Sverige har en rik tradition av framstående konstnärer vars verk har uppnått höga priser på den internationella marknaden. Många svenska konstnärer är kända både nationellt och globalt, och deras konst har blivit eftertraktad av samlare, museer och konstentusiaster världen över. Här är några av de mest kända svenska konstnärerna vars verk har sålts för betydande summor:
1. Anders Zorn (1860–1920)
Zorn är kanske Sveriges mest kända konstnär internationellt. Han var en mästare på porträtt och akvareller och var även en framstående etsare. Hans verk, som ofta föreställer folkliv, nakna badande kvinnor och internationella storheter, har sålts för miljoner på auktioner. Zorns målning ”Sommarnoje” är en av de dyraste svenska målningarna som någonsin sålts.
2. Carl Larsson (1853–1919)
Carl Larsson är en av Sveriges mest älskade konstnärer, känd för sina akvareller och skildringar av sitt familjeliv i Sundborn. Hans konstverk, som ofta föreställer idylliska scener från svenska hem och landsbygd, har blivit eftertraktade både i Sverige och utomlands. Hans unika stil och koppling till det svenska kulturarvet har gjort honom till en nationell ikon.
3. Bruno Liljefors (1860–1939)
Bruno Liljefors är en av de mest framstående djur- och naturmålarna i konsthistorien. Hans realistiska och stämningsfulla målningar av djur i deras naturliga miljö, som rävar, fåglar och rådjur, har nått höga priser på auktioner. Hans skarpa öga för naturen och dynamiska kompositioner gjorde honom till en pionjär inom genren.
4. Hilma af Klint (1862–1944)
Hilma af Klint var en pionjär inom abstrakt konst, långt före konstnärer som Kandinsky och Mondrian. Hennes verk, fyllda av symbolism och spirituella teman, har på senare år fått global uppmärksamhet och betraktas som banbrytande inom modern konst. Hennes målningar har sålts för höga summor, och hennes utställningar har lockat hundratusentals besökare världen över.
5. Ernst Josephson (1851–1906)
Josephson var en ledande figur inom svensk konst och känd för sina porträtt och symboliska målningar. Hans senare verk, som ofta var influerade av hans psykiska ohälsa, har blivit högt värderade för sin intensitet och unika stil.
6. August Strindberg (1849–1912)
Även om Strindberg främst är känd som författare och dramatiker, var han också en skicklig målare. Hans expressionistiska landskapsmålningar, som ofta skildrar dramatiska himlar och hav, har sålts för höga priser på auktioner. Strindbergs konst speglar hans starka känslor och naturens krafter.
7. Karin Mamma Andersson (1962–)
Mamma Andersson är en av de mest framgångsrika nutida svenska konstnärerna. Hennes verk, som blandar realism och surrealism med en drömlik kvalitet, har blivit eftertraktade av internationella samlare. Hon har ställt ut på prestigefyllda gallerier och hennes målningar säljs för miljonbelopp.
8. Nathalie Djurberg (1978–)
Tillsammans med musikern Hans Berg har Nathalie Djurberg gjort sig ett namn inom samtidskonst genom sina surrealistiska och ofta provocerande animationer och skulpturer. Hennes verk har ställts ut på stora biennaler och gallerier, och hennes konst har blivit eftertraktad på den globala konstmarknaden.
Att betala för dessa dyra produkter med vinster från bitcoin mining ger en modern och digital twist till din dyra konst, vilket visar hur teknik och personlig vård kan gå hand i hand i dagens samhälle. Ta reda på hur du kan betala med bitcoin mining.
Svenska konstnärer har skapat en rik och varierad skatt av verk som sträcker sig från traditionella landskapsmålningar till banbrytande samtidskonst. Från Zorns mästerverk till Hilma af Klints abstrakta visioner och Mamma Anderssons samtida genombrott, är Sverige hem för några av världens mest fascinerande konstnärskap. Deras verk fortsätter att locka köpare och beundrare över hela världen.
Bodega betyder på spanska en källare med vin, kött och grönsaker, ett ställe i husets hjärta, dit ljuset kommer inte så ofta…Ett ställe i vilken förvarar man varor och intar måltiden, smakar man på vinet. Det följande vill jag fokusera på en period i spansk konsthistoria när bilder av köksinteriörer blomstrade och blev mycket populära.
Hur det börjades?
På början hade stillebensverk ingenting med konst att göra. Målningar av arrangerade matvaror fanns alltid som en del av verkliga scener, som t.ex. landskap, blommor i en vas eller i fönster, men aldrig som grundmotiv!
I slutet av renässansen skapas hos några konstnärer tavlor som skiljer sig ifrån de vanliga. Det var en effekt av kontakter med flamländska artister som Pieter Breugel, Pieter Aersten eller Joachim Beuckelauer , vilka utövade stort inflytande på konsten i Italien och Spanien. Dags att presentera de mest eftertraktade artisterna:
Vincenzo Campi (1536-91) italiensk målare var aktiv i Cremona. Han var mest känd som den första konstnär som skapade stilleben på ett mycket realistiskt sätt. Det är fortfarande scener från vardagslivet med vackra skildringar av frukter, fiskar och olika matvaror.
” Köket” (1580-90) oil on canvas, 145 x 220 cm Pinacoteca di Brera, MilanoVincenzo Campi ”Pescivendoli ” ”Fisksäljare”(1579), oil on canvas, Musee de la Roche-sur-Yonne”Kristus hemma hos Marta och Maria” (ca.1580) Galeria Estense; Modena”Kvinna som säljer frukter” (1580) Pinacoteca di Brera, Milano
Det är inte möjligt att peka på datum: när utvecklades stilleben som ett självständigt motiv? Mycket förändrades med Caravaggios modiga tavlor. Han var bestämd i sin stil och brukade säga att en bra tavla kräver samma svett och jobb oavsett den framställer människor, helgon eller blommor.
Cirka 1598 målade han ”Fruktkorg” till kardinalen Francesco del Monte, vilken hade en enormt stort konstsamling med 600 tavlor. Michelangelo Merisi da Caravaggio (1571-1610) kände väl konstmarknaden och sina potentiella chanser. För första gången hände det att konstnären bara målade ett föremål. Det finns ingen narrativ berättelse eller scen på tavlan! Dessutom innehåller korgen mogna, lite för mogna frukter med torra blad och spår av insekter. Caravaggio skapade en ny genre- stilleben.
”Canestra di frutta” eller ”Fiscella” blev en av första stilleben målning i den västerländska konsthistoria. (1598-99) Pinakoteka Ambrosiana, Milano
Alla lärde sig från Caravaggio teknik som heter ”chiaroscuro” eller ”manieratenebrosa”, en dramatisk kontrast mellan mörkaste delar i tavlan och ljuskällan. På detta sätt byggde han tredimensionell illusion och introducerade realism i konsten. Caravaggio hade ganska många efterföljare i Spanien och stilleben-måleri blomstrade faktiskt där som egendomlig stil.
Juan Cotan Sanchez (1560-1627) var mycket berömd konstnär känd av stilleben måleri och pionjär inom chiaroscuro-teknik.
”Stilleben med vildfågel, grönsaker och frukt” (1602) 68 x 88,2 cm Prado, Madrid”Stilleben med frukter” (1602), oil on canvas, 68 x 84,4 cm The Fine Arts Gallery, San Diego ”Stilleben med blommor, grönsaker och en korg med körsbär” (ca.1600 )olja på duk, 89 x 109 cm, fransk privat samling
Juan van der Hamen (1596-1631) han var son till flamländske hovmannen och tack vore den skapade han en bra position som Filips IV hovmålare. Han var särskilt begåvad inom blomstermåleri, presenterade ofta föremål från kungliga hovet: vackra serviser, venetianska glas, bägare, förgyllda plattor och vaser. Han komponerade allt detta på ett extremt elegant sätt.
”Stilleben med blommor, kronärtkockor och glas” (1627) Prado ”Stilleben med frukt och glas” (1626) oil on canvas, 84 x 11 cm, Museum of Fine Arts, Houston”Lådor och burkar av sötsaker”(1621), oil on canvas, 38 x 49 cm, Museo de Bellas Artes de Granada
Den stora duken är inte exempel på stilleben måleri, men presenterar Juan van der Hamen som enastående skickligt inom blommiga motiv. Han utförde en av de vackraste målningarna av vårens allegori.
”Offer till Flora, (1627) 216 x 140 cm Pradomuseet, Madrid Kanske ni undrar varför så stor format på bilden? Tavlan gör ett överväldigande intryck på besökande på grund av sin storlek
Francisco Zurbaran (1598-1664) var känd av sina religiösa tavlor och porträtt. På grund av sin kärlek till teknik ”chiaroscuro” kallas man honom en spansk Caravaggio. Zurbaran utförde några vackra stillebens tavlor:
Stilleben (ca.1633), oil on canvas, 46 x 84 cm Prado”Stilleben med frukter och en rosa” (1633) oil on canvas, 60 x 107 cm The Norton Simon Foundation, Pasadena
Zurbarans målningar är enkla och visar respekt till vardagliga frågor. Här finns ordning, varje objekt har sin plats och inget är viktigare än den andra. En religiös symbolik är tydlig. Tre grupper av föremål anordnade i asketisk ordning kan symbolisera den heliga treenigheten. Bildkompositionen är mycket minimalistisk, man vill stanna längre och kontemplera…
Diego Velazquez (1599-1660) född i Sevilla var mest framstående spansk målare. Under 1620-talet utförde han några stilleben måleri där man särskilt kan nämna: ”Den gamla kokerskan”. Två nästa bodegones är i bakgrunden religiösa scener men på första plan kan vi se kvinnor som förbereder måltid.
