Långt innan Kandinsky och Mondrian formulerade sina manifest om det abstrakta måleriets andliga kall, satt en kvinna i Stockholm och målade portaler. Inte till andra platser- utan till andra tillstånd. Hilma af Klint (1862- 1944) är idag närmast mytologisk ett namn som viskat om en dold konsthistoria, ett system i färg och form för att BESKRIVA det obeskrivbara.
Hilma af Klint i sin ateljé, ca. 1895
Andlighet och vetenskap i sekelstiftets Europa
Hilma verkade i en tid då gränserna mellan vetenskap, religion och mystik var mer flytande än idag. Tesosfin, grundad av Helena Blavatsky utgjorde ett ramverk för en ny syntes av västerländsk och österländsk visdom, och fick stor betydelse för flera modernistiska konstnärer, inklusive Mondrian och Kandinsky. Hilma påbörjade sin konstnärliga utbildning 1880 med kurser på Tekniska Skolan i Stockholm och studier i porträttmåleri för Kerstin Cardon vid Konstakademien. Hon var samtidigt djup engagerad i spiritistiska kretsar. Tillsammans med fyra andra kvinnor bildade en grupp som kallade sig ”DE FEM” . Gemenskap bestod av Anna Cassel, Sigrid Hedman, Cornelia Cederberg och Mathilde Nilsson. Kvinnor kom i kontakt med högre medvetandenivåer, och de fördes noggranna protokoll över seanser. De väsen som gav sig till känna med namn ville förmedla budskap till mänskligheten i form av bilder.
URKAOS, nr.7, grupp 1, serie WU Rosen, 1906/07
URKAOS , nr 3, serie WU Rosen 1906/07
De stora målningarna och det andliga uppdraget
Mellan 1906 och 1915 producerade Hilma af klint över 193 verk i serien MÅLNINGARNA TILL TEMPLET, ett uppdrag hon menade sig ha fått av andevärlden. Denna svit utgör grunden för det som idag betraktas som hennes magnum opus. I stället för att gestalta det synliga syftade Hilma till att avbilda det andliga- ett slags esoterisk geometri där färg, form och symbolik formar ett kodifierat språk. Från och med nu arbetade Hilma enbart i serier, i vilka olika aspekter av ett tema utvecklades.
Bilderna målades genom mig direkt, utan föregående teckning och med stor kraft. Jag hade ingen aning om vad bilderna skulle framställa och ändå arbetade jag fort och säkert utan att ändra ett penseldrag.
Enligt forskaren Julia Voos bör Hilmas verk förstås som en ”andlig epistemologi”- ett sätt att förstå världen genom vision, snarare än empiri.
Svanen nr 17, Serie SUW, Grupp 9, 1915
De tio största nr 3 Ynglingaåldern, Grupp 4, 1907
Symbolik, kön och vetande
Af Klints bildvärld är rik på binära former: svanar, spiraler, kors liljor. Ofta speglar dessa symboler ett kosmiskt spel mellan det feminina och det maskulina, mellan materia och ande. Hennes arbete kan tolkas i relation till samtida könsdiskussioner: som kvinna kunde hon inte fullt ut delta i i dåtidens konstnärliga avantgarde, men hon skapade i stället ett eget system- utanför den patriarkala kanon. Hennes önskemål att verken inte skulle visas 20 år efter hennes död tyder på en medvetenhet om kontextens ovilja att förstå det radikala i hennes uttryck.
Tidens långsamhet
Att hennes konst länge låg gömd i arkiv är både tragiskt och profetiskt. Af Klint visste att hennes verk tillhörde framtiden. Och kanske är det just därför de talar så starkt till oss idag- i en tid av vilsenhet är Hilmas målningar som stjärnbilder: vackra, komplex och vägledande!
Hilma af Klints verk utmanar inte bara konsthistorien- det utmanar vår förståelse av vad konst kan vara. I hennes målningar samexisterar vision och vetenskap, symbol och struktur. Hon målade inte för sin samtid, utan för en framtid som ännu inte var född! Jag anser, att är det i det fördröjda erkännandet som hennes största konstnärliga mod finns: att tro på betydelsen av det OSEDDA.
KÄLLOR:
Iris Muller-Westermann , Jo Widoff ” Hilma af Klint- Abstrakt pionjär”
Voss Julia ”Hilma af Klint: Die Menschheit in Erstaunen versetzen” (2013) S.Fischer Verlag
Artemisia föddes den 8 juli 1593, var dotter till en framstående målare Orazio Gentileschi (1563-1639). Fader var en begåvad elev och efterföljare till Caravaggio, säkert hela familj kände till den neapolitanska barockens mästare. Artemisia redan som en ung flicka började praktisera hos sin far och visade en enormt intresse för arbete.
"Maria Magdalena" (1616-18)oil on canvas, 146,5 x 108 cm, Palazzo Pitti, Florens
Runt 1610 skapade hon den första oljemålningen, presenterades en biblisk motiv ” Susanna och de äldre”, som framställer två män stirrande på en ung flicka.
”Susanna och de äldre” (1610) oil on canvas, 170 x 119 cm, Weisenstein slottet, Pommersfelden
Den tavlan väcker många frågor:
männen verkar vara inte så gamla! I den typiska bibliska scenen är de mycket äldre
den yngre man påminner om hennes förföljare- Tassi
Susanna har Artemisias drag (hennes vackra, frodiga lockar) och försvarar sig själv mot beundrares intresse
Vi ska börja från början…
Året är 1611.
Artemisia går i läran hos konstnären Agostino Tassi(1578-1644). Han visade sig vara en brutalt ”lärare” vilken utnyttjade situationen och våldtog 17-åring tjej. Livet började med skuggor för den unga kvinnan!
Tavlan med Susanna verkar vara relaterad till Artemisias liv, liksom måleriet var ett sätt att hantera traumatiska upplevelser. Hela händelse känner vi från en rättegång. De detaljerade uppgifterna har överlevt i 400 år och har bevarats till idag. Artemisia gick genom anklagelser om promiskuitet (att Tassi har inte varit hennes första man) och gynekologisk undersökning. Som sista blev hon också torterad med tumskruvar under sitt vittnesmål för att försäkra sig om att hon talade sanning! Tassi blev slutligen dömd för ett år fängelsestraff.
Alltså avbildade Artemisia sig själv mellan de två gubbarna? Enligt vissa forskare var tavlan medveten backdaterad, och den skapades i själva verket efter 1610. Två voyeuristiska äldre spionerar på den dygdiga Susanna medan hon badar och de försöker sedan utpressa henne till att ha sexuella relationer.
Under samma period målade Gentileschi också ett av sina mest kända verk, ”Judit dödar Holofernes”. Konstnärinna kommer att mörda Tassi på duk många gånger under sin karriär.
En brutal scen blev ett bästa sätt att gå genom en hemsk händelse!”Judit dödar Holofernes” (1611-12) oil on canvas, 159 x 126 cm (Museo Nazionale di Capodimonte, Naples) och på höger en annan version från 1620-21, oil on canvas, 162,5 x 199 cm Uffizi Gallery, FlorenceUffizi-versionEn kvinnlig detalj
I den bloddrypande målningen användar Gentileschi chiaroscuro-teknik för att erhålla ett dramatiskt uttryck. Uffizi-målning (1620) är mer realistisk och visar dekapitation (halshuggning) som är verkets centrala motiv. I verkligheten var Judit ensam när hon mördade Holofernes, men triangulära komposition med piga passade bättre till scenen. Hjältemodig änka påminner mycket om Artemisias ansikte, den döende fiende är antagligen Tassi!
Så påbörjades Artemisias karriär. Hon avbildade ofta starka kvinnor, hjältinnor, allegorier från myter och Bibeln, inklusive offer, självmördare.
