John Bauer bland tomtar och troll.

Skandinavien har sina egna, vackra jultraditioner. Ordet ”jul” förekommer från fornengelskan yule, som förmodligen är det gemensamma arvet från vikingarnas härjande tid.

Historia, myt och traditioner präglar juletiden och samlar oss alla vid bordet, men vi får inte glömma bort det gamla tider.

Visste ni att den svenska folkloren bygger på tron att det finns varelser som bor i djupet av det inhemska landskapet? I de täta skogarna i Småland gömmer sig busiga alver, fula troll, onda häxor och frestande skogsrår!

John Bauer ”Julbocken” (1912) Akvarell, guldfärg, täckvitt och blyerts på papper 34,5 x 29 cm. Bukowskis.

Berättelser som stimulerar fantasin hos både barn och vuxna skrevs på nytt i början av 1900-talet, och deras enorma popularitet påverkades främst av vackra illustrationer som kompletterade bokutgåvorna.

Jenny Nyström (1854-1946) ”God Jul”

En av de mest kända konstnärerna var John Bauer (1882-1918) och Konstpegeln vill göra en resa i tiden, till barndomens djupaste minne! Finns det något bättre tillfälle än jul?

Kulturen och naturen

John Bauer föddes 1882 i Jönköping och växte upp i det småländska landskapet. Mor var svensk, far var från Tyskland. Han tjänade mycket snabbt på affärer, först i Göteborg och sedan i Jönköping. Så John och hans syskon uppfostrades under goda förhållanden, och när den framtida konstnären fattade beslutet att ägna sitt liv åt konst, försökte inte hans föräldrar avbryta hans planer. Som 16-åring flyttade John till Stockholm för att studera konst vid Tekniska skolan (numera Konstfack). Efter två års utbildning blev han antagen som elev vid den Kungliga Akademien för de fria konsterna, och började sina studier under höstterminen 1900. John tillbringade sin fritid med att utforska samlingar från huvudstadens museer och bibliotek, där han skissade olika historiska teman, såsom medeltida dräkter som presenterades på Nordiska Museet.

John Bauer, fot.digitalmuseum.org

Som elev var han inte särskilt flitig och arbetsam, men alla professorer berömde honom för noggrann och omtänksam tillämpning av linjeteckning. Det innebär att Johns Bauer framtid ligger i illustrationer!

Under sina sommarlov i Jönköping åkte Bauer hela dagen ut i naturen och arbetade intensivt med teckningar av blommor och örter. Redan i arbeten från 1901 kan man se olika växtmotiv; de akvarellfärgade studierna av blommor, som ”Maskrosorna” (1901, Jönköpings läns museum), är långt ifrån botaniska skisser. Naturen var en mycket viktig del av Bauers arbete och livsåskådningar.

Studie av maskrosor. Akvarellerad tuschteckning.
Signerad ”Sjövik 8 Juni 1901”. Jönköping Läns Museum

En resa till Lappland (1904)

I början av 1900-talet sökte man efter delar av den svenska nationella identiteten, viktiga historiska händelser såväl som folktraditioner. En viktig plats i denna process var det nyligen ”upptäckta” Lappland, den nordligaste delen av landet bebodd av samerna, ett folk exotiskt för svenskarna från söder. Genom att använda sitt eget språk, med olika seder och övertygelser, blev samerna föremål för intresse för etnologer, antropologer och artister.

John Bauer påbörjade en månadslång resa till Lappland sommaren 1904 och dokumenterade tillsammans med flera andra konstnärer och fotografer samernas vardag. Han skisserade naturen, okänd för honom tidigare, inklusive framför allt de hårda, nästan trädlösa landskapen och samernas exotiska beteende och dräkt. När han återvände gjorde han en serie akvareller, varav 11 dök upp i en kollektivbok som sammanfattade expedition ”Lappland : Det Stora Svenska Framtidslandet – En skildring i ord och bild af dess natur och folk” (1904). Detaljer återkommer ofta i Bauers sagoillustrationer.

”Lappar i snöstorm”
”Rast under flyttningen, Sydlappar”
”Kaffekokning i skogen. Jukkasjärvi”
”Pojkar från ett läger i Ripainen, Jukkasjärvi”(1904)
Gouache, tusch och täckvitt på papper 22,5 x 32,5 cm

Bukowskis

Bland tomtar och troll

Den samiska upplevelsen har gett många nya inspirationer. Den samiska pälsdräkten, renskinnen blev ett oskiljaktigt inslag i trollets plagg, vars framställningar gav Bauer den största berömmelsen. Illustrationerna för ”Bland tomtar och troll” var ett tillägg till berättelser av svenska författare, inkl. Helena Nyblom, Cyrus Granér och Elsa Beskow.

Sagosamling grundades av tidningsmannen Erik Åkerlund ( 1877-1940) och utgivits årligen vid juletid sedan 1907. John Bauer illustrerade ”Bland tomtar och troll” mellan 1907–1910 och 1912–1915. Bilder till boken blev ett stort genombrott och det påbörjade en bra period i John Bauers liv. I december 1906 gifte han sig med Esther Ellqvist, en kamrat från studier. I många målningar avbildar han sin hustru: ”Sagoprinsessan” har mycket av pre-rafaeliternas andan!

Sagoprinsessan” (1904), olja på duk
Jönköpings Läns Museum
Esther som ”Freja” (1905) oil on canvas, 80 x 155 cm
Omslag till” Sagan om Dag och Daga och flygtrollet på Skyberget”
av Harald Östenson (1907)
Då och då tog tomten tag i tyglarna av ”Den förtrollade skogen” (1907) av Anna Wahlenberg
Gouache på papper, 21 x 18,5 cm,
auktionsverket.se
”Titta på dem, sade trollmor. Titta på mina söner! Vackrare troll finns inte på denna sida av månen.” (1915)
27 x 28,8 cm
Illustration av Walter Stenströms ”Pojken och trollen”
God kväll, farbror! – Hälsade pojken” (1915)

Det unga paret Ellqvist-Bauer gjorde tillsammans studieresor till Tyskland och Italien (1908-09). Resandet bekostades av Bauers föräldrar. De vistades i Verona, Florens, Siena och tillbringade två månader i Volterra. Som ett resultat hittade John Bauer nya starka inspirationer. Vackra och eleganta höviska profiler, renässansdräkter berikade teckningarna till sagan om ”Agneta och Sjökungen”, och ”Svanhamnen”. Han studerade noggrann fresker, kyrkor och museer, vilket tilltalade hans eklektiska sinne.

Illustration till ”Svanhamnen” (1908) av Anna Wahlenberg påminner mycket om Domenico Ghirlandaio-måleri.
””Skinnpåsen”
av Anna Wahlenberg (1908)

Jönköpings Läns Museum visar John Bauers originalmålningar i fantasifulla miljöer där man kan förvandla sig till sagofigurer innan man tassar in i den magiska skogen där älgarna ibland sjunger, där trollen gömmer sig i sin hemliga grotta och dr kaniner är av guld eller lyser av ljus.

”Agneta och sjökungen” (1910)
av Helena Nyblom
Riddardottern dröjer sig kvar vid sjön och rövas bort av sjökonungen, som gör henne till drottning i sitt undervattensrike. Där tillbringar hon sju år glömsk av sitt tidigare liv. Men en söndag tränger ljudet av kyrkklockorna ned i djupet, och hon utber sig för att få besöka gudstjänsten. Hon upplever då sin gemenskap med människorna, och när sjökungen vill hämta henne vägrar hon att följa med tillbaka.De

”Sjökungens drottning” (1910)
Agneta och sjökungen” (1911)

Humpe, från sagan om ”En pojke som aldrig var rädd

John Bauers troll är varken hemska eller skrämmande. Runt 1912 visas figuren av Humpe, trollbarnet, i konstnärens verk. Humpe har röda lockar, ett leende i ansiktet och glittrande ögon som avbildas ofta med sin trollmor. Trots trollens charm ställer Bauer dem ihop med figurerna av kvinnor eller prinsessor för att betona kontrasten mellan det som är ”omänskligt” och människan.

Trollsonen som hade solögon och vart skogsman” (1912)
Humpe med trollmamma” från
”Trollsonen som hade solögon och vart skogsman” (1912)

”Sagan om älgtjuren Skutt och lilla prinsessan Tuvstarr” (1913)

Prinsessan Tuvstarr följer med älgen Skutt, som skall visa henne världen. Under färden genom skogarna förlorar hon alltmer av sin identitet. Älvorna tar hennes krona, skogsrået klänningen, och till sist tappar hon sin halsband i skogstjärnen. Då stannar hon där, evigt blickande ner i tjärnen…

Ännu sitter Tuvstarr kvar och ser ner i vattnet” (1913)
Berättelsen skrevs av Helen Kjellin
25 x 25 cm, Malmö Konstmuseum
” Sagan om älgtjuren Skutt och lilla prinsessan Tuvstarr” (1913)

Ringen” (1914)
av Helena Nyblom
Prinsen finner på stranden en ring, som visar sig ha övernaturliga egenskaper. Han rider ut för att söka efter ringens ägare. Till slut kommer han till ett berg, där han träffar en flicka som hålls fången av ett troll. Hon hade kastat ringen i havet för att den skulle leta upp hennes räddare.

”Ringen” (1914)
”En gång reste en ung prins ut i månskenet”

Bauers tecknarbegåvning var stor från början av hans karriär. Han förknippade den svenska sagovärlden med sin samtida konst, symbolismen med jugendstilen, ungrenässansen med den engelska prerafaelitrörelsen. Allt är stiliserat, men ändå mycket ”ursvenskt”.

Ett otroligt konglomerat. Fusion.

Guldnycklarna” (1915)
av W.E. Björk
Vallpigan Lena får en guldnyckel som leder till drömmarnas lustgård av tre feer. Det är en hemlighet som inte får förrådas, men hon offrar den för att rädda den unge kungen och blir hans brud.

Lena och riddaren dansa” (1915), 26 x 28,5 cm
Och hon höll upp en nyckel, en fin nyckel gjord av rent guld

Illustrationer till berättelse ”En riddare red fram” (1915) visade sig att vara sista gången han medverkade i sagoserien. Han var trött på sina tomtar och troll… John Bauer tvivlade på sig själv. Han tyckte att det beröm han fick för sina bilder av troll och prinsessor var ”en trevlig klapp på huvudet för att göra roliga bilder för barn”. Bauer ville måla i olja och göra det som han ansåg för ”riktig konst”, men han behövde de pengar han fick för sina illustrationer. En märklig cirkel.

”En riddare red fram”
Akvarell oh täckvitt, 35 x 34 cm
Bukowskis

Bauers skissböcker var fulla av studier av antika föremål och renässanskonst. Han var enastående i detta, men han fick också hemlängtan till den tysta stillheten från den svenska skogen, vilket resulterade i några verk med vit snö, mörka skogar och himlen som glittrade av små stjärnor. Naturens magiska krafter påverkade väl fantasin hos en känsliga själ som John Bauer. Hade de djupa skogar befolkats av olika trollar och naturväsen?

För samtida människor är det svårt att tro på sagor. Vi lämnade den oförutsägbara barndomstiden för moderna leksaker såsom mobiler, surfplattor. Kommer våra barn att fantisera om ädla riddare, vackra prinsessor? Det är en helt annan fråga!