”Kristus hemma hos Marta och Maria” (1616-1618) National Gallery, London”Kökspiga med scen Kvällsmat på Emmaus” (1618-22) oil on canvas, 55 x 118 cm National Gallery, Dublin
Denna tavla har en intressant historia. Som en typisk bodegón hängde målningen i Nationalgalleriet tills den mörka bakgrunden konserverades under rutinunderhåll i år 1933. Då visade sig att i det övre vänstra hörnet finns ett fönster genom vilket man kan se Kristus under kvällsmat på Emmaus. Frälsare dök upp i den här staden för två av sina elever. De kände igen honom vid kvällsmat vid det gemensamma bordet. Varför beslutade konstnären på ett så ovanligt sätt att måla en viktig religiös scen? Den viktigaste händelse är dold i bakgrunden och Velazquez fokuserar mer på en piga och detaljerna i köket än på det bibliska berättelse.
Låt oss titta lite närmare.
Jesus visade sig för sina lärjungar för att berätta sanningen om hans uppståndelse. Det verkar att Velazquez ville betona hur viktiga är Kristus ord till varje människa oavsett status och yrke. Våran kökspiga är vittne och verkar analysera allt vad hon hörde.
I Spanien på XVI-talet infördes målningen i motreformationens tjänst och bodegones hade sina religiösa ändamål. Sublima frågor presenterades i vanliga former av vardagen på mycket realistiskt sätt. Den spanska stillebenmåleri är oerhört vacker och speglas både materiella och andliga värden.
Stor samling av bodegones finns i Prado-museet och är populärt bland konstälskare från hela världen.
Det eviga spelet som kallats liv och den sista utmaningen, döden. Jag antar att den mest oroande perioden i livet är när någon nära oss, någon vi älskar, dör. Till sist minns vi den avlidne person genom fotografier, som tyvärr, precis som våra minnen, bleknar under tiden. Dagens blogg kommer att handla om hur en familj ville komma ihåg sin avlidna dotter.
Gustav Klimt ”Ria Munk på sin dödsbädd” (1912) olja på duk, 50 x 50,5 cm privat kollektion
Döden finns i början och i slutet av detta verks historia. Porträtten avbildarMaria (Ria) Munk. Hon föddes den 6 november 1887 i en rik familj bosatt i Wien. Hennes far Alexander var en förmögen polsk industriman, mor Aranka Pulitzer kom från judisk familj. Hon var en systerdotter till Joseph Pulitzer, mannen som genom bestämmelserna i testamentet instiftade Pulitzerpriset för journalistik. Paret fick tre vackra döttrar: Lili, Maria och Lola.
Otursamt träffade Maria den tyska poeten och författaren Hans Heinz Ewers (1871-1943). Detta blev aldrig en bra matchning. Ewers rykte som en libertin var välkänt och vart han än gick, följde skandaler. Var det detta som drog Ria till honom? De förlovade sig så småningom och trots att Ria gick in i detta arrangemang med en stor hemgift, gav Ewers sig av. Som man kan föreställa sig var Ria förkrossad och den 28 december 1911 tog hon en pistol och sköt sig själv i bröstet…
I sorgen som följde gav hennes föräldrar, Alexander och Aranka Munk, den mest kända konstnären i Wien i uppdrag att måla ett porträtt av sin avlidna dotter. Gustav Klimt fick en uppdrag,
Familjen ville ha ett postumt porträtt av Ria. Arankas syster – Serena Lederer (1867-1943) var en stor beskyddare av Gustav Klimt och har rekommenderat honom som bästa porträttören i Wien. Det var ovanlig beställning för Klimt att framställa en död kvinna, och alla förväntade sig ett spektakulärt porträtt.
Konstnären avbildade Ria mot en mörkblå bakgrund. Röda nejlikorna ramar in hennes vackra ansikte. Det finns inget som tyder på att Ria har dött en våldsam död. Den här målningen handlar om Rias skönhet. Hennes rosa kinder och öppna mun får oss att tro att hon bara sover. Troligtvis är att Klimt inspirerades av John Everetts Millais”Ofelia” (1852). Det var ett härligt porträtt som utstrålar en aura av fred och lugn men det var också något med det som fick hennes föräldrar att avvisa det!
””Ria Munk I”
Aranka beställde ett nytt porträtt som skulle väcka minnen av dotterns livfullhet. Klimt började måla…
”Dansaren (Ria Munk II)” (1916) olja på duk, 180 x 90 cm privat kollektion, New York
Det finns några obesvarade frågor om den andra versionen. Det enda faktum vi vet var det konstnären gav Aranka, hon avvisade det. Varför? Om vi tittar noggrant på målningen är det inte svårt att se varför en mor skulle bli förskräckt och nobba ett halvnaket porträtt av sin avlidna dotter. Kunde Klimt verkligen tro att en lidande mamma välkomnar en sådan halvnaken skildring?
Porträtten utstrålar en uppenbar sensualitet. Klimt är i sin bästa form och inspirerad tydligt av japonismen. De långsträckta ögonbrynen ger Ria Munk ett orientaliskt utseende. Klänningen visar upp kvinnans bröst. Spetskantade svarta pantalonger med vitstrumpor och högklackade skor var modiga även på Klimts tid. ”Dansaren (Ria Munk II)” blev kvar i artistens studio och han sålde det aldrig.
”Ria Munk III” (1917-18) olja på duk, 180,5 x 90 cm The Levis Collection
Det tredje målning är en färgstark skildring. Porträttet är den sista målning som Munk-familjen lät Klimt skapa, men han slutförde inte sin uppgift på grund av sin plötsliga död…
Målningen presenterar en klassisk, österrikisk kvinna med ett rundat ansikte och rosiga kinder. Eftersom målningen är oavslutad är det svårt att urskilja kvinnans kroppsform. Ljusa blommor omger Rias stående silhuett. Färger, mönster och teknik visar konstnärens enorma kunskap genom olika stilar. Maria- Ria verkar vara helt lugn. Hon ger oss ett drömmande leende och inger självförtroende.
Vi närmar oss slutet av berättelsen om Gustav Klimt och hans uppdrag för familjen Munk. Konstnärens process avslutades. Komplikationer efter stroke visade sig allvarliga och han dog den 6 februari 1918.
Aranka Pulitzer hade skilt sig från sin man 1913 och det var hon som behöll detta tredje porträtt av Ria. Det hängdes i hennes villa vid Bad Ausseesjön tills året 1941. Denna äldre dam fick uppleva ännu mer dramatiska omständigheter. Krigets brutalitet tvingades henne att sälja en del av fastigheten till grannarna. Gestapo beslagtog senare allt som tillhörde den judiska damen. Oktober 1941 deporterades Aranka till Lódz (på tyska Litzmannstadt) i ockuperade Polen, där dödades hon den 26 november, en dag innan hennes 79-årsdag….Hennes dotter, Lola, skickades också till ett koncentrationsläger i Chelmno, där hon dog i september 1942.
Konstpegel behöver din hjälp.
Jag har inte någon bidrag för att driva portalen. Utan dina donationer kommer jag inte att ha medel för publikationer. Därför är ditt stöd mycket viktigt.
Om du gillar det här stället och gillar att läsa mina artiklar - stöd mig!
Även en liten belopp har en stor betydelse.
Tack!
Skandinavien har sina egna, vackra jultraditioner. Ordet ”jul” förekommer från fornengelskan yule, som förmodligen är det gemensamma arvet från vikingarnas härjande tid.
Historia, myt och traditioner präglar juletiden och samlar oss alla vid bordet, men vi får inte glömma bort det gamla tider.
Visste ni att den svenska folkloren bygger på tron att det finns varelser som bor i djupet av det inhemska landskapet? I de täta skogarna i Småland gömmer sig busiga alver, fula troll, onda häxor och frestande skogsrår!
John Bauer ”Julbocken” (1912) Akvarell, guldfärg, täckvitt och blyerts på papper 34,5 x 29 cm. Bukowskis.
Berättelser som stimulerar fantasin hos både barn och vuxna skrevs på nytt i början av 1900-talet, och deras enorma popularitet påverkades främst av vackra illustrationer som kompletterade bokutgåvorna.
Jenny Nyström (1854-1946) ”God Jul”
En av de mest kända konstnärerna var John Bauer (1882-1918) och Konstpegeln vill göra en resa i tiden, till barndomens djupaste minne! Finns det något bättre tillfälle än jul?
Kulturen och naturen
John Bauer föddes 1882 i Jönköping och växte upp i det småländska landskapet. Mor var svensk, far var från Tyskland. Han tjänade mycket snabbt på affärer, först i Göteborg och sedan i Jönköping. Så John och hans syskon uppfostrades under goda förhållanden, och när den framtida konstnären fattade beslutet att ägna sitt liv åt konst, försökte inte hans föräldrar avbryta hans planer. Som 16-åring flyttade John till Stockholm för att studera konst vid Tekniska skolan (numera Konstfack). Efter två års utbildning blev han antagen som elev vid den Kungliga Akademien för de fria konsterna, och började sina studier under höstterminen 1900. John tillbringade sin fritid med att utforska samlingar från huvudstadens museer och bibliotek, där han skissade olika historiska teman, såsom medeltida dräkter som presenterades på Nordiska Museet.