Gentileschi fortsätt med ”Juditas – ämne”. Hon framställde Judit och hennes piga strax efter mord, när båda kvinnorna försökte lämna sitt tält. Två kvinnor som delar på sin blodig hemlighet, känns som starka och beslutsamma.
”Judit med pigga” (1618-19) oil on canvas, 114 x 93.5 cm, Galleria Palatina i Palazzo PittiSamma motiv från 1625-27 oil on canvas, 184 x 141,6 cm Detroit Institutes of Art
DANAE
Den grekiska myten om Danae berättar historien om en ung kvinna som blev förförd av Zeus. Grekisk gud kom till hennes rum i form av ett guldregn. Målningen visar en sensuell Danae och väckte tveksamheter om huruvida tavlan ska betraktas som Artemisias verk eller hennes fader. Till skillnad utförde hon sitt verk på koppar, fast denna teknik har använt ofta Orazio. Att jämföra båda stilar presenterar jag ”Danae” skapades av båda artister.
Artemisia Gentileschi ”Danae” (ca.1612) oil paint cooper, 41,3 x 52,7 cm St. Louis Art Museum, MissouriOrazio Gentileschi ”Danae” (ca.1621-23) oil on canvas, 161,5 x 227 cm, Getty Center, Los Angeles
Artemisia Gentileschi var tvungen att lämna Rom och fortsatte med att få en ny karriär som en mycket framstående konstnär. 1616 blev hon som första kvinnan medlem i Accademia delle Arti del Disegno i Florens. Hennes beskyddare var Cosimo II de Medici.
För att bevara Artemisias rykte, ordnade hennes far ett äktenskap med målaren Pierantonio Stiattesi. På detta sätt kunde dotter lägga en smärtsam händelse bakom sig. Efter Rom bosatte sig unga paret i Neapel, senare i Venedig, för att komma tillbaka till Neapel. Här stannade hon resten av sitt liv, med undantag för en resa till London (1640-42) för att besöka sin far Orazio, som hade blivit hovmålare för drottning Henrietta. Artemisias målningar var populära och mycket eftertraktade. Hon blev vän med Medici-familjen, andra artister, vetenskapsmän t.ex. Galileo Galilei. Hon var beundrad och älskad. Hon hade vunnit och lyckats med liv och karriär.
LUCRETIA
Verk”Lucretia” är från den perioden. En oljemålning i chiaroscuro- tekniken som kontrasterar med hudtonen och draperiets vita färg. Tavlan har varit i samma neapolitanska familjs ägo sedan 1600-talet, och har aldrig förr visats för allmänheten. Den dykte upp på Dorotheum – auktionen och fick en enorm intresse och slutlig pris för 1.885.000 £ (2018-10-23).
”Lucretia” (ca.1630-35) oil on canvas, 133 x 106 cm såld på Doroteum auktion från 23/10/2018 for EUR 1,885,00 private”Lucretia” (ca.1630) oil on canvas, 96,5 x 75 cm, sold för 5,2 mln $ i 2019 (Artcurial aktion i Paris) privatDen kraftfulla formen och bestämt moment i Lucretias liv (1623-25), oil on canvas, 100 x 77 cm Gerolamo Etro kollektion, Milan
Lucretia, en figur från klassisk mytologi blev våldtagen av en romersk krigare och efter att ha berättad vad som hänt för sin make, tog hon sitt liv genom att sticka en kniv i sitt hjärta. Därmed blev Lucretia en populär symbol för kvinnlig motstånd mot manlig tyranni. Här skildrar Artemisia det ögonblick då Lucretia fattar beslutet att sticka sig själv. I tavlan från 1650-talet återupplever hon våldtäktsscenen igen.
”Lucretias våldtag”(1645-1650) oil on canvas, 261 x 226 cm, Neues Palais, Potsdam
I detta senare verk presenterade Artemisia Gentileschi en allegorisk självporträtt. Hon skapade ett realistiskt porträtt av sig själv under arbete. En brun bakgrund verkar vara duken, vilken kommer hon att arbeta på.
”Självporträtt” (1638-39) oil on canvas, 98 x 75 cm, Royal Collection, London
Artemisia dog i Neapel omkring 1654 – förmodligen på grund av epidemi som rasade där vid den tiden. Det är inte känt var hon begravdes….
Målningen ”St. Katarina av Alexandria” (1615-17) är det första självporträtt av Artemisia Gentileschi. Det är också en första förköpt kvinnliga självporträtt i National Gallery-samlingen. Museet köpte det för 3,6 miljoner pund i 2017. En renoveringsarbete följer man på #NGArtemisia.
Den symboliska betydelsen är ganska förståelig. Konstnären visade sig själv som Katarina martyren och antog hennes ikonografi, hjul var en symbol för att övervinna lidande. Gentileschi förstod den absurda rättegången i vilken deltog hon som offer. Hon behandlades orättvist, även om det var i enlighet med dåvarande tidens seder. Jämfört sig med Katarina, visade Artemisia symboliskt sin styrka!
Konstpegel behöver din hjälp mer än någonsin. Jag har inte någon bidrag för att driva portalen. Utan dina donationer kommer jag inte att ha medel för publikationer. Därför är ditt stöd mycket viktigt. Om du gillar det här stället och gillar att läsa mina artiklar - stöd mig!
Den sentimentala attityden till barndomstiden utvecklades gradvis under århundradena. Därmed var barn inte alls representerade i konsten under medeltiden. Tvärtom, när omständigheterna krävde det, visades barn som vuxna, i minskade proportioner. En sådan situation var kopplad till barnens höga dödlighet. Det var oacceptabelt att älska sina barn djupt. Man trodde ändå att ”den” kommer att dö tidigt…
Agnolo Bronzino "Bia de Medici" (1542) olja på duk, 64 x 48 cm Uffizi, Florens
Makt och kärlek- porträttet av barn under renässansen och den tidiga barocken
Agnolo Bronzino (1503-72) var en framstående porträttmålare för den florentinska Medici-familjen. Han utförde avbildningen av Bianca av Medici efter hennes död. Det kallas ett ”postumt porträtt”. Bianca var en oäkting till storhertigen Cosimo I Medici, född innan han gifte sig. Han var då 16 år gammal. År 1542 beställde Cosimo Biancas porträtt för att bekräfta en dynastisk kontinuitet. Var detta bara en politisk plan eller ett bevis på känslor för den lilla söta dottern? Det är svårt att svara med övertygelse, men porträtten har hängt i familjens privata rum. Säkert som en påminnelse till dem om det döda barnet och som en vägledning till frälsning.
Det var först i början av 1700-talet som barnet äntligen togs ur det religiösa sammanhanget och fick sitt eget liv i porträttshistoria. Cornelis de Vos (ca.1586-1651), en flamländsk målare och tecknare, var särskilt skicklig på att avbilda barn och sin egen familj på ett oerhört enkelt sätt utan onödig retorik.
Cornelis de Vos ”Magdalena de Vos” privat kollektion hans dotter blev en duktig modell!
”Magdalena och Jan Baptiste” (ca.1622) olja på duk, 78 x 92 cm Gemäldegalerie, Berlin Två äldsta barn är upptagna med lek men ändå fördes nära betraktarens inblick. Vi ser sulorna på pojkens skor. Frukter: en persika och körsbär är symboler för ungdom såväl som fertilitet.
Barnens bilder introducerar en avslappnad och varm mänsklig tillgivenhet. I skildringar av sina barn var Cornelis en riktig mästare i att uttrycka deras självsäkra personligheter och lekfulla energi.
”Suzanna de Vos” (1672 olja på duk, 80 x 55,5 cm, Städel Museum, Frankfurt am Main Suzanna avbildades av sin pappa i en mycket intim miljö med godis i handen.