John Bauer dog så plötsligt… Vid flytten från Småland hände en tragisk olycka.

I stället för att åka ett modernt tåg valde han den gammaldags färjeturen. Vägen ledde över den imponerande sjön Vättern. Tyvärr, på grund av dåliga väderförhållanden, sjönk fartyget och tog den då 36-åriga konstnären, fru Esther och deras treårige son, Bengt. Den 20 november 1918 var en ödesdag.

Enligt en av folksagorna ”Agneta och Sjökungen”, som han illustrerade 1910, var sjön bebodd av nymfer som drog oaktsamma människor i vattnet. Det sades att varelserna som John Bauer skapade, ville presentera honom för en bredare publik och tog honom till sitt undervattens rike. Fyra år senare drogs ut färjan och familjen Bauers kroppar begravdes på Östra kyrkogården i Jönköping. Tänker ni som jag? Har John Bauer träffat sina tomtar och troll?

En gång
Månadsvis
Årligen

Gör en donation en gång

Gör en donation en gång i månaden

Gör en donation en gång om året

Välj ett belopp

30,00 Skr
90,00 Skr
600,00 Skr
30,00 Skr
90,00 Skr
600,00 Skr
30,00 Skr
90,00 Skr
600,00 Skr

Eller ange ett anpassat belopp

Skr

Ditt bidrag uppskattas.

Ditt bidrag uppskattas.

Ditt bidrag uppskattas.

DoneraDonera en gång i månadenDonera en gång per år

Porträttgalleri: Parmigianino och hans mystiska ”Antea”.

När man porträtterar en modell, begränsar konstnären sig inte till en vanlig representation, utan försöker tolka personen, extrahera dess egenskaper för att lägga till dem på duken.

Girolamo Francesco Maria Mazzola, kallad Parmigianino, föddes 11 januari 1503 i Parma. Han representerade manieristisk stil, var aktiv i Florens, Rom, Bologna och Parma. Hans underbara och individuella talang har alltid erkänts, men karriären stördes av oroliga tider (”sacco di Roma” 1527), och avslutades snabbt med hans död 1540.

Porträtt av en ung dam” eller ”Antea” (1525-27)
olja på duk, 135 x 88 cm
Museo di Capodimonte, Neapel
Detalj med pälsstola

Parmigianino utförde porträttet av den unga damen mellan 1524-27. Namnet ”Antea” är en fiktion, kvinnans identitet är fortfarande okänd, men kommer utan tvekan att hålla fast. De obesvarade frågorna kring henne har fascinerat konsthistoriker i århundraden. Många har försökt lösa hennes mysterier genom att sammanställa olika teorier, allt från det bisarra till det förutsägbara.

Damen är klädd mycket lyxigt. Garderoben innehåller många lager: en guldblus, ett vitt förkläde, en invecklad satinklänning, en pälsstola och handskar. Detta kompletteras med fina smycken: örhängen, en huvudbrosch och i hennes högra hand en gyllene kedja. Kläderna kan vara typiska för de överdådiga gåvor som en älskare skulle ha gett till sin älskarinna eller en klient till sin kurtisan. Det sätt som Antea rör vid halsbandet verkar också leda till en koppling mellan hennes juveler och lust eller sexualitet. Hennes ungdom tyder på att hon fortfarande var ogift.

Kurtisan?

Enligt Benvenuto Cellinis självbiografi tillhörde Anteas namn en populär kurtisan i Rom. Cellini var jämnårig med Parmigianino, han skrev sina memoarer under 1558- 62 och säkert träffade han någon Antea. Är det hon som porträtterades? Har Parmigianino träffat henne under sin vistelse (1524-27) i Rom?

Anteas gula klänning skulle stödja denna teori eftersom det var en färg som prostituerade ofta tvingades bära i italienska städer för att skilja dem från andra damer. Det blev dock senare en moderiktig färg för rika kvinnor.

Dotter?

Den unga damens skönhet gav upphov till många spekulationer om att hon var romantiskt kopplad till konstnären. Denna tillskrivning har senare ifrågasatts. Studier av kvinnans kläder, en sofistikerad blandning av lyxiga och populära element, ledde till hypotesen att hon möjligen kunde vara en dotter till Parmigianino. Problemet är att det inte finns några källor som kan bekräfta denna teori.

Antea –modell?

Det finns också ett annat antagande. Vissa konsthistoriker hävdade att det finns en slående likhet mellan Antea och en ängel skildrad i den kända målningen ”Madonna med den långa halsen”, vilket tyder på att den unga kvinnan kunde ha varit en studio modell! Det skulle innebära att Parmigianino utförde henne lite senare, efter sin återkomst till Parma i 1534.

Parmigianino ”Madonnan med den långa halsen” (1534)
olja på duk, 216 x 135 cm
Uffizi
I mitten står kanske samma modell som Antea (?)

Antea” har fascinerat konstvärlden och anses av många vara ett av de finaste exemplen på italienska kvinnliga porträtt. Förmodligen är hon det mest förtrollande och mystiska porträttet efter Mona Lisa.

Liksom Mona Lisa har Antea samma, nästan hårda ögonkontakt med betraktaren och hon verkar också gåtfull och ouppnåelig.

Målningen är ett exempel på manierismen. Kvinnans lilla, ungdomliga huvud ligger på en omöjligt stor, kurvig, kvinnlig kropp och hennes axlar är för breda. Trots sådana anomalier, dominerar hennes närvaro fortfarande bilden och hennes kraftfulla skönhet lyser igenom!

Den sista teorin

Det var ofta vanligt att rika familjer beställde ett ”presentationsporträtt” av sin dotter för att hjälpa till att förhandla om en äktenskapspartner. Det skulle dock vara ovanligt att ett sådant porträtt visade sensualitet. Istället skulle flickans dygd och oskuld ha framhävt.

Parmigianino var en begåvad porträttmålare. Han hade lätt att förmedla känslor hos avbildade personer. Vem var den unga damen? Tyvärr, hemligheten kommer inte att avslöjas. Vi kan njuta av tavlan i Museo di Capodimonte och fantisera om modellens identitet.

Källor:

http://www.museocapodimonte.beniculturali.it/correggio-parmigianino-capodimonte/

En gång
Månadsvis
Årligen

Gör en donation en gång

Gör en donation en gång i månaden, att stödja Konstspegel.
Tack! Thanks!

Gör en donation en gång om året

Välj ett belopp

30,00 Skr
90,00 Skr
600,00 Skr
30,00 Skr
90,00 Skr
600,00 Skr
30,00 Skr
90,00 Skr
600,00 Skr

Eller ange ett anpassat belopp

Skr

Ditt bidrag uppskattas.

Ditt bidrag uppskattas.

Ditt bidrag uppskattas.

Donera en gång i månadenDonera en gång i månadenDonera en gång i månaden

Sälja konst och fakturera utan företag

Kanske har du inte företag och behöver fakturera utan företag eller fakturera utan bolag då kan du köpa olika te sorter som tex grönt te, svart te och rött te för sälja till café och restauranger runt om i Sverige. Det är Sverigesbästaföretag som kan hjälpa dig med dessa typer av fakturera utan företag eller fakturera utan bolag.

Att sälja konst och fakturera utan att ha ett eget företag är möjligt och har blivit ett populärt alternativ för många konstnärer i Sverige. Det är ett sätt att driva sin kreativa verksamhet på ett enklare sätt, särskilt för de som inte har en regelbunden inkomst från sin konst eller som precis har börjat etablera sig på marknaden. Lösningen ligger i att använda sig av en egenanställningstjänst, som fungerar som en mellanhand mellan konstnären och kunden.

När du säljer konst genom en egenanställningstjänst registrerar du dig som egenanställd hos en sådan tjänst, exempelvis Frilans Finans eller Cool Company. Dessa företag fungerar som arbetsgivare för dig i den specifika transaktionen, vilket innebär att de hanterar all administration kopplad till faktureringen, såsom skatter och avgifter. Du behöver bara skapa en faktura genom deras system, och när kunden har betalat den ser tjänsten till att dra av skatt och sociala avgifter innan resten av beloppet betalas ut till dig som lön. Detta gör processen enkel och trygg samtidigt som det följer alla lagliga krav. Köpa godis online från Wendelins kaffe och delikatesser

Egenanställningstjänster passar bra för konstnärer eftersom de eliminerar behovet av att registrera ett eget företag, vilket kan vara både tidskrävande och kostsamt. Det är särskilt fördelaktigt för den som kanske säljer konstverk sporadiskt eller inte vet om försäljningen kommer att vara en regelbunden inkomstkälla. Genom att använda denna metod kan du fokusera mer på ditt konstnärliga arbete och mindre på administration och byråkrati.

Det är också viktigt att ha en tydlig prissättning och att förstå hur avgifterna fungerar. När du använder en egenanställningstjänst tas en avgift för deras tjänster, ofta en procentandel av fakturabeloppet. Därför är det viktigt att inkludera denna kostnad i priset på dina konstverk för att säkerställa att du får en rimlig ersättning för ditt arbete. Att kommunicera tydligt med kunden om vad som ingår i priset, såsom material och eventuell frakt, är också viktigt för att undvika missförstånd. Tjäna pengar till klassen

Genom att sälja konst och fakturera utan företag kan du nå ut till fler kunder och hantera din försäljning på ett professionellt sätt. Det ger dig också möjlighet att bygga upp ditt varumärke som konstnär utan att ta de risker som kan följa med att starta ett företag från början. Samtidigt får du erfarenhet av att arbeta i en mer organiserad struktur, vilket kan vara värdefullt om du i framtiden väljer att ta nästa steg och etablera ett eget företag.

Tjäna pengar till klassen ska vara en kul resa. Ni kan också tjäna pengar till laget och få in massor av pengar.

Batseba i konsten.

Den bibliska berättelsen börjar med lust och åtrå. En kväll när kung David slappnade av på taket till sitt palats ”fick han därifrån se en kvinna som badade. Hon var mycket vacker. David förhörde sig om vem hon var och fick veta att det var Batseba.” Han kallade till sig henne och ”hon kom till honom, och han låg med henne” och gjorde henne gravid. Problemet var att Batseba redan var gift med en av kungens legosoldater, hettiten Uria. Vad skulle man göra? David arrangerade Urias död, ställde honom i första ledet, där striden var hetast. Batseba blev kungens favorithustru.

Master of Modena School (ca.1480) från tidebok "Office of the Virgin"

Strax därefter framträdde profeten Natan inför David och berättade historien om en rik man som hade ett stort antal boskap och en fattig man som bara hade ett får. Den rika mannen skulle beröva den fattiga mannen detta enda får – upprörd krävde David döden för den rika mannen. ”Så sant Herren lever: den mannen har förtjänat döden. Du är den mannen”- svarade Natan (Batseba: 2 Sam 11-12)

Kungen insåg sitt brott. Han och Batseba förlorade det barn som föddes i följden av deras synd.

Episoden när David träffade Batseba är en av vackraste ledmotiv i västerländsk konsthistoria. Som karaktär har Batseba porträtterats genom otaliga linser – förändras med varje konstnär och utvecklas med varje tidsperiod. Hon är stark, ömtålig, varm och lydig. Lojal. Svag. Undergiven. Stolt. Uttråkad. Hon har vid en tidpunkt varit allt som mänskligheten kunde föreställa sig.

