Trompe l`oeil -illusioner och verkligheten.

Det finns en lockelse hos människan att bli lurad och överraskad. Barockens illusionistiska måleri bedrar oss på helt ovanlig sätt!

Tänkt dig, att en dag kommer du till någon museum och alla tavlor hänger omvandlat. Mardröm… faktiskt.
Men inte på 1600-talet!
Det är en målning med två baksidor, den målade och den verkliga. Inramad som ett ”riktigt” verk. Betraktare vill vända tavlan som verkar vara till salu, vilket dessutom har en nummerlapp -36! Detta verk utfördes av en flamländsk konstnär, Cornelis Norbertus Gijsbrechts (ca.1640-75) från Antwerpen. Han var en skickligt konstnär: skuggorna som faller över och lätt smutsade träet gör en känsla av verkligheten. Målningen visades lutad mot en vägg i entrén till Statens Museum och ökade dess illusionistiska inverkan. Idag ställs tavlan ut på golvet mot väggen och skapar idén att målningen väntar på att hängas upp!
Cornelis Gijsbrechts Baksida av en målning”(1670)
olja på duk, 66 x 87 cm
Statens Museum för Kunst, Köpenhamn

TROMPE L´OEIL måleri är en fascinerande inriktning i konsthistoria. Det är en trend att leka med oss, konstbetraktare, att lura den traditionella tankemodellen. Stilen har sina rötter i stillebenmåleri och har ändå anspråk och avsikter.

Vilka?

Det kommer vi att upptäcka snart…

Den senmedeltida flugan

Ett av stilens stående motiv var flugan, som landade på några av senmedeltida verk. Vill ni se några exempel?

Schwabisk Mästare ”Porträtt av dam ur familjen Hofer” (ca.1470)
olja på duk, 54 x 41 cm
National Gallery, London

Porträttet målades omkring 1470 av en okänd konstnär. Vad var för meningen med denna gåtfulla bild? Det är inte klart. Damen håller en blomma (förgätmigej) i handen, medan flugan är en symbol för dödlighet, så det är möjligt att konstnären använde sådana beteckningar för att uttrycka minnet av denna kvinna. Målningen påminner oss om livets korthet.

Liknande motiv hittar vi hon en s.k. Frankfurtmästaren (verksam I Antverpen1480-1520). Dubbelporträtt krävde två flugor, den ena sitter på ett körsbär, medan den andra vistas på hustruns huvudbonad.

Mästaren från Frankfurt ”Självporträtt med hustru”(1496)
olja på trä 38 x 26 cm
Royal Musée des Beaux-Arts, Antwerpen

Cartellino

Cartellino” är en illusionistisk skildring av en skriftlig anteckning som ingår i målningen, mestadels från den med en legend som registrerar namnet på konstnären, datumet, ämnet eller annan relevant information om verket.

Inskriptionen fanns ofta på verkets ram och skapade trompe l’œil -känslor. Lappen kunde förmedla religiöst eller filosofiskt sentens till betraktaren, som är relaterat till den avbildade scenen eller de avbildade människorna.

Antonello da Messina (ca.1430-79)
”Hieronymus i sin studerkammare” (ca.1470)
olja på lindträd, 46 x 36 cm
National Gallery, London
Detalj
Jacopo da Barbari ”Skjuten rapphöna och handskar” (1504)
olja på duk, 52 x 42 cm
Alte Pinakothek, Munchen
Detalj

Venetianare Jacopo da Barbari (1440/50-1516) lämnade på sin cartellino eget namn och datum 1504. Detta stilleben med jakt föremål är det tidigaste oberoende exempel på trompe l`oeil stillebenmåleri i den europeiska konsthistoria. Tänk hur det kunde vilseleda dåtida människor! Oförberedda betraktaren.

Numera skulle vi knappast luras av en sådan målningsteknik.

Hans Holbein den yngre (ca.1497-1543)
”Köpmann Georg Gisze”(1532)
olja på trä, 96,3 x 85,7 cm
Gemäldegalerie, Berlin
Detalj med cartellino i köpmannens kontor

Inpackad Jungfru med Jesusbarnet

Wow, tänker jag. Här har vi exempel på någonting oförklarad. Madonna har varit inpackad på bildramen, ett kraftigt papper rivits sönder så att Maria och Jesus kommer fram!

Okänd konstnär från Ferraroskolan
tempera, olja och guld på trä, 58 x 44 cm
Scottish National Gallery

Målningen presenterar ett spännande exempel på den illusionistiska stilen. Duken eller pergamentet som konstnären målade på verkar mirakulöst rivas bort, för att avslöja de heliga figurerna. Denna illusion förstärks av dukens trasiga kanter, klisterremsan och flugan, på en av de utskjutande bitarna, längst ner till vänster. Jungfrun har ett granatäpple, en symbol för uppståndelsen, medan det lilla barnet sover, en hänvisning till hans framtida passion.

Carl-Johan Malmgren (Nationalmuseum) förklarar det ännu bättre. Han gör en vackert jämförelse att duken är en metafor för mödomshinnan. Måleri och motiv sammanfaller!

Italienska illusionistiska fresker

Bevarade väggmålningar i Camera degli Sposi (brudgemaket) i Palazzo Mantua är perfekta illustration för trompe l’oeil måleri. Andrea Mantegna (1431-1506) har målat väggarna under tio långa år, från golvet till valvet och krönt dem med illusionistiska freskmålningar. Den berömda oculus har perfekta perspektiv förkortningar av figurer som tittar ner.

Att öppna rummet mot himlen och avbilda människor från betraktarens synvinkel var sensationellt på Mantegnas tid. Sådana perspektiv har sitt namn- ”sotto in sù” (it.”nerifrån och uppåt”).

Utrymmet i rummet har en kvadratisk plan (8,1 x 8,1 m). Mantegna skapade en monumental arkitektonisk verklighet med hjälp av ribbor i taket, pilastrar på väggarna. I mitten av taket är den mycket beundrade oculus, som vetter mot en målad himmel.
Andrea Mantegna ” Oculus” (1473)
fresco, diameter 270 cm
Palazzo Ducale i Mantua

Trompe- l`oeil fresker framställer illusionistiska fragment av arkitektur, som gömmer sig i landskapet och stillebens motiven. Paolo Veronese (1528-68) älskade arkitektoniska illusioner. Han dekorerade Sala dell’Olimpo i Villa Barbaro med riktiga illusionistiska lösningar. En äkta sten balustrad fortsätter i en målad fresk. Meningen var att berika interiörerna och skapa utrymme för fantasi, inte heller för att lura.

Paolo Veronese
Giustiniana Giustiniani med tjänstkvinna och sällskapsdjur” (1560-61)
Fresk i Villa Barbaro, Maser
Freskfigurer verkar att trivas i den fiktiva miljö. Italienare var mästare på arkitektoniska illusioner.

Populära motiven under The Dutch Golden Age (Hollands guldålder)

Vi kommer tillbaka till 1600-talet för att stanna där och lista upp nya trender. Den nederländska stormaktstiden präglades inte bara av politiska händelser men också av kulturella förändringar. Köpmännen ville ha helst stillebensverk än religiösa tavlor. Stilleben blomstrade på riktigt. Trompe l`oeil var intressant på grund av sina dolda detaljer och betraktarens uppmärksamhet dras till illusionen.

Cornelis Gijsbrechts ”Stilleben med frukter” (1663)
olja på duk, 96 x 75 cm
Musée des Beaux-Arts, Carcassonne
Detalj med självporträtt visar konstnärens skicklighet (vänster sidan av ramen)

Det är inte känd med säkerhet när Cornelis Gijsbrechts föddes. Hans äldsta kända målning är från 1657, resten kan man bara gissa. Man brukar ange födelsedatum som 1640 och att han dog i1683. Artistens tidiga produktion har bestått av vanitas stilleben och fruktstycken.

Cornelis Gijsbrechts ”Trompe l`oeil med vanitas” (1664)
olja på duk, 88 x 70 cm
Ferens Art Gallery, Kingston Upon Hull City

Gijsbrechts arbetade i Tyskland på början av 1660-talet, bland annat i Regensburg hos kejsare Leopold och senare i Hamburg. Hans karriär blomstrade framför allt i Danmark, när han blev anställd som hovmålare hos kungen Frederik III och därefter hos Christian V (1668-72). Han hade en vacker ateljé i Rosenbergs slott. Det räcker med detektivarbete, dags att visa måleri!

Cornelius Gijsbrechts ”Brevvägg med kungliga dekret, porträtt och toalettsaker mm.”(1671)
olja på duk, 145 x 183 cm
Statens Museum fur Kunst, Köpenhamn
Trompe l`oeil-konsten syftade till att lura betraktarens öga, att tro att de målade tvådimensionella illusionerna var verkliga tredimensionella föremål. Oftast består den typ måleri av vanitas symboler för livets övergång. Därför fanns på tavlor krans av halm, blommor i en vas, brutna sädesax och dödskalle. Ett halvt nerbrunnet ljus eller ett timglas- allt detta var påminnelse om livets förgänglighet.
Senare i livet skapade Cornelis vanitasmotivet som del till mer komplexa trompe l`oeil-kompositioner i en s.k. ateljeväggarna, väggar med jaktredskap och musikaliska instrumenten.
Gijsbrechts ”Skåp med elfenbenskanna och ryttarstatyett” (1670)
olja på duk, 100 x 90 cm
SMK, Köpenhamn

Trompe l`oeil teknik krävde att använda några tricks för att fördjupa den optiska illusionen:

  • en nästan osynlig penselföring
  • rätt perspektiv och realistiska mått
  • enhetlig ljussättning
  • signaturen är utesluten men genom att sätta sitt namn på ett kuvert eller liknande, slapp konstnären att vara anonym
  • tavlan saknade av ramen
  • spikor, krokar

Det ser ut som alla föremål hänger på vägg. Allt för att det verkligen skulle uppstå en illusion.

För att illusionen skulle vara övertygande målade Gijsbrechts främst motiv och föremål som normal fanns t.ex. i kungens omgivning – allt som kunde locka betraktarens sinne och intellekt. Tavlan ”Quodlibet med brevet” (1675) framställer ett stycke som spikades på en träram, fästes olika brevet med kungliga stämpel, kammare och andra föremål. Därför verket har titel Quodlibet vad innebär på latin ”olika grejer”. Dessa objektet har strikt definierade betydelsen: en kam symboliserar rimligt ordnade tankar medan ett papper och penna föreställer författaren.

GijsbrechtsQuodlibet” (1675)
olja på duk, 41 x 34 cm
Wallraf -Richartz- Museum, Köln

Cornelis Gijsbrechts fortsätter att osäkra tillvaro och börjar med stafflimålningar. (!) Han målade fruktstycke, miniatyrporträtt av Christian V, en bak- och framvänd tavla och sin egen arbetsverktyg!

Gijsbrechts ”Staffli” (1670-72)
olja på trä, 226 x 123 cm
SMK, Köpenhamn
Gijsbrechts ”Trompe l’oeil med trumpet, himmelsglob och proklamation av Frederik III ”(1670)
olja på duk, 138,6 x 204,8 cm
SMK, Köpenhamn

En annan holländsk konstnär Samuel van Hoogstraten (1627-78) älskade både perspektiv och illusioner. Han var elev till Rembrandt och sina första uppdrag sökte hos den tysk-romersk kejsaren Ferdinand III.

Van Hoogstraten specialiserade sig på quodlibet -ett slumpmässigt sortiment av föremål som vanligtvis innehåller verbala och visuella skämt om konst, konstnärer, mecenater och politik. Detta krävde en trohet mot texturerna och skalan på de avbildade föremålen; trots detta utropar ramen att helheten är en målning. Där i ligger listen, för själva ramen är illusorisk. Efter att Samuel lyckades att överlista Ferdinand III med lurade tavlor, tog han emot den kejserliga guldmedaljongen.

Samuel van Hoogstraten ”Falsk skåpdörr”(1655)
olja på duk, 92 x 72 cm
Akademie der bildenden Künste, Wien

Vanliga toalettsaker gömmer ett par papper-kvitto och konstnärens signatur. Betraktaren känner en stark impuls att vilja vika undan handduken! Eller hur?

Samuel van Hoogstraten ”Brevstycke” (1666/78)
olja på duk, 63 x 79 cm
Staatliche Kunsthalle, Karlsruhe
Samuel van Hoogstraten ” Ett gammal man tittar genom fönstret! (1653)
olja på duk, 111 x 86,5 cm
Kunsthistorisches Museum, Wien

Den unika tavlan utförde van Hoogstraten under sin vistelse i Wien. Vilket fantastisk verk! Konstnären skapar illusion att mannen tittar på oss genom sitt fängelse-fönster. Den liten vas utanför förstärker och betonar djupet i målningen.