Cornelis de Vos ”Porträtt av en pojke med hund” (1620) olja på duk, 109 x 75 c Nationalmuseum, Krakow
Cornelis de Vos”Familjeporträtt” (1631) olja på duk, 165 x 135 cm Royal Museum of Fine Arts, Antwerpen
En annan flamländsk konstnär, Jacob Jordaens(1593-1678), utförde ett familjeporträtt som blev en extraordinär framställning. Jordaens avbildar sig själv med sin fru Catharina och deras första barn Elizabeth, född år 1617, vars ålder tillåter oss att datera det ungefära arbetet. Dottern är klädd i populär stil i enlighet med hennes ålder och charmigt avbildad med ett tilltalande barnsligt uttryck. Hon verkar vara van att posera för sin far vid olika tillfällen.
Jacob Jordaens ”Familjen Jordaens i en trädgård ”(ca. 1621) Pradomuseet, Madrid
ANTHONY van DYCK (1599-1641) – en skickligt porträttör som avbildade kungabarn till Karl I Stuart under sin vistelse i London
Den flamländska målaren från Antwerpen, Anthony van Dyck, försökte etablera sig i London. Ryktet om hans kvaliteter som porträttmålare nådde den engelska kungen och han fick en inbjudan.
Livets framgång.
Van Dyck avbildade barn på ett helt otroligt charmigt sätt. Är detta ännu mer oväntat eftersom han inte hade egna barn. Han gifte sig relativt sent med dottern till Lord Ruthven – Mary i 1640.
Anton van Dyck ”Fem äldsta barn till Karol I Stuart” (1627) olja på duk, 163 x 198 cm Royal Collection
Van Dyck bryter mot den tidigare traditionen att presentera kungliga barn som miniatyrvuxna. Barnen är avbildad som oskyldiga, oerfarna men samtidigt medvetna om deras rang och status.
”Karl I Stuarts barn” (1635) Galleria Sabauda, Turin
”Tre äldsta barn av Karol I med spaniel” (ca.1635-36) olja på duk, 133 x 158 cm Royal Collection
”Tre pojkar Balbi” olja på duk, 219 x 151 cm National Gallery, London
Familjen Balbi var personliga vänner till van Dyck och han utgjorde några porträtter. Barnfigurer, upprätta och stolta, hänvisar till ett typiskt officiellt porträtt. Deras ansikten är söta och mjuka med vackra runda kinder.
Peter Paul Rubens (1577-1640) – skildrare av äktenskapskärlek och barn.
Om ni minns bra, Rubens gifte sig två gånger och skaffade åtta barn. Både fruar och barn poserade ofta för konstnären och kan kännas igen i målningarna. På detta sätt visade Rubens sin faderliga kärlek genom att placera barnens bilder som mytologiska figurer (putti) eller självständiga porträtt.
Isabella Brant (1599-1626) var konstnärens första hustru, hon avled i böldpest, knappt 34 år gammal.
Isabella Brandt (1599-1626) (1610)
”Pojke med fågel” ( 1616) 49 x 40 cm, Staatliche Museen
”Albert Rubens” (ca.1619) Albertina, Wien
”Dotter Klara Selena”(1618) 37 x 27 cm, Lichtensteinische Gemäldegalerie
”Klara Serena” den söta flickan levde mellan 1611-23 Rubenshuis, Antwerpen
”Porträtt av konstnärens söner (Albert och Nicolas) (ca.1626-27) olja på duk, 158 × 93 cm Liechtenstein Museum i Wien
Den 6 december 1630 gifte sig Rubens för andra gången. Hans utvalda var sexton år gammal Helena Fourment. Från detta äktenskap föddes fem barn. Den unga frun besökte ofta mästarens ateljé, hon var för honom en inspiration av skönhet och kärlek.
”Rubens med sin fru Helena Fourment och deras son Frans” (1634-35) olja på duk, 204 x 159 cm Metropolitan Museum of Art, NY
”Helena Fourment med son” (1635) olja på duk, 146 x 102 cm I målningen sitter den nakna 2-åriga Frans i sin mors knä och tittar på sin far och samtidigt på betraktaren
”Två sovande barn” (1612-13) 50 x 65,5 cm National Museum of Western Art, Tokyo
Konstnären hoppades att ett av hans barn skulle följa i sin fars fotspår och ägna sig åt måleriet, så i sin testamente förbjöd han försäljningen av sina egna teckningar, som han förvarade i ett speciellt rum. Tyvärr valde inget av Rubens barn en målningskarriär, därför tavlor gick till salu i mitten av 1650-talet.
Diego Velazquez (1599-1660) och den habsburska barndomen
Velazquez var en framgångsrik målare känd inom den högre samhällsklassen och det var framförallt geniala porträtter som präglades hans karriär. 1624 flyttade Velazquez med sin familj till Madrid, vilken blev deras hem för resten av livet.
Diego Velazquez ” Infanta Margarita i 3-års ålder” (1653-54) olja på duk, 128,5 x 100 cm Kunsthistorisches Museum, Wien
När tänker man på hans främsta porträtt, tänker vi omedelbart på Infanta Margarita (1651-73). Målaren gjorde henne odödlig – även om hon inte levde länge. Dotter till Filip IV, blev kejsarinna bara 15 år gammal. Sju år senare dog hon under förlossningen.
Hennes barndomsbilder är bland de vackraste porträtt av barn i världen. Infanta är den centrala figuren i Velázquez berömda komposition, ”Las Meninas”, målad tre år senare.
En serie porträtt utfördes för hennes morbror och samtidigt blivande man, Leopold I, för att han skulle kunna följa processen av hennes uppväxt. Släkten Habsburg var känd för sina storslagna planer, allt för att förlänga sin kungliga ätt. Äktenskap mellan familjemedlemmar räknades till!
”Margarita Teresa i 5-års ålder”(1656)
”Infant Margarita Teresa i 8-år ålder” /1659) olja på duk, 127 x 107 cm Kunsthistorisches Museum ,Vienna
”Infant Filip Prosper”(1659) Kunsthistorisches Museum , Wien Pojke är 2år gammal här, sonen till Filip II var ett ömt och sjukligt barn. En liten hund tittar frågande på betraktaren med stora ögon, och pojkens bleka ansikten antyder också ett dyster öde – den lilla prinsen dog vid fyra års ålder!
”Margarita Teresa 9-år gammal” (1660), Kunsthistorisches Museum, olja på duk, 212 x147 cm
”Las Meninas” eller ”Hovdamerna” (1656-57) olja på duk, 318 x 276 cm Prado
En riktigt persongalleriet! Scenen berättar en vardagsliv från den spanska kungliga residens i Alcazar. I mitten befinner sig 5- årig Margarita Teresa, medveten om sin status och rollen.
XVIII-talet: franska och engelska konstnärer upptäcker den lyckliga barndomen!
Förutom skildringar av barn till aristokratiska familjer, beställs barnporträttet av en ny social grupp – borgerskap, medelklassen (småföretagare). Konstnären som hade ett stort popularitet i denna miljö var Jean-Baptiste Chardin (1699-1779).
Han utförde enkla kompositioner, oftast de ensamma gestalterna i form av köksflickor i arbete eller barn försjunkna i sina lekar. En glad barndomstid i ljusa, pastellfärger där barn kan leka i lediga stunder.
Jean-Baptiste- Simeon Chardin ”Auguste- Gabriel Godefroy” eller ”Ung skolpojke med snurra” (1741) olja på duk, 64,5 x 76,5 cm Museu de Arte, San Paolo
Version från Louvren ”Pojke med snurra” (1738) olja på duk, 67 x 76 cm
”Den unga skolmästerskan” (ca.1736) olja på duk, 61 x 66,5 c National Gallery, London
En liknande ställning till barndomen påträffar vi hos Thomas Gainsborough (1727-88) och Joshua Reynolds (1723-92).