Hans Memling ”Batseba i badet” ( 1485)
oil on panel, 191,5 x 84,5 cm
Staatsgalerie Stuttgart/ Wikimedia Commons

Den flamländska målaren Hans Memling (ca.1435- 94) skapade sin ”Batseba kommer ut ur badet” i 1485. Blek och tunn är hennes kropp. Pannån är en del av ett större verk som delades av okända skäl på 1600-talet. Endast två fragment har överlevt fram till idag.

På badrummets bakvägg är ett fönster öppet och avslöjar en takterrass. Denna målning är kall och avlägsen, eller kanske är den stoisk och moralisk. Det finns en tomhet som kan ses antingen som konstnärens eget temperament eller hans kommentar till denna historia. Hur som helst verkar Memling’s Batseba inte förberedd för kungens påtryckning och hur hennes liv ska förändras.

Lucas Cranach ”David och Batseba”(1534)
oil on lime, 38,8 x 25,6 cm
Foto: Sothebys
Lucas Cranach ”David och Batseba”(1526)
målning på bokträ, 38,8 x 25, 6 cm,
Gemäldegalerie, Berlin/Wikimedia Commons


Lucas Cranach (1472-1553) presenterar scenen från renässansens hov. Han var ju hovmålare under tre följande kurfurstar i Wittenberg.

Kung David tittar ner från sitt palatstak på den vackra Batseba. Denna pannå är typisk för Cranach`s satiriska förhållningssätt till bibliska ämnen omarbetade till 1600-talet sceneri.

Paris Bordone ”Batsebas bad” (ca.1549)
oil on canvas, 234 x 217 cm,
Wallraf- Richartz Museum, Köln/Wikimedia Commons

Den här scenen visar Batsebas badstund traditionellt, men Paris Bordone (1500-71) använde arkitektoniska lösningar i stället att avbilda landskapet. Han började med att rita arkitekturen i full storlek, som han sedan överförde till sin duk. Kung David placerades djupt i målningen, han tittade ut genom ett av fönstren i sitt palats.

Paolo Veronese ”Batseba” (ca.1575)
oil on canvas , 191 x 224 cm,
Musée des Beaux-Arts, Lyon
/Wikimedia Commons

Detta verk är ett exempel på så kallad ”äktenskapsmålning”, beställd av en venetiansk kund. Paolo Veronese behandlar temat för äktenskapsbrott kopplat till rättvisan och visar erotik mellan de två huvudpersonerna. Målningen visar en biblisk scen, men det finns osäkerhet om ämnet. Kan scenen representera en annan berättelse, nämligen Susanna och de äldste?

Rembrandt ”Batseba i badet, läser Davids brev” (1654)
oil on canvas, 142 x 142 cm,
Louvren, Paris /Wikimedia Commons

Här finns inga tveksamheter. Målningen är signerad och daterad REMBRANDT F. 1654. Den nederländska mästaren visar en naken Batseba med ett halsband runt halsen och ett armband på höger axel; håret är bundet med band och pärlor. Hon sitter på kanten av en säng. Badet har redan ägt rum. En äldre kvinna knäfaller framför Batseba och torkar den framtida drottningens fötter. Verkets färger svänger mellan intensiva gula och mörka bruna, typiska för Rembrandts chiaroscuro.

Rembrandt porträtterade Batseba i en stund när hon funderar. Funderar över sin plikt att vara trogen mot sin man och lydig mot kung David. Med hjälp av sofistikerade gester illustrerar målare hennes inre dilemma. Han visar oss en intelligent kvinna som står inför en begäran som hon vet bara kommer att innebära dåliga saker.

En liknande lösning hittar vi hos Willem Drost.
Han var elev till Rembrandt och inspirerades av sin mästare.
”Batseba” (1654)
oil on canvas, 103 x 87 cm,
Louvren, Paris / Wikimedia Commons

Willems Drost (1633-59) version av Batseba kan ses som ett beräknat svar på Rembrandts målning gjort samma år. Batseba håller brevet där hon just fick veta att hon hade blivit ombedd av kung David. Hon vet vad det betyder…

Jan Steen ”Batseba tog emot Davids brev” (ca.1665-60)
oil on panel, 41 x 33cm,
privat kollektion/ Wikimedia Commons
Verket påminner mycket om Johannes Vermeers tavlor!

http://www.essentialvermeer.com/dutch-painters/masters/steen_b.html

Jan Steen (1626-79) föddes i Leiden. Han var mest känd för sina bibliska och allegoriska motiv överförda till samtida omgivningar. Trots hans verk var mycket ojämna, kännetecknas Steens arbete av oklanderlig teknik och komposition. Han behärskade perfekt sättet att använda ljus och färg och ägnade noggrann uppmärksamhet åt detaljer, särskilt i textilier.

Artemisia Gentileschi (1645-50)
oil on canvas, 259 x 218 cm,
Neue Palais in Potsdam
/Wikimedia Commons

Tidigare hade konstnärer skildrat Batseba som upprörd över sitt dilemma och betonade de starka moraliska tonerna i de slutliga resultaten. Men på 1600-talet avbildades Batseba oftare som en frestare, snarare än det oskyldiga offret för kungens passion. Artemisias Gentileschi (1593-1654) behandling av ämnet är en studie i sensualitet. I själva verket målade hon skönheten från Gamla testamentet som en aktiv deltagare som förberedde sig för ett möte med sin nya älskare.

Sebastiano Ricci (1734),
oil on canvas, 118,5 x 199 cm,
Museum of Fine Arts, Budapest /Wikimedia Commons

Batsebas motiv fortsätter till senbarocken. På den här tavlan njuter hon av sitt bad. Italienaren Sebastiano Ricci (1659-1734) var främst verksam i Venedig. Här avbildar han en scen med en piga som närmar sig med det kungliga brevet. Uppenbarligen gillade Ricci att använda byggnader med pelare för att sluta bakgrunden, utan tvekan inspirerad av Veronese. Smala pelare, ljusa balkonger ger en pittoresk dekorativ ram för figurerna grupperade på scenen framför. Hela scenen genomsyras av ett skimrande silverljus; skugga och svaghet har helt försvunnit.

Sebastiano Ricci ”Batseba i badet” (1724)
oil on canvas, 109 x 142 cm,
Gemäldegalerie, Berlin /Wikimedia Commons

Liknande tema och lösningar träffar vi i versionen från omkring 1725. Dess förfining av form och färg påminner om den gyllene tidsåldern för den venetianska målningen. Batseba liknar venetianska damer, medvetna om sin skönhet.

Francesco Hayez ”Batseba i badet” (1834)
oil on canvas, 107 x 77 cm,
Pinacoteca di Brera, Milan /Wikimedia Commons

Batsebas ledmotiv tolkas här framgångsrikt av Francesco Hayez (1791-1882) som hanterar den kvinnliga nakenheten med en naturalistisk ”touch” och söker sin inspiration i barocken. Historien från Gamla testamentet används som förevändning för en bild med stark erotisk inverkan. Pannån beställdes av Markisen Ala Ponzone (1761-1842), en rik konstsamlare, grundare av Museo Civico i Cremona (1842).

Francesco Hayez ”Batseba” (1827),
privat kollektion
Jean- Leon Gérôme ”Batseba” (1889)
oil on canvas, 60,5 cm x 100 cm
Sothebys

En av de mest kända franska konstnärerna Jean-Leon Gérôme (1824-1904) som skapade grunden för den orientaliska stilen, skulle inte missa ett Batseba-motiv. Han framställde hennes nakna och perfekt vita kropp i sällskap med en kvinnlig tjänare. Batseba njuter av sitt bad på en takterrass i en stad i Mellanöstern.

Det här är inte längre en kvinna med bekymmer. Hon har till och med valt den perfekta tiden på dagen för att vara ute. Den rosa och gula himlen mjukar upp hela scenen. Gérôme har utfört duken med en aura av sensualitet och erotik. Vi kan beundra hans släta akademiska stil.

J.L Gerome ”Batseba” (ca.1895)
Dahesh Museum of Art, New York

Sju år senare översatte han sin bibliska hjältinna till en skulptur. Gérômes verk speglar hans långvariga intresse för den klassiska världen. Batseba vrider sig runt och tvättar sin kropp. Skulpturen är dedikerad till konstnärens lärling och vän Gustave Courtois (1853–1923).

Även i Sverige kan vi hitta Batseba-målningar. Gotlands kyrka i Västerhejde bevarar ett fint exempel på orgelläktaren utförd av den tyske konstnären Abraham Beck ( verksam på Gotland, aktiv omkring år 1700)

Batseba i Västerhejde kyrka Foto: Bernt Enderborg

Tillsammans med Eva var Batseba nästan den enda kvinnan, vars nakna skildringar lätt och regelbundet kunde motiveras i den kristna konsten. Hennes skamlösa nakenhet har inget med överdrivet koketteri eller förförelse att göra. Det finns viss mildhet i henne. Uttrycket i kvinnans ansikte, hennes vördnad och ödmjukhet gör bilden rörande och förtjusande. Många konstnärer utelämnade Davids figur och helt fokuserade på Batseba. Oftast avbildades hon som en djup funderande kvinna, med blandade känslor, mellan rädsla och kärlek, plikt och drömmar. Kanske här finns hennes främsta styrka?

En gång
Månadsvis
Årligen

Gör en donation en gång

Gör en donation en gång i månaden

Gör en donation en gång om året

Välj ett belopp

30,00 Skr
90,00 Skr
600,00 Skr
30,00 Skr
90,00 Skr
600,00 Skr
30,00 Skr
90,00 Skr
600,00 Skr

Eller ange ett anpassat belopp

Skr

Ditt bidrag uppskattas.

Ditt bidrag uppskattas.

Ditt bidrag uppskattas.

DoneraDonera en gång i månadenDonera en gång per år

Susanna och de äldste.

Är bibliska berättelser aktuella? Kan vi lära oss någonting av Gamla testamentet? Konsten är som livets största nöje och för fram olika frågor. Den här gången kommer vi att träffa en vacker Susanna. Ord som förekommer: voyeurism, utpressning och rättvisa. En livsläxa men framför allt en titt på den vackra konsten!

Alessandro Allori "Susanna och de äldste" (1561)
 olja på duk, 202 x 117 cm
Musée Magnin, Dijon

Av det Gamla testamentet:

Två gamla domare hade lust till Joakims vackra fru, och en gång medan hon badade, krävde de att få ha samlag med henne. När Susanna avvisade deras invit, anklagade de äldste henne för äktenskapsbrott inför folkmassan! Den oskyldiga Susanna skulle ha dött genom stening om inte den unge profeten Daniel hade kommit. Upprörd över domarnas beteende, ifrågasatte han dem var och en, visade deras lögner och de dömdes till döden. Susanna återfick sin frihet och ära (Daniel 13: 1-63).

Berättelse har en moraliserande aspekt men scenen väckte intresse hos konstnärer för att den visar kvinnans oskuld och de äldres fula avsikter.

Susannas namn förknippas med hennes kyskhet och i många länder finns ett ordspråk ”kysk som Susanna”.

