”Ragazzi alla finestra” (1947)olja på duk, 70 x 60 cm, privat kollektion
Antonio Donghi föddes 16 mars 1897 i Rom, där studerade han på Instituto di Belle Arti (1908-16). Karriären har han avbrutits på grund av det första världskriget. Militärtjänsten fördröjde Antonios planer och han blev skickat till Frankrike. I slutet av kriget ägnade han sig åt att studera måleri på museerna i Florens och Venedig. Donghi var främst förtjustt av konst från 1700 och 1800- talet.
Snart etablerade sig Antonio som en av Italiens ledande målare i den nyklassiska rörelsen som uppstod på 1920-talet. Termen magiska realism användes första gången i 1925 av den tyske konstkritikern och fotograf Franz Roh (1890-1965). Stilen gestaltar sammansmältningen av en gripbar, synlig, rationella verkligheten och en drömliknande. Som företrädare kan man nämna: Felice Casorati, Edward Hopper och Frida Kahlo.
”Via del Lavatore” från 1923 var Donghis debuttavlan
”Stilleben” (1940) olja på duk, 48 x 56 cm Artsy
Antonio Donghi hade en extremt förfinad teknik, rumslig klarhet när han framställde kroppar och ytor. Figurer har en tyngdkraft och en arkaisk styvhet som påminner tydligt om Piero della Francescas stilen. Initialt väckte Donghi både popularitet hos allmänheten och framgång hos konstkritiker.
Kritiker jämförde hans arbete med andra fransmännen som Henri Rousseau eller Georges Seurat, vars scener av samtida liv på samma sätt berörs med en subtil humor. Hans stilleben består ofta av en liten vas med blommor, ljuvliga landskap och den perfekta symmetri som är grundämne i denna typ av konst!
Enkelhetsretorik
”Due canarini in gabbia” (1934)
”Självporträtt” (1943) olja på duk,50 x 50 cm privatkollektion
I december 1924 deltog Antonio Donghi i den viktiga utställningen på Pesaro-galleriet i Milano med tjugo andra italienska konstnärer, bland annat med de Chirico, Casorati, Guidi, Oppi, Tozzi, Trombadori.
Atmosfären i konstvärlden vid den tiden var en generell återgång till ordning. Neue Sachlichkeit var Tysklands nya konströrelse som riktade sig mot symbolism och expressionism genom att presentera verkligheten objektivt, ofta med en satirisk klang.
Cirkusscener
Donghi älskade att avbilda gatukonstnärer, cirkusartister, jonglörer, dansare, musiker och folksångare. Det finns någon ton av poesi i hans figurer, både hos män och kvinnor.
”Carnevale” (1923) olja på duk, 151 x 151 cm privat kollektion
”Il giocoliere”( 1926) olja på duk, 103 x 107 cm privat kollektion
”Circo equestre”(1927) olja på duk, 150 x 100 cm privat
”Jongler”(1936)
”Piccoli saltimbanchi” /”Unga akrobater”(1938) Palazzo Merculana, Rom
”Hundtränare” (1946)
La donna è mobile
”La canzonettista” (1925) olja på duk 148 x 100 cm privatkollektion
”Prima della canzone” (1930) olja på duk, 85 x 110 cm privatkollektion
”Sång”(1934)
1930-talet var ett intensivt arbete och Antonio Donghi har fått några anmärkningsvärda priser:
1930 målningen” Donna alla finestra” köptes av Museum Modern Art i Palazzo Pitti
1931 målningen ”Donna alla toaletta” köptes av det ny etablerade Galleria Mussolini
under 1940-talet Donghis rykte minskade, även om han fortsatte att ställa ut regelbundet (biennale i Venedig)
1941 tilldelade den Italienska Akademin ett pris för hela konstnärliga aktiviteten
”Giovinetta” (1931) Galleria d’Arte Moderna
”Donna al caffe” (1932)
”Gita in barca”(1934) olja på duk, 110 x 140 cm Palazzo Merulana, Rom
”Le villegianti” (1934) olja på duk, 112 x 80 cm Pesaro collezione, Venedig
”Gli amanti alla stazione” (1933) olja på duk, 116 x 67 cm
Perioden från 1950 till döds (den 16 juli 1963 i Rom) kan betraktas som en tillbakadragande period. Donghi målade nästan uteslutande landskapstavlor. Han deltog i Venedigbiennalerna 1952 och 1954, och därmed i RomeQuadrenniale (1951, 1955, 1959). Ibland skickade han gamla målningar till utställningar.
”Landskap”
”Landskap n.1″(1951) oil on canvas, 40 x 50 cm
”Paesaggio Torino di Sangro” (1948)
Antonios Donghi målningar är så skarpa men ändå mycket gåtfulla. Han hade en otrolig förmåga och ambition att ta realismen utöver dess gränser, att omforma verkligheten och söka det som är gömt i dess banala perfektion.
Det är en vision som speglar konstant avskiljning, en relation med verkligheten som måste bekräftas av en stängd ordning. Donghis tavlor är rena, klarsynta och visar kontroll över känslor. Kanske på grund av konstnärens personliga erfarenheter? Donghi bär ärren på ungdomliga upplevelser: hans föräldrars separation och krigets, ursäkta två krigens svårigheter…Hans värld avbildat på tavlor var bättre än verkligheten. En magisk realism.
Konstpegel behöver din hjälp mer än någonsin.
Jag har inte någon bidrag för att driva portalen. Utan dina donationer kommer jag inte att ha medel för publikationer. Därför är ditt stöd mycket viktigt.
Om du gillar det här stället och gillar att läsa mina artiklar - stöd mig!
Även en liten belopp har en stor betydelse.
Tack!
Staden Firenze finns nämnd redan 59 f.Kr. då romerska krigsveteraner erhöll mark och bosatte sig på den toskanska provinsen. Staden hamnade under olika härskare och kungar. Ekonomisk välmående hade en stor roll, pengar, makt och handel med Levanten skapade blomstrande villkor till prosperity. Därför är det inte konstigt att Renässansen börjades i Florens!
Florens åtnjöt välstånd större än någon annan italiensk stad. Köpmännen och bankirer som ansvarade för hennes välfärd, styrdes obegränsad fria från yttre restriktioner. Den härskande klassen var stolt, ambitiös, intellektuellt och kulturellt nyfiken. Dags att presentera staden och Florens personligheter!
Dante Aligheri (1265-1321)
Författare föddes naturligtvis i Florens. Hans viktigaste verk var ”Divina Commedia”( Den gudomliga komedin). I verket framträder Dante själv som huvudperson, och under hans vandring genom helvetet, skärselden och paradiset, träffar han berömda personer som hamnat i de olika världarna efter döden. En av Dantes största förtjänster var att han skapade ett nytt skriftspråk, baserades på det talade italienska. Tidigare skrevs allt på latin.
Sandro Botticelli ”Dante Alighieri”(1495) Bibliothèque et fondation Martin Bodmer (Cologny, Schweiz)
Första sidan ”Inferno”
Domenico di Michelino (1417-91) ”La Divina Commedia di Dante” (1465) fresken 232 x 290 cm finns fortfarande i domkyrkan Santa Maria del Fiore
Dante Alighieri håller sin epos i vänstra hand. Med sin högra hand pekar han på en procession av syndare till helvetet, bakom honom skärselden och en historisk utsikt över Florens stad.
Giovanni Boccaccio
föddes i Florens 1315 och dog i Florens1375. En italiensk författare kallad för novellens skapare. Hans ”Dekameron” avbildar digerdödens hemska dagar, när tio personer flyr undan Florens och isolerar sig för att inte smittas. För att lätta upp stämningen berättar de tio figurer berättelser, en i varje kväll i tio dagar. Hundra korta berättelser ger en beskrivning av seder, å ena sidan uttrycker det frodiga livet, fullt av kärlek, erotiska äventyr och mänsklig sensualitet, å andra sidan uttrycker beundran för intelligens, mänskligt sinne, visdom.
Introduktion till Dekameron (1350–1353)
Sandro Botticelli ”Karta över Inferno” (ca.1480-90) Silverpunkt, bläck, färgat med tempera 33 x 47, 5 cm Biblioteca Apostolica Vaticana
Sandro Botticelli eller någon från hans verkstad avbildade ”Bankett i tallskogen” (1482/83) en 18:te berättelse från den femte dagen, Pradomuseum, Madrid
Andrea di Firenze (ca.1337-77)
en florentinsk målare utförde en svit stora fresker i spanska kapellet i S.Maria Novella.
Andrea da Firenze (verksam 1343-77) skildrade representanter av den katolska kyrkan med påven Innocent VI och kejsaren Karol IV. Duomo i bakgrunden.
Den dominikanska kloster hierarki och historia.
”Carta della Catena”över Florens
tillskrivs Francesco di Lorenzo Rosselli (1471 -1482)är det första kända exemplet i kartografins historia som är en fullständig representation av staden Florens, inklusive alla dess byggnader, gator och torg.
Namnet härstammar från den hänglåsta kedjan (it: catena) som ramar in kartan. Men jag tror att det är mycket mer än bara en karta. Man kunde tänka på detaljerna i timmar. Lägg märke till hur konstnären i det högra hörnet ritar samma vy. Du kan se hur noggrant skaparen har varit med att framställa detaljer i denna utsikt över en senmedeltida stad.
Carta della Catena (ca.1480)
Självporträtt?