Nästan drömlik karaktär har en tavla ”Konstnärens döttrar jagar en fjäril”(ca.1755). Mary och Margaret har sina söta smeknamn: Molly och Kapten, de är respektive 4 och 6 år gamla. Gainsborough var en framgångsrik målare som arbetade på beställning av den brittiska överklassen. Familjeporträttet utförde han för sin egen skull. Han avbildade fru och flickor minst en gång om året!
Thomas Gainsborough ”Konstnärens döttrar med fjärilen”(1755-56) Nationalgallery, London
Hans främsta rival Joshua Reynolds idealiserade sina porträtter. ”Master Hare” (1788-89), ”Oskuldens tid” (ca.1785) tillhör dem vackraste barnföreställningar från England. Det verkar att Reynolds kunde avbilda barn på ett naturligt sätt, han hittade gemensam språk, skratt vad innebär att unge poserade med glädje till honom!
Joshua Reynolds ”Frances Master Hare” (1788-89) olja på duk, 77 x 64 cm Louvre År 1788, när Reynolds var vid toppen av sitt rykte, målade han detta porträtt för en av sina mostrar, Lady Jones. Här sitter Francis George Hare, brorson eller adopterad son till Lady Jones. Två år efter att den målades var denna bild redan känd. Det köptes av baron Alphonse de Rothschild 1872 och testamenterades till Louvren 1906.
”Oskuldens tid” (1785), olja på duk, 64 x 76 cm Tate Britain Mest känd av Reynolds verk, den var kopierad och reproducerad i stora upplagor.
Tillbaka till Frankrike: här kommer Impressionismen och kärleksfulla porträtter
Impressionisterna avbildade ofta barn, sina fruar, sina älskarinnor och barn till älskarinnor. Familjebanden har lossnat. Barnporträttet har fått en psykologisk inblick. Konstnärer tittade djupt i barnens själ och upptäckte deras individuella drag.
Pierre-Auguste Renoir ” Madame Charpentier med döttrar” (1878) olja på duk, 154 x 190 cm MoMa, New York Margaret-Louise Lemonier sitter i ett japansk möblerat rum med sina två döttrar. Paret Charpentier samlade impressionistmålningar och tavlan väckte intresse på Parissalongen 1879.
Pierre-Auguste Renoir ”Rosa och Blått” (1881) olja på duk, 119 x 74 cm San Paolo, Museu de Art Alice and Elisabeth Cahen d’Anvers är döttrar till en parisisk bankman.
Bland impressionisterna skapades de vackraste bilderna av moderskap en amerikansk målarinna- Mary Cassatt (1844-1926). Hon var barnlös och ”lånade” barn från sina släktingar och vänner.
Vi möter de mest hemma, upptagna mammor med sina barn. Barnen är underbara, naturliga i varje utseende, leende och grimaser. En sover i mammans armar, andra är ovilliga att tvätta, andra leker med katten. Intimitet kombinerat med känslan av observation.
Mary Stevenson Cassatt , ”Flicka i en blå fåtölj”, 1878, olja på duk Collection of Mr. and Mrs. Paul Mellon
Detalj
”Badet” (1891-92), olja på duk, 39 x 26 cm Art Institute of Chicago
”Moderskap”, (1892) 68 x 44 cm, Pastel on papper
Mary Casatt ” Lekande barn på stranden” (1884) National Gallery of Art, Washington
”Barn i en stråhatt”, (ca.1886) olja på duk, 65 x 49 cm National Gallery of Art
Verkligen charmig är porträtt utförd av Vincent van Gogh (1850-93) av 4-månader gammal Marcel Roulin!
Denna knubbiga bebis var det yngsta barnet till brevbäraren Josef Roulin, som skickade Van Goghs målningar från Arles till Paris. De två männen blev vänner, och Van Gogh målade Roulins hela familj. Han målade flera porträtt av bebisen. Marcel har förmodligen blivit en av de yngsta modellerna i konsthistorien!
Vincent skickade det lilla porträttet till Theo. Theos fru Jo, som var gravid vid den tiden, skrev: ‘Jag gillar att föreställa mig att vårt barn kommer att vara lika stark, lika frisk och lika vacker som den där – och att hans farbror kommer att samtycka till att göra sitt porträtt en dag! https://www.vangoghmuseum.nl/en/collection/s0167V1962
Vincent Van Gogh ”Marcel Roulin” (1888) 35 x 24,5 cm, Van Goghs Museum, Amsterdam Marcel är här 4 mån gammal och levde ett långt liv (1888-1980)
Paul Cezanne (1839-1906), en av viktigaste europeiska bildkonstnärerna var mest känd av sina stilleben, landskap och enastående porträtter.
Han avbildade ofta sin son, Paul. Utomäktenskapligt barn föddes av förhållande med 19-årig modell, Hortense Fiquet. Detta porträtt är faktiskt en av bästa målningar av Cezanne. Perspektiv spelar här en mindre roll, formen är klarsynt och rent, färglager används utan impasto (en tjock lager). En ”trois quart” bild räcker att läsa pojkens känslor. Hans utseende visar ironi och nonchalant, typisk till ungdomar i hans ålder.
Paul Cezanne ”Konstnärens son, Paul” (1885) 65 x 54 cm National Gallery of Art, Washington
En känslomässig inställning till barndomen är också synlig i verk av även en så energisk och skarpsynt målare som Pablo Picasso(1881-1973).
María de la Concepción, kallad ”Maya” föddes den 5 sept. 1935 från förhållande med Marie-Therese Walter. Flicka bodde med sin mor i södra Frankrike, där Picasso tillbringade helger och vissa vardagar för att leka med henne. Dotter modellerade till några av hans målningar.
Maya lekande med docka är en kubistisk porträtt, urskiljas sig lite från tidigare verk med färgfulla, emotionella former. Flickans stora, intensiva ögon, uttrycker önskan att ta över hela den omgivande verkligheten. Denna bild utstrålar nästan magiskt oskyldighet och spontanitet, karaktäristiska drag i barndomen.
Pablo Picasso ”Maya med en docka” (1938) Musee Picasso, Paris
Sammanfattning
Barndomen behandlades som en svår, dödlig övergångsperiod som ledde till att bli en fullvärdig människa. Denna uppfattning förändrades av filosofer under upplysningstiden, men det var först på 1800-talet som inleddes intresse för barndomen inom psykologi och pedagogiken.
Samtidigt förändrades familjemodellen, kontakterna mellan föräldrar och barn blev närmare och mindre officiella. Spår av dessa förändringar finns i konsten, som under 1800-talet ”upptäckte” barndomstiden, vilket gör den allt oftare till ett självständigt ämne.
KÄRA FÖLJARE OM NI TYCKER OM ATT LÄSA MINA TEXTER, BER ER OM SYMBOLISKT MYNT.
František Kupka (1871-1957) var en betydande tjeckisk målare och pionjär inom abstrakt konst. Han föddes den 23 sept. 1871 i Österrike-Ungern och dog den 24 juni 1957 i Frankrike. Kupka räknas som en av de första konstnärerna som övergick från figurativ konst till fullständigt abstrakta verk.
Konstnärliga bakgrund
Kupka studerade konst i Prag och Wien innan han flyttade till Paris för att fortsätta sin konstutbildning. Där ägnade han sig åt natur- och modeteckningar för att försörja sig. Han hade också intressen inom vetenskap och filosofi samt studerade konstteori vid Académie Julian.
För att komma närmare moderna konstnärer blev han medlem i Groupe de Puteaux (eller Section d’Or). Gruppen hade regelbundna möte och diskussioner kring konst mellan målare som bland annat Marcel Duchamp,Fernand Léger, Robert Delaunay.