John Bauer, fot.digitalmuseum.org
Som elev var han inte särskilt flitig och arbetsam, men alla professorer berömde honom för noggrann och omtänksam tillämpning av linjeteckning. Det innebär att Johns Bauer framtid ligger i illustrationer!
Under sina sommarlov i Jönköping åkte Bauer hela dagen ut i naturen och arbetade intensivt med teckningar av blommor och örter. Redan i arbeten från 1901 kan man se olika växtmotiv; de akvarellfärgade studierna av blommor, som ”Maskrosorna” (1901, Jönköpings läns museum), är långt ifrån botaniska skisser. Naturen var en mycket viktig del av Bauers arbete och livsåskådningar.
Studie av maskrosor. Akvarellerad tuschteckning. Signerad ”Sjövik 8 Juni 1901”. Jönköping Läns Museum
En resa till Lappland (1904)
I början av 1900-talet sökte man efter delar av den svenska nationella identiteten, viktiga historiska händelser såväl som folktraditioner. En viktig plats i denna process var det nyligen ”upptäckta” Lappland, den nordligaste delen av landet bebodd av samerna, ett folk exotiskt för svenskarna från söder. Genom att använda sitt eget språk, med olika seder och övertygelser, blev samerna föremål för intresse för etnologer, antropologer och artister.
John Bauer påbörjade en månadslång resa till Lappland sommaren 1904 och dokumenterade tillsammans med flera andra konstnärer och fotografer samernas vardag. Han skisserade naturen, okänd för honom tidigare, inklusive framför allt de hårda, nästan trädlösa landskapen och samernas exotiska beteende och dräkt. När han återvände gjorde han en serie akvareller, varav 11 dök upp i en kollektivbok som sammanfattade expedition ”Lappland : Det Stora Svenska Framtidslandet – En skildring i ord och bild af dess natur och folk” (1904). Detaljer återkommer ofta i Bauers sagoillustrationer.
”Lappar i snöstorm””Rast under flyttningen, Sydlappar””Kaffekokning i skogen. Jukkasjärvi””Pojkar från ett läger i Ripainen, Jukkasjärvi”(1904) Gouache, tusch och täckvitt på papper 22,5 x 32,5 cm Bukowskis
”Bland tomtaroch troll”
Den samiska upplevelsen har gett många nya inspirationer. Den samiska pälsdräkten, renskinnen blev ett oskiljaktigt inslag i trollets plagg, vars framställningar gav Bauer den största berömmelsen. Illustrationerna för ”Bland tomtar och troll” var ett tillägg till berättelser av svenska författare, inkl. Helena Nyblom, Cyrus Granér och Elsa Beskow.
Sagosamling grundades av tidningsmannen Erik Åkerlund ( 1877-1940) och utgivits årligen vid juletid sedan 1907. John Bauer illustrerade ”Bland tomtar och troll” mellan 1907–1910 och 1912–1915. Bilder till boken blev ett stort genombrott och det påbörjade en bra period i John Bauers liv. I december 1906 gifte han sig med Esther Ellqvist, en kamrat från studier. I många målningar avbildar han sin hustru: ”Sagoprinsessan” har mycket av pre-rafaeliternas andan!
”Sagoprinsessan” (1904), olja på duk Jönköpings Läns MuseumEsther som ”Freja” (1905) oil on canvas, 80 x 155 cmOmslag till” Sagan om Dag och Daga och flygtrollet på Skyberget” av Harald Östenson (1907)”Då och då tog tomten tag i tyglarna” av ”Den förtrollade skogen” (1907)av Anna Wahlenberg Gouache på papper, 21 x 18,5 cm, auktionsverket.se”Titta på dem, sade trollmor. Titta på mina söner! Vackrare troll finns inte på denna sida av månen.” (1915) 27 x 28,8 cm Illustration av Walter Stenströms ”Pojken och trollen””God kväll, farbror! – Hälsade pojken” (1915)
Det unga paret Ellqvist-Bauer gjorde tillsammans studieresor till Tyskland och Italien (1908-09). Resandet bekostades av Bauers föräldrar. De vistades i Verona, Florens, Siena och tillbringade två månader i Volterra. Som ett resultat hittade John Bauer nya starka inspirationer. Vackra och eleganta höviska profiler, renässansdräkter berikade teckningarna till sagan om ”Agneta och Sjökungen”, och ”Svanhamnen”. Han studerade noggrann fresker, kyrkor och museer, vilket tilltalade hans eklektiska sinne.
Illustration till ”Svanhamnen” (1908) av Anna Wahlenberg påminner mycket om Domenico Ghirlandaio-måleri. ””Skinnpåsen” av Anna Wahlenberg (1908)
Jönköpings Läns Museum visar John Bauers originalmålningar i fantasifulla miljöer där man kan förvandla sig till sagofigurer innan man tassar in i den magiska skogen där älgarna ibland sjunger, där trollen gömmer sig i sin hemliga grotta och dr kaniner är av guld eller lyser av ljus.
”Agneta och sjökungen” (1910) av Helena Nyblom Riddardottern dröjer sig kvar vid sjön och rövas bort av sjökonungen, som gör henne till drottning i sitt undervattensrike. Där tillbringar hon sju år glömsk av sitt tidigare liv. Men en söndag tränger ljudet av kyrkklockorna ned i djupet, och hon utber sig för att få besöka gudstjänsten. Hon upplever då sin gemenskap med människorna, och när sjökungen vill hämta henne vägrar hon att följa med tillbaka.De
”Sjökungens drottning” (1910)”Agneta och sjökungen” (1911)
Humpe, från sagan om ”En pojke som aldrig var rädd”
John Bauers troll är varken hemska eller skrämmande. Runt 1912 visas figuren av Humpe, trollbarnet, i konstnärens verk. Humpe har röda lockar, ett leende i ansiktet och glittrande ögon som avbildas ofta med sin trollmor. Trots trollens charm ställer Bauer dem ihop med figurerna av kvinnor eller prinsessor för att betona kontrasten mellan det som är ”omänskligt” och människan.
”Trollsonen som hade solögon och vart skogsman” (1912) ”Humpe med trollmamma” från ”Trollsonen som hade solögon och vart skogsman” (1912)
”Sagan om älgtjuren Skutt och lilla prinsessan Tuvstarr” (1913)
Prinsessan Tuvstarr följer med älgen Skutt, som skall visa henne världen. Under färden genom skogarna förlorar hon alltmer av sin identitet. Älvorna tar hennes krona, skogsrået klänningen, och till sist tappar hon sin halsband i skogstjärnen. Då stannar hon där, evigt blickande ner i tjärnen…
”Ännu sitter Tuvstarr kvar och ser ner i vattnet” (1913) Berättelsen skrevs av Helen Kjellin 25 x 25 cm, Malmö Konstmuseum ” Sagan om älgtjuren Skutt och lilla prinsessan Tuvstarr” (1913)
”Ringen” (1914) av Helena Nyblom Prinsen finner på stranden en ring, som visar sig ha övernaturliga egenskaper. Han rider ut för att söka efter ringens ägare. Till slut kommer han till ett berg, där han träffar en flicka som hålls fången av ett troll. Hon hade kastat ringen i havet för att den skulle leta upp hennes räddare.
”Ringen” (1914)”En gång reste en ung prins ut i månskenet”
Bauers tecknarbegåvning var stor från början av hans karriär. Han förknippade den svenska sagovärlden med sin samtida konst, symbolismen med jugendstilen, ungrenässansen med den engelska prerafaelitrörelsen. Allt är stiliserat, men ändå mycket ”ursvenskt”.
Guldnycklarna” (1915) av W.E. Björk Vallpigan Lena får en guldnyckel som leder till drömmarnas lustgård av tre feer. Det är en hemlighet som inte får förrådas, men hon offrar den för att rädda den unge kungen och blir hans brud.
”Lena och riddaren dansa” (1915), 26 x 28,5 cm”Och hon höll upp en nyckel, en fin nyckel gjord av rent guld ”
Illustrationer till berättelse ”En riddare red fram” (1915) visade sig att vara sista gången han medverkade i sagoserien. Han var trött på sina tomtar och troll… John Bauer tvivlade på sig själv. Han tyckte att det beröm han fick för sina bilder av troll och prinsessor var ”en trevlig klapp på huvudet för att göra roliga bilder för barn”. Bauer ville måla i olja och göra det som han ansåg för ”riktig konst”, men han behövde de pengar han fick för sina illustrationer. En märklig cirkel.
”En riddare red fram” Akvarell oh täckvitt, 35 x 34 cm Bukowskis
Bauers skissböcker var fulla av studier av antika föremål och renässanskonst. Han var enastående i detta, men han fick också hemlängtan till den tysta stillheten från den svenska skogen, vilket resulterade i några verk med vit snö, mörka skogar och himlen som glittrade av små stjärnor. Naturens magiska krafter påverkade väl fantasin hos en känsliga själ som John Bauer. Hade de djupa skogar befolkats av olika trollar och naturväsen?