Girolamo Savonarola (1452-98)
dominikanerbroder, folkledare och klosterreformator. Han föddes i Ferrara men från 1489 levde i Florens, där han i sitt kloster verkade för en återgång till Sankt Dominikus fattigdomsideal. I staden predikade han och ville genomföra religiösa reformer. Eftersom Savonarola hotade mångas intresse, även påven Aleksander VI:s Borgia, bannlystes han och brändes 1498 som ett kättare. Han hatade Florens glans och kulturella fester och så slutades hans liv och läror i dessa vackra stad på ett plågsamt sätt…
Palazzo Vecchio och Loggia dei Lanzi under Savonarolas avrättning (1498) målades av en anonym konstnär runt 1650 Museo di San Marco, Firenze
Domenico Ghirlandaio (1449-94)
egentligen Domenico di Tommaso Bigordi, född och död i Florens, var kopplad med staden, där ledde han en stor verkstad. Han blev sin tids främste monumentalmålare och porträttör. Utan Ghirlandaio kunde vi inte beundra fresker i den Sixtinska -kapellet. Michelangelo lärde sig av honom freskomåleriets krävande teknik!
Domenico di Ghirlandaio en fragment av ”Underverk av St. Franciskus” (1483-85) Fresk Santa Trinita, Florence
Fresken utfördes för Francesco Sassetti´s kapell. På sidan av altaret knäböjdes donator Francesco och hans fru Nera de Corsi. I panelen ovan finns scenen där St. Franciskus återupplivar den romerska notarius son, med utsikt över Florens i bakgrunden: till höger den romanska fasaden i Santissima Trinita, till vänster Palazzo Spini, i bakgrunden Arno-bron. Bankiren Sassetti köpte 1478 rättigheter till ett begravningskapell i basilikan Santa Trinità och anställde Ghirlandaio att utföra arbete.
Fresken ”Visitation” presenterar Jungfrus och Sankta Elisabet möte. I bakgrunden landskap över Florens.
Detalj/Tre män lutar sig över väggen och tittar på aktiviteten i staden nedan. Tornet mellan de två träden liknar Palazzo Vecchio-tornet.
Sandro Botticelli (1445-1510) egentligen Alessandro di Mariano di Vanni Filipepi
född, verksam och död i Florens. Han var en av de främsta ungrenässans målare. Botticellis mest kända målningar idealiserar scener ur mytologins värld. Inte alla vet att i sina sista år blev han mer religiös. Han lyssnade på den predikande Savonarola och efter hans död, blev Botticellis konst ensidig religiös (t.ex. ”Begråtelsen” i Poldi Pezzoli)
Självporträtt av Sandro Botticelli (ca.1480) från ”Konungarnas tillbedjan” utförd för Santa Maria Novella, idag i Uffizi
”Konungarnas tillbedjan” (ca.1476) tempera on panel, 111 x 134 cm Uffizi
Boticelli ”Lamentation /”Begråtelse” (ca.1495) tempera on panel, 107x 71 cm Museo Poldi Pezzoli, Milan
Boticelli eller Filippino Lippi ”La Derelitta” /”Den nedlagda”(ca.1490) tempera on panel, 47 x 43cm Palazzo Pallavicini-Rospigliosi
Niccolo Machiavelli(1469-1527)
född i Florens och död i Florens var en filosof, politik, författare. Han är framförallt känd för den politiska skriften ”Fursten” som gavs ut fem år efter hans död. Sina politiska kunskap utvecklade Machiavelli under sin diplomatiska karriär, tyvärr dömdes han för konspiration mot Medici och undvek dödsstraff med hårsmån. Machiavelli ligger begravd i basilikan Santa Croce.
Santo di Tito (1536-1603) ”Porträtt av Niccolo Machiavelli”(ca.1570) Palazzo Vecchio samling
Machiavellis grav i Santa Croce
Amerigo Vespucci (1454-1512) en italiensk upptäcktsresande föddes också i Florens! Förmodligen utförd av Cristofano dell’Altissimo (ca.1568), Uffizi
Rafael Santi (1483- 1520)
föddes i Urbino, men 1504-08 flyttade han till Florens där han studerade da Vincis och Michelangelos verk. En av största italienska konstnärer smyckade sina verk med en otrolig precision, perspektiv och underbara sfumato teknik.
Rafael Santi ” Självporträtt-23 år gammal” (ca.1504-06) tempera on panel, 47,5 cm x 33 cm Uffizi
Från Florensåren kommer ett antal skildringar av Madonna med barnet och Kristi gravläggning.
”Madonnan med steglitsan” (Madonna del Cardellino) 1507 olja på pannå, 107 x 77,2 cm Uffizi, Florens
”Korsnedtagningen” (1507) Olja på pannå, 184 x176 cm Galeria Borghese, Rom
Leonardo da Vinci (1452-1519)
utbildade sig i Florens, där hans far fick plats som notarie 1469. Han praktiserade hos Andrea Verrocchio och senare i Lorenzo de Medicis akademi. Samvaron med tidens ledande konstnärer och intellektuella i Florens var ett naturligt steg på Leonardos karriär.
”Porträtt av Ginevra de Benci” (ca. 1474-76) olja på trä, 38,1 x 37 cm National Gallery of Art, Washington
”Madonna med nejlikor”(1474-78) 62 x 48 cm Alte Pinakothek, München
Mellan 1500-06 var Leonardo igen verksamt i Florens och utförde några spektakulära verk:
”Mona Lisa” (1503-06) olja på poppelpanel, 77 x 53 cm Louvre
Leonardo gav aldrig sitt konstverk någon titel. Namnet Mona Lisa fick tavlan från Giorgio Vasari som publicerade en biografi om konstnären, 31 år efter dennes död. Vasari identifierade modellen som Lisa, hustru till den förmögne florentinske sidehandlaren Francesco del Giocondo (1460-1538). Efter makens död 1539 gick Lisa (enligt hans sista testamente) till klostret Sant’Orsola. Hon begravdes där fyra år senare.
Michelangelo di Lodovico Buonarroti (1475-64)
född i Caprese, norr om Arezzo. Hans far var ämbetsmän och sonen fick konstnärlig skolning i Florens i freskoteknik hos Domenico Ghirlandaio. Michelangelo var bara 14 år gammal när Lorenzo di Medici upptäckte hans förmåga och tog honom under sina vingars beskydd.
Casa Buonarroti på Via Ghibellina 70 är ett hus-museum ägnat åt den kände konstnären fast bodde han där bara några år mellan 1516-25. Michelangelo föredrog att kallas honom skulptör snarare än målare och marmor från Carrara (Pietrasanta) var hans favorit material.
”David” beställdes av staden Florens styrelse (SIGNORIAN) 1501-04 Statyn symboliserades den unga, starka republiken. På början stod skulpturen på Piazza della Signoria precis utanför ingången till Palazzo Vecchio. ”David” flyttades inomhus 1880 för att skydda den vita marmor från oväder.
I Florens arbetade Michelangelo framför allt på kapellet som skulle komma att hysa familjegravarna, Medicikapellet, och Biblioteca Laurenziana båda i anslutning till San Lorenzo.
Han fullbordade monumenten över Giuliano och Lorenzo di Medici grav medgestalterna ”Natten och Dagen”(1526-31) och ”Skymningen och Gryningen”(1531)
Läsrummet
Den 10 mars 1564 begravdes Michelangelo i Basilica di Santa Croce i Florens.
Benvenuto Cellini (1500-71)
Sist inte minst borde jag nämna en florentinsk son, guldsmed och skulptör känd av sin underhållande självbiografi. Damer och herrar- Benvenuto Cellini arbetade för påvar, kungar, prinsar och kejsare. Och vilka fantastiska föremål utförde han!
Benvenuto Cellini ”Frans I:s saltkar/Saliera” (1540-43) guld, emalj, ädelstenar och förgyllningar, 26 x 33,5 cm Kunsthistorisches Museum, Vien
En riktigt konstnär borde skryta om sin konst och kunna sälja det! I memoarerna som Benvenuto dikterade vid 60-års åldern, berättar han hur han bedårade sina rika kunder. Trots äventyrliga liv var Cellini en hårt arbetande konstnär och han utförde många verk åt Florens.
Benvenuto Cellini ”Perseus med Medusas huvud” har stått i Loggia dei Lanzi sedan 1554.
Detalj
Tiden i Florens närmar sig till slut.
Historien, konst, kulturen och politik har här en huvudstad genom århundraden. Mycket har hänt vid Arno-floden och jag hoppas att den inlägg blir en inbjudan till Florens portar. Humanismens vagga blev Florens där mänskliga rättigheter utvecklades och stadslivet fick sin vackraste tradition.
Konstpegel behöver din hjälp.
Jag har inte någon bidrag för att driva portalen. Därför är ditt stöd mycket viktigt.
Om du gillar det här stället och gillar att läsa mina artiklar - stöd mig!
Även en liten belopp har en stor betydelse.
Tack!
Venedig är den enda stadsstaten som hade ett utländskt imperium som sträckte sig längs den östra Adriatiska kusten och täckte Kreta och Cypern. Serenissima Repubblica di Venezia har varit hennes officiella namn och innebär ”den mest rofyllda”.
Venedig ägde också ett stort område på Venetohalvön. En stark regering bestod av oligarker i antal cirka 200 personer som härstammade av de mest framstående familjer. Republikens styrelseskick kan betraktas som en autokrati med dogen som en härskare. Inom politik var Venedig ganska konservativt, men inom kulturområdet tilläts mycket frihet.
Staden var ett tryckcenter och säte för en utmärkt målningsskola, representerad bland annat av Vivarini, Bellini, Giorgione. I arkitekturen undvek venetianerna risk, de hämtade till sin stad kända arkitekter, t.ex. Sansovino, Palladio eller Sanmichele.
Venetianska konstnärer dyrkade den venetianska staden under flera hundra år.
Främst vill jag koncentrera mig på 1500 och 1600-talet för att återkomma till Venedig igen med Canaletto och Pietro Longhi-skildringar. Serenissimas skönhet måste man smaka försiktigt och noggrann…
Vittore Carpaccio målade Markuslejonet för Palazzo dei Camerlenghi i 1516 Idag i Palazzo Ducale.
Detalj
Lejonet är en imponerande skapelse, som står med bakbenen i vattnet och dess framben på torrt land. En ben vilar fast på en stenig strand och den andra håller upp boken med den traditionella inskriptionen PAX / TIBI / MARCE / EVANGELISTA / MEUS– ” Fred till dig, min Marcus”.