Ekonomi och illusioner

Den enorma målning, två och en halv meter bred och nästan två meter hög, befinner sig i Historiska Museet i Amsterdam. Förut hängde verk på Statskassanrum i den amsterdamska stadshuset, en påminnelse för alla medborgare att vara hederliga i sina räkenskaper. Den nederländska guldålder hade respekt för handel och konst och kanske därför alla invånare kände sig trygga och rika trots oroliga tider.

Cornelis Brise (1622-70) ”Dokument från Amsterdams skattkammare” (1656)
olja på duk, 194 x 250 cm
Historiska Museet, Amsterdam

Sammanfatning

Konsten att lura ögat har fascinerat i alla tider. Trompe l´oeil kan uttryckas i oändliga former, viktigaste att verken ska upplevas som det som avbildats. En ständigt lek mellan verkligheten och fiktion, en bedrägeriets trick som öppnar våra ögon för sanningen.

Tavlor är bilder för sig själva. De visar ett föremål, visar dess egenskaper, attribut, dess form, syfte, känsla … och faktiskt inte mycket mer än så. De visar det på ett sådant sätt att det verkar så verkligt som möjligt, eftersom de är ett spel mellan betraktaren och målare, ett spel som kallas illusion.

KÄLLOR:

https://www.nationalgalleries.org/art-and-artists/4897/virgin-and-child-angels

https://www.svd.se/en-obandig-lust-att-stiga-ut-ur-ramen

Jean Baudrillard ”Conspiracy of Art” (2005)

Britt Tunander ”Bländverk. Trompe l`oeil-konsten som bedrar ögat” (2008)

En gång
Månadsvis
Årligen

Gör en donation en gång

Gör en donation en gång i månaden

Gör en donation en gång om året

Välj ett belopp

30,00 Skr
90,00 Skr
600,00 Skr
30,00 Skr
90,00 Skr
600,00 Skr
30,00 Skr
90,00 Skr
600,00 Skr

Eller ange ett anpassat belopp

Skr

Ditt bidrag uppskattas.

Ditt bidrag uppskattas.

Ditt bidrag uppskattas.

DoneraDonera en gång i månadenDonera en gång per år

Samlare och deras samlingar.

En fantastisk konstresa till olika kuriosakabinettet i Italien, England, Prag, Mantua, Urbino, Danmark. Från vetenskapliga föremål till samlingar av mineraler, djur och ädelstenar.
Enjoy!

Studiolo i Palazzo Ducalo (Urbino)

Italienska studiolo.

När renässansen svepte genom Italien, påbörjades kulturella förändringar på olika furstliga hoven. Vetenskapsmännen samlade akademiska instrument och ädelstenar (gemmer), medan humanister koncentrerade sig på forntida skulpturer, mynt och manuskripten. På bilden finns studiolo – ett avskilt rum i Palazzo Ducalo skapat för hertigen av Urbino, Federico da Montefeltro (1422-82). Dessa rum innehöll konstnärliga föremål, böcker, gamla handskrifter och andra kunskaps symboler associerades med antiken.

Studiolo var ett tecken på status och avslöjade den humanistiska intresse hos härskare. Å ena sidan var Federico da Montefeltro en kapabel militär ledare, å andra sidan en produktiv beskyddare för konsten. Han samlade böcker och manuskript, hade även en scriptorium med egna kopister och fick han ett symboliskt smeknamn ”Italiens ljus”. Bakom projektet stod Francesco di Giorgio Martini (1439-1502) och Luciano Laurana (ca.1420-79). Arbete utfördes mellan 1478-82. Rummet var faktiskt liten 3,60 x 3,35 m. Intarsiaarbete med illusionistiska målade hyllor är det mest kända exemplet på den typ av konsten i Italien.

En armillarsfär ( ett sfärisk astrolabium) och en kvadrant avbildad genom användning av intarsia
Metropolitan Museum of Art
Musikaliska instrumenter

En fantastisk samling skapade den furstliga paret Isabella d`Este (1474-1539) och Francesco II Gonzaga (1466-1519) från Mantua. Isabella var en framstående intellektuell kvinna, utbildad av kända humanister. Paret bodde i Castello di San Giorgio och två rum var till hennes privat bruk, hennes egen studiolo. Isabella använde rum för fritidsintresse: skrivning, studier och korrespondens samt att visa forntida föremål och samling på konstverk. Hon älskade musik, poesi och fick smeknamnet ”den tionde musen”. Hon var bekant med tidens berömda artister. Andrea Mantegna (1431-1506) utförde några målningar till Isabella som:

  • Parnas” (1497) avbildade Mantegna furstinna som Venus och hennes man, Francesco II Gonzaga som Mars
  • ”Dygdens triumf” (1499-1502) målad enligt Isabellas önskemål. Hon värderade högt Mantegnas målningar och han själv satte en ouppnåbar nivå för många konstnärer som arbetade med att dekorera Isabellas studiolo
Andrea Mantegna ”Parnassus” (1497) tempera och guld på duk,
159 x 192 cm

Louvre
Detalj: Pegasus och Mercurius
Andrea Mantegna ”Dygdens triumf” (1502), 160 x192 cm
Louvre, Paris
  • Lorenzo Costa (1460-1535) efterträdde Mantegna som målare vid hovet i Mantua och utformade ”Allegori av Isabellas d`Estees kröning” och ”Regeringstid av Comus” två mytologiska målningar baserade på Mantegnas teckningar.
Lorenzo CostaRegeringstid av Comus” (1506-11)
tempera på duk, 152 x 238 cm
Louvre, Paris
Lorenzo Costa ”Allegori” (
olja och tempera på duk, 164,5 x 197,5 cm
Louvre, Paris

Isabella hade en stor passion för att samla antika skulpturer, begränsat endast av pengar och det påvliga förbudet att exportera sådana föremål från Rom. Oavsett förbud lyckades hon att ha i sina samlingar skulpturer från Nasso, Rodi och fragment av mausoleum i Halicarnassus. Markisinna av Mantua hade egna konstagenter genom vilka köpte hon vaser, gemmer, byster, medaljer och även en ”enhörningshorn”.

Kamé från ptolemaiska tider (ca.300 f.Kr)
Kunsthistorisches Museum, Wien
Giovanni Christoforo Romano (1456-1512)Minerva
Medaljör från Rom
.

Giovanni Christofano Romano ”Isabella d`Este” (1500)
Tizian ”Porträtt av Isabella d`Este” (ca.1534-36)
oil on canvas, 102 x 64 cm
Kunsthistorisches Museum, Wien

NORDEUROPEISKA KURIOSKABINETTEN.

Medan i Italien skapades ”studiolo” i norra delar av Europa har åstadkommit kurioskabinetten eller wunderkammer (kuriosum). En samling av märkvärdiga föremål kunde innehålla allt, från tavlor till ett uppstoppat vild djur. Kunstkammerer var föregångarna till museer. Den första kända användningen av ordet gjordes i samband med samlingen av Ferdinand I (1503-64), tysk-romersk kejsare. Ambitionen var hög: han ville visa upp så mycket kunskapens intresse som möjligt.

En stort kollektion hade ärkehertig Ferdinand II av Tyrol (1529-95) på Ambras -slottet vid Innsbruck, sammanförd av vapen, böcker, handskrifter, porträtt, sällsynta manuskripten och mynten. 1806 flyttades kollektion till den österrikiska Wien under namnet ”Ambraser Sammlung”.

Slottet Ambras, nära Innsbruck är vacker belägen 628 m.ö.h. på en pittoreskt klippa.
Interiör

Albert V, hertigen av Bayern (1528-79) tävlade med Ferdinand och skapade sin egen kunstkamera. Som förmedlare och konstagent jobbade för honom Jacopo da Strada (1507-88), vilken reste runt i Europa i jakt efter värdefulla föremål. Albert köpte hela samlingar i Rom och Venedig: medaljer, mynt, marmorbyster och statyer. För att utrymma samlingen byggdes Antiquarium (1568-71) baserat på idéer av Jacopo da Strada. Hallen i bottenvåningen-69 meter lång, är en av största renässanshallen norr om Alperna.

TizianJacopo da Strada ” (1567-68)
oil on canvas, 125 x 95 cm
Kunsthistorisches Museum, Wien
Antiquarium (1568-71)

En mycket intressant och enastående kollektion hade Rudolf II Habsburg (1552-1629). Den tysk-romersk kejsare, kung av Ungern och Böhmen kände sig bättre på slottet Hradczany i Prag, än i Wien och därför flyttade han sitt kejserliga hovet till den böhmiska huvudstaden. Här kunde han ägna sig åt sina intresse; för konst och vetenskap, astrologi och alkemi. Till Prag lockade kejsaren de flesta kända artister. Rudolf var uttråkad på politik och lämnade makten till sin bror Mattias. Konstsamling blev hans fetisch och besatthet. Den tillhörde till största på den tiden. Det räcker att nämna berömda konstnärer som:

  • Arcimboldo (1527-1593) en hovmålare, som organiserade bland annat dekorativa ceremonier och processioner. Hans stil var mycket excentrisk och anpassat till Rudolfs förväntningar. Allegoriska porträtt av kejsare består av frukter, grönsaker och växter.
Rudolf II avbildad som Vertumnus (den föränderlige) den romerska trädgårdsguden.
Porträtten befinner sig i Skokloster slott (Håbo kommun) plundrat av svensk arme från Prags slott
under 30-åriga kriget!
  • Pieter Brueghel den äldre (1526/30- 1569) utförde ”Babels torn” i 1563
Pieter Breugel (1563)
oil on panel, 114 x 155 cm
Kunsthistorisches Museum, Wien

En Kunstkammer från Rudolf II:s tid.
Walters Art Museum
  • Antonio Correggio (1489-1534) älskade mytologiska motiven:
Correggio ”Jupiter och Io” (ca.1532)
oil on canvas,164 x 70 cm
Hos Rudolf II från 1603/4.
Kunsthistorisches Museum, Wien
Correggio ”Bortförandet av Ganymedes”(1530)
oil on canvas,163 x 72 cm
Kunsthistorisches Museum, Wien
  • Tizian (ca.1488-1576) känd av sina mytologiska tavlor som t.ex. ”Danae”(ca.1554)
Tizian ”Danae” (ca.1554)
oil on canvas, 135 x 152 cm
Kunsthistorisches Museum, Wien
  • Jacopo Tintoretto (1519-94) som fick sitt smeknamn ”den lille färgaren” eftersom han var son till en tintore (färgare)
Tintoretto ”Vintergatens ursprung” (ca.1575) en mytologisk målning skapad
i den venetianska, manieristiska stilen

oil on canvas, 148 x 165 cm
National Gallery, London
  • Gherard Emmoser (1553-1618) tillverkade unika instrumenter, här har vi jordklotet med urverk som roterade och kartlade konstellationer. Samtidigt oerhört vacker föremål! Pegasus bär världen på sina utsträckta vingar.
Himmel klott med urwerk (1579)
Metropolitan Museum of New York
  • Hans van Aachen (1552-1615) blev Rudolfs kammarmålare och utförde allegoriska målningar, kejserliga porträtter.
”Hans Van Aachen ”Bacchus, Ceres och Amor” (ca.1600)
oil on canvas, 163 x 113 cm
Kunsthistorisches Museum ,Wien
Hans Van Aachen ”Rudolph II, kejsare” (ca.1607)
färg på duk, 60 x 48 cm
Kunsthistorisches Museum, Wien

  • Albrecht Durer (1471-1528) målade ”Rosenkranzfest” i 1506
Albrecht Durer (1506) ”Rosekranzfest”
oil on panel,162 x 192 cm
National Gallery, Prag
Durer avbildade sig själv på höger sidan av tavlan.

Rudolf II Habsburg samlade verkligen på nästan allt som bara väckte hans intresse. Här har vi exempel på vackra illuminationer av växter och djur skapades av Joris Hoefnagel (1542-1600), en flamländsk konstnär, som företog vidsträckta resor för att dokumentera fauna och flora.