För samtida människor är det svårt att tro på sagor. Vi lämnade den oförutsägbara barndomstiden för moderna leksaker såsom mobiler, surfplattor. Kommer våra barn att fantisera om ädla riddare, vackra prinsessor? Det är en helt annan fråga!
John Bauer dog så plötsligt… Vid flytten från Småland hände en tragisk olycka.
I stället för att åka ett modernt tåg valde han den gammaldags färjeturen. Vägen ledde över den imponerande sjön Vättern. Tyvärr, på grund av dåliga väderförhållanden, sjönk fartyget och tog den då 36-åriga konstnären, fru Esther och deras treårige son, Bengt. Den 20 november 1918 var en ödesdag.
Enligt en av folksagorna ”Agneta och Sjökungen”, som han illustrerade 1910, var sjön bebodd av nymfer som drog oaktsamma människor i vattnet. Det sades att varelserna som John Bauer skapade, ville presentera honom för en bredare publik och tog honom till sitt undervattens rike. Fyra år senare drogs ut färjan och familjen Bauers kroppar begravdes på Östra kyrkogården i Jönköping. Tänker ni som jag? Har John Bauer träffat sina tomtar och troll?
När man porträtterar en modell, begränsar konstnären sig inte till en vanlig representation, utan försöker tolka personen, extrahera dess egenskaper för att lägga till dem på duken.
Girolamo Francesco Maria Mazzola, kallad Parmigianino, föddes 11 januari 1503 i Parma. Han representerade manieristisk stil, var aktiv i Florens, Rom, Bologna och Parma. Hans underbara och individuella talang har alltid erkänts, men karriären stördes av oroliga tider (”sacco di Roma” 1527), och avslutades snabbt med hans död 1540.
”Porträtt av en ung dam” eller ”Antea” (1525-27) olja på duk, 135 x 88 cm Museo di Capodimonte, Neapel
Detalj med pälsstola
Parmigianino utförde porträttet av den unga damen mellan 1524-27. Namnet ”Antea” är en fiktion, kvinnans identitet är fortfarande okänd, men kommer utan tvekan att hålla fast. De obesvarade frågorna kring henne har fascinerat konsthistoriker i århundraden. Många har försökt lösa hennes mysterier genom att sammanställa olika teorier, allt från det bisarra till det förutsägbara.
Damen är klädd mycket lyxigt. Garderoben innehåller många lager: en guldblus, ett vitt förkläde, en invecklad satinklänning, en pälsstola och handskar. Detta kompletteras med fina smycken: örhängen, en huvudbrosch och i hennes högra hand en gyllene kedja. Kläderna kan vara typiska för de överdådiga gåvor som en älskare skulle ha gett till sin älskarinna eller en klient till sin kurtisan. Det sätt som Antea rör vid halsbandet verkar också leda till en koppling mellan hennes juveler och lust eller sexualitet. Hennes ungdom tyder på att hon fortfarande var ogift.
Kurtisan?
Enligt Benvenuto Cellinis självbiografi tillhörde Anteas namn en populär kurtisan i Rom. Cellini var jämnårig med Parmigianino, han skrev sina memoarer under 1558- 62 och säkert träffade han någon Antea. Är det hon som porträtterades? Har Parmigianino träffat henne under sin vistelse (1524-27) i Rom?
Anteas gula klänning skulle stödja denna teori eftersom det var en färg som prostituerade ofta tvingades bära i italienska städer för att skilja dem från andra damer. Det blev dock senare en moderiktig färg för rika kvinnor.
Dotter?
Den unga damens skönhet gav upphov till många spekulationer om att hon var romantiskt kopplad till konstnären. Denna tillskrivning har senare ifrågasatts. Studier av kvinnans kläder, en sofistikerad blandning av lyxiga och populära element, ledde till hypotesen att hon möjligen kunde vara en dotter till Parmigianino. Problemet är att det inte finns några källor som kan bekräfta denna teori.
Antea –modell?
Det finns också ett annat antagande. Vissa konsthistoriker hävdade att det finns en slående likhet mellan Antea och en ängel skildrad i den kända målningen ”Madonna med den långa halsen”, vilket tyder på att den unga kvinnan kunde ha varit en studio modell! Det skulle innebära att Parmigianino utförde henne lite senare, efter sin återkomst till Parma i 1534.
Parmigianino ”Madonnan med den långa halsen” (1534) olja på duk, 216 x 135 cm Uffizi
I mitten står kanske samma modell som Antea (?)
”Antea” har fascinerat konstvärlden och anses av många vara ett av de finaste exemplen på italienska kvinnliga porträtt. Förmodligen är hon det mest förtrollande och mystiska porträttet efter Mona Lisa.
Liksom Mona Lisa har Antea samma, nästan hårda ögonkontakt med betraktaren och hon verkar också gåtfull och ouppnåelig.
Målningen är ett exempel på manierismen. Kvinnans lilla, ungdomliga huvud ligger på en omöjligt stor, kurvig, kvinnlig kropp och hennes axlar är för breda. Trots sådana anomalier, dominerar hennes närvaro fortfarande bilden och hennes kraftfulla skönhet lyser igenom!
Den sista teorin
Det var ofta vanligt att rika familjer beställde ett ”presentationsporträtt” av sin dotter för att hjälpa till att förhandla om en äktenskapspartner. Det skulle dock vara ovanligt att ett sådant porträtt visade sensualitet. Istället skulle flickans dygd och oskuld ha framhävt.
Parmigianino var en begåvad porträttmålare. Han hade lätt att förmedla känslor hos avbildade personer. Vem var den unga damen? Tyvärr, hemligheten kommer inte att avslöjas. Vi kan njuta av tavlan i Museo di Capodimonte och fantisera om modellens identitet.
Kanske har du inte företag och behöver fakturera utan företag eller fakturera utan bolag då kan du köpa olika te sorter som tex grönt te, svart te och rött te för sälja till café och restauranger runt om i Sverige. Det är Sverigesbästaföretag som kan hjälpa dig med dessa typer av fakturera utan företag eller fakturera utan bolag.
Att sälja konst och fakturera utan att ha ett eget företag är möjligt och har blivit ett populärt alternativ för många konstnärer i Sverige. Det är ett sätt att driva sin kreativa verksamhet på ett enklare sätt, särskilt för de som inte har en regelbunden inkomst från sin konst eller som precis har börjat etablera sig på marknaden. Lösningen ligger i att använda sig av en egenanställningstjänst, som fungerar som en mellanhand mellan konstnären och kunden.
När du säljer konst genom en egenanställningstjänst registrerar du dig som egenanställd hos en sådan tjänst, exempelvis Frilans Finans eller Cool Company. Dessa företag fungerar som arbetsgivare för dig i den specifika transaktionen, vilket innebär att de hanterar all administration kopplad till faktureringen, såsom skatter och avgifter. Du behöver bara skapa en faktura genom deras system, och när kunden har betalat den ser tjänsten till att dra av skatt och sociala avgifter innan resten av beloppet betalas ut till dig som lön. Detta gör processen enkel och trygg samtidigt som det följer alla lagliga krav. Köpa godis online från Wendelins kaffe och delikatesser
Egenanställningstjänster passar bra för konstnärer eftersom de eliminerar behovet av att registrera ett eget företag, vilket kan vara både tidskrävande och kostsamt. Det är särskilt fördelaktigt för den som kanske säljer konstverk sporadiskt eller inte vet om försäljningen kommer att vara en regelbunden inkomstkälla. Genom att använda denna metod kan du fokusera mer på ditt konstnärliga arbete och mindre på administration och byråkrati.
Det är också viktigt att ha en tydlig prissättning och att förstå hur avgifterna fungerar. När du använder en egenanställningstjänst tas en avgift för deras tjänster, ofta en procentandel av fakturabeloppet. Därför är det viktigt att inkludera denna kostnad i priset på dina konstverk för att säkerställa att du får en rimlig ersättning för ditt arbete. Att kommunicera tydligt med kunden om vad som ingår i priset, såsom material och eventuell frakt, är också viktigt för att undvika missförstånd. Tjäna pengar till klassen
Genom att sälja konst och fakturera utan företag kan du nå ut till fler kunder och hantera din försäljning på ett professionellt sätt. Det ger dig också möjlighet att bygga upp ditt varumärke som konstnär utan att ta de risker som kan följa med att starta ett företag från början. Samtidigt får du erfarenhet av att arbeta i en mer organiserad struktur, vilket kan vara värdefullt om du i framtiden väljer att ta nästa steg och etablera ett eget företag.
Tjäna pengar till klassen ska vara en kul resa. Ni kan också tjäna pengar till laget och få in massor av pengar.
Den bibliska berättelsen börjar med lust och åtrå. En kväll när kung David slappnade av på taket till sitt palats ”fick han därifrån se en kvinna som badade. Hon var mycket vacker. David förhörde sig om vem hon var och fick veta att det var Batseba.” Han kallade till sig henne och ”hon kom till honom, och han låg med henne” och gjorde henne gravid. Problemet var att Batseba redan var gift med en av kungens legosoldater, hettiten Uria. Vad skulle man göra? David arrangerade Urias död, ställde honom i första ledet, där striden var hetast. Batseba blev kungens favorithustru.