Sankt Markuslejonet avbildat på republiken Venedigs flagga och motto.
Relief i Venedig föreställande Sankt Markuslejonet.
Sankt Markus är Venedigs skyddshelgon och när staden från 600-talet till år 1797 utgjorde en självständig maritim stat, ingick lejonet i statens flagga. Lejonet förekommer även på målningar, som skulptur och relief på flera byggnader i Venedig och dess tidigare besittningar längs den östra adriatiska kusten, även i dagens Kroatien.
Cima da Conegliano (1459-1517) avbildade Markuslejonet med heliga Hieronymus, Maria Magdalena, Johannes Döpare och med St. Marcus (1506-08) olja på panel, 207 x 510,4 cm Galleria dell´Accademia, Venedig
Vittore Carpaccio skildrade ofta Serenissimas interiörer och byggnader. Sankt Ursula poliptyk (1497-98)- scenen med engelska ambassadörer olja på duk, 281 x 252 cm Gallerie dell`Accademia, Venedig
Vittore Carpaccio” Två venetianska damer” (ca.1510) olja på duk, 94 x 64 cm Museo Correr, Venedig
Carpaccio framställer två damer som vilar i den svala atmosfären i en trädgård. Det finns en tes att tavlan framställer två damer, målningen var oerhört populär under 1800-talet, och John Ruskin gav den titel ”The Courtesans”.
Vittore Carpaccio ”Jakt på lagunen” (ca. 1490-95) en fantastisk bild på hur man jagade i den gamla Venedig- på vatten! J. Paul Getty Center Museum
Konst och hantverk av högsta kvalitet hör Venedig till. Hela staden är som ett museum och en bra exempel hur konsten kan existera och dokumentera republikens bästa tider.
Gentile Bellini ”Apostelns Markus predikan i Alexandria” (1504-07) olja på duk, 340 x 770 cm Alexandria liknar väldigt mycket Venedig, eller hur? Pinacoteca di Brera, Milano
Gentile Bellini ”Den heliga korset under” ( ca.1500) I mitten ligger bro San Lorenzo, fint dekorerad. olja på duk, 323 x 420 cm Galleria dell`Accademia, Venedig
Gentile Bellini i ”Processionen på Markusplatsen” (1496) fokuserar mycket på Markusplatsen och domkyrkan, med dess bysantinska kupoler och glittrande mosaiker. olja på duk, 373 x 745 cm Gallerie dell`Accademia
Bellini hade en god förmåga till teckning och noggrannhet i återgivandet av färger och dräktdetaljer som gör hans tavlor så kulturhistoriskt intressanta. Han utförde flera viktiga arbeten för Venedig, vilka idag till stora delar är förstörda. Bland hans främsta verk märks ”Det heliga korsets under” och ”Processionen på Markusplatsen” (1496).
Makt och styre i Venedig
Venedig styrs av rika familjer. Den första dogen valdes redan i 697 och doge hade en närmast absolut makt. Med tiden försvagades dogens styre och delade han på makten med sex rådgivare (signoria).
Konsthistorien återspeglar dessa situation, republikens välstånd och högkonjunktur dokumenterar tre familjedynastier: Vivarini, Bastiani och slutligenmest kända Bellini. Vi kan titta lite närmare på de mest berömda porträtt av venetianska doger.
Lazzaro Bastiani ”Portrrät av dogen Francesco Fescari” (1457-60) Museo Civico Correr
Gentile Bellinis verkstad ”Porträtt av Cristoforo Moro”
Gentile Bellini ”Doge Pasquale Malipiero” (1460-62) tempera på panel, 53,3 x 42,5 cm Museum of Fine Arts, Boston
Gentile Bellini ”Doge Giovanni Mocenigo” (ca.1478) tempera på panel, 63 x 46 cm Museo Correr, Venedig
Marco Basaiti ”Doge Agostino Barbarigo”(1518) olja på panel, 74,5 x 56 cm Museum of Fine Arts, Budapest
Giovanni Bellini ”Doge Leonardo Loredan” (ca.1502) olja på poppelträ, 61,5 x 45 cm National Gallery, London
Under 1700-talet blev Venedig kanske den mest eleganta och förfinade staden i Europa som påverkade konst, arkitektur och litteratur. Men republiken förlorade sitt oberoende när Napoleon Bonaparte erövrade Venedig den12 maj 1797.
Efter det tredje italienska självständighetskriget, blev Venedig, tillsammans med resten av Veneto, en del av det nyligen skapade kungariket av Italien. 1987 fick staden och dess lagun status som världsarv och lockar turister, samt konstälskare från hela världen. Finns det någon vackrare stad än Venedig?
Bröllopet i Kana är en berättelse i Bibeln, omnämns i inledningen av Johannesevangeliet (Joh. 2,1-11). Berättelsen beskriver hur Jesus förvandlar vatten till vin, och det relateras som det första mirakel utförd av honom.
Bröllopet i Kana är ett vanligt motiv i den kristna konsten. Man kan hitta målningar i trecentostilen med mycket begränsat perspektiv, i quattrocento med de första proven på detta område. Barocken har förändrat berättelsens språk men det primära har inte förändrats.
DUCCIO DI BUONINSEGNA (ca.1255-1319) född och verksam i Siena
Här känns fortfarande medeltidens bildspråk. Duccio di Buoninsegna var den förste och kanske även den främste av de religiösa konstnärerna. Han avbildade scenen enligt den bysantinska traditionen men introducerade realistiska element.
Duccio di Buoninsegna ”Bröllopet i Kana” (1308-11) tempera on wood, 44 x 47 cm, Museo dell’Opera del Duomo, Siena
Detalj
Tjänarna som trängs vid valven, döljer inte sin chock. De kan tydligt se att medan en av dem häller vatten från ett fat i potten, fyller den andra kannan med vin. Omvandlingen till vin är Jesu första mirakel. Alla de andra deltagarna, bland vilka vi ser två apostlar, tittar noggrant på Jesus och Maria och bevittnar ett mirakel. Duccio kom att införa något nytt: personer som verkade levande och som tycktes befinna sig i rörelse.
GIOTTO di BONDONE (ca.1266-1337)utförde fresken ”Bröllopet i Kana”(ca.1303-05) för Capella degli Scrovegni i Padua. Giotto placerade scenen i ett rum med öppet tak. Han ägnade mycket uppmärksamhet åt detaljerna som paneler i röda ränder och vinkannor.
Jesus sitter på vänster sidan av bordet. Han gör en gest av välsignelse: det pågår just nu ett mirakel att förvandla vatten till vin. I mitten av bordet sitter Maria som upprepar sonens handrörelse. Hennes tecken återspeglar orden: ”Gör vad han säger dig”. Till höger finns en grupp tjänare avbildades ganska grotesk. Den röda tunika betonar mannens fetma, huvudet har ingen nacke. Det är förmodligen den verkliga karaktärer som Giotto modellerade sig själv på.
Fresken i verkligheten
Detalj
GIUSTO de MENABUOI (ca.1320-91) var en italiensk ungrenässansmålare. Han föddes i Florens men var han verksam mest i Padua. Fresker som illustrerades Jesus liv, bland annat mirakel i Kana, utförde han för baptisterium i Padua.
Giusto de Manabuoi ”Bröllopet i Kana” (1376-78 ) fresk i baptisterium (Padua)
HIERONYMUS BOSCH (ca.1450-1516) en briljant och original nederländsk målare vars arbete döljer en ovanlig ikonografi och individuell stil!
I målningen ”Bröllopet i Kana” avviker Bosch från traditionen, scenen som visas här är uppfylld av spänning.
En mystisk liten person i en krans på huvudet står med ryggen till betraktare och fortsätter till en märklig ceremoni. Tavlan är ett tidigt verk skapat mellan 1475 och 1480. I den traditionella berättelsen introducerar Bosch nya delar av mysteriet.
Hieronymus Bosch ”Bröllopet i Kana” olja på panel, 93 x 72 cm Museum Boijmans Van Beuningen, Rotterdam
Musiker på det improviserade upphöjda galleriet, en tjänare som kollapsar – alla dessa figurer är helt oväntade och ovanliga för den klassiska, bibliska ämne. Tavlan är inte i gott skick; de övre hörnen har skurits av, många huvuden har målats om igen, och ett par hundar längst ner till vänster kan ha lagts till så sent som på 1800-talet. Bröllopets bankett har placerats i en rikt möblerad interiör, förmodligen i en tavern. Mirakel sker längst ner till höger; gästerna sitter runt ett L-format bord som domineras i ena änden av Kristi figur. På vänster bär två tjänare in ett vildsvinshuvud och en svan spottar eld från munnen. Den exakta betydelsen av alla dessa detaljer förblir oklart. Som ofta är det hos Hieronymus Bosch…
Bröderna Limbourg och deras tidebok
”Les Très Riches Heures du Duc de Berry”, är en illuminerad tidebok utförd av bröderna Limbourg runt 1412-1416 för hertigen Jean de Berry. Inte bara Limburgarna arbetade för Jan de Berry. 1416 gjorde en annan av hans protéger, Jacquemart de Hesdin (ca.1355-1414), ett enormt manuskript kallade ”Stora timmar”/”Les tres riches Heures”. Namnet berodde inte bara på måtten, även om dessa var ganska anständiga, 30 × 40 cm.
”Grandes heures de Jean de Berry” (1409) framställer scenen från Kana tempera on vellum, 40 x 30 cm National Bibliotek, Paris
Det är möjligt att det franska adjektivet grandes brukade betyda magnificent. Det intrikat dekorerade manuskriptet innehöll ett massivt, guldklädd omslag, vackra illuminationer och mängd av ädelstenar.
Jacquemart de Hesdin placerade ”Bröllopet i Kana” i arkitektonisk interiör som var känd till honom, stiliserad enligt den internationella gotiska bildspråket.