Illuminering från ”Mira calligraphiae monumenta”
(1561-62), Getty Center

I 1602 beordrade Rudolf II, i anledning av sin 50-årsdag, att utföra en extrem värdefull krona bestående av sällsynta ädelstenar och pärlor. De fyra gyllene fälten visar härskare som fältherre (Imperator), som kejsare (Augustus), nästa två som Rex Hungriae et Bohemiae. Kronan är 28,3 cm hög och tillverkades av Jan Vermeyen (guldsmedaren från Bryssels).

Den kejserliga kronan. Skattkamare i Hofburg (Wien)

En av de mest värdefulla föremål var kamé kallades Gemma Augustea, från romerska tider, daterad 9 e.Kr-12 e.Kr.

Gemma Augustea
19 x 23 cm, Kunsthistorisches Museum, Wien

Rudolf kände att ingen kommer att ta hand om hans samling, han gjorde aldrig någon inventering…

Den första granskningen gjordes sju år efter kejsarens död och det visade sig att kollektion inkluderade 3000 målningar, 2500 skulpturer- tusentals föremål uppskattades till 17mln. floriner.

Under 1600-talet upphördes kunstkammerer att vara domänen för härskare. Rika medborgare, läkare, biskopar började själv samla på vackra föremål. En viktigt samling hade en dansk kunglig medikus och antikvarie Olaf Worm (1588-1654). Musei Wormiani var en riktigt ”kabinett av underligheter”.

1655 – Frontstycket från ”Museum Wormianum” som visar samlingen.

Med sin omfattande lärdom bidrog Olaf Worm till intressanta vetenskapliga disputationer. Han kunde läsa runstenar (texter skrivna med runskrift) och samlade på en tidig skandinavisk litteratur. Hans korrespondens innehåller brevväxling med 142 vetenskapsmännen.

En flamländsk konstnär, Frans Francken den yngre (1581-1642) avbildade kuriosakabinetten på en av sina tavlor. Hans favoritämne var bilderna av målnings gallerier som fyllde han med reproduktioner av olika tavlor med oerhört detaljerad precision!

Frans FranckenEtt samlargalleri” (ca.1638)
oil on panel,115 x 148 cm
Sammlung Schönborn-Buchheim
Frans Francken ”Konstkammaren och rariteter” (1636)
oil on panel, 86,5 x 120 cm
Kunsthistorisches Museum, Wien

Domenico Remps (1620-99), en italiensk målare om tysk eller flamländsk bakgrund, framställde en kunstkamera med sällsynta föremål av naturligt ursprung, såsom koraler, snackisar och andra ovanligheter. Denna trompe-l’oeil-målning suddar ut gränsen mellan verkligteten och fiktivt utrymme.

Domenico Remps ”Kabinett av underligheter” (ca.1690)
oil on canvas, 99 x 137 cm
Museo dell’Opificio delle Pietre Dure, Florence

Hur har det varit i andra länder i Europa?

I olika kuriosakabinetten samlade man tavlor och manuskriptet. Urvalskriterierna var inte så tydliga. Den typiska konstkammare kunde innehålla allt från oljemålningar till snäckskal, allt från natur och kultur! Ibland räckte inte utrymme till den växande kollektioner. Då byggdes man om huset att möjliggöra förvaring.

Inigo Jones (1573-1652), en känd engelsk arkitekt fick uppdrag att designera Arundel House för Thomas Howard, 21 earl of Arundel (1585-1645) – en pionjär genom konstsamlingen i England. Lord Howard samlade allt som var ”crème de la crème” i dåvarande konst: från ritningar av Leonardo da Vinci till tavlor av Raphael Santi, Hans Holbein, Parmigiano och Albrecht Durer. Många av dessa finns nu på Royal Library Windsor Castle eller på Chatsworth. Den arundelska antiksamlingen skänktes så småningom till Oxford. Lord Arundel uppköpte själv dels av statyer, byster och gemmer under sina resor till Italien, dels genom konstagenter. Allt för sitt otroligt galleri.

P. P .Rubens ”Thomas Howard”(1629-30)
Isabella Stewart Gardner Museum, Boston
Daniel Mijtens ”Earl of Arundel” (ca. 1618)
National Gallery, London
P. P. Rubens ”Thomas Howard” (1630)
oil on canvas, 67 x 54 cm
National Gallery, London

Den Augsburgska konstskåpet från Uppsala.

Vi kommer att avsluta vår resa i den underbara Uppsala. Jag tror, att ni vet vad ska det handla om. Den Augsburgska konstskåpet är ett kuriosakabinett som tillhört den svenska kungen Gustav II Adolf, tillverkat av Philipp Hainhofer (1578-1647), en känd konsthandlare. Skåpet var en gåva av Augsburgs borgerskap till kungen, vid hans intåg till staden, den 24 april 1632 (under 30-åriga kriget).

Det underbara konstvitrin innehåller upp emot 1000 föremål. Samling på olika material från djur- och mineralriket. Lådor och dörrar är pryds av måleri, mineraler, ädla stenar. År 1694 donerade kung Karl XI skåpet till Uppsala universitet, till nybyggda Gustavianum.

Bildresultat för den augsburgska konstskåpet
https://gustavianum.uu.se/samlingar/konstsamlingar/utstallningar/augsburgska-konstsk%C3%A5pet/

Kuriosakabinettens storhetstid var under 1600-talet och första hälften av 1700-talet. Syftet var att visa på att skåpets ägare var en bildad person och hade råd att omge sig med dyraste och vackraste föremål. Den vetenskapliga utvecklingen under upplysningstiden orsakades att kunstkamera blev en sagohistoria. Samlingar blev kärnan till museer-uppstod. Ett furstlig mode att samla vackra föremål har förekommit från Italien och nådde norra Europa. Kollektioner institutionaliserades och låg de grunden för bland annat British Museum, Kunsthistorisches Museum och andra fantastiska museibyggnader.

En gång
Månadsvis
Årligen

Gör en donation en gång

Gör en donation en gång i månaden

Gör en donation en gång om året

Välj ett belopp

30,00 Skr
90,00 Skr
600,00 Skr
30,00 Skr
90,00 Skr
600,00 Skr
30,00 Skr
90,00 Skr
600,00 Skr

Eller ange ett anpassat belopp

Skr

Ditt bidrag uppskattas.

Ditt bidrag uppskattas.

Ditt bidrag uppskattas.

DoneraDonera en gång i månadenDonera en gång per år

Samla på konst och böcker

Samla på konst och böcker – passion, kultur och själens rikedom

Att samla på konst och böcker är mer än ett intresse – det är en livsstil, ett uttryck för personlighet, nyfikenhet och kärlek till det vackra, det tankeväckande och det tidlösa. Både konst och litteratur bär på berättelser, känslor och idéer som sträcker sig över generationer. De fångar ögonblick, tankar och stämningar, och de växer med oss.

Att börja samla, oavsett om det handlar om målningar, grafiska tryck, fotografier eller böcker, innebär att man öppnar dörren till en värld av upptäckter – en värld där historia, estetik och intellekt möts i ett personligt universum.


🎨 Konstsamlande – när känsla möter uttryck

Att samla konst handlar inte bara om att äga vackra ting, utan om att skapa en dialog mellan betraktaren och verket. Varje målning, skulptur eller fotografi bär på ett budskap – något konstnären velat förmedla – men också något som betraktaren själv tolkar och upplever.

När du samlar konst bygger du långsamt en berättelse. Det kan vara en samling kring ett tema, en stil eller en epok – eller något helt personligt, där varje verk representerar ett särskilt ögonblick i ditt liv.

💡 Varför samla konst?

  • Själens spegel: Konst väcker känslor, tankar och reflektion. Ett konstverk kan förändra ett rum – och ibland även ett humör.
  • Kulturellt arv: Varje verk är en del av vår historia och samtid. Att samla konst är att bevara och hedra kultur.
  • Investering: Vissa samlar konst som ett långsiktigt värde, men den största vinsten är ofta emotionell.
  • Personlig identitet: Din samling speglar dig – din smak, dina drömmar, din utveckling.

Oavsett om du samlar på etablerade konstnärer eller upptäcker nya talanger, handlar det om kärleken till uttrycket. Ett litet galleri hemma, en tavla på väggen eller en skulptur i bokhyllan – varje detalj säger något om vem du är och vad du värdesätter.


📚 Böcker – samlarens tysta skatt

Att samla på böcker är en konst i sig. Doften av papper, tyngden i handen, känslan av att bläddra i sidor som burit tankar i hundratals år – det är något magiskt.

En boksamling kan vara både ett bibliotek av kunskap och en skatt av minnen. För vissa handlar det om att hitta första utgåvor, signerade exemplar eller sällsynta tryck. För andra handlar det om att samla det man älskar att läsa – romaner, poesi, filosofi, historia, konstböcker eller biografier.

💫 Varför samla på böcker?

  • Berättelser som följeslagare: Böcker ger perspektiv, tröst och inspiration. Varje bok är ett fönster till en annan värld.
  • Kunskap och bildning: En boksamling representerar nyfikenhet och livslångt lärande.
  • Skönhet och hantverk: Många böcker är vackra föremål i sig – med omsorgsfullt formgivna pärmar, illustrationer och typografi.
  • Historia och nostalgi: Gamla böcker bär på en särskild själ – de har funnits i någon annans händer, kanske älskats av någon för länge sedan.

Böcker förlorar aldrig sitt värde i tidens lopp. Även i en digital värld där e-böcker och ljudböcker tagit plats, finns det något oersättligt i att hålla en riktig bok i handen.


🌟 När konst och böcker möts hos marica.se

Det finns något särskilt vackert i att låta konst och litteratur mötas i en samling. Konstnärer inspireras ofta av författare, och författare av konstnärer. Många stora verk inom båda områden har vuxit ur samma kreativa källa – en önskan att förstå världen och uttrycka mänskliga känslor.

Att ha böcker om konst i sin samling är också ett sätt att fördjupa sitt intresse. Konstböcker med illustrationer, biografier om konstnärer eller essäer om estetik ger både kunskap och inspiration. På samma sätt kan konstverk med litterära teman – illustrationer av dikter, målningar inspirerade av romaner – skapa en visuell berättelse som kompletterar det skrivna ordet.

Ett hem där konst och böcker får samspela blir en plats för tankar, idéer och drömmar. Ett rum där ögat och sinnet möts. Böcker film ljudböcker online hos marica.se


🏛️ Hur man börjar samla

Att börja samla konst eller böcker behöver inte vara dyrt eller komplicerat. Det viktigaste är att följa sin smak och sitt hjärta.

Börja smått – men med känsla

  • Besök gallerier, antikvariat och konstmarknader.
  • Leta efter verk och böcker som verkligen talar till dig.
  • Fokusera inte enbart på värde – utan på upplevelse.

Lär dig om det du samlar

Ju mer du lär dig om konstnärer, epoker, författare och förlag, desto mer medvetna blir dina val. Att förstå historien bakom ett verk gör det ännu mer levande.

Vårda din samling

Både konst och böcker kräver omsorg. Förvara dem rätt – skydda böcker från fukt och sol, och häng inte konst i direkt solljus. En väl omhändertagen samling blir vackrare med åren.


💬 Samlande som livsfilosofi

Att samla på konst och böcker är inte bara en hobby – det är en livsfilosofi. Det handlar om att värdesätta tid, kultur, skönhet och tanke i en värld som ofta går för fort.

Varje verk, varje bok, blir en påminnelse om något större: mänsklig kreativitet, kunskapens kraft och den ständiga längtan efter mening.
En samling blir därför inte bara ett ägande, utan ett arv – något som växer med dig och kanske går vidare till nästa generation.


🌿 Sammanfattning

Att samla på konst och böcker är att bygga sin egen värld. En värld av färger, ord, känslor och berättelser. Det är att låta sig inspireras av andra människors visioner, men också att skapa sin egen identitet genom det man väljer att omge sig med.

Böcker ger näring till tanken.
Konst ger näring till själen.

Tillsammans bildar de en av livets mest givande kombinationer – ett ständigt pågående samtal mellan dåtid, nutid och framtid.
För den som samlar, samlar inte bara på ting – utan på kultur, minnen och livets innersta mening.

RYTTARSTATYER- symbolik och ikonografi.

Den vacker ryttarstatyn föreställer en romersk kejsare Marcus Aurelius till häst och det stor mitt på Piazza del Campidoglio i Rom. Monumenten utfördes
omkring 178 e.Kr. av en anonym artist. På 800-talet placerades statyn i påvens residens i Lateran. År 1538 flyttades den till Capitolium, ritades av Michelangelo Bounarroti tillsammans med de omgivande byggnaderna. Konstnären gjorde också en piedestal för statyn!