Efter första världskrigets utbrott anmälde sig Frantisek Kupka frivilligt till armén och befann sig vid fronten. Efteråt fick han en fransk medborgarskap, men vid krigsslutet flyttade han till Prag och blev professor vid Konsthögskolan.
Från en tidig ålder hade Kupka varit intresserad av det övernaturliga (senare i teosofin), och från detta växte ett intresse för färgens andliga symbolik. Det blev hans ambition att skapa målningar vars färger och rytmer skulle ge effekter som liknar musikens, och i sina brev signerade han sig ibland som ”färgsymfonist”.
František Kupka”Gult spektrum” (1907) olja på duk, Museum of Fine Arts, Houston
Verket ”Gult spektrum” är en del av Kupkas serie ”Färgfaser”, där han experimenterade med färg och ljus för att skapa abstrakta kompositioner. Bilden visar en dynamisk och nästan rytmisk konstellation av gula och orangefärgade bågar som liknar ljusstrålar och spektrum. Konstnären var fascinerad av vetenskap och teorier om ljus och färg, vilket påverkade hans utforskningar av optiska fenomen. Han avbildade sig själv och ansåg att färg borde vara fri från beskrivande associationer och skildrade detta i sitt arbete.
Och vet ni själva att det finns en positiva effekten av gult i psykologi! Det beror på dess koppling till solen. Solen är energi, aktivitet, glädje och lycka. I naturen är ljus nödvändigt för livet. Vårt humör förändras positivt när vi kollar på gult.
”Självporträtt” (1910) Národní galerie Praha, Praga
Kortfattat: František Kupka levde 85 år. Sjuttio år av kreativitet.
Olika stilar: realism, neo-impresjonism, kubism, fovism, pop-art, futurism
Till frågan om hans stil är abstrakt, svarade Kupka ungefär så: ”Abstrakt? Min tavla? Varför? Måleri är konkret, det är färg, former, dynamik. Tanken är viktig. Du måste uppfinna något och sedan bygga det.”
” Piano-keys/Lake” ,”Pianotangenter/Sjö” (1905) Olja på duk, 31 x 28,34 tum Národni Galerie, Prag
”Lippstick” (1908)
Amorfa (1912) Olja på duk, 210 x 200 cm Narodni Galerie, Prague
Målningen är uppdelad i geometriska former och innehåller en unik kombination av färger för att skapa en känsla av rörelse och rytm.
”Domkyrka” (1912–13) olja på duk, 180 × 150 cm Kampa Museum, Prag
Denna målning är en av en serie abstrakta verk som Kupka kallade vertikala och diagonala plan. Vertikala linjer, som löper över hela längden av duken, skärs av diagonala linjer för att bilda rätlinjiga former av olika storlekar.
Under sin livstid var Frantisek Kupka inte lika berömd som några av sina samtida, men hans arbete har sedan dess erkänts som en viktigt bidragsgivare till den moderna konstens utveckling.
Teosofi. Kupka och spirituella krafter
František Kupka hade varit ett ”praktiserande spiritistiskt medium” i Prag och Wien innan han flyttade till Paris (1896). Liksom Kandinsky fann han inspiration i teosofin och det ockulta och accepterade en idé om den fjärde dimensionen ”som ett komplement” till sin teosofiska tro.
Min ”Topp Tre”
Om jag var tvungen att välja tre av de viktigaste verken av Kupka för mig skulle de vara det utan tvekan:
”Livets början” (ca.1900) symbolism
”Kvinna som plockar blommor” (1909) orfism
”Musiken” (1936) konstruktivism
Trots omfattande relationer till konstvärlden höll han sig alltid lite vid sidan av. Han ville inte bli permanent knuten till konstnärliga grupper. František Kupka var den abstrakta konstens pionjär! Det vet vi. I hans verk från olika decennier återkommer färggranna, kosmiska vyer och olika former. Sista 20 åren blev målningarna alltmera matematiskt exakta, med rumsliga färgkompositioner.
Du kan se František Kupkas tavlor på kända gallerier och museer som Centre Pompidou, Guggenheim i New York och Tjeckiens nationalgalleri i Prag. Han är en mycket respekterad konstnär och jag beundrar verkligen hans verk!
Självklart! Här är ett informativt och inspirerande inlägg om hur man kan tjäna pengar till klassen genom att sälja Wendelin’s godis, utan externa länkar:
Att samla in pengar till klassresor, skolprojekt eller avslutningsfester är en vanlig utmaning för många skolklasser och föreningar. Ett av de mest populära och effektiva sätten att få ihop pengar är att sälja godis – särskilt från varumärken som Wendelin’s, som erbjuder både god smak, snygg förpackning och ett upplägg som gör det enkelt att lyckas.
Här går vi igenom hur försäljningen fungerar, varför det är en bra idé och tips för att ni som klass ska få in så mycket pengar som möjligt!
🍭 Varför sälja godis för att tjäna pengar?
Söt och god motivation! Godis är en produkt som:
Nästan alla tycker om – det är lättsålt.
Har ett överkomligt pris – vilket gör att många kunder köper flera enheter.
Är förbrukningsvaror – det finns alltid efterfrågan, särskilt vid högtider eller inför helgen.
Har hög vinstmarginal, vilket innebär att en stor del av varje såld produkt går till klassen.
Wendelin’s godis är särskilt uppskattat eftersom de ofta erbjuder kvalitetsprodukter med fina förpackningar som passar både som gåva och för eget bruk.
🏫 Hur fungerar det att sälja Wendelin’s godis med klassen?
1. Bestäm målet
Sätt ett tydligt mål: – Hur mycket pengar vill ni samla in? – Vad ska pengarna gå till (klassresa, lägerskola, skolavslutning, studiebesök)?
Ett tydligt mål gör det enklare att engagera både elever och föräldrar.
2. Planera hur ni säljer
Det finns två vanliga försäljningsmetoder:
Försäljningskatalog: Eleverna visar upp ett sortiment (digitalt eller i fysisk katalog), tar upp beställningar och levererar senare.
Direktförsäljning: Klassen köper in ett lager och säljer direkt på plats – t.ex. på marknader, föräldramöten eller utanför matbutiker.
3. Ta hjälp av alla
Föräldrar, mor- och farföräldrar, grannar, kollegor – alla kan bli kunder eller hjälpa till att sälja. Ju fler som engagerar sig, desto större blir resultatet.
4. Sälj i rätt tid
Vissa tider på året är extra bra för godisförsäljning:
Inför påsk – choklad och sötsaker är självklara.
I december – juliga smaker säljer väldigt bra.
Höstmarknader eller skolans öppet hus-dagar är också perfekta tillfällen.
💰 Hur mycket kan man tjäna?
Det varierar beroende på antal säljare, produkter och hur aktiv klassen är. Men här är ett exempel:
En elev säljer för 2 000 kr.
Klassen har 20 elever.
Total försäljning: 40 000 kr.
Om vinsten är t.ex. 30–40 %, får klassen 12 000–16 000 kr i vinst!
Det räcker ofta till en bussresa, övernattning, aktiviteter och mat för hela klassen.
🌟 Tips för att lyckas med försäljningen
Sätt ett gemensamt mål och följ upp tillsammans – en visuell “pengamätare” i klassrummet kan hjälpa.
Utmana varandra – utan att pressa. En liten tävling med diplom eller pris för “bästa säljare” kan motivera.
Träna på säljsnack – kort, trevligt och tydligt: “Hej! Vi samlar in pengar till vår klassresa. Vill du stödja oss genom att köpa Wendelin’s godis?”
Tänk på återköp – om ni säljer godis med bra kvalitet kommer kunderna att vilja köpa igen nästa gång.
📦 Vad innehåller Wendelin’s sortiment?
