konstnärer tavlor som skiljer sig från vanliga. Det var effekten av kontakter med flamländska artister som Pieter Breugel, Pieter Aersten eller Joachim Beuckelauer vilka utövade stort inflytande på konsten i Italien.

  • Vincenzo Campi (1536-91) italiensk målare var aktiv i Cremona, mest känd att har varit första som skapade sina stilleben på väldigt realistiskt sätt. De är fortfarande scener från vardagslivet med vackra skildringar av frukter, fiskar och olika matvaror.
” Köket” (1580-90)
Pinacoteca di Brera, Milano
Vincenzo Campi, Pescivendoli ‘
”Fisksäljare”(1579)
Musee de la Roche-sur-Yonne
Kristus hemma hos Marta och Maria
ca.1580
Galeria Estense; Modena
”Kvinna som säljer frukter” (1580)
Pinacoteca di Brera, Milano

Det är lite omöjligt att peka på datum: när utgjordes stilleben som ett självständigt motiv? Mycket ändrades med Caravaggio`s modiga tavlor. Han var bestämt i sin stil och brukade säga att en bra tavla kräver samma svett och jobb oavsett framställer detta människor, helgonen eller blommor.

Cirka 1598 målade han ”Fruktkorg” till kardinalen Francesco del Monte, vilken hade ett enormt stort konstsammling (600 tavlor). Caravaggio (1571-1610) kände väl potentiella chanser på konstmarknaden. Första gång har någon målat bara föremål. Det finns ingen narrativ berättelse eller scen på tavlan! Dessutom den korg innehåller mogna, lite för mogna frukter med torra blad och spår av insekter.

”Canestra di frutta” eller ”Fiscella” blev en av första stilleben målning i den västerländska konsthistoria.
(1598-99)
Pinakoteka Ambrosiana, Milano
1593-94
Galleria Borghese, Roma

Alla lärde sig från Caravaggio teknik som heter ”chiaroscuro” eller maniera tenebrosa ,en dramatisk kontrast mellan mörkaste delar i tavlan och ljuskällan. På detta sätt byggde han tredimensionell illusion och introducerade realism i konsten. Caravaggio hade ganska många efterföljare i Spanien och stilleben-måleri blomstrade faktiskt som egendomlig stil.

  • Juan Cotan Sanchez (1560-1627) var mycket berömd av sina stilleben måleri och pionjär inom tenebroso-teknik.
”Stilleben med vildfågel, grönsaker och frukt”
1602
Prado, Madrid
”Stilleben med frukter”
1602
The Fine Arts Gallery of San Diego
”Stilleben med grönsaker och frukter”
1602-03
kollektion av Jose Luis Varez Fis, Prado
  • Juan van der Hamen (1596-1631) han var son till flamländske hovmannen och kunde skapa en bra position som Filips IV hovmålare. Han var särskilt begåvad inom blomstermåleri, presenterade ofta föremål från kungliga hovet: vackra serviser, venetianska glas, bägare, förgyllda plattor och vaser. Han komponerade allt detta på ett extremt elegant sätt
Stilleben med blommor, kronärtkockor och glas, Prado
1627
Stilleben med frukt och glas
Offer till Flora, 1627,
Pradomuseet, Madrid
Kanske ni undrar varför så stor format på bilden?
Tavlan gör otroligt intryck på besökande pga sin storlek 216 x 140cm
vilket känslan!
  • Francisco Zurbaran (1598-1664) var känd av sina religiösa tavlor och porträtter. På grund av sin kärlek till teknik ”chiaroscuro” kallas man honom en spansk Caravaggio. Zurbaran utförde några stillebens tavlor:
Stilleben
ca.1630, Prado
Stilleben med frukter och rosa.
1633
The Norton Simon Foundation, Pasadena

Zurbarans målningar är enkla och visar respekt till vardagliga frågor. Här finns ordning, varje objekt har sin plats och inget är viktigare än den andra. En religiös symbolik är tydlig. Tre grupper av föremål anordnade i asketisk ordning kan symbolisera den heliga treenigheten. Bildkompositionen är mycket minimalistisk, man vill stanna längre och kontemplera…

  • Diego Velazquez (1599-1660) född i Sevilla var mest framstående spansk målare. Under 1620-talet utförde han några stilleben måleri där man särskilt kan nämna:”Den gamla kokerskan”. Två nästa bodegones är i bakgrunden religiösa scener men på första plan kan vi se kvinnor som förbereder måltid.
”Kristus hemma hos Marta och Maria”
1616-1618
National Gallery, London
”Kökspiga med scen Kvällsmat på Emmaus”
1618-22
National Gallery, Dublin
Den tavlan har en interessant historia. Som en typisk bodegón hängde målningen i Nationalgalleriet tills den mörka bakgrunden konserverades under rutinunderhåll i år 1933. Då visade sig att i det övre vänstra hörnet finns ett fönster genom vilket man kan se Kristus under kvällsmat på Emmaus.Frälsare dök upp i den här staden för två av sina elever. De kände igen honom vid kvällsmat vid det gemensamma bordet.
Varför beslutade konstnären på en så ovanlig sätt,att måla en viktig religiös scen dold i bakgrunden och  fokusera mer på tjänaren och detaljerna i köket?

Låt oss titta lite närmare. Jesus visade sig för sina lärjungar för att berätta sanningen om hans uppståndelse.Det verkar att Velazquez ville betona hur viktiga är Kristus ord till varje människa oavsett status och yrke. Den kökspiga är vittne och verkar analysera allt vad hon hörde.

På XVI-talet infördes målningen i kontr-reformationens tjänst och bodegones hade sin religiösa ändamål. Sublima frågor presenterades i vanliga former av vardagen på mycket realistiskt sätt. Den spanska stillebenmåleri är oerhört vacker och speglas både materiella och andliga värden.

Stor samling av bodegones finns i Prado-museet och är populärt bland konstälskare från hela världen.

https://www.museodelprado.es/en/the-collection/art-works?search=bodegones