Detta skulptur fanns på torget fram till 1981, då det beslutades att flytta det till Musei Capitolini och ersätta det med en modern kopia.

En tradition av ryttarstaty har romerskt ursprung och utvecklade sig ur härskarbilderna med kejsaren till häst i striden eller i triumf. Urbilden var alltid Marcus Aurelius från Capitolium. Tradition återföddes under renässansen, fortsatt i barocken och i moderna tider. Statyerna framställde krigare, som segrade viktiga slag och blivit minnesvärda för nästa generationer.

Första fristående skulpturen sedan antiken utförde Donatello (1386-1466).

Vem är riddare? Kondottiären Erasmo da Narni (känd som Gattamelata) försvarade den venetianska republiken. Statyn stor i Padua på Piazza del Santo. Man kan fråga varför i Padua? Venedig erövrade den grannstad i 1405 och under närmaste 300 år förblev Padua venetiansk (1405-1797).

Donatello utformade staty mellan 1447-50.

Donatello skildrade Gattamelata som en sammansatt och mogen ledare, sittande på en realistisk avbildad hästen. Båda verkar vara redo för strid. Konsthistoriker diskuterar om detta staty är gravmonument eller minnesmärke till Gattamelata. Allting talar för den första teorin. Sockeln under hästen består av två reliefer med falska dörrar under. Dörrarna symboliserar undervärldens ingång och ger en känsla av en grav, även om monumentet aldrig var en begravningsplats.

En intressant exempel på riddarstatyn är en freskomålning skapades av Paolo Uccello (1397-1475). Konstnären fick uppdrag från den florentinska domkyrkan. Väggmålning avbildar en engelsk legosoldat, sir John Hawkwood, som kämpade på den italienska sidan. Ryttarstatyn är unik exempel på perspektiv och detta enorm storleken (820 x 515 cm) hade en propaganda ändamål. Det handlar om representativa fördelar med att vara i tjänsten hos Republiken Florens!

Paolo Uccello ”Ryttarstatyn av John Hawkwood”(1436 )
Duomo, Florence

Ursprungligen skulle kondottiär ha ett monument, men på grund av brist på pengar beslutades att hedra hans minne på ett billigare sätt. Uccello målade ryttarstaty som fresk på väggen. Han gjorde några korrigeringar av perspektiv och helheten syns från lång borta, vad skapar lite onaturliga känslor av monumentalitet. På 1800-talet överfördes fresken till duken.

En annan florentinsk målare och skulptör Andrea del Verrocchio (1435-88) fick förslag från den venetianska Stora rådet att skapa Bartolomeos Colleoni monument. Kondottiären dog i år 1475 och lämnade i sitt testamentet 100.000 dukater till sin egen staty, som han föreställde sig att placera centralt på Markusplatsen. Colleoni var Italiens yrkeskrigare, utnämndes till general ledare under planerade anfall mot Turkarna.

1483 presenterade Verrocchio en modell av bronsstaty och efter olika diskussioner gjutades skulpturen. Men konstnär dog samma år, innan hans arbete var fullbordat. Riddarstatyn uppställdes 1493 på en helt annan ställe, framför kyrkan Santi Giovanni e Paolo.

Ryttare och häst verkar vara enhet.
Strax före anfallet!

Vissa renässans skulptörer genomförde ambitiösa projekt som t.ex. Antonio Pollaiuolo (ca. 1430- 1498). Han arbetade för Ludovico Sforza (Il Moro), hertig av Milano. Planer att skapa en ryttarstaty av hans kända far, Francesco, cirkulerade runt florentinska studior. En bronsstaty skulle utföra också Leonardo da Vinci.

Antonio Pollaiuolo ”Studium till ryttarstaty av Francesco Sforza” (1489)
The Metropolitan Museum of Art, New York, Robert Lehman Collection
Leonardo da Vinci, första prov till bronsstaty
(1490)
Royal collection

Studien för att förverkliga detta hästmästare började 1482, när Ludovico il Moro föreslog för Leonardo att bygga den största ryttarstatyn i världen. Da Vinci arbetade under tre år och utvecklade en ny bronsgjutning teknik. Han kom på tanke om ett järnställning som skulle förstärka monumentets struktur. När allt var förberett för gjutningen, visade sig att insatser behövs till nytt krig.

Il Moro stödjade sin svåger Hercules d´Este i konflikt med den franska kungen Ludvik XII. Politiska omständigheter har vunnit med konsten! Da Vinci har återkommit till ryttarstatyer under sina år i Milano.

En ny kondottiär Gian Giacomo Trivulzio (1440-1518) beordrade att han ska utföra hästmonument. Skulpturen skulle placeras inuti kapellet i en naturlig storlek. Konstnären skapade även en rik dekorerad arkitektonisk piedestal. Tyvärr i 1512 förlorade Trivulzio makten i Milano och tanken på att fortsätta arbete drevs åt sidan. Ingen av projekten genomfördes av tekniska eller politiska skäl.

Leonardo da Vinci ”En skiss till ryttarstaty” (ca.1511)
Royal Collection

Ryttarstatyer har under epoker varit en form att avbilda fältherrar och regenter, att förverkliga i skulptur deras makt, position. Det var samtidigt symbol och bekräftelse på härskarnas rättsliga styre.

Döda hjältar och sagolika segrare. Statyer placerades med flit i centrala delar av städer. Meningen var att alla medborgare och besökare skulle ses dem av alla sidor och minnas deras stora handlingar.

Finns det någon konstnärsförening i Sverige?

Ja, det finns flera konstnärsföreningar i Sverige som verkar för att stödja och främja konstnärer och konstlivet i landet. Dessa föreningar erbjuder allt från nätverk och kunskap till juridiskt stöd och möjligheter att ställa ut konst. Här är några av de mest framstående konstnärsföreningarna i Sverige: Kanske gillar du digital konst och kultur


1. Konstnärernas Riksorganisation (KRO)

KRO är en av de största och mest välkända föreningarna för professionella konstnärer i Sverige. Den grundades 1937 och arbetar för att förbättra villkoren för konstnärer genom politiskt påverkansarbete, stöd och rådgivning. Medlemskapet är öppet för konstnärer som uppfyller vissa professionella krav, och KRO erbjuder bland annat hjälp med avtal, upphovsrätt och andra juridiska frågor.


2. Svenska Konstnärsförbundet (SKF)

Svenska Konstnärsförbundet är en rikstäckande förening för yrkesverksamma konstnärer och hobbykonstnärer. De erbjuder medlemmar möjligheter att delta i utställningar, workshops och utbildningar. SKF är särskilt populärt bland konstnärer som vill nätverka och utvecklas inom sitt konstnärskap.


3. Sveriges Konsthantverkare och Industriformgivare (KIF)

KIF är en förening för konsthantverkare och formgivare i Sverige. Föreningen arbetar för att stärka dessa yrkesgruppers position och synlighet på konst- och designscenen. De erbjuder även rådgivning och stöd till sina medlemmar.


4. Svenska Tecknare

Svenska Tecknare är en intresseorganisation för illustratörer, grafiska formgivare, serieskapare och animatörer. Föreningen erbjuder juridisk rådgivning, avtalshjälp och möjligheter att delta i olika utställningar och projekt.


5. Grafikens Hus

Grafikens Hus är en ideell förening och ett konstcentrum som är dedikerat till grafik och tryckkonst. De anordnar utställningar, workshops och utbildningar för konstnärer som arbetar med grafiska tekniker.


6. Regionala konstföreningar

Det finns också många lokala och regionala konstnärsföreningar i Sverige som erbjuder möjligheter för konstnärer att ställa ut sina verk och nätverka. Exempel på sådana föreningar är:

  • Stockholms konstnärsförening
  • Göteborgs konstförening
  • Skånes konstförening
  • Konstnärscentrum (Norr, Väst, Öst, Syd), som är uppdelade i regioner för att stötta konstnärer lokalt.

7. Föreningen Svenska Konstnärinnor (FSK)

Denna förening fokuserar på att lyfta kvinnliga konstnärer i Sverige. Föreningen arbetar med utställningar, stipendier och projekt för att synliggöra kvinnors bidrag till konstvärlden.


8. Konstfrämjandet

Konstfrämjandet är en riksorganisation som samarbetar med konstnärer för att sprida och tillgängliggöra konst för allmänheten. De driver projekt och utställningar över hela landet.


Vad erbjuder dessa föreningar?

De flesta konstnärsföreningar erbjuder:

  • Nätverk och kontakter: Möjlighet att träffa andra konstnärer och branschpersoner.
  • Rådgivning: Hjälp med juridiska frågor, avtal, upphovsrätt och marknadsföring.
  • Utställningsmöjligheter: Deltagande i utställningar, salonger och konstprojekt.
  • Utbildning och utveckling: Workshops, föreläsningar och kurser.
  • Stipendier och bidrag: Information och ansökningsmöjligheter till olika stödprogram.

Om du är konstnär och vill engagera dig i en förening kan det vara värt att undersöka både de nationella och lokala alternativen för att hitta en som passar dina behov och din konstnärliga inriktning.

Att använda rätt konst när man ska inreda ett konstmuseum och att använda ett CRM system Sverige som lämpar sig för svenska företag

Speciellt när man börjar investera i aktier nybörjare. Ett CRM-system (Customer Relationship Management) kan vara ett ovärderligt verktyg. För att hantera och organisera kundrelationer, säljprocesser och marknadsföringsaktiviteter.

Aktier för nybörjare – en komplett guide till att börja investera

Att börja med aktier kan kännas både spännande och lite skrämmande. Många tror att man måste vara ekonomiexpert för att förstå aktiemarknaden, men sanningen är att vem som helst kan lära sig grunderna. Det viktigaste är att förstå hur aktier fungerar, varför man investerar och hur man gör det på ett klokt sätt.


💡 Vad är en aktie?

En aktie är en andel av ett företag. När du köper en aktie blir du delägare – om än en liten – i det företaget.
Det betyder att du får rätt till en del av vinsten, och du kan även påverka företaget genom att rösta på årsstämman (om du äger tillräckligt många aktier).

Företag ger ut aktier för att få in kapital. De pengar du och andra investerare betalar för aktierna används för att växa verksamheten – till exempel för att utveckla nya produkter, anställa personal eller expandera internationellt.


💰 Hur tjänar man pengar på aktier?

Det finns två huvudsakliga sätt att tjäna pengar på aktier:

  1. Kursuppgång (värdestegring)
    Om du köper en aktie för 100 kronor och säljer den senare för 150 kronor, har du gjort en vinst på 50 kronor. Aktiekurser stiger när marknaden tror att företaget kommer att tjäna mer pengar i framtiden.
  2. Utdelning
    Många företag delar ut en del av sin vinst till aktieägarna en gång per år. Detta kallas utdelning. Till exempel kan ett företag ge 5 kronor i utdelning per aktie varje år – vilket fungerar som en form av “ränta” på ditt ägande.

🧠 Hur fungerar aktiemarknaden?

Aktier handlas på börsen, som fungerar som en marknadsplats där köpare och säljare möts.
I Sverige är den största börsen Nasdaq Stockholm (tidigare Stockholmsbörsen).

Priset på en aktie bestäms av utbud och efterfrågan – om fler vill köpa än sälja går priset upp, och tvärtom.
Aktiemarknaden påverkas av många faktorer: företagets resultat, konjunktur, inflation, räntor, politiska beslut och till och med känslor och rykten.


📊 Vad påverkar aktiens pris?

Priset på en aktie styrs inte slumpmässigt – det bygger på förväntningar om framtiden.
Några viktiga faktorer är:

  • Företagets vinst och tillväxt: Ju bättre resultat, desto högre värdering.
  • Branschens utveckling: Teknikaktier kan t.ex. gå upp när nya innovationer lanseras.
  • Räntor: När räntan är låg blir aktier ofta mer attraktiva än sparkonton.
  • Ekonomin i stort: Inflation, sysselsättning och global handel påverkar börsen.
  • Psykologi: Marknaden styrs även av känslor – rädsla, girighet och optimism.

🪙 Hur börjar man investera i aktier?