Wendelin’s brukar erbjuda ett brett sortiment av:
Chokladpraliner
Gelégodis och karameller
Säsongsprodukter (t.ex. julaskar, påskägg)
Lakrits och nötmixer
Vackert förpackade presentaskar
Kombinationen av god smak och snygg design gör det lättare att sälja produkterna som presenter till andra – ett stort plus.
✨ Sammanfattning
Att sälja Wendelin’s godis är ett beprövat och roligt sätt att tjäna pengar till klassen. Produkterna är lättsålda, vinsten är god, och alla i klassen kan bidra efter sin förmåga. Med en bra plan, tydligt mål och lite gemensam pepp kan ni snabbt nå era insamlingsmål – samtidigt som ni har kul tillsammans.
👉 Lycka till med försäljningen och med ert klassäventyr! Vill du ha hjälp att skriva en flyer eller säljpitch? Jag hjälper dig gärna!
Den 13 december hörs i hela Sverige den ljuvliga sången. Luciasången sjungs till en neapolitansk melodi. Originalet har inledningsorden:
Sul mare luccia l’astro d’argento, Placida è l’onda, prospero è il vento Venite all’agile barchetta mia… Santa Lucia! Santa Lucia!
Con questo zeffiro, così soave Oh! Com’è bello star su la nave! Su passaggieri, venite via! Santa Lucia! Santa Lucia!
Den heliga Lucia var enligt legenden född år 268 e. kr. i Syrakusa på Sicilien. Hon avlade kyskhetslöfte och skänkte sin hemgift till nödlidande kristna som höll sig dolda under den romerska kejsare Diocletianus förföljelser. Brutala pogromer gav upphov till många martyrberättelser.
Lucia föddes i en rik familj och hennes föräldrar lovade bort henne. Men dottern avslog många friare. Tyvärr kände sig en av dem kränkt och avslöjade Lucias kristna konfession. Arresterad och torterad vägrade Lucia att ge upp sin tro. Enligt domen skulle hon vara inlåst i en bordell och tvingas till prostitution. Sedan, för att göra sig oattraktiv till potentiella kunder, rev hon ut sina ögon. Slutligen halshöggs hon den 13 december 304 e. kr.
När det gäller ikonografi blir Lucias ögon en fantasifull skapelse. Ett utmärkt exempel är målningen av Francesco del Cossa (ca.1435-78) där Lucia med en raffinerad gest presenterar en hemlig växt ”ögonblomma”.
Detalj
Detaljen med ”ögonblomma”är nästan en surrealistisk vision.
”Poliptyk Griffoni” (1472-73) beställd till basilikan San Petronio i Bologna. 16 tavlor finns för närvarande splittrade i olika museer
En annan form av Lucias attribut var en tallrik med ögon på! I en målning från 1400-talet av Carlo Crivelli (ca.1430/35- ca.1495) finns en sådan tallrik i hennes vänstra hand. Den venetianska målaren var känd för sina dekorativa tavlor, stela poser och guld-motiv. Han hör till den förmoderna, internationella gotikens formspråk.
Carlo Crivelli ”Sankta Lucia” (ca.1476) tempera on lime National Gallery of Art, London
Detalj
Dessa paneler kom från en altartavla som Crivelli målade för dominikanska kyrkan vid Ascoli Piceno, i Marche. Många helgon som avbildades av honom hade en speciell betydelse för den ursprungliga beskyddaren. Helgonens glorior hade glittrat och flimrat i medeltidens levande ljus och tänt kyrkan med en speciell stämning.
Carlo Crivelli ”Sankt Antonio och Sankta Lucia” (ca.1470) tempera on panel, 34,4 x 47,8, Czartoryski Museum, Krakow
En anonym mästare berättar Lucias martyrdom (ca.1505-10) oil on temper wood,132,4 x 101,7 cm Rijksmuseum
Som sista ville jag presentera det vackra nokturn-verk från 1600-talet utförd av den spanska målaren Francisco Zurbarán. Konstnären ”tar fram” helgonets gestalt från det hemliga mörkret. Lucia är klädd i en klänning, korsett, ett åskådligt pärlhalsband och en krona av levande blommor som framkallar association med ”blommiga stilleben”.
I ena handen håller hon martyrdomens symbol -palmkvist och i den andra fat med två ögon på. Den eleganta klädseln betonas av kompletterande färger samt kontraster av varma toner i rött och gröna. Den skimrande ljuseffekten syns på föremål som: pärlor, kamé och en tennplatta med ögon.
Zurbaran ”Sankta Lucia” (1635/40) olja på duk, 104 x 77 cm National Gallery of Art
Sankta Lucia, en modig ung kvinna är skyddshelgon för synskadade, sjuka barn, botfärdiga prostituerade. Avbildningar av henne i konsten visar kvinnans tragiska historia men visar upp också en ljusenergi som kommer från hennes namn och personligheten. Enligt oss, samtida människor, var hennes liv bedrövligt men är det inte värdefullt när man dör för det som man älskar mest?
Hur får man ett lent och fint hår? Tips och tricks!
Att ha ett lent och fint hår är något som många strävar efter. Det finns många faktorer som påverkar hårets hälsa och utseende inklusive genetik, kost, miljö och hårvårdsrutiner. För att uppnå ett lent och fint hår är det viktigt att ta hand om det på rätt sätt.
En viktig faktor för att få ett lent och fint hår är att följa en noggrann hårvårdsrutin. Detta innefattar att tvätta håret regelbundet med ett milt schampo och balsam samt att använda en hårmask eller en hårinpackning en gång i veckan för att återfukta och stärka håret. Det är också viktigt att undvika att borsta eller kamma håret när det är vått eftersom det kan leda till att håret bryts av och blir skört. Sedan kan man också gå en liten genväg genom att skaffa sig löshår kolla in här så får du se alla färger som finns.
Förutom en noggrann hårvårdsrutin är det viktigt att äta en hälsosam kost som innehåller näringsämnen som är viktiga för hårets hälsa såsom protein, vitaminer och mineraler. Det är också viktigt att skydda håret från skador genom att undvika överdriven värmebehandling och att använda skyddande produkter såsom en värmeskyddande spray eller en solskyddsprodukt.
Grundläggande hårvård
För att få ett lent och fint hår är det viktigt att ha en grundläggande hårvårdsrutin som passar din hårtyp. Här är några tips på hur du kan ta hand om ditt hår på bästa sätt.
Rätt schamponering
Att välja rätt schampo för din hårtyp är viktigt för att undvika att håret blir torrt och skadat. För att få ett lent och fint hår bör du använda ett milt schampo som inte torkar ut håret. Det är också viktigt att tvätta håret regelbundet för att undvika att smuts och olja byggs upp i håret och på hårbotten. Hos Pozehair har de också både schampo och balsam för ditt hår.
När du tvättar håret bör du massera in schampot i hårbotten med lätta rörelser för att stimulera blodcirkulationen. Skölj sedan ur schampot noggrant med ljummet vatten.
Balsamets betydelse
Ett balsam hjälper till att återfukta och mjukgöra håret. För att få ett lent och fint hår bör du använda ett balsam efter varje schamponering. Balsamet hjälper också till att reda ut håret och göra det lättare att kamma.
När du applicerar balsam bör du fokusera på längderna och topparna av håret och undvika att applicera det på hårbotten. Låt balsamet verka i några minuter innan du sköljer ur det med ljummet vatten.
Hårtypsanpassade produkter
För att få ett lent och fint hår är det viktigt att använda produkter som är anpassade för din hårtyp. Om du har torrt eller skadat hår bör du använda produkter som återfuktar och reparerar håret. Om du har fett hår bör du använda produkter som är utformade för att kontrollera oljeproduktionen i hårbotten.
Det är också viktigt att undvika att använda för mycket stylingprodukter, eftersom de kan torka ut håret och göra det svårare att hantera. Om du använder stylingprodukter bör du välja produkter som är utformade för att återfukta och skydda håret.