Målningen utförd av Alessandro Allori är förmodligen en av de vackraste av alla skildringar. Det första vi märker är Susannas nakna kropp. Hon vrider sig mot en av plågoandar, medan den andra skjuter in handen mellan hennes ben. Trots detta riktas Susannas uppmärksamhet mot den andra äldste som har tagit tag i hennes handled och utsatt henne för tittarnas blick. Det som han säger är uppenbarligen viktigare än vad den andra äldre gör. Susanna försvarar sig, gräver sina naglar i ansiktet och huvudet på båda sina antagonister. Allori gör oss – åskådare- delaktiga på något sätt i brottet.

Daniels bok (13:1-63)

Och de sade till henne: »Gör oss nu till
viljes och ligg hos oss; annars vilja
vi vittna mot dig, att en ung man har
varit hos dig, och att du för den skull
skickat bort dina trälinnor. > Då svarade
Susanna och sade: »Jag är i trängsel på
alla sidor, ty om jag detta gör, så står
döden mig före, men om jag icke gör det,
så kan jag icke undfly edra händer. Dock
vill jag hellre icke göra det och så falla
i edra händer än synda emot Gud.»

Berättelse skildras i ”Tillägg till Daniel”, en av apokryferna till Gamla Testamentet. Men inom romersk-katolska kyrkan ingår de som kanoniska. Dags att visa historiens ikonografi!

Renässansen

Den kontroversiella påve Aleksander VI hade ingen emot att anställa Pinturicchio (1454-1513) och låta honom utföra vackra fresker i hans privata appartamento Borgia. En dekorativ stil som passar utmärkt till scenen.

Pinturicchio ”Susanna och de äldste” (1492-95)
fresk i Borgia Apartment– Sala dei Santi, Vatikanpalatset

Lorenzo Lotto (1480-1557) skildrade Susanna i badet. Hennes kläderna är utspridda, medan de äldste bröt sig in till badhuset i sällskap av två vittnen som kallades för att stödja deras anklagelse om äktenskapsbrott.

Lorenzo Lotto ”Susanna och de äldste” (1517)
olja på pannå, 60 x 50 cm
Contini Bonacossi kollektion -Uffizi

Bernardo Luini (ca.1480-1532), en målare från Lombardiet var aktiv framför allt i Milano. Den lombardiska stilen präglades hans konst.

Bernardino Luini ”Susanna” (ca.1521-25)
olja på panel, 50 x 38,5 cm
Liechtenstein Museum

Denna målning är ett fragment av en större komposition. Även om ämnet förhärligar kvinnlig dygd och rättvisa, tillhör den samtidigt de tavlor som fick erotiska konnotationer. Bild påminner lite om Leonardos da Vinci subtila linjer och bekräftar skönheten i den lombardiska traditioner.

Albrecht Altdorfer ”Susanna i badet” (1526)
olja på panel, 74,8 x 61,2 cm
Alte Pinakotek, Munchen

Albrecht Altdorfer (1480-1538), en tysk konstnär från Donau-skolan lade huvudvikt på presentationen av Joakims sagopalats med omfattande terrasser och trädgårdar. Byggnaden är fylld med människor. Bland alla detaljer placerade konstnären olika trådar ur samma historia. Till vänster träffar vi Susanna som förbereder sig för att bada. I buskarna syns knappt två gamla män som tittar på flickans toalett. Scenen fortsätter.
På höger sida av duken går Susanna i en röd klänning till palatset. Hon håller en vit lilja i handen – en symbol för oskuld. Berättelsen går djupare in i kompositionen, där vi kan se rättegången och sedan scenen för straff.

Barocken och manierismen

Jacopo Robusti, kallad Tintoretto (1518-94) var framför allt verksam i Venedig och framställde sin Susanna på det venetianska sättet. Hon sitter på kanten av en liten bassäng och förbereder sig för badet. Två äldre män gömmer sig i hennes trädgård.

Tintoretto ”Susanna och de äldste” (1555-56)
olja på duk, 57 x 76 cm
Kunsthistorisches Museum, Wien

Den tavlan är väldigt dekorativ. Runt Susanna finns flera ljusa föremål, inklusive en vit siden-sjal, pärlor, smycken, en kam och bestick, som tillsammans bildar ett slags stilleben. Solljus faller på delar av kvinnans ansikte och kropp, som Tintoretto har utarbetat i chiaroscuro-tekniken. Hennes flätade hår är så vackert!

Vackra detaljer
Tintoretto – en annan version av ”Susanna och de äldste” (1550/60)
Louvre

Artemisias Gentileschi (1593-1653) första målning av detta motiv är hennes mest kända och är tillsammans med Tintoretto en av de kanoniska målningarna. Borta är dekorationer, symboler och omläggningar, till förmån för en närbild av de tre figurerna i det avgörande ögonblicket som de äldste berättar för Susanna om sitt ”generösa erbjudande”.

Artemisia Gentileschi ”Susanna och de äldste” (1610)
olja på duk, 170 x 119 cm
Schloss Weißenstein, Pommersfelden

https://konstspegel.com/2020/07/22/konsten-att-hamnas-artemisia-gentileschi-1593-1653/

Paolo Veronese (1528-88) var tillsammans med Tintoretto senrenässansens ledande konstnär. Motiv om Susanna användes ofta på den tiden eftersom det gjorde det möjligt att skildra de ämnen som föredrogs av kunderna- den kvinnliga nakna kroppen – med hjälp av en biblisk episod. Konfrontationen mellan Susanna och de äldste är det mest psykologiskt intressanta ögonblicket i hela scenen.

Flera olika målningar av Susanna har tillskrivits Paolo Veronese. Utan att vilja gå in i några kontroverser är denna version, troligen från omkring 1570, ganska representativ i sin inställning.

Paolo Veronese ”Susanna i badet” (ca.1570)
olja på duk, 98 x 198 cm
Louvren
Här finns ett betydande bidrag från Paolos bror och assistent, Benedetto Caliari.

Susanna är halvt påklädd, men en av de äldste gör uppenbara framsteg med sin vänstra hand mot hennes bröst. Männen lägger fram sitt förslag till henne, och hennes kroppsspråk ger ett resolut svar.

Paolo Veronese ”Susanna och de äldste” (ca.1580)
olja på duk, 151 x 177 cm
Prado Museet
Paolo Veronese ”Susanna och de äldste” (1585-88)
olja på duk, 140 x 280 cm
Kunsthistorisches Museum, Wien
Jacopo Chimenti da Empoli (1555-1640) ”Susanna i badet” (1600)
olja på duk, 229 x 172 cm
Kunsthistorisches Museum, Wien
En vacker manieristisk målning.
Den lilla hunden symboliserar trohet.

En annan stor barockmålare, Peter Paul Rubens (1577-1640) inspirerades ofta av olika religiösa ämnen. Hans största bedrift var att hans livfulla penseldrag inte uteslöt sensuella känslor. I båda målningarna poserade hans fru, Isabella Brant (gift mellan1609-26).

P.P. Rubens ”Susanna och de äldste”(1607)
olja på duk, 94 x 66 c
Hermitage Museum, Sankt Petersburg

I målningen dyker kvinnans kropp upp ur mörkret precis när hon vrider sig runt för att möta de gamla män som spionerar på henne. Susanna skildras med ett vit tyg draperat över sig. Det vita symboliserar hennes renhet och godhet. Rubens avbildar hennes rädsla, och bygger en perfekt dramaturgi kring hela händelsen.

P.P. Rubens ”Susanna och de äldste” (1614)
olja på trä
Nationalmuseum Stockholm

En annan genial artist Rembrandt van Rijn (1606-69) närmade sig Susanna två gånger. I målningen från 1636 fokuserade han på figuren av en naken tjej som med skam täckte sin blygd. Hennes ansikte är inte förskräckt utan snarare förvånat.

Rembrandt ”Susanna i badet” (1636)
olja på duk, 47,4 × 38,6 cm
Mauritshuis, Haag
Rembrandt ”Susanna i badet” (1647)
olja på mahogny trä ,76,6 x 92 cm
Gemäldegalerie, Berlin

År 1647 upprepade Rembrandt sitt försök att skildra Susanna i sällskap med rikt klädda gamla män. Ett begränsat utbud av färger: brun, ockra och röd räckte för att intensifiera scenen och skapa ett mästerverk. Konstnären använder orientaliska kläder för att uppnå effekten att scenen sker i Mellanöstern. Dessutom syns ett babyloniskt palats i bakgrunden.

På 1700-talet framställdes många olika målningar av Susanna och de äldste, tills vi når 1800-talet och vad som påstås vara krisen eller till och med döden för det bibliska motivet.


Giuseppe Bartolomeo Chiari (mellan 1700/27)
oija på duk, 67 x 81 cm
Walters Art Museum

I denna målning skildrar Italienare G.B. Chiari (1654-1727) Susanna när hon försöker fly från männens blickar och lust. Fokus på hennes kropp vittnar om hennes oskuld och dygd, eftersom sanningen ofta symboliserades av en naken kvinna, men var också avsedd att vädja till manliga beskyddare. Den mjuka, lysande färgen och kroppsformerna är karakteristiskt för den senromerska barockstilen.

Romantiken och Symbolism

De främsta företrädare för det romantiska måleriet  Eugene Delacroix (1798-1836) framställde en Susanna-scen som beskriver en riktig aggression: gubbarna håller på att våldta kvinnan. Den dygdiga Susanna tycks överge sig själv, som om hon var död. Denna oavslutade oljemålning var sannolikt aldrig tänkt att ha gått in i mer detaljer än den gör.
Här finner vi ett expressivt sätt att visa en osmaklig händelse där Susanna verkar vara sårbar och utbytbar.

Eugene Delacroix ”Chaste Susanna” (1850)
olja på duk, 27 x 55 cm
Palais des Beaux-Arts de Lille

En tysk konstnär, Franz von Stock (1863-1928) kommer att måla Susanna och hennes berättelse några gånger. I båda fallen var hon en del av hans besatthet med femme fatale, vilket i sig är en märklig vändning av en biblisk berättelse. I tavlan från 1904 visar han Susanna i sin fulla längd, naken, bortsett från detaljerade örhängen, med de två äldste som attackerar henne bakom en låg mur.

Franz von Stuck ”Susanna i badet” (1904)
olja på duk, 134.5 × 98 cm

Kunstmuseum, St. Gallen
Franz von Stuck ”Susanna i badet”(ca. 1913)
olja på kartong, 54 × 16 cm
Private kollektion 
Franz von Stuck ”Susanna och de äldre” (1913)
olja på panel, 56.6 × 17.8 c
m
Private kollektion.

Denna version från 1913 följer den traditionella berättelsen mer troget, men använder ett skämt för att få de äldste att se ännu mer löjliga ut: den lilla strömmen av vatten som kommer ut ur munstycket i bassängen tolkas lätt som den äldres urin.

Francesco Hayez ”Susanna i badet” (1850)
olja på duk, 138 x 122cm
National Gallery London

När en konstnär hade två favoritämnen, bibliska berättelser och kvinnans nakenhet, skulle man kunna tro att det skulle vara riskabelt att kombinera de två.

Men Francesco Hayez (1791-1881) den ledande romantiska konstnären och porträttmålaren, har vid ett flertal tillfällen uppnått just det. Berättelsen kretsar bara kring Susanna. De falska anklagarna dödas och dygden segrar. Hayez har föredragit att koncentrera all sin konstnärliga förmåga på den vackra kvinnan. Det är en riktigt vacker målning och Susanna med sin bleka hud och hopknäppta läppar är anmärkningsvärd. Vi känner oss själva anklagade för att stirra på hennes nakna kött. Bakgrunden till höger är mörk och kontrasterar mot hennes bleka vita hud och denna chiaroscuro-effekt bidrar till målningens storhet!