Att börja med aktier är enklare än många tror. Här är stegen:

  1. Öppna ett investeringskonto
    De vanligaste kontotyperna är:
    • Investeringssparkonto (ISK)
    • Kapitalförsäkring
    • Aktie- och fondkonto
    ISK är mest populärt bland nybörjare eftersom det är enkelt och skattemässigt fördelaktigt.
  2. Sätt upp ett mål
    Varför investerar du? För pensionen, ett framtida husköp, eller bara för att lära dig?
    Ditt mål avgör hur mycket risk du bör ta och hur långsiktigt du ska tänka.
  3. Börja smått
    Du behöver inte mycket pengar för att börja. Många börjar med några hundralappar i månaden.
    Det viktigaste är att komma igång och lära sig längs vägen.
  4. Köp dina första aktier
    Börja med stora och stabila bolag – ofta kallade “blå chip-bolag” – som har lång historik och stabila vinster.
  5. Sprid riskerna (diversifiera)
    Köp aktier i flera olika branscher och företag. Om ett bolag går dåligt påverkar det då inte hela portföljen.
  6. Var långsiktig
    Aktier går upp och ner på kort sikt, men historiskt har börsen alltid stigit på lång sikt.
    Tänk minst 3–5 år framåt.

⚖️ Risker med aktier

Alla investeringar innebär risk. Värdet på aktier kan både stiga och falla, och det finns ingen garanti för att du får tillbaka pengarna du satsat.
Vanliga risker:

  • Marknadsrisk: Hela börsen kan falla vid kriser.
  • Bolagsspecifik risk: Ett enskilt företag kan gå sämre än väntat.
  • Likviditetsrisk: Vissa aktier är svåra att sälja om få vill köpa.

Det viktigaste är att inte lägga alla ägg i samma korg – sprid investeringarna och investera bara pengar du inte behöver inom kort tid.


📆 Långsiktighet är nyckeln

Den största hemligheten bakom framgångsrikt aktiesparande är tid.
Genom att låta pengarna växa över flera år, och återinvestera utdelningar, utnyttjar du ränta-på-ränta-effekten.

Exempel:
Om du investerar 1 000 kronor i månaden i 20 år med en genomsnittlig avkastning på 8 % per år, har du över 590 000 kronor – trots att du bara satt in 240 000.


🧩 Vanliga misstag nybörjare gör

  1. Försöker tajma marknaden
    Ingen vet när börsen ska gå upp eller ner. Det är bättre att investera regelbundet än att vänta på “rätt läge”.
  2. Följer känslor
    Rädsla och girighet kan leda till dåliga beslut. Ha en strategi och håll dig till den.
  3. Köper för “snabba vinster”
    Kortsiktiga spekulationer kan vara lockande men är sällan lönsamma i längden.
  4. Ignorerar avgifter
    Höga courtageavgifter eller dyra fonder kan minska din avkastning.

🧭 Tips för ett framgångsrikt aktiesparande

  • Sätt upp en månadssparplan – investera regelbundet, oavsett marknadsläge.
  • Läs på om företagen du investerar i. Förstå vad de gör och hur de tjänar pengar.
  • Fokusera på stabila bolag med starka finanser och bra historik.
  • Ha tålamod – stora resultat kommer över tid, inte över natt.
  • Följ inte paniken i media. Börsen går alltid i vågor.

Maria Sibylla Merian (1647-1717): vetenskap och konst.

När vetenskap och naturen mötas med konst.

Det vacker ordet ”entomolog” förekommer från grekiska och benämner insekter, deras beteende, livscirkel och vanor. Småkrypar, spindlar, fjärilar och andra…

Verkligen, ett ovanligt intresse.

Maria porträtterad av Jacob Marell (1679) 
oil on canvas, 59 x 50,5 cm 
Kunstmuseum, Basel

Maria Sibylla Merian föddes den 2 april 1647 i Frankfurt am Main i Tyskland. Hennes far Matthäus Merian var en känd gravör och jobbade med kopparplåtar. Han dog när hon var en liten flicka och hennes mamma gifte sig om med en botanisk stillebenmålare Jakob Marell (1614-81).

Jacob Marell ”Stilleben”
olja på duk, 60 x 46 cm,
Dorotheum auktion

Maria hade tur i livet! Styvpappan uppmuntrade henne att arbeta vid hans sida: att teckna blommor och måla. Hon hjälpte i hans ateljé och började observera insekter.

Tjejen hade en vetenskapligt instinkt, en avgörande känsla att pupporna går genom metamorfos-processen. ”Larverna tappar huden flera gånger, precis som en man tar av sig skjortan”- så där skriver 13-åring Maria i sina anteckningar. Hon ägnade sig åt vetenskap under en tid när detta var väldigt ovanligt intresse för kvinnor.

28-år gammal Maria Sibylla publicerade sin första bok med illustrationer ”Neues Blumenbuch” (1675) och kort därefter släppte hon ”Der Raupen wunderbare Verwandlung” (”Den mirakulösa omvandlingen av larven och dess speciella blomsaft”), där hon med egna etsade koppartryck framställde larvernas metamorfos. Illustrationer som hon utförde är som en liten konstverk. Alla är handfärgat!

Omslag till ”Der Raupen wunderbare Verwandlung” (1679)
Illustration CLXIX (1680)

1665 gifte sig Maria Sibylla med Andreas Graaf, en konstnär från Nürnberg och elev hos Jacob Marell. Paret skaffade två döttrar: Dorotea och Helena. Man och hustru arbetade tillsammans, de utförde kopparplåtar med blommor till kvinnor som broderade. Detta var ett krävande arbete. Låt mig bara skriva att akvareller brukade man trycka på plåt, senare överföra till papper och till slut handmåla tryckta grejer.

Men sådana mest dekorativ jobb var inte till Maria. Hon kände att hon är skapad till någonting större. Hennes äktenskap blev också en stor besvikelse…

Sommaren 1685 lämnade hon Andreas och reste med döttrar till Nederländerna. Där gick Maria Sibylla med i en religiös rörelse skapad av teologen Jean de Labadie (1610-74). Han ansåg sig vara en profet som kallades av den Helige Ande. Labadie lämnade jesuitorden för att genomföra de nödvändiga reformerna i kyrkan. Prästen samlade en grupp ”heliga” runt sig, för att förbereda dem inför Kristi rike. Rörelse har existerat även efter hans död.

I den labadistiska samfunden levde man enkelt, utan egendom, vilken lämnades till församlingskyrkan. Maria har avstått från allt hon hade, men inte heller från sin passion och kärlek till naturen. I den sekten fick hon kontakt med nederländska missionärer från Sydamerika vilka berättade om sina resor och otroliga växter från koloniala länder. Maria fick en otroligt idée! Många gånger besökte hon Hortus Medicus, en botaniska trädgården skapades i 1638 för att samla växter, örter och träd från det Västindiska Kompaniet.

Maria Sibylla bestämde sig att resa till Surinam. Resan tog två månader, hon packade papper, färger, preparatburkar och åkte med sin dotter Dorotea. 52-år gammal Maria följde sin passion!

Jag hade ingen aning vart ligger Surinam, detta liten land som gränsar till Brasilien och Guyana. Det stora delen är bevuxet av tropisk regnskog och där finns otroligt rikt fauna och flora. En riktigt paradis till naturforskarna. Att klara sig i den tryckande hetan var inte lätt. Maria Sibylla lärde sig från kreolska kvinnor vilka av växter och insekter är livsfarliga. Det ansträngande jobb och hårda omständigheter orsakade malaria hos henne. 1701 reste Maria med döttrar tillbaka hem till Nederländerna.

I Amsterdam blev Maria känd och populärt både bland konstnärer och vetenskapare. Hennes opus magnum har blivit bok ”Metamorphosis Insectorum Surinamensium” (1705) vilken innehåller 90 bilder med växter och insekter från den exotiska Surinam. Publikationen blev så populärt att den fick 19 utgåvor mellan år 1705-1771.
Västerlänningar fick skåda tropiska växter som ananas, banan, vanilj, guava i intensiva och vackra koppmålningar.

” Ananas och kackerlackor” (ca.1701-05),
Metamorphosis insectorum Surinamensium, Plate I.
Plate XXII
Koppargravyr ”Metamorphosis insectorum Surinamensium”
Nr. XXVII. Musa paradisiaca, (lat. kokbananer) 1705
”Duroia eriopila”, (Måreväxter) Plate XLIII
 Plate XX. (Thysania agrippina), Ugglefly
Illustration ”Spindlar i sina nät” (1705), nr.18
 
En papegojtulpan, aurikel och röda vinbär, med en krusbärsmätare, larv och puppa 31,6 x 26 cm
”Fulgora-fjäril och granatäpple” plate XLIX
Plate VI
Plate XLVIII
”Granatäpple” Plate IX
Plate XLV
Metamorphosis insectorum Surinamensium” , Plate XX.
Förändringar i de surinamiska insekterna” Plate XII

Denna färgglada bananväxt är en av Marias Merian mest kända illustrationer. Eftersom få européer skulle ha smakat dessa kärnfria frukter, beskrev hon detaljerad sin bok: ”Det används som ett äpple och har en behaglig smak som äpplen, det är bra kokt och rå. När det är omoget är det grönt, medan den mogna frukten är citrongul inifrån och ut, de har en tjock skinn som en citron. ”

Metamorphosis insectorum Surinamensium, Plate XXXVIII
Plate LX

Vattenskorpioner, grodor, grodyngel och vattenhyacinter, Plate LVI

Maulbeerbaum samt Frucht” som visar frukten, ett mullbärsträd, ägg och larver från sidenmask. Plate I
Plate V skildrar metamorfosen av brun björnspinnare, dess växtvärd och getingar.

Hennes verk blev uppskattad av ryska tsaren Peter den store (1672-1725) som köpte 300 grafikbilder till sin kollektion och framför allt av Carl von Linné (1707-78). Han inspirerades av damen från Amsterdam när skapade han sin systematisering av hundratals insekter och växter. Marias Merian otroliga jobb påverkade nästa generationer av vetenskapare, genom vackra illustrationer lyckades hon visa relationer mellan insekterna och deras miljö.

Hon var en pionjär inom området och reste till olika platser på jakt efter flera insekter att undersöka och dokumentera.

Maria Sibylla dog den 13 januari 1717 i spår av malaria…

Hennes två döttrar, Johanna Helena Herolt (1668-1723) och Dorothea Maria Graaf (1678-1743) följde mammas väg. Helena blev konstnärinna, hon samarbetade med Agnes Block och jobbade i Amsterdam (Hortus Botanicus). 1711 flyttade hon till Surinam och kom aldrig tillbaka till Europa.

Dorotea skapade samling av illustrationer och teckningar till ryska tsaren och hade ett ansvar att sköta om naturhistoriska föremål i hans Kunstkammer i Sankt Petersburg.

Tyvärr, blev Maria Sibylla Merian glömts med tiden, men hennes namn har aldrig försvunnit från vetenskapen. Till hennes ära kallades en av bönsyrsor ”Sibylla”, en sorts spindel ”Metellina merinae” och blomman ”Watsonia meriana”.

Watsonia meriana- irisväxt
J.H. Herolt
J.H. Herolt ”Kejserligt schackbräde, två vanliga hyacinter och en insekt” (1700)
Oak Spring Garden Foundation in Upperville, Virginia
”Glasögonkajman (Caiman crocodilus) och en falsk korallorm i näbben”
Tillskriven Dorothea Maria Graaf, (ca.1701-05)

akvarell och etsning, Windsor Castle Collection

I 2014 en grupp vetenskapliga kvinnor bildades The Maria Sibylla Merian Society i syfte att sprida hennes illustrationer, böcker och anteckningar. Deras noggranna arbete kan man följa på websidan: http://themariasibyllameriansociety.humanities.uva.nl

Maria Sibylla Merian var en av första vetenskapliga kvinnor som hittade möjligheter att följa sin intresse, våga att ha egna teorier och kunna bevisa dem i verkligheten. Till många forskare är hon förebild, hur man kan bygga en meningsfull karriär trots hårda omständigheter.

En gång
Månadsvis
Årligen

Gör en donation en gång

Gör en donation en gång i månaden

Gör en donation en gång om året

Välj ett belopp

30,00 Skr
90,00 Skr
600,00 Skr
30,00 Skr
90,00 Skr
600,00 Skr
30,00 Skr
90,00 Skr
600,00 Skr

Eller ange ett anpassat belopp

Skr

Ditt bidrag uppskattas.

Ditt bidrag uppskattas.

Ditt bidrag uppskattas.

DoneraDonera en gång i månadenDonera en gång per år

Vermeer Van Delft (1632-1675) -en nederländsk pärla.

en nederländsk konstnär som avbildade kvinnor i deras intima interiörer, magiska tavlor

Intima, subtila ledmotiv, interiörer. Kvinnor, tjänsteflickor, stolar, vinkaraffer, musikinstrument och vanliga draperier…det låter snarare som en inventarielista än ett härligt ämne för en bra konst! Vermeer skapade sin värld med dessa föremål.