Master of Modena School (ca.1480) från tidebok "Office of the Virgin"
Strax därefter framträdde profeten Natan inför David och berättade historien om en rik man som hade ett stort antal boskap och en fattig man som bara hade ett får. Den rika mannen skulle beröva den fattiga mannen detta enda får – upprörd krävde David döden för den rika mannen. ”Så sant Herren lever: den mannen har förtjänat döden. Du är den mannen”- svarade Natan (Batseba: 2 Sam 11-12)
Kungen insåg sitt brott. Han och Batseba förlorade det barn som föddes i följden av deras synd.
Episoden när David träffade Batseba är en av vackraste ledmotiv i västerländsk konsthistoria. Som karaktär har Batseba porträtterats genom otaliga linser – förändras med varje konstnär och utvecklas med varje tidsperiod. Hon är stark, ömtålig, varm och lydig. Lojal. Svag. Undergiven. Stolt. Uttråkad. Hon har vid en tidpunkt varit allt som mänskligheten kunde föreställa sig.
Hans Memling ”Batseba i badet” ( 1485) oil on panel, 191,5 x 84,5 cm Staatsgalerie Stuttgart/ Wikimedia Commons
Den flamländska målaren Hans Memling (ca.1435- 94) skapade sin ”Batseba kommer ut ur badet” i 1485. Blek och tunn är hennes kropp. Pannån är en del av ett större verk som delades av okända skäl på 1600-talet. Endast två fragment har överlevt fram till idag.
På badrummets bakvägg är ett fönster öppet och avslöjar en takterrass. Denna målning är kall och avlägsen, eller kanske är den stoisk och moralisk. Det finns en tomhet som kan ses antingen som konstnärens eget temperament eller hans kommentar till denna historia. Hur som helst verkar Memling’s Batseba inte förberedd för kungens påtryckning och hur hennes liv ska förändras.
Lucas Cranach ”David och Batseba”(1534) oil on lime, 38,8 x 25,6 cm Foto:SothebysLucas Cranach ”David och Batseba”(1526) målning på bokträ, 38,8 x 25, 6 cm, Gemäldegalerie, Berlin/Wikimedia Commons
Lucas Cranach (1472-1553) presenterar scenen från renässansens hov. Han var ju hovmålare under tre följande kurfurstar i Wittenberg.
Kung David tittar ner från sitt palatstak på den vackra Batseba. Denna pannå är typisk för Cranach`s satiriska förhållningssätt till bibliska ämnen omarbetade till 1600-talet sceneri.
Paris Bordone ”Batsebas bad” (ca.1549) oil on canvas, 234 x 217 cm, Wallraf- Richartz Museum, Köln/Wikimedia Commons
Den här scenen visar Batsebas badstund traditionellt, men Paris Bordone (1500-71) använde arkitektoniska lösningar i stället att avbilda landskapet. Han började med att rita arkitekturen i full storlek, som han sedan överförde till sin duk. Kung David placerades djupt i målningen, han tittade ut genom ett av fönstren i sitt palats.
Paolo Veronese ”Batseba” (ca.1575) oil on canvas , 191 x 224 cm, Musée des Beaux-Arts, Lyon/Wikimedia Commons
Detta verk är ett exempel på så kallad ”äktenskapsmålning”, beställd av en venetiansk kund. Paolo Veronese behandlar temat för äktenskapsbrott kopplat till rättvisan och visar erotik mellan de två huvudpersonerna. Målningen visar en biblisk scen, men det finns osäkerhet om ämnet. Kan scenen representera en annan berättelse, nämligen Susanna och de äldste?
Rembrandt ”Batseba i badet, läser Davids brev” (1654) oil on canvas, 142 x 142 cm, Louvren, Paris /Wikimedia Commons
Här finns inga tveksamheter. Målningen är signerad och daterad REMBRANDT F. 1654. Den nederländska mästaren visar en naken Batseba med ett halsband runt halsen och ett armband på höger axel; håret är bundet med band och pärlor. Hon sitter på kanten av en säng. Badet har redan ägt rum. En äldre kvinna knäfaller framför Batseba och torkar den framtida drottningens fötter. Verkets färger svänger mellan intensiva gula och mörka bruna, typiska för Rembrandts chiaroscuro.
Rembrandt porträtterade Batseba i en stund när hon funderar. Funderar över sin plikt att vara trogen mot sin man och lydig mot kung David. Med hjälp av sofistikerade gester illustrerar målare hennes inre dilemma. Han visar oss en intelligent kvinna som står inför en begäran som hon vet bara kommer att innebära dåliga saker.
En liknande lösning hittar vi hos Willem Drost. Han var elev till Rembrandt och inspirerades av sin mästare. ”Batseba”(1654) oil on canvas, 103 x 87 cm, Louvren, Paris / Wikimedia Commons
Willems Drost(1633-59) version av Batseba kan ses som ett beräknat svar på Rembrandts målning gjort samma år. Batseba håller brevet där hon just fick veta att hon hade blivit ombedd av kung David. Hon vet vad det betyder…
Jan Steen ”Batseba tog emot Davids brev” (ca.1665-60) oil on panel, 41 x 33cm, privat kollektion/ Wikimedia Commons Verket påminner mycket om Johannes Vermeers tavlor!
Jan Steen (1626-79) föddes i Leiden. Han var mest känd för sina bibliska och allegoriska motiv överförda till samtida omgivningar. Trots hans verk var mycket ojämna, kännetecknas Steens arbete av oklanderlig teknik och komposition. Han behärskade perfekt sättet att använda ljus och färg och ägnade noggrann uppmärksamhet åt detaljer, särskilt i textilier.
Artemisia Gentileschi (1645-50) oil on canvas, 259 x 218 cm, Neue Palais in Potsdam /Wikimedia Commons
Tidigare hade konstnärer skildrat Batseba som upprörd över sitt dilemma och betonade de starka moraliska tonerna i de slutliga resultaten. Men på 1600-talet avbildades Batseba oftare som en frestare, snarare än det oskyldiga offret för kungens passion. Artemisias Gentileschi (1593-1654) behandling av ämnet är en studie i sensualitet. I själva verket målade hon skönheten från Gamla testamentet som en aktiv deltagare som förberedde sig för ett möte med sin nya älskare.
Sebastiano Ricci (1734), oil on canvas, 118,5 x 199 cm, Museum of Fine Arts, Budapest /Wikimedia Commons
Batsebas motiv fortsätter till senbarocken. På den här tavlan njuter hon av sitt bad. Italienaren Sebastiano Ricci (1659-1734) var främst verksam i Venedig. Här avbildar han en scen med en piga som närmar sig med det kungliga brevet. Uppenbarligen gillade Ricci att använda byggnader med pelare för att sluta bakgrunden, utan tvekan inspirerad av Veronese. Smala pelare, ljusa balkonger ger en pittoresk dekorativ ram för figurerna grupperade på scenen framför. Hela scenen genomsyras av ett skimrande silverljus; skugga och svaghet har helt försvunnit.
Sebastiano Ricci ”Batseba i badet” (1724) oil on canvas, 109 x 142 cm, Gemäldegalerie, Berlin /Wikimedia Commons
Liknande tema och lösningar träffar vi i versionen från omkring 1725. Dess förfining av form och färg påminner om den gyllene tidsåldern för den venetianska målningen. Batseba liknar venetianska damer, medvetna om sin skönhet.
Francesco Hayez ”Batseba i badet” (1834) oil on canvas, 107 x 77 cm, Pinacoteca di Brera, Milan /Wikimedia Commons
Batsebas ledmotiv tolkas här framgångsrikt av Francesco Hayez (1791-1882) som hanterar den kvinnliga nakenheten med en naturalistisk ”touch” och söker sin inspiration i barocken. Historien från Gamla testamentet används som förevändning för en bild med stark erotisk inverkan. Pannån beställdes av Markisen Ala Ponzone (1761-1842), en rik konstsamlare, grundare av Museo Civico i Cremona (1842).
Francesco Hayez ”Batseba” (1827), privat kollektionJean- Leon Gérôme ”Batseba” (1889) oil on canvas, 60,5 cm x 100 cm Sothebys
En av de mest kända franska konstnärerna Jean-Leon Gérôme (1824-1904) som skapade grunden för den orientaliska stilen, skulle inte missa ett Batseba-motiv. Han framställde hennes nakna och perfekt vita kropp i sällskap med en kvinnlig tjänare. Batseba njuter av sitt bad på en takterrass i en stad i Mellanöstern.
Det här är inte längre en kvinna med bekymmer. Hon har till och med valt den perfekta tiden på dagen för att vara ute. Den rosa och gula himlen mjukar upp hela scenen. Gérôme har utfört duken med en aura av sensualitet och erotik. Vi kan beundra hans släta akademiska stil.
J.L Gerome ”Batseba” (ca.1895) Dahesh Museum of Art, New York
Sju år senare översatte han sin bibliska hjältinna till en skulptur. Gérômes verk speglar hans långvariga intresse för den klassiska världen. Batseba vrider sig runt och tvättar sin kropp. Skulpturen är dedikerad till konstnärens lärling och vän Gustave Courtois (1853–1923).