Gustave Moreau ”Susanna i badet” (ca.1895)
81 x 66 cm,
privat kollektion
Gustave Moreau ”Chaste Susanna”
olja på duk, 33 x 40cm
Paris, Musée Gustave Moreau

I denna målning går Susanna in i badet och hennes ställning påminner om Moreaus kvinnliga Delila. De två äldste är gömda bakom en mur. Inga fler uttryck för lust syns hos Moreau. Det är 1870-talet och den borgerliga ordningen råder. Sensualitet är förbjuden. Moreau kallade själv denna tavla ”Chaste Susanna”.

Thomas Hart Benton (1938)
olja på duk, 152 x 106.7 cm
Fine Arts Museums of San Francisco

Thomas Hart Benton (1889-1975) var en amerikansk målare känd för sina kraftfulla figuralmålningar. Även om han huvudsakligen skildrade scener från små städer, undvek han inte bibliska och mytologiska scener, utan placerade även typiskt amerikanska karaktärer i dem.

T.H. Benton undergrävde nästan alla konstnärliga normer i sin moderna skildring av ”Susanna och de äldste”. När Benton framställer scenen, doppar en modern Susanna tårna i en flod på landsbygden i Missouri. Muskulös och smidig är denna Susanna. Ett rött nagellack, könshåren är chockerande och passar inte till den bibliska historien. Vid utställningen 1939 på Art Museum i St. Louis skapade målningen mycket stridigheter.

Puritanismens belastning i Amerika avskräckte från religiös konst och föredrog det verbala som ett sätt att kommunicera idéer om Gud. Bibliska scener är faktiskt sällsynta i den amerikanska konsten.

Den bibliska berättelsen om den vackra och dygdiga Susanna, Joakims hustru, som orättvist anklagas för äktenskapsbrott av avvisade friare, är en av de mest illustrerade berättelse från Gamla testamentet. Ämnets popularitet bestämdes inte så mycket av dess moraliska värden. Straff för falska anklagelser och brott mot dekalogen var viktiga budskap, för att allt vittnade om Guds rättvisa, men den erotiska aspekten var avgörande för konstnärer.

Scenen tolkade Susannas nakenhet och gav en ursäkt för att visa denna skönheten på duken. Var den bibliska händelsen ett försök att åtnjuta ”förbjuden frukt”?

En gång
Månadsvis
Årligen

Gör en donation en gång

Gör en donation en gång i månaden

Gör en donation en gång om året

Välj ett belopp

30,00 Skr
90,00 Skr
600,00 Skr
30,00 Skr
90,00 Skr
600,00 Skr
30,00 Skr
90,00 Skr
600,00 Skr

Eller ange ett anpassat belopp

Skr

Ditt bidrag uppskattas.

Ditt bidrag uppskattas.

Ditt bidrag uppskattas.

DoneraDonera en gång i månadenDonera en gång per år

Källor:

https://borghese.gallery/collection/paintings/susanna-and-the-elders.html

Tjäna pengar genom dropshipping Sverige

Antioxidanter i kaffe och hudfördelar tjäna pengar online

Jobba med network marketing marketing

Network marketing, eller nätverksmarknadsföring, har blivit en populär metod för att tjäna pengar online i Sverige. Det är en affärsmodell där individer marknadsför och säljer produkter eller tjänster direkt till kunder samtidigt som de rekryterar andra för att bygga sitt eget team av säljare. Genom att kombinera personlig försäljning med möjligheten att skapa ett nätverk kan du generera både direkta inkomster från dina egna försäljningar och provisioner baserade på teamets prestationer.

För att lyckas med network marketing online är det viktigt att välja rätt företag och produkter. Företagen som erbjuder denna typ av verksamhet varierar i både kvalitet och inriktning, och det är avgörande att hitta en produkt du verkligen tror på och kan stå bakom. Det blir enklare att marknadsföra något du själv är engagerad i och som har en tydlig målgrupp.

Att bygga en närvaro på sociala medier är ett effektivt sätt att nå potentiella kunder och rekrytera nya medlemmar till ditt nätverk. Plattformar som Instagram, Facebook och TikTok gör det möjligt att skapa personliga och engagerande innehåll som kan attrahera följare och potentiella köpare. Många framgångsrika nätverksmarknadsförare delar sina personliga erfarenheter med produkterna och visar hur de har förbättrat deras liv. Genom att vara autentisk och ärlig kan du bygga förtroende hos din publik, vilket är en nyckelfaktor för framgång inom network marketing.

Utbildning och personlig utveckling spelar också en viktig roll. Många företag inom nätverksmarknadsföring erbjuder utbildningsmaterial och stöd för att hjälpa sina medlemmar att utveckla nödvändiga färdigheter. Detta inkluderar säljstrategier, kommunikation och ledarskap, som alla är viktiga för att bygga ett starkt och framgångsrikt team. Genom att investera tid i att lära dig och tillämpa dessa färdigheter kan du öka dina chanser att lyckas.

Ett annat viktigt element är att skapa och upprätthålla relationer. Nätverksmarknadsföring bygger på människors förtroende och viljan att arbeta tillsammans. Genom att erbjuda stöd och motivation till de personer du rekryterar kan du skapa en stark och sammanhållen grupp som är motiverad att arbeta mot gemensamma mål. Detta leder till en stabilare inkomstkälla genom de provisioner som genereras av teamets prestationer.

Network marketing kan vara en lönsam verksamhet för den som är villig att arbeta hårt, lära sig och bygga starka relationer. Genom att använda digitala verktyg och sociala medier kan du ta del av denna affärsmodell på ett flexibelt och modernt sätt som passar dagens livsstil.

Simson och Delila i konsten.

Gamla testamentet innehåller olika skrifter, deras innehåll är grunden för den västerländska kulturen och källan för två stora religioner: judendomen och kristendomen. Domarboken (16,4-22) berättar om perioden i Israels historia då landet styrs av domare. Den kronologiskt sista av lagmännen var Simson, vilket namn tolkas från hebreiska shimshon, ”solen”, eller shamen – ”stark”.

Simson var utrustad med övermänsklig styrka som han använde för att bekämpa Israels fiender – filistéerna. Han utförde handlingar som var omöjliga för vanliga människor. Själv tillhörde han Guds nasir, vilket innebär att han levde enligt vissa helighetsregler. Det var förbjudet att dricka alkohol, klippa håret och äta druvor. Hans styrka satt i det långa håret.

Berättelse om Simson lockade många konstnärer, först för att avbilda hans enorma styrka, och att presentera hans vackra älskarinna – Delila.

Francesco Morone ”Simson och Delila” (ca.1512)
olja på trä, 76 x 121 cm
Museum Poldi-Pezzoli, Milano

Under denna period var Filistéerna i krig med Israel. Det hindrade inte Simson från att bli kär i en kvinna som härstammade från detta folk. Delila var känd för sin extraordinära skönhet. Här börjar faktiskt den riktiga berättelsen…

Den unga kvinnan var lojal mot sitt folk. Med hjälp av sin list och skönhet fick hon Simson att avslöja sin hemlighet – att han var Guds nasir och att om man rakade av honom håret skulle han bli svag som alla andra människor.

När Simson sov kallade Delila på en man som skar av honom hans flätor och Simson förlorade då sin krafter. Han blev tillfångatagen av filistéerna och utnyttjad som slavarbetare.

Lucas Cranach d. ä. ”Simson och Delila” (ca.1528)
olja på duk, 57.2 x 37.8 cm
Metropolitan Museum of Art, New York
Lucas Cranach d.ä. Samma motiv men annan version (1537)
olja på lim, 74, 5 x 121 cm
Gemäldegalerie Alte Meister, Dresden

En grupp soldater dyker upp ur skogen och söker hämnd mot den kraftlösa hjälten, som mördat tusen filistéer förut.

Lucas Cranach (1472-1553) framställde den bibliska berättelsen som en allegori och varnade män för kärlekens fallgropar och kvinnornas förmodade list! Panelens lilla storlek antyder att den visades i ett privat sammanhang.

Paul Rubens (tilldelad) ”Samson och Delila” (1609)
olja på trä, 185 x 205 cm
National Gallery, London

Peter Paul Rubens (1577-1640) målade den tavlan för sin beskyddare, den rika och inflytelserika rådmannen Nicolaas Rockocx (1560-1640). Verk hängde i hans residens i Antwerpen som idag är en museum (Rockocx house).

Rubens framställer scenen på ett elegant sätt, särskilt uppenbart är det i frisörens professionella gest och i Delilas tvetydiga uttryck, sammansatt av sensualitet, triumf och medlidande! Konstnären följer traditionen men introducerar i tavlan en figur, som inte förekommer i Bibeln. En gammal kvinna blev Delilas medhjälpare.

Rembrandt ”Simsons bröllop” (1638) med hans fru Saskia
olja på duk, 126 x 175 cm
Gemäldegalerie Alte Meister

Under Rembrandts Harmenszoon van Rijn (1606-69) tidiga period kändes ofta Rubens höga närvaro. Simson var en av Rembrandts favorithjältar. Han avbildade honom i olika sammanhang som beskrivs i Gamla testamentet och tolkade dem ofta på sitt eget individuella sätt. I ”Simsons bröllop” är den centrala personen en vacker brud, badande i starkt ljus. Vet ni, vem damen är? Detta är Saskia, Rembrandts hustru, som poserade för scenen. Hennes figur står fram inför betraktaren, till skillnad från andra gäster som är upptagna med att prata med Simson.

Rembrandt van Rijn ”Simsons blindhet” (1636)
olja på duk, 205 x 272 cm
Städel Museum, Frankfurt

Den tavlan är en av målarens största och mest dramatiska barockmålningar. Konstnären valde det ögonblick då filistéerna, angrep den mäktiga mannen, band och bländade honom. Rembrandt vävde tillsammans flera avsnitt i en scen. Incidenten äger rum i en grotta eller tältingång, endast upplyst av ljuset som lyser genom öppningen. Man kan se den fallna Simson, hur han försökte befria sig från sina band.

Alla figurer är i rörelse, tillsammans med Delila i bakgrunden som flyr från tältet, fortfarande tittande tillbaka, håller en hårlock och en sax stadigt i händerna. Det finns skräck i hennes ögon.

Gerard van Honthorst ”Simson och Delila” (ca.1615)
olja på duk,129 x 94 cm
Cleveland Art Museum

Här har vi exempel på en målning inspirerades av Caravaggio och ”chiaroscuro” tekniken. Gerard von Honthorst (1592-1656) avbildade en sovande Simson med huvudet på ett bord när Delila själv klipper hans hår. Hennes ansikte är lugnt och hon gör sin uppgift med tyst koncentration. Det förekommer också en gammal kvinna som lyfter ett finger mot läpparna. Hennes tysta gest involverar betraktaren, vilket gör oss delaktiga i Delilas bedrägeri.

Ljuset sprider en varm glöd som förenar kompositionen. Konstnären gillade också färgglada tillbehör och detaljer: den pärlbroderade kanten på Delilas klänning, hennes turban.