Ett blått sken strömmar ut från mina kläder. Midvinter. Klirrande tamburiner av is. Jag sluter ögonen. Det finns en ljudlös värld det finns en spricka där döda smugglas över gränsen.
”Midvinter” av Tomas Tranströmer (dikt från Sorgegondolen 1996)
”Vinterlandskap” (ca. 1608) olja på duk, 78 x 132 cm Rijksmuseum, Amsterdam
Vinter.
Vinterstämning.
En årstid som har lika många älskare som hatare. Inte alls en lätt period.
Låt oss fokusera på 1600-talet. Visste ni att det då var ”lilla istiden” som medförde ovanligt kalla vintrar mellan ungefär 1550-1800. Man kunde resa på Östersjön mellan Sverige och Polen. Idag tar vi en resa till Nederländerna! Vi kommer att möta en konstnär som specialiserade sig på vinterscener.
Hendrick Avercamp (1585-1634) föddes i Amsterdam. Hans far var en lärare i latin som senare åkte till Kampen och blev farmaceut. Troligen på grund av en medfödd dövhet lärde Hendrick sig aldrig att tala. Han fick lektioner i skrift från sin mamma, men det blev snart uppenbart att han kunde uttrycka sina känslor ännu bättre med sin talang för att rita. Hendrick kallades också ofta ”den stumme från Kampen” (de Stomme van Kampen). Vid 18 års ålder flyttade Avercamp igen till Amsterdam, där han var lärling hos den danska målaren Pieter Isaacsz (1569-1625). År 1614 återvände han till Kampen, där han bodde och arbetade fram till sin död 1634. Han blev begravd där i Sint Nicolaaskerk.
Detalj från Vinterlandskap: Krogägare förser värdshuset med det vatten som behövs.
Kolf-spelare med åskådare. Mannen framför knyter sina skridskor.
Skridsko-lek i alla aspekter, genom att prova och missa.
Vardagen på isen. En hund äter kadaver, en man bär hinkar med vatten, någon annan tömmer tarmar i en vältad båt.
Skridskoåkning och pulka. En man i förgrunden bär på ett knippe sockerör.
Avercamps berättande karaktär gör att hans målningar läses som en intressant bok. Du vänder blad om och om igen och du kan inte få nog!
Redan under sin livstid var Hendrick Avercamp känd för sina vinterlandskap med perfekt tecknade små figurer och utmärkta perspektivet. Han bemästrade denna konst till perfektion, som kan ses i den cirkulära bilden (tondo) nedan:
”Tondo med skridsåkare” (ca.1608-09) Olja på ek, 40,7 x 40,7 cm National Gallery, London
”Scen på frusen sjö” (1610) akvarell, 19 x 31 cm Teylers Museum, Haarlem
Avercamps tidiga vinterlandskap (före 1608) var mycket flamländska i sin teknik och komposition: en mycket hög horisont, många figurer. Mellan 1610 och 1620 faller horisonten i hans målningar lägre och lägre, de landskapsliknande elementen tunnas ut och figurerna blir mer grupperade i kompositionen. Efter 1620 blev kompositionerna mer slutna, figurerna smälter in i landskapet.
Hendrick Avercamp hittade sin nisch. Säkert älskade han vintersäsongen, det känns att vintern för honom var en tid av energi och festlighet. De frusna kanalerna är fyllda med människor upptagna av gruppdiskussioner, engagerade i arbete eller i rolig skridskoåkning. Skridskoåkare var ett återkommande tema.
”Ice Scene” (ca. 1610) Oil on panel, 36 x 71 cm Mauritshuis, Den Haag
Målningen visar en frusen kanal med många människor som roar sig. De åker skridskor, slädar och spelar ett spel som heter ”kolf”, ett slags ishockey. Till vänster har en grupp människor fallit genom isen, men hjälp är redan på väg.
”Vinterscen från Yselmuiden” (ca. 1613) Oil on panel, 47 x 73 cm Musée d’Art et d’Histoire, Geneva”Ett panoramiskt vinterlandskap” (ca.1610) Oil on oak panel, 69 x 109 cm Private collection Detta tidiga verk framställer en mängd figurer på en frusen flod, för många att räkna!”Ice Landscape” Oil on panel Staatliches Museum, Schwerin”Frozen River with Skaters” (1610-15) Oil on oak panel, diameter 31 cm Museum of Fine Arts, Budapest. Denna målning är särskilt intressant. Rundpanel (tondo) var ett sällsynt format för landskap. Cirkelrunda tavlor var reserverade för religiösa verk!
Avercamp målade ofta målningar på papper som, när de var inramade, var ett billigt alternativ till oljemålningar. En ritning gjordes först med penna och bläck. Denna täcktes sedan med färg, varigenom konturerna på ritningen bibehölls. Med denna teknik kunde Avercamp utmärkt skildra de bleka vinterfärgerna och nyanserna på isen.
Många av hans tavlor är nu i privata händer. Cirka 100 målningar kan ses i Rijksmuseum i Amsterdam, Mauritshuis i Haag, Stedelijk Museum Zwolle, Stedelijk Museum Kampen.
Avercamp använde fågellperspektiv. Djupet framställss genom färgförändring med avståndet. Förgrunden är föremål målade i rikare färger, såsom träd eller en båt, medan föremål längre bort är ljusare.
”En scen på isen” (1610/1620) 18,5 x 36 cm Museum Boijmans Van Beuningen, Rotterdam”A Scene on the Ice near a Town” (ca. 1615) Oil on wood, 58 x 90 cm National Gallery, London
Avercamp avbildade folkmassor i alla åldrar och klasser. Skridskoåkning, kälke, golf och fiske i nederländska kanaler fascinerar fortfarande konstälskare.
”Vinterscen” (ca.1610-talet) Olja på pannå, 24 x 31 cm Privat samling
Denna pannå visar en vinterscen med en väderkvarn och figurer på en frusen flod. Inspirerad av verk från hans stora föregångare, Pieter Breugel den äldre valde Avercamp vinterlandskapet som sitt främsta motiv och gjorde det till en unik holländsk genre.
”Vinterscen på en kanal” Olja på trä Toledo Museum of Art, Ohio”Kolfspelare på isen” (ca.1625) Houston Museum of Fine Arts
I förgrunden spelar två män kolf, en traditionell nederländsk sport som är en korsning mellan golf och ishockey. Han var fascinerad av detta spel och skildrade ganska ofta kolf-spelare. Avercamp signerade sina tavlor: hans typiska monogram är synligt nere till vänster (bokstaven H som omger bokstaven A ). Hendrick Avercamp var en produktiv tecknare och populariserade vinterlandskap genre hos holländska samlare på 1600-talet. Hans samtida skulle ha uppskattat denna vinterscen på flera nivåer.
Avercamp tillbringade sitt liv i den lilla staden Kampen. Han bodde långt ifrån de viktigaste konstnärliga centren, från Amsterdam och det förklarar varför denna härliga konstnär hade så liten påverkan på utvecklingen av de holländska landskapsmålningarna. Idag är hans måleri intressant inte bara för konsthistoriker men också för sociologer, historiker, filmregissörer.
En ostbricka är mer än bara ett tilltugg – den är en smakupplevelse som ofta kombineras med en estetisk presentation. När du kombinerar ostbricka och konst kan du skapa en upplevelse där syn, smak och atmosfär möts – perfekt för exempelvis en konstvernissage, gallerikväll, eller en middag där både mat och kultur står i centrum.
Här är en utförlig genomgång av vad som kan ingå i en ostbricka – samt hur du kan tänka konstnärligt kring presentation och sammanhang.
🧀 Vad ingår i en klassisk ostbricka?