GERARD DAVID (ca.1460-1528) var en nederländsk konstnär från Oudewater. Han målade mest stillsamma högtidliga bibliska scener i det fria. Figurerna hade en värdig hållning, landskapet var ofta starkt framträdande.
Gerard David ”Bröllopet i Kana”(ca.1500) olja på panel, 100 x 128 cm Louvre
I denna målning är kvinnornas sittställningar och deras förtrollande ovala ansikten så anmärkningsvärda, och hela verket har en mystisk atmosfär. Stillebenmålningen av festmåltiden är fascinerande!
Detalj med bruden
Detalj
PAOLO VERONESE (1528-88) och hans främsta verk ”Les Noces de Cana”.
Denna enorma duk gjordes för refektorium av San Giorgio Maggiore-klostret i Venedig. Målningen skildrar ett imaginärt palats med cirka 130 gäster, porträtter av kändisar från epoken, av Veronese själv och av hans vänner påklädda i rika färgade kostymer.
Tavlan hängde i klostret i 200 år, tills Napoleon stal den och förde den till Paris. Idag kan vi beundra verket i Louvren.
Paolo Veronese ”Bröllop i Kana”(1563) olja på duk, 666 x 990 cm Louvre
Bröllopsscenen, som i en teater, äger rum på ett torg stängt med doriska och korintiska kolonner. På avståndet finns en torn med arkader utförd av arkitekt Andrea Palladio, allt påminner om 1500-talet Venedig snarare än Palestina, där Veronese antagligen har aldrig varit. Bibliska karaktärer är påklädda som venetianer i orientala dräkter och turbaner. Scenen förlorade sin ursprungliga religiösa karaktär. Det är barockens pärla!
Detalj
Detalj
Detalj
Musikscen med kända konstnärer- är det Tizian, klädd i röda dräkt? Är det Veronese i den vita? Och Tintoretto som spelar på en fiol!
JACOPO ROBUSTI, TINTORETTO (1528-1594)
”Bröllopet i Kana”utspelar sig i en enorm korridor som ser ut som en magnifik sal från venetianska palatser. Hela utrymmet på bilden är fylld med många gäster. Men vart och hur presenterar Tintoretto underverkets ögonblick? På den första uppsättningen av ett långt bord finns det två grupper människor, vars gester är svåra att gissa, vi kan tänka att det var här som något fantastiskt hände. I mitten av bilden möter vi en ensam Kristus, här är den andliga förbindelsen.
Tintoretto (1561)”Bröllopet i Kana” Olja på duk, 435 x 535 cm kyrkan Santa Maria della Salute, Venice
Detalj– barockens mästare avbildar venetianska damer och interiör
Bröllopsscen har en tydligt nykter atmosfär, eftersom miraklet ännu inte har ägt rum. Kopparna är tomma, bruden och brudgummen är oroliga och deras gäster är förbryllade. Kristus, som är på mellanavstånd, men framhävd av bordets perspektiv, kommer inom kort att återställa allas goda humor.
MARTIN de VOS (1532-1603) och manierismen
en flamländsk konstnär från Antwerpen var stilistisk nära manierismen. Gillet av värdshusägare beställde tavlan hos de Vos, som var mycket berömd konstnär på den tiden. Resor till Italien och tid tillbringad i Venedig (1550-58) hade en märkbar effekt på hans arbete.
Bibliska scenen från Kana äger rum i renässans-stiliserad sal med ett bord fullt av god mat och dyra porslin. De Vos försökte ändå att framkalla en något biblisk atmosfär, flera gäster bär turbaner. De stora vinkannor har ett särskilt klassisk utseende. Ärligt talat är detta skildring en av vackraste jag har sett!
Martin de Vos ”Bröllop i Kana”(1596-97) Olja på panel, 268 x 235 cm O.-L. Vrouwekathedraal, Antwerpen
Vi kommer att avsluta den mirakulösa konstresa till bröllopet hos Julius Schnorr von Carolsfeld (1794-1872) från Leipzig. Han tillhörde en grupp av tyska konstnärer- nasarenerna och hans måleri idealiserade medeltidens bildspråk. Gruppen betonade konstens samband med kristendomen och hade förebilder i 1400-talens italienska och 1500-talets tyska måleri. Det är ingen konstighet att von Carolsfeld framställde ”Bröllopet i Kana” (1820) på mycket bibliskt sätt!
Julius Schnorr von Carolsfeld ”Bröllopet i Kana” (1820) olja på duk ,140 x 110 cm Kunsthalle, Hamburg
Är vi i Jerusalem, i Tyskland eller Italien? Tiden stannade faktiskt här…
Under renässansen tolererades och förföljdes judar samtidigt. Denna situation har pågått i tusentals år. Morer (muslimer på iberiska halvön) kallades för otrogna och utvisades från Spanien år 1502. Turkarna, som erövrade Konstantinopel 1453, fruktades och hotades mest av allmänheten.
I alla dessa fall motiverades hat av de religiösa och politiska skäl. Det fanns i princip ingen rasbakgrund. Svarta Afrikaner var sällsynta i Europa och behandlades de som exotiska utlänningar. Det var inte bra spektrum, och inte dåligt heller.
Idag vill jag gå genom konsthistoria och välja ut intressanta tavlor. Hoppas att ni förstår mitt val- Renässansens ikonografi är obeskrivbar vackert.
Den tyska renässansen:Albrecht Dürer (1471-1528)
I sitt kända verk ”Konungarnas tillbedjan” framställer Dürer tre vise männen som exponerar sin vördnad för det nyfödda Jesusbarnet. Enligt Bibeln kom de långväga ifrån och de har fått representera varsin av tre världsdelarna: Europa, Asien och Afrika. Därför brukar åtminstone en av konungar avbildas som en färgad man, vilken ibland tolkats som Balthasar och ibland som Caspar.
Albrecht Durer ”Konungarnas tillbedjan” (1504) olja på duk, 99 x 113 cm Uffizi, Florens
Bakom huvudscenen ser man några riddare från exotiska länder som tillhör karavan av tre kungar!
Den nederländska sengotiken: Geertgen Tot Sint Jans (ca.1460- ca.1488)
Geertgens tillnamn syftar på det johanniterkloster i Haarlem, där han bodde till sin död. Mycket lite är känt om hans liv och arbete, han var en av de första som arbetade med oljefärg.
”Konungarnas tillbedjan” (ca.1480-95) oil on oak wood, 91,6 x 71, 8 cm Rijksmuseum, Amsterdam
Den nederländska sengotiken:Hieronymus Bosch (ca.1450-1516)
Hans fantasirika verk hör till sengotiken och inspirerar fortfarande flera konstnärer. Ett trettiotal målningar finns bevarade på olika museer runt i hel världen.
En teknisk undersökning visar att den här panelen anses vara en av Boschs tidigaste verk. Den vackra miljön, med en gardin som hålls högt upp av änglar kan indikera påverkan av religiösa teaterställningar som framförts i Boschs hemstad- Hertogenbosch. Kung Balthasar har en vacker vit dräkt med gulda dekorativa delar som bekräftar hans höga status. Han är i sällskap av en mörkhyad tjänare.
Hieronymus Bosch ”Konungarnas tillbedjan” (ca.1475) Oil and gold on oak, 71,6 x 56,5cm The Metropolitan Museum of Art
Hieronymus Bosch Triptyk ”Konungarnas tillbedjan” (ca.1510) Olja på trä, 138 x 72 cm (central) 138 x 34 cm (två flyglar) Museo del Prado, Madrid
Den centrala panelen i triptyken ( Epiphania) visar kungarnas dyrkan för den heliga barn. Som alla målningar av Bosch är den ovanlig och fantasifull framställning av ganska klassiskt ämne. Här vill jag koncentrera bara på kungen Balthasar. Han är väldigt majestätisk i sina vita kläder.
Den italienska renässansen: Vittore Carpaccio (ca.1455-1525)
En venetiansk målare var mest känd av sina färgrika verk. Var uppmärksam på de mörkhyade gondoliererna!
Vittore Carpaccio ”Det heliga korsets mirakel vid Rialtobron” ( 1496) tempera på duk, 365 x 389 cm Gallerie dell’Accademia, Venedig
Den italienska renässansen: Piero di Cosimo (1462-1522)
Piero di Cosimo brukade inte signera eller datera sina verk, vilket gör en rekonstruktion av hans stilistiska utveckling extremt krångligt. Den florentinska målare utförde många mytologiska scener, bland annat berättelse om Andromeda.
Piero di Cosimo ”Perseus som befriar Andromeda” (ca.1510-13) olja på panel, 70 x 122 cm Uffizi
Historien är baserat på Ovidius-berättelse. Den romersk skald beskriver hur dotter till etiopiska kungen Kefeus och Kassiopeia fastkedjades till en klippa vid havet som ett offer till ett havsmonster. Andromedas mor påstod att hon var vackrare än nymfer. Poseidons vrede var rasande… Minns ni vem räddade Andromeda? Perseus kom på den vingade hästen- Pegasus och befriade henne. Naturligtvis blev han kär vid första ögonblicken!
Piero di Cosimo avbildar scenen utan onödig dramatik. I mitten kan vi observera en tjänstpiga som spelar på någon instrument. Förmodligen är hon också från Etiopien.
Den italienska barocken:Paolo Veronese (1528-88)
Paolo Caliari vanligen känd som Veronese efter sin vackra födelsestad Verona, var en av de mest kända senrenässansens ledande konstnär.
Paolo Veronese ”Gästabudet i Levis hus” (1573) olja på duk, 555 x 1310 cm Gallerie dell´ Accademia, Venedig
Veronese skapade målningen 1573 i meningen att det blir ”Sista måltiden”, ett biblisk ämne hämtat från Matteus evangeliet. Beställare var det venetianska klostret Santi Giovanni e Paolo. Veronese placerade många figurer runt det rikt inställda bordet, alla klädda enligt tidens hovsmode. Bland folket fanns olika figurer: svarta betjänare, dvärgar och svabiska soldater (luterska). Kristus person och mysteriet med den sista måltiden är helt omöjligt att upptäcka för underhållare. Konstnären blev kallad till Inkvisitionens-domstol och hade en stor problem!