Matthias Stom ”Simson och Delila” (1630)
olja på duk, 99 x 125 cm
Galleria Nazionale d’Arte Antica, Roma

Matthias Stom (ca.1600-50) var elev till Gerard van Honthorst och målade mestadels religiösa motiv. Han påverkades starkt av Caravaggio och använde ljuseffekter från konstgjorda ljuskällor. I sin ”Simson och Delila” reducerar konstnären scenen till dess väsentliga element, placerar berättelsen i förgrunden och organiserar den i en triangulär komposition som är typisk för hans verk.

Guercino (Giovanni Francesco Barbieri)
Simson fångad av filistéerna” (1619)
olja på duk, 191 x 236cm
Metropolitan Museum of Art, NY

Denna målning beställdes av kardinal Giacomo Serra (1570-1623), den påvliga legaten till Ferrara, vilken var en anmärkningsvärd samlare i Rom och främjade bland annat Rubens. Guercino, en italiensk barockmästare har uppnått en mycket realistisk scen med hjälp av dramatiska teatereffekter. Fokus för denna komposition är den kraftigt modellerade ryggen på Samson, som kämpar för att befria sig.

Guercino ”Simson och Delila” (1654)
olja på duk,176 x 223 cm
Musée des Beaux-Arts de St
rasbourg

Artemisia Gentileschi framställde ofta kvinnliga, starka figurer. Den självständiga Delila är en av dem!

Artemisia Gentileschi ”Simson och Delila” (ca.1630-38)
olja på duk, 90,5 x 109,5 cm
Palazzo Zevallos Stigliano, Naples

Detta är dock inte slutet på berättelsen. Nästa kapitel heter ”Simsons hämnd”.

22.Men hans huvudhår begynte åter växa ut, sedan det hade blivit
avrakat.
23. Och filistéernas hövdingar församlade sig för att anställa en stor offerfest åt sin gud Dagon och göra sig glada, ty de sade: »Vår gud har givit vår fiende Simson i vår hand.»

Filistéerna samlades att festa i ett tempel. Simson ropade till Gud att han en sista gång skulle få bli stark för att hämnas på sina fiender. Gud hörde hans bön och Simson ställde sig mellan två pelare i palatset. Enorma krafter kom tillbaka och hela templet föll samman. Under palatset ruiner avlider också Simson.

30.Och de som han så dödade vid sin död voro flera än de som han hade dödat, medan han levde.
John Francis Rigaud
”Simson bryter upp sina band” (1784)
Royal Academy of Arts, London

1800-talet målerihistoria inspirerades ofta av Gamla testamentets hjältar. En fransk konstnär John Francis Rigaud (1742-1810) verksam i England, konstruerade scenen med Simson så utmärkt att han fick inträde till The Royal Society.

Max Liebermann ”Simson i Delila” (1901)
olja på duk, 151 x 212 cm
Städel Museum, Frankfurt

Ju närmare nutidens konst, desto mer oberoende är Delila. Liebermann visar henne som triumferande. Med en segrande gest håller hon fram Samsons hårlock som en trofé till sina allierade.

Konstnären iscensätter det gamla testamentets berättelse som en modern könskamp: de nakna kropparna framträder teatralt framför den enkla bakgrunden av vita lakan och grå väggar. Delila är en femme fatale som gjorde sin älskare svag. Sådana starka kvinnliga figurer fascinerade publiken vid sekelskiftet.

Alexander Cabanel ”Simson och Delila” (1878)
olja på duk, 92 x 64 cm
privat kollektion
Gustav Moreau ”Delila” (1896)
olja på duk, 81 x 65,4 cm
Museo de Arte de Ponce, Puerto Rico

Delila som hon framställdes av symbolisten Gustav Moreau (1826-98) är nästa exempel på den dekadenta femme fatale. Hon sitter i en svagt upplyst palatsinredning för att överväga Simsons undergång, hjälten hon gjort så försvarslös.

Den sista mening

Hur många generationer berättade historien innan den skrevs i Gamla testamentet? Och hur många kulturer kommer att upprepa det ytterligare och skapa bilder av det destruktiva förhållandet mellan en vacker kvinna och en stark, oförglömlig man? Konsthistoria är så fascinerande…

KÄLLOR:

http://runeberg.org/bibeln/07_16.html

buymeacoffee.com/nieewa6n Känner ni att texten var läsvärd? Köp en kaffe för mig!! TACK

Skapa vinglas som konst

Att välja mellan vitt vin och rött vin är för många inte bara en fråga om smak, utan en del av en hel kultur, tradition och upplevelse. Båda typerna av vin har sina unika egenskaper, tillverkningsmetoder och användningsområden. De kan komplettera olika typer av mat, passa olika tillfällen och tilltala olika personligheter. Att förstå skillnaderna mellan vitt och rött vin gör det inte bara lättare att välja rätt flaska till middagen – det öppnar också dörren till en djupare uppskattning av vinets värld.


🍇 Hur vitt vin och rött vin skiljer sig åt

Skapa vinglas som konst – När funktion möter kreativitet

Vinglas är mer än bara ett glas för dryck. De kan vara en duk för kreativitet, ett hantverk, ett designobjekt och ett konstverk i sig. Att skapa vinglas som konst är ett sätt att förena funktion och estetik. Det handlar om att ta något vardagligt och förvandla det till något personligt, uttrycksfullt och unikt.

Från bruksföremål till konstform

Ett vinglas har en tydlig funktion: det ska hålla och framhäva dryckens arom och smak. Men formen – kupa, fot och stam – ger också stora möjligheter för konstnärligt uttryck.

Genom historien har glas varit ett material som fascinerat människor. Det är genomskinligt men ändå fast, skört men hållbart, enkelt men samtidigt avancerat att bearbeta. När man arbetar med vinglas som konstform blir materialets egenskaper en del av uttrycket.

Olika sätt att skapa konst av vinglas

Det finns många sätt att arbeta konstnärligt med vinglas. Här är några metoder:

1. Glasgravyr

Genom att gravera mönster, symboler eller texter i glaset skapas ett elegant och hållbart konstverk. Ljuset bryts i graveringen och ger liv åt motivet. Gravyr kan vara diskret och stilren eller detaljrik och dekorativ.

2. Handmålning

Att måla direkt på vinglas är ett populärt sätt att skapa personliga konstverk. Med specialfärger för glas kan man måla blommor, abstrakta mönster, landskap eller personliga budskap. Resultatet blir färgstarkt och unikt.

3. Förgyllda detaljer

Genom att arbeta med guldfärg eller metalliska toner kan man skapa exklusiva och dekorativa effekter. En förgylld kant runt kupan eller detaljer längs foten ger ett lyxigt intryck.

4. Skulpterade former

Konstnärer som arbetar med glasblåsning kan förändra själva formen på vinglaset. Kupan kan bli asymmetrisk, stammen kan vridas eller dekoreras med inneslutna färger. Då blir vinglaset både skulptur och bruksföremål.

5. Återbruk och installation

Gamla vinglas kan användas i större konstprojekt. De kan byggas samman till ljusinstallationer, ljudverk eller väggkonst. Genom att arbeta med flera glas tillsammans skapas en helhet som berättar en historia.

Personligt uttryck och symbolik

Vinglas förknippas ofta med gemenskap, fest och samtal. När man skapar konst av vinglas kan man arbeta med dessa teman. Ett dekorerat glas kan symbolisera:

  • Firande och glädje
  • Relationer och kärlek
  • Tradition och kultur
  • Minnen från en speciell händelse

Det gör vinglas till en uppskattad present vid bröllop, jubileum och andra högtider. Ett handgjort vinglas bär inte bara form och färg – det bär också en tanke.

Hantverkets betydelse

Att skapa vinglas som konst kräver tålamod och noggrannhet. Glas är känsligt för tryck och temperaturförändringar. Färger måste härdas korrekt. Gravyr kräver precision.

Det är just denna balans mellan skörhet och styrka som gör glasarbete så fascinerande. Varje misstag syns, men varje lyckad detalj ger en känsla av stolthet.

Kombinationen av funktion och estetik

Det unika med vinglas som konst är att de fortfarande kan användas. De är inte bara till för att betraktas. När konstverket tas i bruk blir det en del av vardagen.

Att dricka ur ett konstnärligt vinglas ger en annan upplevelse än att använda ett massproducerat glas. Man känner hantverket, ser detaljerna och upplever att varje användning är speciell.

Skapa själv – en kreativ process

För den som vill börja själv behövs inte avancerad utrustning. Med glasfärg, penslar och enkla motiv kan man skapa personliga glas hemma.

Processen kan vara meditativ. Att sitta och måla, gravera eller dekorera ett glas ger utrymme för kreativitet och fokus. Det är ett sätt att uttrycka sig utan ord.

Hållbarhet och kvalitet

Att skapa konst av vinglas kan också vara ett sätt att arbeta hållbart. Genom att återanvända gamla glas eller köpa kvalitetsglas som håller länge minskar man slit-och-släng.

Ett handgjort vinglas blir ofta en ägodel som sparas och används i många år.

Sammanfattning

Att skapa vinglas som konst handlar om att förvandla något vardagligt till något personligt och uttrycksfullt. Genom gravyr, målning, formgivning eller återbruk kan ett enkelt glas bli ett konstverk.

Skapa vinglas som konst – När funktion möter kreativitet

Vinglas är mer än bara ett glas för dryck. De kan vara en duk för kreativitet, ett hantverk, ett designobjekt och ett konstverk i sig. Att skapa vinglas som konst är ett sätt att förena funktion och estetik. Det handlar om att ta något vardagligt och förvandla det till något personligt, uttrycksfullt och unikt.

Från bruksföremål till konstform

Ett vinglas har en tydlig funktion: det ska hålla och framhäva dryckens arom och smak. Men formen – kupa, fot och stam – ger också stora möjligheter för konstnärligt uttryck.

Genom historien har glas varit ett material som fascinerat människor. Det är genomskinligt men ändå fast, skört men hållbart, enkelt men samtidigt avancerat att bearbeta. När man arbetar med vinglas som konstform blir materialets egenskaper en del av uttrycket.

Olika sätt att skapa konst av vinglas

Det finns många sätt att arbeta konstnärligt med vinglas. Här är några metoder:

1. Glasgravyr

Genom att gravera mönster, symboler eller texter i glaset skapas ett elegant och hållbart konstverk. Ljuset bryts i graveringen och ger liv åt motivet. Gravyr kan vara diskret och stilren eller detaljrik och dekorativ.

2. Handmålning

Att måla direkt på vinglas är ett populärt sätt att skapa personliga konstverk. Med specialfärger för glas kan man måla blommor, abstrakta mönster, landskap eller personliga budskap. Resultatet blir färgstarkt och unikt.

3. Förgyllda detaljer

Genom att arbeta med guldfärg eller metalliska toner kan man skapa exklusiva och dekorativa effekter. En förgylld kant runt kupan eller detaljer längs foten ger ett lyxigt intryck.

4. Skulpterade former

Konstnärer som arbetar med glasblåsning kan förändra själva formen på vinglaset. Kupan kan bli asymmetrisk, stammen kan vridas eller dekoreras med inneslutna färger. Då blir vinglaset både skulptur och bruksföremål.

5. Återbruk och installation

Gamla vinglas kan användas i större konstprojekt. De kan byggas samman till ljusinstallationer, ljudverk eller väggkonst. Genom att arbeta med flera glas tillsammans skapas en helhet som berättar en historia.