Även i Sverige kan vi hitta Batseba-målningar. Gotlands kyrka i Västerhejde bevarar ett fint exempel på orgelläktaren utförd av den tyske konstnären Abraham Beck ( verksam på Gotland, aktiv omkring år 1700)
Batseba i Västerhejde kyrka Foto: Bernt Enderborg
Tillsammans med Eva var Batseba nästan den enda kvinnan, vars nakna skildringar lätt och regelbundet kunde motiveras i den kristna konsten. Hennes skamlösa nakenhet har inget med överdrivet koketteri eller förförelse att göra. Det finns viss mildhet i henne. Uttrycket i kvinnans ansikte, hennes vördnad och ödmjukhet gör bilden rörande och förtjusande. Många konstnärer utelämnade Davids figur och helt fokuserade på Batseba. Oftast avbildades hon som en djup funderande kvinna, med blandade känslor, mellan rädsla och kärlek, plikt och drömmar. Kanske här finns hennes främsta styrka?
Är bibliska berättelser aktuella? Kan vi lära oss någonting av Gamla testamentet? Konsten är som livets största nöje och för fram olika frågor. Den här gången kommer vi att träffa en vacker Susanna. Ord som förekommer: voyeurism, utpressning och rättvisa. En livsläxa men framför allt en titt på den vackra konsten!
Alessandro Allori "Susanna och de äldste" (1561) olja på duk, 202 x 117 cmMusée Magnin, Dijon
Av det Gamla testamentet:
Två gamla domare hade lust till Joakims vackra fru, och en gång medan hon badade, krävde de att få ha samlag med henne. När Susanna avvisade deras invit, anklagade de äldste henne för äktenskapsbrott inför folkmassan! Den oskyldiga Susanna skulle ha dött genom stening om inte den unge profeten Daniel hade kommit. Upprörd över domarnas beteende, ifrågasatte han dem var och en, visade deras lögner och de dömdes till döden. Susanna återfick sin frihet och ära (Daniel 13: 1-63).
Berättelse har en moraliserande aspekt men scenen väckte intresse hos konstnärer för att den visar kvinnans oskuld och de äldres fula avsikter.
Susannas namn förknippas med hennes kyskhet och i många länder finns ett ordspråk ”kysk som Susanna”.
Målningen utförd av Alessandro Allori är förmodligen en av de vackraste av alla skildringar. Det första vi märker är Susannas nakna kropp. Hon vrider sig mot en av plågoandar, medan den andra skjuter in handen mellan hennes ben. Trots detta riktas Susannas uppmärksamhet mot den andra äldste som har tagit tag i hennes handled och utsatt henne för tittarnas blick. Det som han säger är uppenbarligen viktigare än vad den andra äldre gör. Susanna försvarar sig, gräver sina naglar i ansiktet och huvudet på båda sina antagonister. Allori gör oss – åskådare- delaktiga på något sätt i brottet.
Daniels bok (13:1-63)
Och de sade till henne: »Gör oss nu till viljes och ligg hos oss; annars vilja vi vittna mot dig, att en ung man har varit hos dig, och att du för den skull skickat bort dina trälinnor. > Då svarade Susanna och sade: »Jag är i trängsel på alla sidor, ty om jag detta gör, så står döden mig före, men om jag icke gör det, så kan jag icke undfly edra händer. Dock vill jag hellre icke göra det och så falla i edra händer än synda emot Gud.»
Berättelse skildras i ”Tillägg till Daniel”, en av apokryferna till Gamla Testamentet. Men inom romersk-katolska kyrkan ingår de som kanoniska. Dags att visa historiens ikonografi!
Renässansen
Den kontroversiella påve Aleksander VI hade ingen emot att anställa Pinturicchio (1454-1513) och låta honom utföra vackra fresker i hans privata appartamento Borgia. En dekorativ stil som passar utmärkt till scenen.
Pinturicchio ”Susanna och de äldste” (1492-95) fresk i Borgia Apartment– Sala dei Santi, Vatikanpalatset
Lorenzo Lotto (1480-1557) skildrade Susanna i badet. Hennes kläderna är utspridda, medan de äldste bröt sig in till badhuset i sällskap av två vittnen som kallades för att stödja deras anklagelse om äktenskapsbrott.
Lorenzo Lotto ”Susanna och de äldste” (1517) olja på pannå, 60 x 50 cm Contini Bonacossi kollektion -Uffizi
Bernardo Luini (ca.1480-1532), en målare från Lombardiet var aktiv framför allt i Milano. Den lombardiska stilen präglades hans konst.
Bernardino Luini ”Susanna” (ca.1521-25) olja på panel, 50 x 38,5 cm Liechtenstein Museum
Denna målning är ett fragment av en större komposition. Även om ämnet förhärligar kvinnlig dygd och rättvisa, tillhör den samtidigt de tavlor som fick erotiska konnotationer. Bild påminner lite om Leonardos da Vinci subtila linjer och bekräftar skönheten i den lombardiska traditioner.
Albrecht Altdorfer ”Susanna i badet” (1526) olja på panel, 74,8 x 61,2 cm Alte Pinakotek, Munchen
Albrecht Altdorfer (1480-1538), en tysk konstnär från Donau-skolan lade huvudvikt på presentationen av Joakims sagopalats med omfattande terrasser och trädgårdar. Byggnaden är fylld med människor. Bland alla detaljer placerade konstnären olika trådar ur samma historia. Till vänster träffar vi Susanna som förbereder sig för att bada. I buskarna syns knappt två gamla män som tittar på flickans toalett. Scenen fortsätter. På höger sida av duken går Susanna i en röd klänning till palatset. Hon håller en vit lilja i handen – en symbol för oskuld. Berättelsen går djupare in i kompositionen, där vi kan se rättegången och sedan scenen för straff.
Barocken och manierismen
Jacopo Robusti, kallad Tintoretto (1518-94) var framför allt verksam i Venedig och framställde sin Susanna på det venetianska sättet. Hon sitter på kanten av en liten bassäng och förbereder sig för badet. Två äldre män gömmer sig i hennes trädgård.
Tintoretto ”Susanna och de äldste” (1555-56) olja på duk, 57 x 76 cm Kunsthistorisches Museum, Wien
Den tavlan är väldigt dekorativ. Runt Susanna finns flera ljusa föremål, inklusive en vit siden-sjal, pärlor, smycken, en kam och bestick, som tillsammans bildar ett slags stilleben. Solljus faller på delar av kvinnans ansikte och kropp, som Tintoretto har utarbetat i chiaroscuro-tekniken. Hennes flätade hår är så vackert!
Vackra detaljer
Tintoretto – en annan version av ”Susanna och de äldste” (1550/60) Louvre
Artemisias Gentileschi (1593-1653) första målning av detta motiv är hennes mest kända och är tillsammans med Tintoretto en av de kanoniska målningarna. Borta är dekorationer, symboler och omläggningar, till förmån för en närbild av de tre figurerna i det avgörande ögonblicket som de äldste berättar för Susanna om sitt ”generösa erbjudande”.
Artemisia Gentileschi ”Susanna och de äldste” (1610) olja på duk, 170 x 119 cm Schloss Weißenstein, Pommersfelden
Paolo Veronese (1528-88) var tillsammans med Tintoretto senrenässansens ledande konstnär. Motiv om Susanna användes ofta på den tiden eftersom det gjorde det möjligt att skildra de ämnen som föredrogs av kunderna- den kvinnliga nakna kroppen – med hjälp av en biblisk episod. Konfrontationen mellan Susanna och de äldste är det mest psykologiskt intressanta ögonblicket i hela scenen.
Flera olika målningar av Susanna har tillskrivits Paolo Veronese. Utan att vilja gå in i några kontroverser är denna version, troligen från omkring 1570, ganska representativ i sin inställning.
Paolo Veronese ”Susanna i badet” (ca.1570) olja på duk, 98 x 198 cm Louvren Här finns ett betydande bidrag från Paolos bror och assistent, Benedetto Caliari.
Susanna är halvt påklädd, men en av de äldste gör uppenbara framsteg med sin vänstra hand mot hennes bröst. Männen lägger fram sitt förslag till henne, och hennes kroppsspråk ger ett resolut svar.
Paolo Veronese ”Susanna och de äldste” (ca.1580) olja på duk, 151 x 177 cm Prado Museet
Paolo Veronese ”Susanna och de äldste” (1585-88) olja på duk, 140 x 280 cm Kunsthistorisches Museum, Wien
Jacopo Chimentida Empoli (1555-1640) ”Susanna i badet” (1600) olja på duk, 229 x 172 cm Kunsthistorisches Museum, Wien En vacker manieristisk målning.Den lilla hunden symboliserar trohet.
En annan stor barockmålare, Peter Paul Rubens (1577-1640) inspirerades ofta av olika religiösa ämnen. Hans största bedrift var att hans livfulla penseldrag inte uteslöt sensuella känslor. I båda målningarna poserade hans fru, Isabella Brant (gift mellan1609-26).
P.P. Rubens ”Susanna och de äldste”(1607) olja på duk, 94 x 66 c Hermitage Museum, Sankt Petersburg
I målningen dyker kvinnans kropp upp ur mörkret precis när hon vrider sig runt för att möta de gamla män som spionerar på henne. Susanna skildras med ett vit tyg draperat över sig. Det vita symboliserar hennes renhet och godhet. Rubens avbildar hennes rädsla, och bygger en perfekt dramaturgi kring hela händelsen.
P.P. Rubens ”Susanna och de äldste” (1614) olja på trä Nationalmuseum Stockholm
En annan genial artist Rembrandt van Rijn (1606-69) närmade sig Susanna två gånger. I målningen från 1636 fokuserade han på figuren av en naken tjej som med skam täckte sin blygd. Hennes ansikte är inte förskräckt utan snarare förvånat.