Konstnären skulle måla om duken. Veronese undergav sig inte domen och ändrade bara titeln till ”Festen i Levis hus”, vilket också tillfredsställde den heliga inkvisitionen. Tack och lov att det slutade så oskyldigt. Den enorma duken gjorde säkert ett stort intryck på betraktare. Det händer så mycket på festen i Levis hus!
Detalj med ung tjänstpojke.
Detalj
Detalj
Den italienska manierismen: Agnolo Bronzino (1503-72)
Bronzino var elev till Jacopo da Pontormo och Medicinerna anlitade honom som porträttmålare.
Agnolo Bronzinos verkstad ”Alessandro di Medici” (1534-35) oil on tin (olja på tenn), 16 x 12,5 cm Uffizierna
Bara att nämna…Alessandro di Medici (1510-37) har kallats il Moro (moren) på grund av sitt utseende. Han var illegitim son till Lorenzo di Medici och hans mörkhyade tjänarinnan Simonetta da Collevecchio.
Agnolo Bronzino ”Alessandro de Medici” olja på duk, 82 x 67 cm Hermitage Museum
Den italienska barocken: Cristofano dell’Altissimo (ca. 1525–1605)
var en italiensk målare bosatt och verksamt i Florens. Han utbildades till porträttmålare av Pontormo och Bronzino. 1552 skickade hertigen Cosimo I de Medici honom till Como för att kopiera målningarna från porträttsamlingen av historiken Paolo Giovio (1483-1552). Dell` Altissimo utförde cirka 280 målningar och jobbade under 37 år! De flesta av dem kan ses på Uffizierna i Florens (Giovio Series).
En otrolig samling av Medici-medlemmar, författare och humanister, men också exotiska härskare som Abessinien kung, ottomanska sultaner m.m. Vilken fantastisk jobb utförde Cristofano dell´Altissimo!
”Porträtt av Hasse Labne Dengel” (1552-68) olja på duk Uffizi
”Alchitrof- kung av Etiopien” (1568), olja på duk, Uffizi
”Portrait of Shah Ismail I of Persia (1487-1524)”
”Suleiman”
”Saladin”
”Tamerlane”
” Bayezid I”
Den flamländska barocken: Justus Suttermanus (1597-1681)
även känd som Giusto Suttermans var en flamländsk barockmålare och tecknare. Han föddes i Antwerpen och dog i Florens. Sustermans är främst känd för sina porträtt av Medici-familjen eftersom han var deras hovmålare.
Vilken intressant tavlan har vi här!
Justus Suttermans ”Söndag på marknaden” (ca.1634) ”Group Portrait of Domenica delle Cascine, la Cecca di Pratolino and Pietro Moro” olja på duk,100 x 94 cm Uffizi
De tre personerna som är avbildad verkligen existerade, vilket dokumenterades i Medici-arkiven. De två äldre kvinnorna med ett skrynkligt ansikte och en livlig ironisk blick bekräftas ofta i Medici-redovisningsböckerna. Den mörka Pietro (till höger) måste ha varit en av de många hustjänstemän, som jobbade åt familj. Ett fantastiskt exempel på etnicitet i XVII-talet i Florens
Detalj
Den holländska senbarocken: Juriaen van Streeck (1632-87)
Van Streeck föddes i Amsterdam och sysslade med stillebenmåleriet. Mellan typika tavlor med aprikoser, vattenmelon kan vi möta några mörkhyade tjänare från holländska rika hushåll.
Juriaen van Streek ”Stilleben med aprikoser och lemon” (1636) olja på duk, 90,5 x 80 cm private kollektion
Juriaen van Streeck ”Stilleben med moren och porslinskärl” (ca.1670-80) olja på duk, 143 x 120,5 cm Alte Pinakothek
Den spanska barocken: Diego Velazquez (1599-1660)
Minns ni mitt inlägg ”Bodegones”? Då skrev jag om Diegos fantastiska verk.
Velazquez ”La Mulata” eller ”Kökspiga” (1620 -22) olja på duk, 56 x 104,5 cm National Gallery of Ireland, Dublin
Efter en rengöring i 1933 fick man veta att detta är en skildring av Jesus ”Måltid vid Emmaus” på väggen bakom huvudfiguren. Kökspigan om mörkare hud är avbildad på ett fantastiskt sätt! Velazquez kopplar hennes vanliga tjänsteplikter med universella tankar om livet, om religion. Hon är en enda vittne av Jesus ord. Hon lyssnar men samtidigt avslutar inte sina allmänna uppgifter. En rent poesi. Universella verk.
Det var en intressant resa på spaning efter målningar som framställer en folk om olika hudfärger, om etniska bakgrunden. Vad tycker ni, mina kära konstälskare? Presenterade konstnärerna dem på ett korrekt sätt? Jag ser inga skillnader…
I världen där böcker och alla skriftliga ord var sällsynta, överlämnades kristna läror på ett muntligt sätt. Predikan var en utläggning på folkspråket av evangelietexten. Särskilt var det viktigt insats för tiggarordnarna, som dominikanerna eller franciskanerna. En predikant kunde hålla folkliga samlingar även i gathörnet.
De största talare hade riktiga talanger som Bernardinus av Siena (1380-1444) eller Savonarola (1452-98). De åtnjöt en stor lydnad och respekt. Sankt Franciskus
"Sankt Bernardin predikar på Piazza del Campo iSiena"- så här avbildade honom Sano di Pietro (1405-81) en av största konstnärer verksamma i Siena. Tavlan befinner sig i domkyrkans museum.
Giotto ”Legenden om Franciskus av Assisi, predikan till fåglarna” fresken i Assisi, Basilika
Bernardinus av Siena (1380-1444) var en präst, franciskanmunk. När Siena drabbades av pesten, hjälpte dem mest utsatta. År 1417 inledde Bernardinus sin bana som resande predikant, i vilken egenskap blev han omedelbart berömd; tiotusentals personer kunde närvara vid hans framträdanden! Flera av Bernardinus predikningar finns bevarade. Vet ni att han kunde tala i tre eller fyra timmar på den lokala dialekt som folk pratade.
Predikstolen (ambon) i Prato-domkyrkan (1428-38)
Tryckta predikningar, som kunde publiceras av åhörarskarans anteckningar, möjliggjorde studier av predikade ord. Här har vi exempel på en känd predikant och teolog från Schweiz- Geilervon Kaiserberg (1455- 1510). Han var präst i Strassburg och blev berömd för sina folkliga tal, präglades av en burlesk, av förkunnelse i vilka han oförskräckt visade kyrkans svagheter. Med all sin skarpa kritik och krav på reformering var dock van Kaiserberg trogen den katolska kyrkan. Tiden till den revolutionära Martin Luther har inte kommit än.
Hans Baldung Grien (ca.1484-1545) omslag till ”Das Buch Granatapfel”(1516) Strasburg framställer egentligen predikande Geiler von Kaisersberg
Protestanter, som tog mönstret direkt från Bibeln, trodde att tro kom genom att lyssna, så predikan blev viktigare och predikestolen blev en central plats i kyrkan.
Lucas Cranach den äldre ”Martin Luther predikar i Stadt- und Pfarrkirche St. Marien zu Wittenberg” (ca.1531) Lutterhalle, WittenbergJakob Seisenegger (1505-67)”Predikan in der Wiener Augustinerkyrkan” (1560) Kunsthistorisches Museum, Wien Han var en österrikisk målare i tjänst för kejsare Karol lV och avbildade ofta Habsburgs familjemedlemmar. Här stor Ferdinand I och lyssnar på en talande predikant.
Vittore Carpaccio (ca.1465-1526) en venetiansk målare utförde många tavlor för Serenissima Repubblica diVenezia. Här kan vi beundra scener som representerar Sankt Stefanos liv. Helgon var den första martyr av kristendomen efter Jesus. Enligt apostlar var han ledare för de grekisktalande församlingen, och när han sjöng Kristi lov, dömdes han av det judiska rådet – sanhedrin för hädelse och stenades till döds omkring år 35.
Scenen utförde Carpaccio för Scuola dei Lanieri.
Vittore Carpaccio ”Predica di San Stefano” (ca.1514) oil on canvas,152 x 194 cm Louvre, Paris
Predikan ägde rum i Jerusalem. Pittoreska, orientaliska dräkter passar här utmärkt!
DetaljCarpaccio avbildade så vacker Jerusalems arkitektur!
Bakgrunden är en fantastisk vision av staden Jerusalem, uppsatt av byggnader i det orientaliska stilen med kupoler och andra arkitektoniska uppfinningar. Längre bort kan man se typiska venetianska kullar och berg som bleknar in i dimman. Som vi kan se på presenterade tavlor, kunde predikan ske var som helst- till exempel på gator eller en torg.
Idag är predikan ett tal vid gudstjänsten som hålls av den som kyrkan gett uppdraget till. Det utgår alltid från Bibeln eller anknyter till Bibeln. Som vi kan se på tavlor, formen av förkunnelse har förändrats. Reformation och motreformation har ordnat det på ett eget sätt och enligt egen retorik. Predikan har en tydligt tema, logiska delar, och fick undervisande karaktär.
De stora stridsmålningarna var inte en uppfinning av renässansen. Under medeltiden var de mest allegoriska. Konstnärer började presentera krigsförlopp, belägringar och lägerliv när de lärde sig utmärkt nya perspektivregler. Nya färdigheter i att skildra den mänskliga figuren tillät att visa alla komplicerade poser, hästar i rörelse och riktiga stridsscener. Det är värd att se!
Piero della Francesca och Paolo Uccello-tradition och perspektiv.