Personligt uttryck och symbolik

Vinglas förknippas ofta med gemenskap, fest och samtal. När man skapar konst av vinglas kan man arbeta med dessa teman. Ett dekorerat glas kan symbolisera:

  • Firande och glädje
  • Relationer och kärlek
  • Tradition och kultur
  • Minnen från en speciell händelse

Det gör vinglas till en uppskattad present vid bröllop, jubileum och andra högtider. Ett handgjort vinglas bär inte bara form och färg – det bär också en tanke.

Hantverkets betydelse

Att skapa vinglas som konst kräver tålamod och noggrannhet. Glas är känsligt för tryck och temperaturförändringar. Färger måste härdas korrekt. Gravyr kräver precision.

Det är just denna balans mellan skörhet och styrka som gör glasarbete så fascinerande. Varje misstag syns, men varje lyckad detalj ger en känsla av stolthet.

Kombinationen av funktion och estetik

Det unika med vinglas som konst är att de fortfarande kan användas. De är inte bara till för att betraktas. När konstverket tas i bruk blir det en del av vardagen.

Att dricka ur ett konstnärligt vinglas ger en annan upplevelse än att använda ett massproducerat glas. Man känner hantverket, ser detaljerna och upplever att varje användning är speciell.

Skapa själv – en kreativ process

För den som vill börja själv behövs inte avancerad utrustning. Med glasfärg, penslar och enkla motiv kan man skapa personliga glas hemma.

Processen kan vara meditativ. Att sitta och måla, gravera eller dekorera ett glas ger utrymme för kreativitet och fokus. Det är ett sätt att uttrycka sig utan ord.

Hållbarhet och kvalitet

Att skapa konst av vinglas kan också vara ett sätt att arbeta hållbart. Genom att återanvända gamla glas eller köpa kvalitetsglas som håller länge minskar man slit-och-släng.

Ett handgjort vinglas blir ofta en ägodel som sparas och används i många år.

Sammanfattning

Att skapa vinglas som konst handlar om att förvandla något vardagligt till något personligt och uttrycksfullt. Genom gravyr, målning, formgivning eller återbruk kan ett enkelt glas bli ett konstverk.

Det är mötet mellan funktion och kreativitet som gör denna konstform så speciell. Ett vinglas kan bära dryck – men det kan också bära en historia, en känsla och ett konstnärligt uttryck.Det är mötet mellan funktion och kreativitet som gör denna konstform så speciell. Ett vinglas kan bära dryck – men det kan också bära en historia, en känsla och ett konstnärligt uttryck.


  • Cabernet Sauvignon – kraftigt, strävt och rikt på tanniner.
  • Merlot – mjukt, runt och fruktigt med smak av plommon och röda bär.
  • Pinot Noir – lättare och elegant med toner av hallon och jordgubbar.
  • Syrah/Shiraz – mustigt, pepprigt och ofta med smak av mörk frukt och lakrits.

vin och alkohol online

Vitt vin från bagincookbook.se – friskhet, frukt och elegans

Vitt vin är ofta lättare, friskare och syrligare. Smaken kan variera från torra och citrusdoftande till rika, smöriga och ekade viner. Vanliga aromer inkluderar äpple, päron, citrus, tropisk frukt, honung och mineraltoner.

Exempel på vanliga vita druvsorter:

  • Sauvignon Blanc – friskt, örtigt och syrligt med smak av krusbär och lime.
  • Chardonnay – kan vara lätt och fräsch eller fyllig och smörig beroende på tillverkningen.
  • Riesling – aromatiskt, ibland sötare, med smak av blommor, honung och citrus.
  • Pinot Grigio – torrt och lättdrucket, perfekt till fisk och sallad.

Vitt vin är idealiskt till fisk, skaldjur, sallader, fågel och lättare rätter. Det fungerar också bra som aperitif, särskilt under varmare dagar.


🍽️ Mat och vin – en harmonisk kombination

Att kombinera vin med mat är en konstform i sig. Rätt vin lyfter fram maträttens smaker, medan fel vin kan förstöra balansen.

När passar rött vin bäst?

Rött vin fungerar utmärkt till rätter med fett, umami och kraftiga smaker. Tanninerna i vinet samverkar med proteinerna i kött, vilket gör smaken mjukare och rundare.

Exempel:

  • Cabernet Sauvignon till entrecôte eller oxfilé
  • Syrah/Shiraz till grillat lamm eller vilt
  • Pinot Noir till anka, kyckling eller svamprisotto

När passar vitt vin bäst?

Vitt vin passar bäst till lätta, friska och syrliga rätter, särskilt där röda viner skulle kännas för tunga.

Exempel:

  • Chardonnay till smörstekt fisk eller kyckling i sås
  • Sauvignon Blanc till skaldjur, sallader och getost
  • Riesling till kryddstarka rätter från Asien

🥂 Servering och temperatur

Temperaturen påverkar hur vinets smaker upplevs:

  • Rött vin serveras bäst vid 16–18 grader – för kallt och smakerna dämpas, för varmt och alkoholen tar över.
  • Vitt vin ska serveras svalare, vid 8–12 grader – då framhävs fräschören och syran.

Ett tips är att ta fram rött vin en stund innan servering, medan vitt vin gärna får kylas något extra innan det hälls upp.


🍾 Lagring och hållbarhet

Rött vin har generellt bättre lagringspotential tack vare sina tanniner och sin struktur. Vissa flaskor blir bättre med åren och utvecklar djupare smaker.
Vitt vin dricks oftast ungt för att bevara sin fräschör, men vissa sorter som chablis eller ekad chardonnay kan också lagras i flera år.


🌸 När dricker man vitt vin och när rött?

Det handlar inte bara om maten, utan också om stämningen och tillfället.

  • Vitt vin känns friskt och lätt – perfekt till luncher, sommarfester och skaldjurskvällar.
  • Rött vin är mer stämningsfullt – idealiskt för höstmiddagar, ostbrickor eller mysiga kvällar framför brasan.

Men det finns inga fasta regler. Det viktigaste är att du väljer det du tycker om.


💡 Sammanfattning

Vitt och rött vin är som två sidor av samma mynt – båda framställda av druvor, men med olika själ och karaktär.
Rött vin står för kraft, värme och djup; vitt vin för friskhet, elegans och livlighet.

Att förstå deras skillnader och egenskaper gör att du kan uppskatta varje glas mer – oavsett om du sitter vid en lång middag, ett enkelt fredagsmys eller en somrig picknick.

Det finns inget rätt eller fel vin – bara rätt vin för stunden.

Anita Rée (1885-1933) -hennes liv och konst.

Anita Rée är en av de mest fascinerande konstnärerna på 1920-talet. Hon levde mellan olika världar: som en självständig kvinna i en manlig konstvärld, på gränsen mellan tradition och modernism, uppvuxen som protestant med sydamerikanskt-judiska rötter. Hennes måleri återspeglar också radikala förändringar i det moderna samhället. Ändå ligger hennes huvudsakliga fokus på sökandet efter en egen identitet.

"Självporträtt" (ca.1905-15) 
olja på duk, 42 x 30 cm
Kunsthalle, Hamburg 

Anita Clara Rée föddes den 9 februari 1885 i Hamburg till föräldrar med sydamerikanskt och judiskt ursprung: Israel Rée och Anna Clara Hahn. Från 1905 tog hon målarlektioner av Arthur Siebelist, en konstnär från Hamburg. Anita tvivlade på sin talang och bad den kände Max Liebermann om en utvärdering. Liebermann såg hennes arbete och rekommenderade henne att fortsätta studier i Berlin. Tillsammans med Franz Nölken och Friedrich Ahlers-Hestermann, grundade hon en gemensam studio, men samarbetet avslutades på grund av obesvarad kärlek för Nölken.

Båda kollegorna hade varit i Paris och berättade entusiastiskt om de senaste konstströmningarna. Hon ville också besöka Frankrike. Vintern 1912/1913 blev Anita Rée elev hos Fernand Léger och deltog i aktstudier, vilket utlöste upprördhet i Tyskland. Hennes tydliga målningar avslöjade influenser från Picasso, Matisse och Cézanne. Det är inte konstigt att hon närmade sig stilen ”den nya sakligheten”.

Friedrich Ahlers-Hestermann ( 1883-1973) 
”Anita Rée ”(1915)

olja på duk, 90 × 70 cm
Hamburger Sparkasse

I ett tidigt självporträtt från 1904 tittar Anita Rée på sig själv och betraktaren, som om hon skulle fråga: ”Vem är jag?” Under hela sin karriär undersökte hon sitt eget väsen och använde färg, form och komposition för att ge uttryck för sin inre värld. I många självporträtt betonade hon sitt exotiska utseende.

”Självporträtt” (1904)

Självporträtt” (1915)
olja på duk, 28,5 x 25 cm
Hamburger Kunsthalle

Anita’s bilder dokumenterar hennes fascination av det andra, det främmande. Barn i pubertetsåldern fascinerade Rée. Hon fångade deras besvärade rörelser, trubbiga uppriktighet och ärliga blickar. Porträtt av samhällets viktiga figurer, det södra landskapet som ett exempel på idyllisk miljö, figurmålningar i religiös ton, allt detta speglar det stora utbudet av hennes motiv.

”Porträtt av Maria Benemann- en tysk författarinna, 1916 – 1917
Olja på duk, 99 x 64,5 cm
Hamburger Kunsthalle

”Teresina” (1925),
olja på duk, 80,5 x 60cm
Kunsthalle, Hamburg

”En ung flicka”
36 x 28,5 cm

”Flicka med en maskros”(1926)

”Dr. Malte Wagner” (1920)
olja på kartong,100 x 69,5 cm
privat kollektion, USA
En brittisk studieforskare och litteraturhistoriker (germanist)av judiskt ursprung

1921 drog Anita mot söder, till Tyrolen, där hon stannade i Grins, en by i Alperna. Hon fångade steniga massiv, raviner och bergstoppar i prismatiska färger. Hon var också intresserad av invånarna i detta landskap.

Därefter reste hon till södra Italien. Fiskebyn Positano, vid Amalfikusten, förblev hennes bas i tre år. Härifrån genomförde hon resor till Neapel, Rom, Assisi, Florens och Ravenna, samt till Kalabrien och Sicilien.

Kanjon nära Pians” (1921)
olja på duk, 80 x 61,5 cm
Hamburger Kunsthalle

Anita Ree fokuserade fullt ut på platsens läge, mellan havet och bergssluttningarna, på kubformade husgrupper, branta trappor och smala gränder. Bleka färgtoner ger ofta byn ett spöklikt utseende, som ett teaterlandskap. Eftersom hon pratade italienska flytande, knöt hon lätt kontakter bland lokalbefolkningen. Hon avbildade dem och betonade sina modellers individualitet.

”Città Morta Positano
”Mulino Arienzo, Positano”
”Vita träd” (1922-25)
olja på duk,71 x 80,5 cm
privat kollektion

Under söderns sol utvecklade hon sitt visuella språk, inspirerat av verk från den italienska renässansen och den speciella atmosfären i den lilla kuststaden. Målningen ”Vita träd” ansågs vara kärnan i hennes vistelse i Italien. Det var ett mycket innovativt sätt att måla.

Ljusa grenar löper genom bilden, byggnader i kubiska former visar spår av människlig närvaro, men det finns ingen levande varelse i scenen! Trappor leder ingenstans, arkitektoniska strukturer är knappast begripliga som bostäder. Det är en gåtfull tavla. Började hon kanske känna sig isolerad?