Rembrandt ”Susanna i badet” (1636) olja på duk, 47,4 × 38,6 cm Mauritshuis, Haag
Rembrandt ”Susanna i badet” (1647) olja på mahogny trä ,76,6 x 92 cm Gemäldegalerie, Berlin
År 1647 upprepade Rembrandt sitt försök att skildra Susanna i sällskap med rikt klädda gamla män. Ett begränsat utbud av färger: brun, ockra och röd räckte för att intensifiera scenen och skapa ett mästerverk. Konstnären använder orientaliska kläder för att uppnå effekten att scenen sker i Mellanöstern. Dessutom syns ett babyloniskt palats i bakgrunden.
På 1700-talet framställdes många olika målningar av Susanna och de äldste, tills vi når 1800-talet och vad som påstås vara krisen eller till och med döden för det bibliska motivet.
Giuseppe Bartolomeo Chiari (mellan 1700/27) oija på duk, 67 x 81 cm Walters Art Museum
I denna målning skildrar Italienare G.B. Chiari (1654-1727) Susanna när hon försöker fly från männens blickar och lust. Fokus på hennes kropp vittnar om hennes oskuld och dygd, eftersom sanningen ofta symboliserades av en naken kvinna, men var också avsedd att vädja till manliga beskyddare. Den mjuka, lysande färgen och kroppsformerna är karakteristiskt för den senromerska barockstilen.
Romantiken och Symbolism
De främsta företrädare för det romantiska måleriet Eugene Delacroix (1798-1836) framställde en Susanna-scen som beskriver en riktig aggression: gubbarna håller på att våldta kvinnan. Den dygdiga Susanna tycks överge sig själv, som om hon var död. Denna oavslutade oljemålning var sannolikt aldrig tänkt att ha gått in i mer detaljer än den gör. Här finner vi ett expressivt sätt att visa en osmaklig händelse där Susanna verkar vara sårbar och utbytbar.
Eugene Delacroix ”Chaste Susanna” (1850) olja på duk, 27 x 55 cm Palais des Beaux-Arts de Lille
En tysk konstnär, Franz von Stock (1863-1928) kommer att måla Susanna och hennes berättelse några gånger. I båda fallen var hon en del av hans besatthet med femme fatale, vilket i sig är en märklig vändning av en biblisk berättelse. I tavlan från 1904 visar han Susanna i sin fulla längd, naken, bortsett från detaljerade örhängen, med de två äldste som attackerar henne bakom en låg mur.
Franz von Stuck ”Susanna i badet” (1904) olja på duk, 134.5 × 98 cm Kunstmuseum, St. Gallen
Franz von Stuck ”Susanna i badet”(ca. 1913) olja på kartong, 54 × 16 cm Private kollektion
Franz von Stuck ”Susanna och de äldre” (1913) olja på panel, 56.6 × 17.8 cm Private kollektion.
Denna version från 1913 följer den traditionella berättelsen mer troget, men använder ett skämt för att få de äldste att se ännu mer löjliga ut: den lilla strömmen av vatten som kommer ut ur munstycket i bassängen tolkas lätt som den äldres urin.
Francesco Hayez ”Susanna i badet” (1850) olja på duk, 138 x 122cm National Gallery London
När en konstnär hade två favoritämnen, bibliska berättelser och kvinnans nakenhet, skulle man kunna tro att det skulle vara riskabelt att kombinera de två.
Men Francesco Hayez (1791-1881) den ledande romantiska konstnären och porträttmålaren, har vid ett flertal tillfällen uppnått just det. Berättelsen kretsar bara kring Susanna. De falska anklagarna dödas och dygden segrar. Hayez har föredragit att koncentrera all sin konstnärliga förmåga på den vackra kvinnan. Det är en riktigt vacker målning och Susanna med sin bleka hud och hopknäppta läppar är anmärkningsvärd. Vi känner oss själva anklagade för att stirra på hennes nakna kött. Bakgrunden till höger är mörk och kontrasterar mot hennes bleka vita hud och denna chiaroscuro-effekt bidrar till målningens storhet!
Gustave Moreau ”Susanna i badet” (ca.1895) 81 x 66 cm, privat kollektion
GustaveMoreau ”Chaste Susanna” olja på duk, 33 x 40cm Paris, Musée Gustave Moreau
I denna målning går Susanna in i badet och hennes ställning påminner om Moreaus kvinnliga Delila. De två äldste är gömda bakom en mur. Inga fler uttryck för lust syns hos Moreau. Det är 1870-talet och den borgerliga ordningen råder. Sensualitet är förbjuden. Moreau kallade själv denna tavla ”Chaste Susanna”.
Thomas Hart Benton (1938) olja på duk, 152 x 106.7 cm Fine Arts Museums of San Francisco
Thomas Hart Benton (1889-1975) var en amerikansk målare känd för sina kraftfulla figuralmålningar. Även om han huvudsakligen skildrade scener från små städer, undvek han inte bibliska och mytologiska scener, utan placerade även typiskt amerikanska karaktärer i dem.
T.H. Benton undergrävde nästan alla konstnärliga normer i sin moderna skildring av ”Susanna och de äldste”. När Benton framställer scenen, doppar en modern Susanna tårna i en flod på landsbygden i Missouri. Muskulös och smidig är denna Susanna. Ett rött nagellack, könshåren är chockerande och passar inte till den bibliska historien. Vid utställningen 1939 på Art Museum i St. Louis skapade målningen mycket stridigheter.
Puritanismens belastning i Amerika avskräckte från religiös konst och föredrog det verbala som ett sätt att kommunicera idéer om Gud. Bibliska scener är faktiskt sällsynta i den amerikanska konsten.
Den bibliska berättelsen om den vackra och dygdiga Susanna, Joakims hustru, som orättvist anklagas för äktenskapsbrott av avvisade friare, är en av de mest illustrerade berättelse från Gamla testamentet. Ämnets popularitet bestämdes inte så mycket av dess moraliska värden. Straff för falska anklagelser och brott mot dekalogen var viktiga budskap, för att allt vittnade om Guds rättvisa, men den erotiska aspekten var avgörande för konstnärer.
Scenen tolkade Susannas nakenhet och gav en ursäkt för att visa denna skönheten på duken. Var den bibliska händelsen ett försök att åtnjuta ”förbjuden frukt”?
Antioxidanter i kaffe och hudfördelar tjäna pengar online
Jobba med network marketing marketing
Dropshipping Sverige eller Dropshipping Danmark för dig som vill tjäna pengar. Du kan också tjene penge til klassen om du vill. Tjäna pengar online
Network marketing, eller nätverksmarknadsföring, har blivit en populär metod för att tjäna pengar online i Sverige. Det är en affärsmodell där individer marknadsför och säljer produkter eller tjänster direkt till kunder samtidigt som de rekryterar andra för att bygga sitt eget team av säljare. Genom att kombinera personlig försäljning med möjligheten att skapa ett nätverk kan du generera både direkta inkomster från dina egna försäljningar och provisioner baserade på teamets prestationer.
För att lyckas med network marketing online är det viktigt att välja rätt företag och produkter. Företagen som erbjuder denna typ av verksamhet varierar i både kvalitet och inriktning, och det är avgörande att hitta en produkt du verkligen tror på och kan stå bakom. Det blir enklare att marknadsföra något du själv är engagerad i och som har en tydlig målgrupp.
Att bygga en närvaro på sociala medier är ett effektivt sätt att nå potentiella kunder och rekrytera nya medlemmar till ditt nätverk. Plattformar som Instagram, Facebook och TikTok gör det möjligt att skapa personliga och engagerande innehåll som kan attrahera följare och potentiella köpare. Många framgångsrika nätverksmarknadsförare delar sina personliga erfarenheter med produkterna och visar hur de har förbättrat deras liv. Genom att vara autentisk och ärlig kan du bygga förtroende hos din publik, vilket är en nyckelfaktor för framgång inom network marketing.
Utbildning och personlig utveckling spelar också en viktig roll. Många företag inom nätverksmarknadsföring erbjuder utbildningsmaterial och stöd för att hjälpa sina medlemmar att utveckla nödvändiga färdigheter. Detta inkluderar säljstrategier, kommunikation och ledarskap, som alla är viktiga för att bygga ett starkt och framgångsrikt team. Genom att investera tid i att lära dig och tillämpa dessa färdigheter kan du öka dina chanser att lyckas.
Ett annat viktigt element är att skapa och upprätthålla relationer. Nätverksmarknadsföring bygger på människors förtroende och viljan att arbeta tillsammans. Genom att erbjuda stöd och motivation till de personer du rekryterar kan du skapa en stark och sammanhållen grupp som är motiverad att arbeta mot gemensamma mål. Detta leder till en stabilare inkomstkälla genom de provisioner som genereras av teamets prestationer.
Network marketing kan vara en lönsam verksamhet för den som är villig att arbeta hårt, lära sig och bygga starka relationer. Genom att använda digitala verktyg och sociala medier kan du ta del av denna affärsmodell på ett flexibelt och modernt sätt som passar dagens livsstil.
Gamla testamentet innehåller olika skrifter, deras innehåll är grunden för den västerländska kulturen och källan för två stora religioner: judendomen och kristendomen. Domarboken (16,4-22) berättar om perioden i Israels historia då landet styrs av domare. Den kronologiskt sista av lagmännen var Simson, vilket namn tolkas från hebreiska shimshon, ”solen”, eller shamen – ”stark”.