Vi reser i tiden300 år tidigare in i en berättelse som började under den persiska expansion i östra delen av Romerska Imperiet… År 615 stjäl persiska kungen Chosroes den heliga kors från Jerusalem och ställer in det som ett objekt för tillbedjan. Den östliga kejsaren Heraclius strider mot Chosroes och efter att ha besegrat honom, återvänder han till Jerusalem.
Piero della Francesca ”Seger över Chosroes” (1452-59) 329 x 747 cm (vilken enorm fresk!) San Francesco, Arezzo
Målningen har fortfarande mycket av magi, kanske på grund att fresken var på en vägg som aldrig fick direkt ljus. Piero della Francesca målade inget landskap och koncentrerade sig istället på striden. Han har valt att presentera krigets mörka mekanism: det finns inga vackra mönster, inget vackert ljus och rustningen. Benen på hästar och människor fyller den nedre delen av kompositionen, medan över finns massor av stål och flaggor.
DetaljdetaljDetalj
Detalj
Paolo Uccello och ”Slaget vid San Romano”
Paolo Uccello (ca.1397-1435) hedrade en riktigt händelse ”Slaget vid San Romano”med fantastiska målningar som påminner lite om medeltida turneringar. Striden skedde den 1 juni 1432 mellan Florens och Siena. Segern blev på de florentinska sidan. Fresker beställdes av Lionardo di Bartolomeo från Florens, en tjänsteman under kriget med Siena. Scenen ägde rum i ett öppet utrymme även om man känns att händelse är begränsad. Denna effekt uppnås genom liggande på marken spjut och kroppen av den döda riddare, anordnades på ett sådant sätt att de bildar ett schackbrädsmönster.
Uccello ”Slaget vid San Romano” (1454-56), tempera on wood, 182 x 320 cm, National Gallery, London/ scen: Niccolo da Tolentino, ledare för florentinska sidan Detalj”Bernadino della Ciarda ramlar från hästen ” (1456) tempera on wood, 182 x 220 cm UffiziDetalj
Den andra målningen presenterar scenen när befälhavare Bernardin della Ciarda släppts från sadeln. Som tidigare är målning fyllt med genvägar i perspektiv. Uccello använder ett naturlig perspektiv (perspectiva naturalis) som kännetecke av flera försvinnande punkter och ett centralt perspektiv. Målningen är ovanlig för att är den enda av de tre som har spår av silverfolie som täckte riddarens rustning och skapade en metall-reflexer. Uccello experimenterade!
”Den avgörande attacken /Micheletto da Cotignola” (c.1450) Tempera on wood, 180 x 316 cm Louvre
Den tredje delen avbildar ankomsten av enheter under ledningen av Cotignola. Uffizi-panelen var antagligen utformad för att vara triptykens centrala målning. Konsthistoriker hävdar att scenen från London skedde i gryningen, denna från Uffizi- mitt av dagen medan från Louvren i skymningen. Det är ingen konstigheten för att striden varade i 8 timmar!
Albrecht Altdorfer och ”Slaget vid Issos”.
Albrecht Altdorfer ”Slaget vid Issos” (1529) Oil on panel,158 x 210 cm, Alte Pinakothek, Munchen
Hur man kan ändra historiska detaljer i konstens tjänst? Tror mig, mycket…
Detta är den mest berömda målningen av Albrecht Altdorfer (1480-1538). Alexander den Store segrade i 333 f.Kr. över den persiska armén led av kung Darius i slaget vid Issos.
Striden ägde faktiskt rum i Turkiet, men på denna målning visas den i Alpernas steniga miljö med tyska städer i bakgrunden! Betraktare observerar striden och det otroliga landskapet. Det är initialt svårt att skilja de två sidorna. Altdorfer klädde makedonierna som tyska riddare och landsknechts (legosoldat), medan de persiska krigarna bär turbaner och exotiska kläder.
DetaljDetaljJan Breughel den äldre ”Slaget vid Issos” (1602) -liknande tema och lösningar oil on panel, 85 135 cm, Musee du Louvre, Paris Detalj
Två italienska mästare Michelangelo och da Vinci. Hur dem avbildade krigsscener?
Två målningar ”Slaget av Cascina” (1504–06) av Michelangelo och ”Slaget vidAnghiari” av Leonardo da Vinci (1503–06) var avsedda att placeras mittemot varandra i den florentinska Palazzo Vecchio men ingen av dem slutfördes! Michelangelo valde ett moment då en grupp soldater blev förvånad över att bada, och nästan alla figurer är nakna. Leonardo framställde en kavalleri.
Hösten 1504 fick Michelangelo uppdraget att måla den stridsscen som en följeslagare till Leonardos ”Slaget vid Anghiari”. Verk beställdes av statsmannen Piero Soderini i form av fresken som skulle pryda Sal de Cinque. Detta storslagna projekt kom till ingenting: målningen var klar – åtminstone delvis – i februari 1505, men den brådskande kallelsen från påven Julius II förhindrade Michelangelo från att fortsätta arbetet, för vilket bara några teckningar överlevde. Fantastiska teckningar, förresten!
Michelangelo ”Slaget vid Cascina” (1505) Oil on panel, 77 x 130 cm Holkham Hall, NorfolkMichelangelo ”Stridsscen” (1504) Pen and ink on paper, 179 x 251 mm Ashmolean Museum, Oxford
Da Vinci avbildade realistiskt slaget vid Anghiari, där virvlar människor och hästar. På detta sätt visade han sin vision om krig. Glöm inte att han var ju en pacifist!
Leonardo lämnade efter sig endast ritningar på kartong och en skiss. Detta oavslutade verk inspirerade många konstnärer. Den mest berömda skissen skapades av Peter Paul Rubens.
RubensRubens (1503-05) Black chalk, pen and ink, watercolour on paper, 452 x 637 mm Musée du Louvre, ParisLeonardo da Vinci Panelen är uppkallad efter samlaren Doria, som ägde den fram till 1651. Reproduktionen visar en kopia av en okänd mästare.
Tintoretto och hans manieristisk stil.
”Belägring av Parma” beställdes från Tintoretto av Guglielmo Gonzaga (1538-87), hertig i Mantua, för de nybyggda Palazzo Ducale. Gonzaga ville ha en militär scen. Tintoretto avbildade en väpnad kollision som ägde rum den 18 februari 1248. Den tyske kejsaren Frederick II Hohenstauf hade för avsikt att erövra Parma. Kejsaren tillbringade flera månader här, slösade bort tid och pengar på att vänta på kapitulationen. I resultaten förlorade tyskarna 1 500 soldater och 3 000 krigsfångar. Kejsaren, som såg den brinnande staden, flydde till Cremona, 60 km bort.
Tintoretto skapade verk på manieristisk sätt, med dominerande figurer och mängd av soldater som kämpar för sin kejsare. Monokromatiska färger passar här utmärkt!
Jacopo Tintoretto ”Belägring av Parma av Federico II” (ca.1580) Oil on canvas, 212 x 284 cm Alte Pinakothek, Munich
Stridsmålningar under pågående ryska-polska konflikt.
”Slaget vid Orsha” var en strid som utkämpades den 8 september 1514, mellan de allierade styrkorna från Polen-Litauen under ledning av Konstanty Ostrogski (ca.1460-1530) och Moskvarikets armen under Ivan Chelyadnin (död 1514). Mycket mindre polsk-litauiska trupper besegrade ryssarna och fångade deras befälhavare.
Hans Krell var en tysk målare från Lucas Cranachs skolan. Enligt konstspecialister måste han har deltagit i slaget själv på grund av hög kunskap om ämnet. Krells förbindelser med jagiellonska dynastins beskyddare (inklusive kung av Ungern) och härskare av Preussen gör denna argument mycket troligtvis. Konstnären porträtterade sig själv i målningen, observerade striden och stirrade uppåt genom sammanflätade fingrar.
Hans Krell ”Slaget vid Orsza” (ca.1525-35) Tempera on panel,165 x 260 Natioanlmuseum, WarszawaKonstanty Ostrogski Polsk artilleri som korsar den improviserade pontonbron.De bevingade polska husarer-detaljPolens bevingade husarer i attak. Nationalmuseum, WarszawaHans Krell avbildade sig själv. Kanske har han varit som stridens observatör?
Sjökrig mellan osmanska flottan och europeiska Heliga ligan.
Slaget vid Lepanto var ett sjöslag utanför staden Lepanto (nuvarande Naupaktos i Grekland) som ägde rum den 7 oktober 1571. Förenade spanska, påvliga, maltesiska och venetianska flottan slog mot den osmanska sjömakten.
Slaget hade ett enormt betydelse, det var kamp mellan stormakterna men också mellan kristendomen och islam, eftersom Turkarna annars kunde ha expanderat västerut mot Europa. Don Juan d`Austria (1547-78) besegrade den osmanska flottan- de flesta av osmanska fartyg fångades eller sjönk ner.
Ökand konstnär ”Slaget vid Lepanto 1571” oil on canvas,127 x 232 cm National Maritime Museum, Greenwich/LondonAndrea Vicentino (ca.1542-1618) en målare född i Vicenza, verksam i Venedig Här avbildade han också ”Slaget vid Lepanto” /”Vittoria di Lepanto” (1603) Dogepalatset, VenedigDetalj med galärer
Målningen hedrar den venetianska segern efter många år av bitterhet, uppoffring och förödmjukelse under konflikten mellan Venedig och Osmanska riket. Venetianska fartyg avbildades i dödliga angrepp av fiendens arméer. Ett desperat försök att utplåna varandra. I mitten av målningen är de två admiralerna: Sebastiano Venier och Ali Pasha.
Andrea Vicentino avbildade också ”Belägringen av Zara” (1584-87) under det fjärde korståg Sala del Maggior Consiglio, Palazzo Ducale
Början på bataljmålningar!