Kom hit, kära läsare! Dags att göra en resa till XVII-talets Nederländerna, till en små stad Delft.

  • Vad vi vet säkert om Johannes Vermeer är nedanstående:
  • Han föddes i oktober 1632 i Delft (döptes 31 okt.)
  • död 15 december 1675 i Delft
  • hans far var sidenvävaren och drev försäljning av konst i sitt eget värdshus
  • redan i 1653 blev Johannes godkänd som mästermålare av Sankt Lukasgillet, gifte sig med Catharina Bolnes och konverterade till katolicismen för att hans brud var uppfostrat i katolsk tro.
  • angående hans konst: har aldrig daterat sina tavlor eller jobbat till beställare, han hade en mecenat som köpte tavlor till försäljning (Pieter van Ruijven)

Vermeer har avbildat framför allt kvinnor, som sysselsätter sig med att skriva eller läsa brev, musicera, samtala, syssla med handarbete. Allt utspelar sig i borgerliga interiörer, kvinnors blick är sällan direkt, det känns att när man kommer närmare dem ska man inte alls märka detta!

”Sovande ung kvinna” (ca.1656-57)
olja på duk, 87,6 x 76,5 cm
Metropolitan Museum of Art, NY
”Kopplerskan” (1656)
olja på duk, 143 x 130 cm,
Gemäldegalerie Alte Meister. Dresden

Ibland har hans tavlor allegoriska budskap. ”Kopplerskan” (1656) är faktiskt den första tavlan som han ville signera och datera. Det är en scen från en bordell, som snart leder till en transaktion. Vi ser en ung, rödkindad flicka och hennes säljare (en bordellmamma i svarta kläder) nära två män. En vinkaraff balanserar på en tjock turkmatta, och mannen som följer med soldaten lyckönskar oss åskådare genom att skåla.

Vermeer har ofta avbildat kvinnor med pärlor i öronen, på nacken, i handen. För honom var det en symbol för kvinnlighet. Han tyckte om hur ljuset kristalliserar sig och hur det avspeglar en glimt i ögonen. Pärlan är bildens essens!

”Flicka med pärlörhänge” (ca.1665)
olja på duk, 44,5 x 39 cm
Mauritshuis, Haga

Kvinnan med pärlhalsband i gula dräkten” (ca.1660-65)
olja på duk, 55 x 45 cm
Gemäldegalerie, Dresde
n
”Kvinnan som håller balansvåg” (ca.1665)
olja på duk, 42 x 35,5 cm
är en allegorisk tavla.

Ovanför henne hänger tavlan ”Den sista domen” och hon verkar vänta
att ha balans på vågen, balans mellan världsliga och andliga i livet?
På bordet ask med två pärlor.
National Gallery of Art, Washington

Att säga att Vermeer var en ”porträttist” skulle vara en stor risk. Men han levde nära kvinnor: sin mor, fru, svärmor och döttrar (han hade 12 barn!) och troligtvis förevigade han dem i sina målningar med detaljer från deras intima livsmoment. Vermeer avbildade ofta kvinnor som skrev eller läste brev.

Ung kvinna med brev” (1657-59)
olja på duk, 83 x 64,5 cm,
Gemäldegalerie Alte Meister, Dresden

En tjock, grön draperi hänger på höger sida av tavlan
och avslöjar scenen för oss betraktare! Fönstret är öppet igen,
kaoset på bordet motsvarar kaoset i själen. Damen läser ett brev från sin
älskare? I fruktskålen ligger ett äpple, vilket antyder att hon syndar.

”En dam som skriver ett brev”(ca.1655-66),
olja på duk, 45 x 39,9 cm
National Gallery of Art, Washington
”Kvinna i blått som läser ett brev” (ca.1662-63),
olja på duk, 46,5 x 39 cm
Rijksmuseum, Amsterdam

Johannes Vermeer satte aldrig sin fot utanför sin födelsestad. Delft hade allt vad en konstnär behövde. Det var en helt öppen stad tack vare flodtransporten och kanalerna. Medborgarna var rika och utbildade, och vetenskapen blomstrade. Han blev vän med naturforskaren Anton van Leeuwenhoek (1632-1723), som upptäckte linser, mikroskop och med Johan de Wyck som skapade camera obscura.

camera Obscura
Camera obscura innebär av latinska ett mörkt rum


Det är en hålkamera som man sätter i det mörka rummet, ljuset faller genom detta hål
och det uppstår en svag, upp- och nedvänd bild av det som finns utanför hålet.
Sådan teknik använde Vermeer för att göra skisser, särskilt av vyn över sin lilla stad!

”Den lilla gatan” (1658)
olja på duk, 54,3 x 44 cm
Rijksmuseum

”Den lilla gatan” är BILD!
Vermeer avmålade med camera obscura detaljer, tegelstenar, fönsterluckor.
I den idylliska miljön sitter två kvinnor, två lekande barn och sysselsätter sig med sina vardagliga uppgifter.

”Vy över Delft ”(1660-61)
olja på duk, 96,5 x 117,5 cm
Mauritshuis, Haga

Den här skapliga verken är för många en vacker målning
av ett stadsmotiv och en flod. För mig är det en magisk tavla,
en bild av människor, byggnader och naturen förtrollade i tidens gång…

Vermeer uppskattade vetenskapens värld; här har vi två tavlor som framställer naturforskare: ”Geograf” och ”Astronom”. Det finns ganska säkra teorier att det är van Leeuwenhoek. Nomen – omen är de båda begravda i samma kyrka, Oude Kerk i Delft.

Konsthistoriker brukar kalla Vermeer för ”målare-intimist”. Han arbetade oftast med små format och motiven hade en intim och rofylld karaktär. Interiörbilder skapade han i sitt eget hus, runt sina möbler och föremål. I denna tysta miljö har han skapat verkliga mästerverk, som till exempel ”Mjölkpiga” som målades mellan 1658-1661.

”Vermeer”
Så länge kvinnan där på Rijksmuseum
samlad, i målad tystnad.
Dag efter dag häller
mjölken ur kannan i bunken
förtjänar inte Världen
världens undergång.

Wislawa Szymborska
övers. Anders Bodegård
”Mjölkpiga” (ca.1660)
olja på duk, 45,5 x 41 cm,
Rijksmuseum, Amsterdam

En tjänsteflicka häller upp mjölk från en kanna till en skål; detta vardagliga syssla utförs i ett kallt rum, vilket gör hennes värld både enkel och samtidigt poetisk!

Dags att avsluta vår resa till 1600-talets Delft, hos Johannes Vermeer. Dags att stänga den tjocka gardinen…Vi lämnar kvinnor och deras tysta, magiska värld. Tiden har stannat, vardagen blir evighet…

Medicéerna- dröm om evigheten eller den första konstspekulanter?

Vill ni veta mer om Florens, gamla kyrkor, tavlor och Medici familje?
Vi ska göra en konstresa till Toskanien, till Renessänsen.

Allt började med pengar, ullhandel och ekonomisk tillväxt för en familj från Florens. Det var inte en vanlig italiensk släkt. Deras medlemmar var kunniga på att påverka statens näringsliv, utöka sin position och styra. En typisk förbindelse mellan MAKTEN och PENGAR. Men det mest fascinerande för mig är att denna familj startade den italienska renässansen. Jag vill kort presentera släktens medlemmar och framför allt fokusera på konsten. Och det kommer att handla om KONST med en stor bokstav ”K”.

Början. Giovanni och Piccarda

Bakom Medicis förmögenheten stod Giovanni di Bicci di Medici (1360-1429). Han grundade banken år 1397 och från den tidpunkten koncentrerades makten i familjens gyllene händer. Giovanni visade ett stort intresse för konsten. Han satt i kommittén för uppdraget att utforma de nya bronsdörrarna till Baptisteriet di San Giovanni.

Christofano dell`Altissimo (1525-1605)
”Porträtt av Giovanni di Bicci de’ Medici” (ca.1565)
olja på trä, 59 x 43 cm,
Uffizi


En florentinsk romansk byggnadsstil från XII-talet kommer att få nya former

Paradisporten till baptisterium.
Lorenzo Ghiberti (1378-1455) har vunnit tävling
och arbetade under 20 år att skapa nya lösningar: reliefteknik.
Resultatet: tredimensionella figurer

Giovanni var en riktigt konstfrämjare. Han sponsrade ombyggnaden av basilikan San Lorenzo. Arbetet pågick mellan 1421-1469 och påbörjades av arkitekten Filippo Brunelleschi (1377-1446) för att sedan fortsättas av Michelozzo di Bartolomeo (1396-1472). Basilikan ser inte ut som en riktig pärla, men den innehåller otroligt vackra fresker, skulpturer och tavlor. Bara att nämna några av de konstnärer som jobbade där inne: Michelangelo, Donatello och Andrea Verrocchio.

Grova stenfasaden ”pietra serena”(brun sten) omfattar
hela byggnaden och är en av första renässanstecken i Florens

En gammal och ny sakristia i San Lorenzo blev en begravningsplats för över femtio Medici-familjemedlemmar. Här vilar också själv Giovanni med sin fru Piccarda, föräldrar till generationen som hade stora drömmar och förväntningar.

Antonio del Pollaiuolo (1432-1498) ” Piccarda Bueri” (ca.1470)
Museum Poldi Pezzoli, Milano

Cosimo il Vecchio ”Pater patriae”

Sonen Cosimo Il Vecchio (1389-1464) tog över makten och konsoliderade bankverksamheten. Han kunde inträda konstmecenat i större perspektiv än hans fader. Familjen växte, och behövde ett representativt hus, och Michelozzo di Bartolomeo påbörjade byggandet av Palazzo Medici (1444-1484). Det var verkligen hans opus magnum.

Paalzzo ligger vid Via Cavour och har tre våningar: 1.Rustik bottenvåning med bankens huvudkontor 2. En representativ del (piano nobile) med vackra rum
3.Sista våning med mindre utrymme tillhörde barm och tjänstefolk

I mittens fanns ett atrium, en öppen del med taköppning, där familjemedlemmar kunde vila, promenera, umgås och beundra Donatellos och Bramantes skulptur ”David” (ca. 1440). Den vackra statyn stod centralt, så att man kunde betrakta denna första renässansakt från alla sidor och perspektiv!

Donatello (ca.1386-1466) ”David”
Brons (158 cm)
Museo Nazionale del Bargello, Florens

Konstnärligt mest intressanta är freskerna i huskapellet på andra våningen i Palazzo Medici (Capella dei Magi). År 1459 målade Benozzo Gozzoli (1420-98) en biblisk scen som föreställde de heliga tre kungarna på färd för att hylla Jesu födelse. Helt otroligt är denna fresk. De tre vise männens resa ledde genom ett fantasifullt landskap: slingrande vägar, klippor, raviner, skogar och lundar. Både kungarna och deras hovmän är klädda i rika kläder. I själva verket är det en bild av Medici-familjen. Deras kläder är än idag tidlösa och utgör ett vackert och förstklassigt exempel på den florentinska ”haute couture”.

”De heliga tre konungarnas färd”(1459-62)
fortfarande i Palazzo Medici Riccardo
all fresco 405 x 516 cm
Religiös syfte eller helt representativ funktion?

Förutom att utöva inflytande över den politiska makten i Florens använde Cosimo stora delar av sin rikedom för att sponsra bildkonstnärer och arkitekter. Brunelleschi byggde vidare på San Lorenzo, som skulle bli det sista viloplatsen för härskarna. Cosimo den äldre avled vid 75 års ålder och efter sin död tilldelades han förtjänat titeln ”Fäderneslandets fader”.

Detalj från Benozzos fresk är det enda verkligt säkra porträttet
av Cosma il Vecchio!

Mina damer och herrar, dags att presentera Piero di Cosimo de Medici.

Sonen Piero di Cosimo (1416-69) tog officiellt makten över banken och har kommit till historien under namnet Il Gottoso (den giktbrutne). Han drabbades av gikt, vilket var typiskt för dåtidens matvanor. Piero dog knappt 5 år efter sin far, men han har hunnit skriva in sig i familjens historia som konstfrämjare. Hans vackra fru Lucrezia Tornabouni (1425-89) avbildades ofta av kända konstnärer.