Simson var utrustad med övermänsklig styrka som han använde för att bekämpa Israels fiender – filistéerna. Han utförde handlingar som var omöjliga för vanliga människor. Själv tillhörde han Guds nasir, vilket innebär att han levde enligt vissa helighetsregler. Det var förbjudet att dricka alkohol, klippa håret och äta druvor. Hans styrka satt i det långa håret.
Berättelse om Simson lockade många konstnärer, först för att avbilda hans enorma styrka, och att presentera hans vackra älskarinna – Delila.
Francesco Morone ”Simson och Delila” (ca.1512) olja på trä, 76 x 121 cm Museum Poldi-Pezzoli, Milano
Under denna period var Filistéerna i krig med Israel. Det hindrade inte Simson från att bli kär i en kvinna som härstammade från detta folk. Delila var känd för sin extraordinära skönhet. Här börjar faktiskt den riktiga berättelsen…
Den unga kvinnan var lojal mot sitt folk. Med hjälp av sin list och skönhet fick hon Simson att avslöja sin hemlighet – att han var Guds nasir och att om man rakade av honom håret skulle han bli svag som alla andra människor.
När Simson sov kallade Delila på en man som skar av honom hans flätor och Simson förlorade då sin krafter. Han blev tillfångatagen av filistéerna och utnyttjad som slavarbetare.
Lucas Cranach d. ä. ”Simson och Delila” (ca.1528) olja på duk, 57.2 x 37.8 cm Metropolitan Museum of Art, New York
Lucas Cranach d.ä. Samma motiv men annan version (1537) olja på lim, 74, 5 x 121 cm Gemäldegalerie Alte Meister, Dresden
En grupp soldater dyker upp ur skogen och söker hämnd mot den kraftlösa hjälten, som mördat tusen filistéer förut.
Lucas Cranach (1472-1553) framställde den bibliska berättelsen som en allegori och varnade män för kärlekens fallgropar och kvinnornas förmodade list! Panelens lilla storlek antyder att den visades i ett privat sammanhang.
Paul Rubens (tilldelad) ”Samson och Delila” (1609) olja på trä, 185 x 205 cm National Gallery, London
Peter Paul Rubens (1577-1640) målade den tavlan för sin beskyddare, den rika och inflytelserika rådmannen Nicolaas Rockocx (1560-1640). Verk hängde i hans residens i Antwerpen som idag är en museum (Rockocx house).
Rubens framställer scenen på ett elegant sätt, särskilt uppenbart är det i frisörens professionella gest och i Delilas tvetydiga uttryck, sammansatt av sensualitet, triumf och medlidande! Konstnären följer traditionen men introducerar i tavlan en figur, som inte förekommer i Bibeln. En gammal kvinna blev Delilas medhjälpare.
Rembrandt ”Simsons bröllop” (1638)med hans fru Saskia olja på duk, 126 x 175 cm Gemäldegalerie Alte Meister
Under Rembrandts Harmenszoon van Rijn (1606-69) tidiga period kändes ofta Rubens höga närvaro. Simson var en av Rembrandts favorithjältar. Han avbildade honom i olika sammanhang som beskrivs i Gamla testamentet och tolkade dem ofta på sitt eget individuella sätt. I ”Simsons bröllop” är den centrala personen en vacker brud, badande i starkt ljus. Vet ni, vem damen är? Detta är Saskia, Rembrandts hustru, som poserade för scenen. Hennes figur står fram inför betraktaren, till skillnad från andra gäster som är upptagna med att prata med Simson.
Rembrandt van Rijn ”Simsons blindhet” (1636) olja på duk, 205 x 272 cm Städel Museum, Frankfurt
Den tavlan är en av målarens största och mest dramatiska barockmålningar. Konstnären valde det ögonblick då filistéerna, angrep den mäktiga mannen, band och bländade honom. Rembrandt vävde tillsammans flera avsnitt i en scen. Incidenten äger rum i en grotta eller tältingång, endast upplyst av ljuset som lyser genom öppningen. Man kan se den fallna Simson, hur han försökte befria sig från sina band.
Alla figurer är i rörelse, tillsammans med Delila i bakgrunden som flyr från tältet, fortfarande tittande tillbaka, håller en hårlock och en sax stadigt i händerna. Det finns skräck i hennes ögon.
Gerard van Honthorst ”Simson och Delila” (ca.1615) olja på duk,129 x 94 cm Cleveland Art Museum
Här har vi exempel på en målning inspirerades av Caravaggio och ”chiaroscuro” tekniken. Gerard von Honthorst (1592-1656) avbildade en sovande Simson med huvudet på ett bord när Delila själv klipper hans hår. Hennes ansikte är lugnt och hon gör sin uppgift med tyst koncentration. Det förekommer också en gammal kvinna som lyfter ett finger mot läpparna. Hennes tysta gest involverar betraktaren, vilket gör oss delaktiga i Delilas bedrägeri.
Ljuset sprider en varm glöd som förenar kompositionen. Konstnären gillade också färgglada tillbehör och detaljer: den pärlbroderade kanten på Delilas klänning, hennes turban.
Matthias Stom ”Simson och Delila” (1630) olja på duk, 99 x 125 cm Galleria Nazionale d’Arte Antica, Roma
Matthias Stom (ca.1600-50) var elev till Gerard van Honthorst och målade mestadels religiösa motiv. Han påverkades starkt av Caravaggio och använde ljuseffekter från konstgjorda ljuskällor. I sin ”Simson och Delila” reducerar konstnären scenen till dess väsentliga element, placerar berättelsen i förgrunden och organiserar den i en triangulär komposition som är typisk för hans verk.
Guercino (Giovanni Francesco Barbieri) ”Simson fångad av filistéerna” (1619) olja på duk, 191 x 236cm Metropolitan Museum of Art, NY
Denna målning beställdes av kardinal Giacomo Serra (1570-1623), den påvliga legaten till Ferrara, vilken var en anmärkningsvärd samlare i Rom och främjade bland annat Rubens. Guercino, en italiensk barockmästare har uppnått en mycket realistisk scen med hjälp av dramatiska teatereffekter. Fokus för denna komposition är den kraftigt modellerade ryggen på Samson, som kämpar för att befria sig.
Guercino ”Simson och Delila” (1654) olja på duk,176 x 223 cm Musée des Beaux-Arts de Strasbourg
Artemisia Gentileschi framställde ofta kvinnliga, starka figurer. Den självständiga Delila är en av dem!
Artemisia Gentileschi ”Simson och Delila” (ca.1630-38) olja på duk, 90,5 x 109,5 cm Palazzo Zevallos Stigliano, Naples
Detta är dock inte slutet på berättelsen. Nästa kapitel heter ”Simsons hämnd”.
22.Men hans huvudhår begynte åter växa ut, sedan det hade blivit avrakat. 23. Och filistéernas hövdingar församlade sig för att anställa en stor offerfest åt sin gud Dagon och göra sig glada, ty de sade: »Vår gud har givit vår fiende Simson i vår hand.»
Filistéerna samlades att festa i ett tempel. Simson ropade till Gud att han en sista gång skulle få bli stark för att hämnas på sina fiender. Gud hörde hans bön och Simson ställde sig mellan två pelare i palatset. Enorma krafter kom tillbaka och hela templet föll samman. Under palatset ruiner avlider också Simson.
30.Och de som han så dödade vid sin död voro flera än de som han hade dödat, medan han levde.
John Francis Rigaud ”Simson bryter upp sina band” (1784) Royal Academy of Arts, London
1800-talet målerihistoria inspirerades ofta av Gamla testamentets hjältar. En fransk konstnär John Francis Rigaud (1742-1810) verksam i England, konstruerade scenen med Simson så utmärkt att han fick inträde till The Royal Society.
Max Liebermann ”Simson i Delila” (1901) olja på duk, 151 x 212 cm Städel Museum, Frankfurt
Ju närmare nutidens konst, desto mer oberoende är Delila. Liebermann visar henne som triumferande. Med en segrande gest håller hon fram Samsons hårlock som en trofé till sina allierade.
Konstnären iscensätter det gamla testamentets berättelse som en modern könskamp: de nakna kropparna framträder teatralt framför den enkla bakgrunden av vita lakan och grå väggar. Delila är en femme fatale som gjorde sin älskare svag. Sådana starka kvinnliga figurer fascinerade publiken vid sekelskiftet.
Alexander Cabanel ”Simson och Delila” (1878) olja på duk, 92 x 64 cm privat kollektion
Gustav Moreau ”Delila” (1896) olja på duk, 81 x 65,4 cm Museo de Arte de Ponce, Puerto Rico
Delila som hon framställdes av symbolisten Gustav Moreau (1826-98) är nästa exempel på den dekadenta femme fatale. Hon sitter i en svagt upplyst palatsinredning för att överväga Simsons undergång, hjälten hon gjort så försvarslös.
Den sista mening
Hur många generationer berättade historien innan den skrevs i Gamla testamentet? Och hur många kulturer kommer att upprepa det ytterligare och skapa bilder av det destruktiva förhållandet mellan en vacker kvinna och en stark, oförglömlig man? Konsthistoria är så fascinerande…
KONSTSPEGEL 