Peter Snayers (1592-1667) var en flamländsk målare bosatt i Bryssel. På grund av historiska förändringar blev han hovmålare hos ståthållaren i spanska delen av Nederländerna ( Isabella Clara Eugenia Habsburg). Han målade mest scener från 30-åriga kriget som påminner mer om topografiska kartor än konstnärliga arbete.
Målningen ”Slaget vid Kirkholm ”var beställd av kungen Sigismund III Vasa (1566-1632). Striden var ett fältslag mellan Sverige och Polen-Litauen under andra polska kriget den 27 september 1605. Vid detta slag led den svenska armén ett av sina svåraste nederlag genom tiderna.
Snayers öppnade intresse för krigshistoriska tavlor.
Peter Snayers ”Slaget vid Kirkholm” (ca.1620) oil on canvas, 142 x 231 cm Chateau de SassenagePeter Snayers ”Slaget vid Vita berget” (1620) oil on canvas, 149 x 226 cm, Bayerische Armémuseum, MunchenSnayers ”Belägring av Groenlo”som pågick under 3-14 augusti 1606
Diego Velazquez målar ”Bredas kapitulation” (1634-35)
Scenen framställer ett ögonblick då holländarna överlämnar fästningen Breda till den spanska befälhavare Ambrogio Spinola (1569-1630). Velazquez visar upp en riktigt, historisk händelse, 10 år efter… Soldaternas långa lansar tar mycket plats i kompositionen. ”Las Lanzas” är en andra namn på detta verk! Han kände personligen krigare Spinola och målningen var en postum hyllning till honom.
Diego Velazquez ” Bredas kapitulation” (1635) oil on canvas, 307 x 367 cm, Prado, Madrid
Velazquez avbildar tröttna soldater. Båda sidor präglas av slagsmålens svårigheter. Han visar inte glädjen över den seger som uppnåtts av spanjorerna, tvärtom fokuserar konstnären mycket på fred och avtal som kan avsluta striden.
Detalj med soldaterSpinola och Justus van Nassau.
Avlutning på konstresa sker i Tyskland.
Stridsmålningar har en enkel och okomplicerat ikonografi. Det innersta är att visa vinnarens makt och position, dokumentera så noggrann som möjligt händelsens förlopp och viktigaste ögonblick.
Till oss konstälskare, konsthistoriker är sådana tavlor en perfekt titthål in i en värld som ligger många hundra år bakåt i tiden. Hur mycket konst ser vi i de traditionella målningar, det beror på våran smak och estetisk omdöme. Jag försökte att fånga de mest intressanta. En stark bild för att avsluta ämne…
Otto Dix (1891-1969) ”Sturmtruppe geht vor unter Gas” (1924) etsning, akvatint
Svart och vit är den grafikserie och handlar om första världskrigets hemska händelser.
Snart kommer att bränna ner ett flertal av dessa upplagor under bokbålen i Nazityskland 1933. Men det är en helt annan historia och upplevelse.
Det är inte ovanligt att stora, moderna konstnärer har inspirerats av tidigare mästare. Pablo Picasso (1881-1973) har parafraserat så många bland annat: El Greco, Velazquez, Delacroix och Courbet. När Picasso lag sitt intresse till den tyska renässanskonsten hade man kanske kunnat vänta sig att det blir Albrecht Dürer eller Hans Holbein. Varför blev det Lucas Cranach den äldre (1473-1553) och hans son, som engagerade den åldrande Picasso?
Pablo Picasso ”En ung kvinna efter Cranach den äldre” (1958) Litografi, 76 x 57,5 cm MoMa
”Mötet” mellan Picasso och Cranach skedde mest av en slump, när spansk artist fick en museikatalog från Berlin med 500 svartvita bilder ”David och Batseba”. Den album blev som en riktigt inspirationskälla. Mellan år 1947- 49 utförde Picasso en serie litografier som är varianter på Cranachs måleri.
1.”Portrait de Jeune Fille”(1958) Litografi, Museo Picasso Malaga 2. Lucas Cranach den yngre ”Female Portrait” (1564) oil on lime, 83,5 x 63,5 cm, Kunsthistorisches Museum, Wien
Den här målning var baserat på ett vykort som skickades till Picasso av hans återförsäljare Daniel-Henry Kahnweiler av en verk skapades av Lucas Cranach den yngre.
Picasso ”David och Batseba”, litografi (1947) Nationalmuseum, Stockholm
Cranach den äldre ”David och Batseba” (1526) painting ob beech wood, 38,8 x 25,6 cm Gemäldegalerie, Dresden
Picasso beundrade hos Cranach hans arkaisk stil, trots renässansartade lösningar. När man kollar närmare på original upptäcker man hur Picasso byggde upp sin komposition och gradvis förandrades. Arkitektur är fortfarande viktigt för figurernas placering.
En annan versionen från 1534, oil on lime, 38,8 x 25,6 cm/ Sothebys
En vacker detalj för modeälskare!
1949 utförde Picasso ”En ung flicka” i litografi efter Cranachs brudporträtt från 1526 av den 14-åriga saxonska prinsessan Sibylla av Cleve. Porträtten framställer fortfarande en ung kvinna men är överdriven i det ornamentala detaljer.
Picasso ”Ung flicka”(1949) Litografi Bibliotheque National, Paris
”Sibylla av Kleve”(1526) mixed technique på bok, 57 x 39 cm Schlossmuseum, Weimar
”Venus och Amor”
Redan 1942 hade Picasso gjort en tuschteckning i stort format efter Cranachs träsnitt av samma ämne (från 1509). 1949 återkommer han till temat i en serie där målningen ”Venus och Amor” interpreteras på nytt. Första variant är mer kubistiskt för att sedan blir det mer figurativ.
”Venus och Amor som honnungstjuv” (1949)
”Venus och Amor- honungstjuv”(1534) oil on panel, 49,5 x 34 cm Bayerisches Museum
”Venus och Amor som honungstjuv” (ca.1537) oil on lime, 174,5 x 65,5 cm Gemäldegalerie
Cranach ”Amor klagar till Venus ”(ca.1525) oil on panel, 81,3 x 54,6 cm Natioanal Gallery, London
1949
1949
Pablo Picasso var en produktiv och outtröttlig konstnär, påverkade konstvärlden med enastående format. Inspirerad av afrikansk, iberisk konst och världen runt honom, bidrog Picasso avsevärt till ett antal konstnärliga rörelser, som kubismen, surrealismen, nyklassicismen och expressionism. Picassos verk lista innehåller över 20 000 målningar, tryck, ritningar, skulpturer, keramik och kostymdesign. Hans inspirationer av Cranach bekräftar bara att i konsten finns inga, absolut inga gränser!
KÄLLOR:
”Cranach och den tyska renässansen”, Nationalmuseum (1988)
Francisco de Zurbarán var en spansk målare, särskilt känd för sina skildringar av munkar, nunnor och martyrer. Francisco föddes i Fuente de Cantos i Extremadura år 1598. Som barn gillade han att rita i träkol och vid 16 års ålder skickade hans far honom till Sevilla för att utbilda honom som konstnär. Först lärde sig den unge Francisco vid Juan de Roelas-skolan i sin hemstad, senare kom han till verkstaden hos Pedro Díaz de Villanueva. 1617 blev han utbildad målare, gifte sig och fick tre barn.
”Sankta Dorotea” (ca.1648) olja på duk, 180,2 x 101,5 cm Sothebys
1622 var Zurbarán så erkänd konstnär att han anlitades för att måla en altartavla till sin stad. Hans stil präglas av Caravaggios manér, framför allt hans chiaroscuro, en form av konst som kännetecknas av starka och djärva kontraster mellan ljus och mörker, vilket påverkade hela kompositionen.
Första viktiga verk
Zurbarán var känd som en målare av storskaliga religiösa tavlor, mycket efterfrågade för kyrkor och kloster i hela Spanien och den nya världen. Hans färgpalett var begränsad och hans kompositioner strikt enkla. Kombinationen av detalj och stark belysning ger hela målningen en intensiv, nästan mystisk närvaro. Nu är det dags att utforska Francisco de Zurbarán närmare!
”Kristus på korset” (1627) var så beundrat av hans samtida att Sevillas kommunalråd övertalade Zurbaran att etablera bostad och ateljé i denna spanska staden. Kristus är spikad vid grovt träkors, den ljusa vita duken som draperas runt midjan står i kontrast till den välformade kroppen. Det outhärdliga lidandet gör plats för den sista önskan- uppståndelse. Zurbaran visar detta visuellt, på ett genialt sätt!
”Cristo en la Cruz” (1627) olja på duk, 290 x 168 cm Institute of Art, Chicago
För jämförelse visar jag Diegos Velazquez verk om samma motiven:
1628 undertecknade Zurbaran ett nytt uppdrag till klostret Nuestra Señora de la Merced Calzada. Han målade till salen De profundis målningen av San Serapio (en av martyrerna, som dog 1240 efter att ha torterats, troligen av saracenska pirater).
”Sankt Serapion” (1628) olja på duk, 120 x 103 cm kolektion Woldsworth Atheneum, Connecticut
Mercedarians kloster var en riddarorden som grundades i Barcelona 1218 av Peter Nolasco (1182/89-1256/59). Munkarna praktiserade de traditionella löftena om kyskhet, fattigdom och lydnad. Huvudsyftet med denna religiösa församling var att befria kristna slavar från muslimska händer. Konvent hade två grenar: prästerskap och riddare. Bröderna-riddare hade ett separat löfte att slåss mot morer för att befria hela Spanien från deras händer.
”Fra Pedro Machado” (1630-34) olja på duk, 193 x 122 cm Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. Madrid
1626 nästa stora uppdrag var ett kontrakt med en dominikanorden San Pablo el Real i Sevilla. Zurbarán producerade 21 målningar på bara åtta månader. Fjorton av verk skildrade Sankt Dominikus liv, de andra representerade Sankt Bonaventura, Sankt Thomas av Aquino
”Sankt Bonaventuras begravning”(1629-30) olja på duk, 245 x 220 cm Louvre, Paris
”Apoteos av Thomas av Aquino” (1631) olja på duk, 475 x 375 cm Zurbarán fick i uppdrag att måla denna apoteos och fick exakta instruktioner om dess utförande: verkets dimensioner, positionering, karaktärer etc. Den enorma duken placerades i Colegio de Santo Tomás de Sevilla. Denna skola har utbildat framtidens läkare, så ämnet är inget annat än en upphöjning av kollegiets och dess munks arbete.