Mino da Fiesole ( 1429-84) skulptur-porträtt av Piero di Cosimo (1453)
Museo Nazionale, Bargello

Domenico Ghirlandaio ( 1448-94)
”Johannes Döparens födelse”
Fresken i högkoret Santa Maria della Novella(1485-90)
Lucrezia är en av två damer

Sandro Botticelli ”Madonna del Magnificat” (1483-85) skildrade Lucrezia som Jungfru Maria
tempera on panel, dimension 118 cm
Uffizi

Piero tillbringade sina dagar i närheten av samlade handskrifter, antika medaljer och mynt. Han hann inte med många byggnadsprojektet. Mecenat och stöd till stora konstnärer som Botticelli, Uccello, Lippi gav honom plats i den italienska konsthistorien.

Botticelli framställde Cosimo Il Vecchio nära Jesusbarn påklädd i röda mantel,
Sandro själv i gula mantel, längs till höger blickar ut ur bilden.
tempera on panel, 111 x 134 cm
Galeria degli Uffizi

Sandro Botticelli målade ”Konungarnas tillbedjan efter Pieros död (1476-77) till ett privatkapell i Santa Maria Novella. Vad märkligt att en klassisk biblisk scen blev anledning att avbilda Medici-släktingar. O tempora, o mores – låt oss beundra detta fantastiska måleri.

En omvittnad charm finns hos Lorenzo il Magnifico

Sonen till Piero och Lucrezia hade ärvt de bästa egenskaperna. Lorenzo (1449-92) var en bra politiker och författare. Om vi säger ”renässansmänniskan”, tänker vi framför allt på honom. Även idag, 500 år efter hans död, kretsar många tankar kring Lorenzo. Han omgav sig med humanister, poeter, filosofer och konstnärer. Han gav sin beskydd till de största av dem: Leonardo Da Vinci, Sandro Botticelli, Andrea Verrocchio och Michelangelo Buonarroti.

Domenico Ghirlandaio skildrade Lorenzo il Magnifico utan att idealisera honom!
fresk ”Historia om helige Franciskus”
Capella Sassetti i kyrkan Santa Trinita (1480-85)

En bra politiker, diplomat och härskare behövde en lämplig hustru. Valet föll på Clarice Orsini som han gifte sig med år 1469. Det nya paret behövde en ny residens. Uppdraget gick till arkitekten Giuliano da Sangallo (1443-1516).

Domenico Ghirlandaio ”Porträtt av Clarisa Orsini” ( 1490)
olja på trä, 75 x 52 cm
National Gallery of Ireland

Poggio a Caiano (1480-85) blev förebild för alla senare italienska lantvillor, adelsgods utan försvarstorn och murar. Ett residens inspirerat av antikens ”villa rustica” med kolumner och öppen portik är fortfarande en flitigt besökt turistdestination.

Villa Poggio a Caiano är öppet för besökare med gratis inträde.
Alla Medicis villor med sina vackra och stämningsfulla trädgårdar ingår i ett världsarv.

Under 1580-talet intensifierade Lorenzo sitt mecenatskap. Andrea del Verrocchio utförde inte bara ”Putto med delfin” (1479) till Medicinska Villa di Castello, utan också ”David” (1473-75). Den mjuka formen och anatomiskt exakta modelleringen var element som Verrocchio förde vidare till sin mest berömda elev – Leonardo da Vinci. Man tror att hypotesen är trolig att Leonardo porträtterades som David.

Putto- är ett namn på nakna barngestalter.
Renässans har tagit det från antiken.
Palazzo Vecchio

Verocchio ”David” (ca.1466-69)
brons, 126 cm
Museo Nazionello, Bargello

En vänskap och samtidigt mecenat skapade Lorenzo il Magnifico med Michelangelo Buonarroti (1475-1564). Konstnären var bara 14 år gammal när Lorenzo upptäckte hans talang och tog honom under sina vingar.

Titta bara på den ena av de första verken av Michelangelo: ”Madonna della Scala” (ca.1490), som är utformad i tekniken ”planrelief”, vilket innebär att figurerna är svagt upphöjda från bakgrunden. Vilken fin och naturlig scen Michelangelo skapade: Jungfrun sitter med barnet vid trappan och ammar.

Michelangelo Buonarrotti
Marmor, höjd 40 cm
Casa Buonarro
tti

http://www.casabuonarroti.it

Lorenzo il Magnifico avled i april 1492, knappt 43 år gammal och begravdes i San Lorenzos sakristian. Naturligtvis fick Michelangelo ett uppdrag att uppföra fyra gravmonument i Medicikapellet. Han fullbordade monumenten över Giovanni och Lorenzo di Medici med de symboliska gestalterna Natten och Dagen, Skymningen och Gryningen. Detta arbete presenterar en helt ny stil – manierismen. Medicéernas mecenatskap har markerat en ny era – de romska påvarna och deras kända enorma projekt.

” Dagen”

”Natten”

Grynningen”

”Skynningen”

Bröder Piero och Giovanni

Lorenzos söner: Piero di Lorenzo (1471-1503) och Giovanni (1475-1521) var två olika personligheter. Piero kallas i historien för ”Il fatuo” (den dumdryge) eller ”lo Sfortunato” (den olycksdrabbade). Han härskade över Florens 1492-94, men det verkade att han saknade sin fars charm och begåvning.

Det är ingen konstighet att den franske kungen Karl VIII utnyttjade situationen och marscherade mot Italien (Neapel) via Florens territorium. Medici-huset hade en gammal fredsöverenskommelse med Neapel och ville stoppa den franska armén. Som resultat kostade det Piero di Lorenzos makt och rike. Olyckligt och sviken av florentinska rådet Signoria, blev fursten förvisad från Florens. Under en överskeppning på floden Gargliano i 1503 kantrade hans båt och Piero di Lorenzo drunknade. Han blev bara 31 år gammal.

Agnolos Bronzino verkstad ”Porträtt av Piero di Lorenzo” ( ca.15
Warehouse of the Galleries

Giovanni de Medici (1475-1521) gjorde en riktigt framgångsrik karriär, från kardinalvärdighet till påvens utnämning. Han antog namnet Leo X och visade för hela världen sina mest betydande egenskaper: han var en njutningslysten renässansman och mecenat. Flera kända konstnärer var knutna till ”Pappa Leone” (1513-21), bara för att nämna Michelangelo och Rafael Santi.

Rafael Santi ”Porträtt av påve Leo X med kardinaler Giulio de’ Medici och Luigi de’ Rossi” (ca.1518)
olja på pannå, 155,5 x 119,5 cm
Uffizi
Makt och konst.
Papa Leone var antagligen icke-troende.
Efter valet hade han sagt: ”Eftersom Gud har givit oss påvedömet, ska vi njuta av det!”

Det största av hans pontifikat konstnärliga idéer var byggandet av PETERSKYRKANS och utsmyckningen av Sixtinska kapellet. Under hans tid blev Rom ett centrum för kultur, konst och arkitektoniska framsteg. Men för omfattande extravagans och mecenat ådrogs priset av den påvliga skattkammaren, som Leo lämnade praktiskt taget helt tomt…

Påven Leo hejdar hunnerna under Attila.
Rafaels fresk i Vatikanen (1514)

Styre i Florens övertogs till Piero Il Fatuos son- Lorenzo (1492-1519). Det var till honom dedicerade Niccolo Machiavelli sin berömda skriften ”Fursten”, men utan någon större uppskattning. Medicis återvändning var möjligt tack vore hjälp av påvens stöd.

Ännu en påve i familjen

En till Medici-kardinal blev nominerad till påveämbetet. Giulio de Medici (1478-1534) var ett utomäktenskapligt barn till Giuliano, brorson till Lorenzo, Il Magnifico. Han antog namnet ”Påve Clemens VIII” (1523-1534) och förde det heliga ämbetet framåt. Många nordiska länder bröt sina band med den katolska kyrkan. Spanska och tyska legoknektar plundrade Rom (1527) och händelsen kallas i historien för ”Sacco di Roma”.

Sebastiano del Piombo (1485-1547) ”Påve Clement VIII” (ca.1531)
oil on slate, 41 x 34 cm
Getty Center Museum

Trots katastrofala politiska beslut gjorda av påven Clemens VIII gjorde han stora kulturella insatser. Han kände Michelangelo sedan många år tillbaka och gav honom uppdraget att planera biblioteket som skulle förvara 11 000 gamla manuskript och 4 500 tryckta böcker. Biblioteca Laurenziana uppfördes i anslutning till kyrkan San Lorenzo.

Arkitekturen planerades i manieristisk stil med vackra trappor, vestibuler och korridorer. Det var det första offentliga biblioteket med världslig litteratur som samlats sedan antiken.

Läsrummet i Biblioteca Medicea Laurenziana (1525-1571)
http://www.bmlonline.it

Vestibul

Michelangelo skulle jobba i Sixtinska kapellet redan tidigare, mellan 1508-12. Han målade taket med scener av skapelsehistorien och skulle fortsätta vidare. Clemens VII påpekade från år 1533, men arbetet börjades 1536 då hade Clemens dött…

Yttersta domen” tog sju långa år att färdigställa. Fram till idag anses den fresken vara det största verket skapat av en enskild konstnär i historien. Denna enorma målning visar över 400 figurer ordnade i två delar: den himmelska och den jordiska.

Innan man sett Sixtinska kapellet, kan man inte ha någon riktig uppfattning om vad människan kan åstadkomma”- skrev Goethe och varje människa som har sett det mirakulösa arbete stämmer med honom.

Michelangelos ”Yttersta domen” (1536-41) gör en stor intryck!
1370 x 1220 cm
1. Det är målad som altartavlan
2. Finns ingen särskilt delningslinje mellan välsignade och fördömda-
alla väntar på den sista dagen!
Sixtinska kapellet, Vatikanstaten

Änglarna

Misericordia

Sju trumpeter

Cosimo den store -makt och konst

Vi lämnar nu de gudomliga i himlen och återkommer till jordnära Medici-släktingar. Den nye hertigen, Cosimo I (1519-74), tyckte om familjetraditioner och att agera som konstmecenat. Han gifte sig med Eleonora di Toledo (1522-62), dotter till den spanska vicekungen, vilket beslut skapade goda diplomatiska och ekonomiska möjligheter.

Cosimos favoritarkitekt och målare Giorgio Vasari (1511-74) utsmyckade byggnaden vid Piazza Signoria, men år 1550 flyttade familjen till nyss inköpta Palazzo Pitti. På så sätt fick det gamla residenset namnet Palazzo Vecchio. Men det viktigaste uppdraget gällde att bygga det nya förvaltningskomplexet mellan Palazzo och floden, ett komplext som skulle omfatta domstolen, lokaler för råden och statsbyråkratin. Det fick namnet Gli Uffizi, ”kontoren”. Hit fördes snart hela Medicis konstsamling (1565) vilken idag är ett av världens största museer!

Galeria degli`Uffizi (1560-81) rymmer konstskatter som Botticellis ”Venus födelse”, da Vinci,
Tiziano, Caravaggio och många kända konstnärer, samlingar från 1300-talet till moderna tider

Storfurst Cosimo märkte en begåvad skulptör vid namn Benvenuto Cellini (1500-1571), som utförde flera verk åt Medici-familjen. Bronsskulpturen ”Perseus med Medusas huvud” (1545-1554) hade en politisk kontext och stärkte Cosimos makt.

”Perseus med Medusas huvud” brons
Loggia dei Lanzi, Florens

Benvenuto Cellini ”Cosimo I” som en romersk befälhavare (1546-1548)
Museo Nazionale del Bargello

Mecenatskap fortsätt vidare….

Agnolo di Cosimo Di Mariano, kallad Bronzino (1503-1572), var hovmålare hos Cosimo den store redan under 1540-1545 vid utsmyckningen av Palazzo Vecchio. Han målade både religiösa fresker och skapade underbara porträtt.

Agnolo Bronzino ”Eleonora med son Giovanni” (1545)
olja på pannå, 115 x 96 cm
Uffizi

Bronzino ”Porträtt av Cosimo i rustning”” (1545)
tempera on panel, 76 x 59 cm
Nationalmuseum, Poznan

Dags att avsluta den fantastiska konstresan till Florens och omgivningar. Men hur kan vi fullborda vår berättelse utan Sandro Botticellis mest kända allegoriska målningar?

Missade vi någonting?

Som sagt kontrollerade familjen Medici stora egendomar runt Toscana. Först och främst var det lantliga palatset en sorts maktdemonstration, samtidigt som det var en tillflyktsort för vila och nöje. Åtminstone byggdes trettio Medicivillor, och alla ingår idag i ett världsarv. En av de vackraste var Villa di Castello, som byggdes mellan 1427-77. Trädgården skapades av Niccolo Tribolo (1500-50) och blev berömd i hela Europa. Parken består av fontäner, statyer och en grotta. Villan inhyste också några av Florens stora renässansmästerverk, inklusive ”Venus födelse” och ”Våren” (Primavera).