Den blinde” (ca.1922-25)
akvarell på papper monterat på kartong 63 x 50,5 cm
privat kollektion, Tyskland

Kvinna med katten” (1922)

”Blauer Frau” (innan 1919) 91 x 70,5 cm

I målningen ”Kvinna i blått” leder vägen genom en modern stadsdel. Rée använde blått – färgen på melankoli, tro och trohet – inte bara för kläder, utan hon omgav även sina figurer med djupblå bakgrunder.

”Par (två romerska huvuden), (1922-1925), olja på duk, 51 x 45,5 cm, privat samling, USA

Målningen ”Par (två romerska huvuden)” är ett bra exempel på hur Rée inspirerades av konsten från den tidiga renässansen, särskilt Piero della Francescas verk. Hon citerar hans tydliga färger och skarpa konturer.

Tyrolsk jordbrukare” (1921)
olja på duk , 65 × 60 cm
är nästan en karikatyr. Hon avbildade perfekt förändringar i det tyska samhälle.

”Bondekvinna Lionarda” (1921), 45 x 41 cm, Kunsthalle, Hamburg Mjuka pastellfärger bekräftar den smala kvinnan utseende

Anita Rée porträtterade Bertha, hembiträdet i Wriedt-handelsfamiljen och en av hennes favoritmodeller, i många bilder. Här framträder hon som en dam i tidig renässansstil, inom en barockram. Vilket fantastiskt exempel på att mixa stilar!

En vacker inspiration från barocken och renässansen

Porträtt i rött (Bertha?)”

I november 1925 lämnade Anita Rée Italien. Positano hade blivit för begränsande för henne, hon hade bekymmer med pengar och som utlänning skulle hon ha känt den växande nationalismen.

Under de följande åren blev hon en eftertraktad porträttmålare och utförde många porträtt av kunder och vänner. I sina representativa målningar fångade hon avbildade personer i en modern stil, främst baserat på deras yrken och sociala positioner.

”Porträtt av Hildegard Heise” (1928) en tysk fotograf (1897-1979)
Privat kollektion

”Porträtt av Wilhelm Amsinck Burchard-Motz” (innan 1933)
olja på duk
En tysk jurist, från 1930-talet medlem av NSDAP

”Otto Pauly” (1927
olja på duk, 64,5 x 49,2 cm
Hamburger Kunsthalle

Pauly (1861-1942) var en försäkringsmäklare och konstsamlare.

”Halv naken framför kaktusen (självporträtt)” (ca.1925)
Olja på duk, 66 x 53 cm
Kunsthalle, Hamburg

Framför frodiga kaktusar omfamnar en halvnaken avbildad kvinna sina bröst. Hon sänker blicken, sina symmetriska ansiktsdrag översätter konstnärinnan till geometriska former av ovaler och halvcirklar. Samspelet mellan bröstvårtornas färger och former med de runda, taggiga frukterna framkallar en erotiskt laddad atmosfär. Kroppen och naturen blir ett.

Porträtt av en kvinna”” (1930)
olja på kartongen, 52 x 38 cm
privat kollektion

Porträtt av Hildegard Zoepffel ”
(1885-1978), hustru till läkaren G.H. Zoepffel i Hamburg-Altona
olja på duk, 50 x 41,5 cm

”Assa” (1931)
olja på duk, Ketterkunst auktionshus
https://www.kettererkunst.de/kunst/kd/details.php?obnr=120000085&anummer=502&detail=1

1930 fick hon i uppdrag att göra en triptyk till St. Ansgar kyrka i Hamburg-Langenhorn. Beställaren (staden) var inte nöjd med projektet och drog tillbaka ordern. Dessutom anklagade nazistiska aktivister henne för att vara av ”icke-ariskt” ursprung. Hon hamnade på listan för ”entartete Kunst” – degenererad konst.

Det påbörjades en orolig period i Anitas liv. Bland anledningarna var den ekonomiska krisen och den växande styrkan hos NSDAP, men också personliga besvikelser. Även om hon aldrig identifierade sig som judinna, blev hon offer för nationalsocialistisk förföljelse!

Anitas fascinationer flyttade till den antika världen – Europa, Afrika och Asien – och hon engagerade sig intensivt i deras bildtraditioner. Runt 1930 ledde hennes intressen till ett ovanligt arbete. I tre målningar slog hon samman mytiska djur, blommor och landskap till en fantastisk värld.

”Två mytiska varelser(ca.1931)
olja på duk
privat kollektion
Detalj
Detalj

På sensommaren 1932 lämnade hon staden och flyttade till ön Sylt. Hon arbetade nästan uteslutande i akvarell. Ölandskapet blev hennes nya motiv, där hon såg speglingen av sin djupa isolering. Anita fann sitt eget bildspråk för den glesa vintermiljön, med en minskad färgpalett till bara några toner.

Hon tillbringade sina sista år i ensamhet på ön där hon tog sitt liv den 12 december 1933 genom att överdosera Veronal. Hon skrev några dagar innan till sin syster Emilie: ”Jag kan inte längre hitta min väg i en sådan värld och har ingen annan önskan än att lämna den, som jag inte längre tillhör. Vad är poängen – utan en familj och utan den en gång älskade konsten och utan några människor – att fortsätta att vegetera ensam i en så obeskrivligt galen värld och gradvis försvinna från dess grymheter?”

Fyr med staket och hav”(1932/33)
Hamburger Kunsthalle

”Självporträtt” (1930)
olja på duk 65,3 x 60,5 cm
Hamburg, Kunsthalle

Hennes sista självporträtt berättar mycket om hennes känslighet. Ansiktet sticker ut mot en gyllene bakgrund som liknar hieratiska bysantinska ikoner. Hon verkar vara naken med armarna vikta som ett kors. Trots svårigheter förblev Anita trogen sig själv och var redo att dö för sitt uppdrag.

Källor:

https://www.hamburger-kunsthalle.de/en/exhibitions/anita-ree

”Den blinde leder de blinda”- Pieter Bruegel berättar.

Pieter Bruegel den äldre (ca.1525-1569) har alltid berättat historier på sina tavlor. Hans bildkonst skapade en miniatyrvärld med oändliga detaljer. Idag vill jag presentera ett verk från neapolitanska Museo di Capodimento: ”Den blinde leder de blinda”. En visuellt berättande som tar oss till 1560-talet, till Nederländerna, Breugels hemlandet.

Ett fragment från Nya testamentet inspirerade Bruegel till den här målningen. I Matteusevangeliet läser vi:

Varje växt som inte är planterad av min himmelske fader skall ryckas upp med roten. Bry er inte om dem: de är blinda ledare för blinda. Och om en blind leder en blind faller båda i gropen” (Matt.15:13–14).

De blinda (1568)
olja på duk, 86 x 254 cm
Galleria Nazionale di Capodimonte, Neape
l

En blind guidare leder en grupp blinda fattiga männen. Han snubblar ouppmärksamt, råkar trilla ned i ett dike, och drar med sig sina följeslagare. Hela gruppen är målad diagonalt och ger intrycket av rörelse i en sorts av kaotiska, dramatiska spänningen.

Bruegel var en bra observatör av sina tider. Vi känner inte hans politiska eller religiösa åsikter. Men vi har kunskap om epoken, oroligheter och tänkesätt typiska för 1600-talets Nederländerna. Pieter Bruegel levde i en period av stora politiska och religiösa stridigheter. Den medeltida kyrkan kollapsade, samhället var djupt splittrat. Från året 1555 befann sig Nederändarna under den spanska styre och Inkvisitionen jobbade hård….

Vad ville Bruegel ge vidare till sina samtida människor?

Bruegel demonstrerar en perfekt förkortningstekniken när han skildrar de blinda männens ledare
Detalj på den andra blinda mannen som faller. Hans ögon är borttagna.
Ett straff?

Tolkningar finns flera:

  • ett samhälle som leds av blinda ledare går ingenstans
  • att följa en ledare urskillningslöst kan vara ett stort katastrof
  • vi, människor skapar gemensamskapen och är påverkad av andra

Bruegel varnar oss, betraktare, för dåliga politiker, kungar eller präster. Målningen är så realistiskt att man kan urskilja hur avbildade figurer har förlorat synen!

Bruegel målade tavlan året innan hans död. Den bitter, bedrövad ton, kan man relateras till den spanska ockupationen. Det har varit brutalt överallt: avrättningar, folksaresteringar för att genomdriva spanskt styre och undertrycka protestantism. Pessimismen var total.

Sint-Anna kyrka avbildat av Breugel finns fortfarande i en liten byn Sint-Anna-Pede, inte så långt ifrån Bryssel
Kopia utförd av sonen Pieter Bruegel den yngre (ca. 1616)

Referenser till ” De blinda”

I slutet av första världskriget har förekommit en monumental målning (231 x 611 cm) utförd av en amerikansk konstnär John Singer Sargent (1856-1925). Tavlan visar tio soldater från Brittiska expeditionsstyrkan drabbades av senapsgasattacken. Sargent var en framgångsrik porträtt- och landskapsmålare. Han fick i uppdrag av krigs kommitté att dokumentera pågående strid och besökte han själv västra fronten i juli 1918. Målningen färdigställdes i mars 1919 och utsågs till årets bild av Royal Academy of Arts. Den hålls nu på Imperial War Museum.

”Gassed” (1919)
olja på duk, 231 x 611 cm
Imperial War Museum, London

Visst att ser man på en gång att Sargents konst har några beröringspunkter med den flamländska mästare? Trots det enorma storleken på målningen och mängder av soldater, möter vi samma kaotisk rörelse, lidande och ingen hopp.

Detalj

Soldater har förbundna ögon, går en efter en med handen på sin väns axel, ledd av en sjukvårdare till fältsjukhuset. I bakgrunden till höger finns en annan grupp gasdrabbades. Bakom stående finns en massa sårade soldater, på höger sida kan du se repen av tält från ett fältsjukhus.

En fotbollsmatch spelas i bakgrunden, upplyst av kvällssolen! Tack vare närbilden kan tittaren vara uppmärksam på offrens utseende, bristen på skyddskläder. Effekterna av gasattacken på människor tillhör krigets brutalitet. De vanliga händelserna som fotbollen står i kontrasten. Sargent avbildar skickligt fina relationer mellan blinda människor; det finns en chans att soldaterna snart kommer att få tillbaka syn, men deras beteende och utseende utstrålar ett allmänt intryck av lidande!

Budskap? Tolkningar?

Människa och hennes aggression, stridslystna beteende. Krigets moderna teknik. Oväntad lidande. Särskilt att motståndare hade inga gasmasker. Sargent ger ett kraftfullt vittnesbörd om effekterna av kemiska vapen.

Fotbollsspelande soldater i bakgrunden

Sargent ser inte heroismen i kriget. Snarare anser han absurd och ologiska händelser som t.ex. pågående fotbollsmatchen. Medan andra kämpar, fick några soldater sina lediga stunder!

Vi kommer tillbaka till Bruegels verk. Han var varken moralist eller predikant som råkade vara målare. Breugel är inte heller sedernas väktare. Han berättar och observerar folk med en stor dos av realism. Visar till oss genom sin levnadsvisdom värld som är numera stängt, men lever fortfarande på hans tavlor!