1630 utnämndes Francesco Zurbaran till hovmålare för kungen Filip IV. Uppdraget var att utsmycka det nya kungliga palatset, Buen Retiro i Madrid med en svit målningar, som bland annat Herkules stordåd (1642)
”Hercules kämpar med Lernas hydra” (1634) olja på duk, 136 x 167 cm Prado
”Försvaret av Cádiz mot engelsmännen” (1634) Museo del Prado
Från 1628 till 1640 arbetade han på ett större antal målningar för Hieronymusklostret i Guadalupe
”Sankt Hieronymus frestelser”
”Bröder Juan de Carrions farväll ” (1637-40) Guadalupekloster
1634 första resa till Madrid, Zurbaran träffade sin vän Diego Velazquez och beundrade verk av italienska konstnärer som Guido Reni
1635 stannade konstnären igen i Sevilla och började ett framgångsrikt decennium
1636 en stor serie bilder av heliga kvinnor. Zurbaran skapade de för olika religiösa institutioner. Han framställer vanligtvis unga och mycket eleganta kvinnliga karaktärer, fyllda med skönhet och fred, utan tecken på smärta eller lidande. Målningarna kritiserades som för mycket pompösa och utsmyckade. De heliga såg ut som vanliga andalusiska damer! Zurbarán försvarade sig mot kritik och argumenterade att de vackra klänningarna gav karaktärernas realism och stärkte de troendes tillbedjan!
”St. Cassilda”(ca. 1630) olja på duk,171 x 107 cm Museum Thyssen- Bornemisza
”Sankt. Isabel de Portugal” (ca.1635) olja på duk, 184 x 98 cm Prado
”Sankt Apolonia” (1636) olja på duk, 113 x 66 cm Louvre
”Sankt Ursula”(1636) Musei di Strada Nuova, Genua
”St. Margareta i fårdräkt”(1630-34) olja på duk, 194 x 112 cm National Gallery, London Hon avbildades i en bondeklänning från Andalusien. Den färgglada väskan står i kontrast till den mörkblå jackan.
” Abbot Hugo av Cluny i kartusianernas refektorium” (ca.1633-35) olja på duk, 262 x 307 cm Museo de Bellas Artes, Sevilla
St. Hugo vördas som helgon i den romersk-katolska kyrkan. Zurbaran avbildade kartusianer i sina vita dräkter, framför varje munk är en skål med kött och bitar av bröd. Den enorma stor tavla visar upp Bruno av Köln, som grundade konvent i 1084 och de sex andra medlemmar
1639 Zurbaran målade också en serie målningar för kyrkor till spanska kolonier i Amerika och exporterade dem genom sin hustrus familj, bosatt i Peru. Men han hade problem med att få betalt för sitt jobb.
Francisco de Zurbaran avbildade ofta ”Poverello” från Assisi, St. Franciskus ett av de mest Kristus-lika helgonen:
”Den helige Franciskus i bön”(1635-39) olja på duk, 152 x 99 cm National Gallery, London De flesta av ”franciskanerna” runt om i världen målades av Zurbarán kommer också från denna period, framställda på knä, stående eller i extasen.
”St.Franciskus av Assisi enligt påven Nicholas vision”(ca. 1640) olja på duk, 110 x 180,5 cm Museum Nacional d’Art de Catalunya, Barcelona
”St. Franciskus in meditation”(1639) National Gallery, London
Målningen representerar den tridentinska ikonografiska linjen, -en asketisk inställning -mystisk kontemplation. Helgonet håller en skalle nära bröstet, en traditionell symbol för askes. Franciskus mediterar över döden. Hans klänning är rivd på ärmen för att visa hans fattigdom. Bakgrunden är slät och mörk, vilket ökar målningens intensitet.
”Agnus Dei eller Guds lam” (ca.1635-40) olja på duk, 38 x 62 cm Prado
Zurbarans hela verk skapades i tjänst för kyrkan och motreformationen. Religiösa scener bekräftade den katolska kyrkans position. Nya ikonografiska regler visade helgonen mediterande i naturlig storlek för att närma de oss och samtidigt fånga tillbaka folket till kyrkans makt!
”Veronikas svetteduk” (1650) olja på duk, 70 x 51, 5 cm Nationalmuseum, Stockholm Zurbaran avbildade svetteduken i dramatisk sidbelysning och med en hyper-realism som väckte respekt hos betraktaren.
Zurbaráns sätt att arbeta är en av de mest intressanta, och det verkar som att målaren självporträtterade sig i figuren av Sankt Lukas. Konstnären fortsätter med en mörk naturalism, och scenen är mycket realistisk. Det starka ljuset från vänster skapar kontraster mellan områden med ljus och skugga, precis som arvet efter Caravaggio.
”St. Lukas som målar korsfästelsen” (c.1650) även känd som korsfästelsen med heliga Lukas olja på duk, 105 x 84 cm Prado
Detalj Sankt Lucas eller Francesco Zurbaran med paletten.
Sista men inte minst är Zurbarans stillebenmåleri – lugna, välbyggda kompositioner med utmärkt återspegling av material. Han utförde några av sina bästa ”nature morte”-tavlor.
”Stilleben med frukter och en rosa” (1633) The Norton Simon Foundation, Los Angeles
”Bodegon con cacharros”(1633) Pradomuseet
”Bodegones” imponerar med sin originalitet, där föremål målade av Zurbaran arrangeras ceremoniellt. Objekten är placerade på samma plan och bildar ett galleri av former, storlekar och olika material. Zurbaran arbetade noggrant med att få fram ljuset som passerade genom porslin, lervaser och till slut den kalla metallen.
Jag har skrivit om bodegones i januari 2020 (inlägg). Låt mig citera:
”Zurbarans stilleben är enkla och visar respekt till vardagliga frågor. Här finns ordning, varje objekt har sitt plats och inget är viktigare än den andra. En religiös symbolik är tydlig. Tre grupper av föremål anordnades i asketisk ordning kan symbolisera den heliga treenigheten. Bildkompositionen är mycket minimalistisk, man vill stanna längre och kontemplera…”
Det var först 1658, sent i Zurbaráns liv, som han flyttade till Madrid för att söka arbete och återuppta kontakten med Velázquez. Det populära ryktet om att Zurbarán dog i fattigdom var falskt. Vid hans död var värdet på hans tillgångar cirka 20 000 reales. Hans hus i Fuente de Cantos har blivit ett museum och väcker fortfarande stort intresse bland turister.
Fabio Hurtado är en spansk contemporary konstnär, känd för sina intima verk som visar det feminina universum i ett urbant omgivning.
Hans konstvärld flyttades i tiden till den industriella moderniteten, till 1920-talet. Hurtado föddes 1960 i Madrid av italiensk mor och spansk far. Han pluggade på Universidad Complutense de Madrid, 1984 tog examen och etablerade sin första ateljé.
För 100 år sedan var Paris och Italien som konstnärens inspirationskälla. Idag tar man Asien, USA istället. Så här gjorde faktiskt Fabio Hurtado. Och en genombrott. I flera år kombinerade han sitt lärararbete med kreativ produktion för att uppnå ett internationalt nivå. Under sin karriär har Hurtado fått viktiga priser och utmärkelser:
1995 fick han Spaniens hedersmedalj som tilldelats honom samt till ytterligare nio konstnärer
samma år antas Hurtado till den akademiska senaten vid Akademi för Modern Konst i Rom
1998 valdes en av hans målningar till omslaget ”Financial Times Telecoms World”
1999 förvärvar Ulster Museum Hurtados några verk
2004 utnämndes hans sex tavlor för att illustrera en filatelisk serie ”Kvinnor och läsning”, utgivna av Correos de Espana för att förbättra den kulturella integration av kvinnor i detta land
Fabio Hurtados namn har inkluderats i flera ordböcker och referensböcker om spansk konst
”Mi rincón favorito” (1997) óleo 146 x 97 cm”El apartamento” (1997)”Día de regatas” (1995) óleo, 114 x 195 cm”Paseo en barca” (1995) óleo 81 x 130 cm” Las Mil Millas” (1997) óleo 130 x 195 cm” Isabel” (1997) óleo 97 x 146 cm ”Día de viento” (1994) óleo 81 x 130 cm
2000-2005
Solitude (1999) óleo 89 x 146 cm”Mi casa de campo”(2003) 114×146 cm”Ruta 66″(2003) 130 x 195 cm”Una noche Cotton Club”(2003) olja 89 x 116 cm”Siesta”(2001) olja 65 x 100 cm”Bus stop”(2000) olja 146 x 87 cm”La conquista del aire” (2008) óleo 100 x 162 cm”Un Viaje en Toscana” 114 x 81 cm, oil on canvas”The Big Crossing” 150 x 150 cm, oil on canvas”El expreso del norte” 45 x 36 cm”Hotel Flamingo”
Det finns en underförstådd interaktion mellan åskådaren, målningarna och konstnären som uppmuntrar betraktare att använda sin fantasi för att avslöja och delta i verkets berättelse. Hurtados stil är allvarlig och produceras på ett uppmärksamt sätt, där fantasi och teknik är i harmoni. Vi är tillbaka i den 1920-30-talets världen, innan andra världskrigets hemska händelser, innan Francos diktatur och tuffa tider för Spanien.
Fabio Hurtados konst berättar om den tidlösa oföränderliga verkligheten i det mänskliga tillståndet.
”La seductora” ”La Haima”Work in progress!
Hans målningar finns i de permanenta samlingarna på :
KONSTSPEGEL 