Målningar sponsrade Lorenzo di Pierfrancesco och hans bror Giovanni. Det finns så många teorier och interpretationer vad gäller allegorier på tavlor, symboler och funktion. Den mytologiska miljö, vackra kroppar, subtila rörelse och oerhört vacker natur förtjuser folk runt i hela världen.

”Venus födelse” (ca.1485)
tempera på duk,172,5 x 278,5 cm
Uffizi

”Primavera” (1482-85)
tempera på trä, 207 x 319 cm
Uffizi

Sammanfattning

Hur stolta har de varit, Medici, av sin förmögenhet och kulturella påverkan. Det kan vi märka. De skapade en dynasti som hade förbindelse med kungar och påvar – fast i början var det bara en ullhandel!

Medicéerna var de första i den europeiska historien som medvetet och med full kännedom sponsrade konstnärer. För det första byggde de upp sin egen samling och förmögenhet, och för det andra satsade de på Florens utveckling och välstånd.

Tack alla för en fantastisk konstresa till statens portar, till Florens som är stolt över sina rikedomar och välkomnar alla som bara vill se detta!

KÄLLOR:

G. Hägg ”Medici” (2014)

R. Hermansson & S. Fyring ”I den blekröda kupolens skugga” (2011)

E. Micheletti ”Family Portrait. The Medici of Florence” (1993)

När mode blir en konst

Mode och när mode blir en konst

Mode har alltid varit mer än bara kläder. Det är en form av kommunikation, ett uttryck för identitet, kultur, kreativitet och ibland även protest. Kläder berättar historier – om samhället, om tiden vi lever i och om oss själva. När mode kliver över gränsen mellan det vardagliga och det visionära, förvandlas det till något större än bara plagg. Det blir konst.


👗 Mode – mer än bara trender

I grunden handlar mode om att klä sig, men det bär på mycket djupare betydelser. Varje stil, varje snitt och varje materialval speglar hur vi vill bli uppfattade. Mode är ett språk utan ord – vi uttrycker vem vi är innan vi ens säger något.

Trender kommer och går, men mode i sin kärna handlar om kreativitet och självuttryck. Det är ett ständigt samspel mellan individen och omvärlden. Modedesigners hämtar inspiration från historia, natur, teknik, arkitektur och konstvärlden. På så sätt blir mode både en spegel av sin tid och ett verktyg för att forma framtiden.


🎨 När mode blir konst

Mode blir konst när det inte längre handlar enbart om att klä kroppen, utan om att väcka känslor, skapa tankar och utmana normer. Precis som i måleri, skulptur eller musik handlar det om att berätta något – ofta något som inte kan sägas med ord.

När designers experimenterar med form, struktur, färg och koncept, när de bryter regler och tänjer på gränser, då uppstår något konstnärligt. De skapar något som inte bara är bärbart, utan också visuellt och emotionellt laddat.

Exempel på detta kan vara haute couture-plagg som snarare liknar skulpturer än kläder, eller avantgardistiska kollektioner som utmanar våra föreställningar om kön, kropp och estetik. Det är i dessa möten mellan kreativitet och hantverk som mode förvandlas till konst.


✂️ Hantverket bakom det konstnärliga modet

För att mode ska kunna betraktas som konst krävs också en enorm skicklighet och förståelse för material, teknik och konstruktion. En modedesigner är ofta lika mycket hantverkare som konstnär.

Att skapa ett plagg handlar om att förstå hur tyg rör sig, hur ljus reflekteras på olika ytor, och hur proportioner samspelar med människokroppen. Varje söm, varje veck och varje detalj är medvetet placerad. Det är en konstform som kräver precision, tålamod och vision.

Många av de mest ikoniska designerna har just detta i sitt DNA – de förvandlar tyg till känslor, idéer till former, och mode till konstverk.


🌍 Mode som kulturellt uttryck balklänning balklänning online hos bloggsessan.se

Mode är också en spegling av samhället. Genom historien har mode använts som ett sätt att visa status, tillhörighet och makt – men också som ett sätt att bryta mot normer.

Under olika epoker har mode varit ett redskap för förändring:

  • På 1920-talet blev de korta klänningarna en symbol för kvinnans frihet.
  • På 1960-talet speglade färger, mönster och silhuetter ungdomsrevolutionen.
  • I dagens samhälle används mode för att utmana könsroller, lyfta hållbarhet och skapa mångfald.

När mode tar ställning, när det uttrycker känslor och idéer som går bortom det ytliga, blir det en form av samhällskonst.


💡 Mode på museum – när kläder hamnar i konstens värld

Under de senaste decennierna har mode i allt större utsträckning fått ta plats på konstscenen. Stora museer runt om i världen ställer ut kläder som konstverk, och modehus samarbetar med konstnärer, fotografer och arkitekter för att skapa installationer och konceptuella kollektioner.

Att mode visas i ett museum visar att det har gått från att vara konsumtionsvara till att betraktas som kulturell och konstnärlig betydelse. Det handlar inte längre bara om vad man bär – utan vad det symboliserar.


♻️ Hållbart mode – den nya konsten

I dagens samhälle, där klimatfrågor och konsumtion diskuteras mer än någonsin, blir även hållbart mode en konstform. Designers arbetar inte bara med estetik, utan med idéer kring återbruk, etik och ansvar.
Att skapa skönhet ur det gamla och att designa medvetet för framtiden kräver kreativitet, innovation och konstnärlig vision.

Hållbart mode visar att konst inte alltid handlar om extravagans – ibland handlar den om en ny syn på värde och skönhet.


💬 Mode som personligt uttryck

För individen är mode ett sätt att skapa sin egen identitet. Genom kläder visar vi vilka vi är, eller vilka vi vill vara. Vi blandar, tolkar och skapar vår egen stil. Det är här mode verkligen blir konst på ett personligt plan – en daglig handling av självuttryck.

Vissa ser sin garderob som en palett, där färger, texturer och silhuetter blandas som i ett måleri. Andra ser mode som en scen, där varje outfit är en ny roll, en ny känsla, en ny berättelse.

Att klä sig kan vara ett av de mest direkta sätten att uttrycka kreativitet på – och det kräver inget galleri, bara en spegel och lite mod.


🖼️ När mode möter konst – en evig dans

Konst och mode har alltid inspirerat varandra. Målare har tolkat kläder i sina verk, och designers har hämtat inspiration från konstvärlden. Mode kan vara som ett rörligt konstverk – en levande installation som förändras med varje person som bär det.

Det är här det verkliga mötet sker: när kläder inte bara handlar om funktion, utan om känsla, tanke och berättelse.


✨ Sammanfattning

Mode är både hantverk, kultur och kreativitet – men när det tar steget längre och börjar berätta något, då blir det konst.
När en klänning väcker känslor, när ett plagg berättar en historia eller när en kollektion ifrågasätter normer, då har modet lämnat det kommersiella och gått in i det konstnärliga rummet.

Mode och konst förenas i sin gemensamma strävan efter att uttrycka det mänskliga: drömmar, idéer, passioner och visioner.
Mode blir konst när det inte bara klär kroppen – utan också berör själen.

Godis med konstnärlig tryck

Här kommer en spännande nyheter om godis hos sajten Slottsgodis.se — utifrån vad man vanligtvis kan förvänta sig från en butik som specialiserar sig på godis och godsaker. Eftersom detaljerna om just Slottsgodis.se inte är helt klara, är texten till viss del generell, men den riktar sig till teman som sortiment, upplevelse och varför man skulle handla där.


🍬 Slottsgodis.se – ett paradis för godisälskaren godis eget tryck

När du kliver in på en sajt som Slottsgodis.se, förväntar du dig att mötas av färgsprakande hyllor fyllda med olika typer av godis – från klassiska favoriter till nya smaker och kreativa kombinationer. Sajten blir då inte bara en butik – den blir ett ställe för nostalgi, smakäventyr och glädjefyllda stunder.

🎯 Vad du hittar i sortimentet

På en specialiserad godissida som denna kan man räkna med att sortimentet innehåller flera kategorier:

  • Lösgodis och styckvis godis: Du kanske kan välja vilka bitar du vill ha och blanda fritt – surt, sött, salt, choklad, lakrits.
  • Choklad och praliner: För den som vill ha något lite mer lyxigt. Exklusiva chokladmärken, specialpraliner eller smakvariationer som inte finns i vanlig mataffär.
  • Temagodis och nostalgivaror: Kanske godissorter som många minns från barndomen – retrogodis, limited edition, extra stora påsar eller påsblandningar.
  • Veganskt, sockerfritt eller allergivänligt godis: Mer och mer efterfrågat – där man kan välja bort gelatin, mjölkprodukter eller certifiera för veganer.
  • Presentförpackningar och paket: Godis som present – fin förpackning, mixade smaker, kanske ett “snackspaket” eller en stor påse för fest eller kalas.

🛒 Varför handla godis online hos Slottsgodis.se

Att handla godis på nätet ger flera fördelar:

  • Brett urval: Du kan nå fler varianter än vad lokala butiker har – särskilt om du är ute efter specialgodis eller importvarianter.
  • Bekvämlighet: Beställ från soffan, få hemleverans. Ingen stress att fylla en fysisk påse eller jaga rätt hylla.
  • Mix & match: En webbutik kan ofta erbjuda att plocka din egen mix, vilket gör att du kan skräddarsy de smaker du vill ha allra mest.
  • Erbjudanden och kampanjer: Ofta finns online specialpriser, större påsar eller fri frakt vid ett visst belopp.

🎉 Skapa godisupplevelser

Godis handlar inte bara om smaken – det handlar om upplevelsen. På Slottsgodis.se kan du tänka dig att:

  • Välja ett tema: filmkväll, fredagsmys, födelsedagskalas, halloween, julgodis.
  • Kombinera olika konsistenser: krispigt, segt, fluffigt, salt lakrits – variation gör upplevelsen rikare.
  • Dela med andra: Stora mixpåsar eller “pick & mix”-lösningar gör det till ett socialt moment att plocka tillsammans.

🔍 Vad man bör tänka på

Men även om det låter lockande finns några saker att tänka på innan man klickar – och det är extra viktigt när det gäller godis eftersom konsumtionen och innehållet påverkar oss.

  • Ingredienser: Läs vad godiset innehåller. Har du allergier eller försöker undvika gelatin, mjölk eller andra ämnen?
  • Hållbarhet: Godis håller oftast länge, men vissa sorter kan tappa smak eller form om de lagrats för länge.
  • Frakt och leverans: Se till att frakten är rimlig och att varorna levereras på ett sådant sätt att de inte smälter eller skadas.
  • Pris per kilo: Onlinestorpack kan vara billigare per kilo än små påsar i butik – men räkna ändå för att se värdet.
  • Sparaelsen och konsumtionen: Stor påse = risk för överkonsumtion. Godis är njutning, men kanske bäst i måttliga mängder.

🍭 En riktad mix – hur man väljer rätt godis

När du handlar för dig själv eller till andra kan det vara bra att ha lite strategi:

  • Favoritsmaker först: Välj de smaker du vet att du tycker om – det blir säkert.
  • Öppna för nyheter: Ta med någon ny variant eller smakkombination – kan bli en ny favorit.
  • Balans: Har du mycket surt, kanske komplettera med något sött eller mjukt för variation.
  • Dela eller spara: Om du beställer mycket – tänk på att dela eller portionera för att både kunna njuta och förlänga upplevelsen.

🎈 Slutligen – godis som glädje

Godis hos en butik som Slottsgodis.se handlar inte bara om socker och smaker – det handlar om glädje, barndomsminnen, delade stunder och små pauser i vardagen. Det kan vara en lördagskväll, en fika med vänner, eller ett särskilt tillfälle där du vill unna dig något extra.

När du öppnar påsen och ser färgerna, känner doften, hör ljudet när du öppnar förpackningen – då handlar det om mer än mat. Det är en upplevelse. Och när upplevelsen får plats i vardagen, blir godiset något mer än godis. Det blir ett litet firande, en stund av välbefinnande – något att se fram emot.

Allt detta gör att en butik som Slottsgodis.se är mer än en butik. Den är en plats där du hittar just din lilla stund av njutning, noggrant utvalt och levererat. För livet är inte bara att leva – det är att njuta. Och ibland är det precis vad en godispåse ger.