En välbalanserad ostbricka består ofta av:
🧀 1. Flera sorters ost – gärna från olika familjer:
Hårdost: t.ex. lagrad cheddar, comté, gruyère
Blåmögelost: roquefort, stilton, gorgonzola
Vitmögelost: brie, camembert
Get- eller fårost: chèvre, manchego
Kittost: t.ex. taleggio, livarot (för en mer avancerad bricka)
Tänk kontrast i smak och konsistens: mild–kraftig, krämig–hård.
🍞 2. Bröd och kex
Neutrala kex, crostini, baguette, fröknäcke
Gärna något med lite sötma (t.ex. fikonbröd)
🍇 3. Tillbehör
För smakbalans – sötma, syra, sälta, nötighet:
Färsk frukt: päron, äpple, vindruvor, fikon
Torkad frukt: aprikos, dadlar, russin
Nötter: valnötter, mandlar, pistagenötter
Sylt/marmelad: fikonmarmelad, kvitten, lökchutney
Honung – ringla lite över blåmögelost för magi
Oliver, cornichons eller picklade grönsaker (för syra)
🍷 4. Dryck (valfritt)
Vin: rött, vitt, portvin beroende på ost
Alkoholfritt: druvjuice, äppelmust, iste med örter
🎨 Vad har ostbrickan med konst att göra?
Att kombinera ostbricka och konst är ett växande fenomen, särskilt i kreativa miljöer där helhetsupplevelsen står i fokus:
🖼️ 1. Visuell presentation = ätbar konst
Tänk färg, form, textur och kontraster
Lägg upp som ett konstverk: spiral, färggrupper, höjdskillnader
Använd ett vackert underlag: träbricka, skiffer, marmorfat
🧑🎨 2. Kulturella sammankomster
Vernissager, konstkvällar, bokreleaser – ostbrickan är ett uppskattat och stilrent mingelsnack
Ger en avslappnad men lyxig känsla som passar kulturella evenemang
📸 3. Estetik för sociala medier
Många ostbrickor stylas som food art – perfekta för foton i gallerimiljöer, showroom eller privata middagar med kulturell touch
🧺 Tips för att skapa en konstnärlig ostbricka hemma
Jobba med symmetri eller kaos – men inte mittemellan
Använd lokala eller hantverksmässiga produkter för autenticitet
Kombinera brickan med konstböcker, ljus eller blommor på bordet
Sammanfattning
Att skapa en ostbricka chark och korv med konstnärlig känsla är att kombinera mat och estetik på bästa sätt. Den blir inte bara en smakupplevelse – utan en del av rummets uttryck, ett sätt att berätta något. Och när den serveras i samband med konst, design eller kultur, förstärker den intrycken ytterligare.
Vill du ha hjälp att skapa ett tema (t.ex. fransk ostbricka i impressionistisk stil, eller nordisk minimalism med lokala ostar och stilleben)? Jag hjälper gärna!
Köpa dyr konst – en resa mellan passion, prestige och investering
Att köpa dyr konst är inte bara ett ekonomiskt beslut – det är en kombination av känsla, kultur och strategi. För många handlar det om att förverkliga en dröm, uttrycka sin personlighet eller skapa ett arv som kan leva vidare i generationer. För andra är det en noga uträknad investering där värdet av konst ses som en del av en diversifierad portfölj.
Men bakom varje konstköp – oavsett om det sker på en auktion, i ett galleri eller direkt från en konstnär – finns en värld av historia, kunskap och känslor som är värd att förstå.
🖼️ Varför människor köper dyr konst
Det finns flera anledningar till att människor väljer att köpa exklusiva konstverk:
Passion och kärlek till konst Många köper konst för att de helt enkelt älskar den. Ett konstverk kan väcka känslor, inspirera, eller berätta något om vem man är. För vissa blir det ett livslångt intresse där varje verk har en personlig historia.
Status och prestige Att äga konst av kända konstnärer förknippas med stil, framgång och kulturell status. För många samlare handlar det lika mycket om att visa uppskattning för konst som att markera sin plats i samhället.
Investering och värdebevarande Konstmarknaden har länge betraktats som ett alternativt sätt att skydda kapital. Värdet på exklusiva verk av etablerade konstnärer kan öka över tid, särskilt när tillgången är begränsad.
Kulturellt och emotionellt arv Vissa köper konst för att lämna något bestående – ett arv till familjen, ett museum eller samhället. Konst blir en del av ens livsberättelse.
💰 Konst som investering
Att se konst som en investering kräver kunskap och tålamod. Värdet på konst kan vara svårt att förutsäga eftersom det påverkas av många faktorer:
Konstnärens renommé och historia
Verkets sällsynthet och skick
Marknadstrender och samlarnas efterfrågan
Proveniens (verkets dokumenterade ägarhistorik)
Det är vanligt att investerare samarbetar med konstexperter, gallerister eller auktionshus för att få hjälp att bedöma autenticitet och marknadsvärde.
Samtidigt ska man komma ihåg att konst inte ger någon direkt avkastning som aktier eller obligationer. Vinsten kommer först vid en eventuell försäljning – ofta långt fram i tiden.
🏛️ Var man kan köpa dyr konst
Det finns flera vägar för den som vill köpa exklusiv konst:
Auktionshus Stora auktionshus erbjuder ofta verk av internationellt erkända konstnärer. Där säljs målningar, skulpturer och fotografier som ibland når rekordpriser.
Gallerier Gallerier arbetar nära konstnärer och kan erbjuda exklusiva verk direkt från studion. Att köpa via galleri ger ofta möjlighet till personlig rådgivning och större insyn i konstnärens bakgrund.
Konstmässor och utställningar På internationella konstmässor samlas samlare, gallerister och konstnärer för att visa och sälja verk. Här kan man både upptäcka nya talanger och se klassiska mästare.
Privata försäljningar Vissa exklusiva verk säljs helt utanför marknaden, direkt mellan samlare eller via konstkonsulter. Dessa affärer sker ofta diskret och kan omfatta mycket höga belopp.
🧠 Vad man bör tänka på innan man köper dyr konst
Autenticitet Det absolut viktigaste. Se alltid till att få äkthetsintyg och dokumentation som styrker verkets ursprung. Förfalskningar är ett växande problem på konstmarknaden.
Proveniens Ett verks historia kan påverka dess värde kraftigt. Tidigare ägare, utställningar och publiceringar bidrar till verkets status.
Skick och bevarande Ett konstverk i gott skick har högre värde. Kontrollera om restaureringar har gjorts och hur verket har förvarats.
Försäkring med betting utan licens Dyr konst bör alltid försäkras. Försäkringsbolag erbjuder särskilda konstförsäkringar som täcker skador, stölder och transport.
Långsiktighet Konstmarknaden är inte lika snabb som aktiemarknaden. Det kan ta flera år innan värdet ökar – eller längre. Köp därför konst du verkligen tycker om, inte bara för pengar.
🎭 De dyraste konstverken i världen
Vissa konstverk har nått astronomiska summor. Verk av mästare som Leonardo da Vinci, Pablo Picasso, Vincent van Gogh och Jackson Pollock har sålts för flera hundra miljoner dollar.
Men det handlar inte bara om pengar – dessa verk har enormt kulturellt och historiskt värde. För många samlare är ägandet av ett sådant verk en ära och en del av mänsklighetens kulturarv.
🧩 Den emotionella sidan av konstköp
Att köpa dyr konst handlar inte bara om siffror och investeringar. Många beskriver det som en djup känslomässig upplevelse – ett möte mellan människa och skapelse. Ett konstverk kan beröra, utmana eller förändra hur man ser på världen.
För många samlare blir konst en livsstil. Det handlar om att bygga en samling som berättar något om ens smak, liv och värderingar.
⚖️ Balansen mellan passion och ekonomi
Det bästa rådet för den som vill köpa dyr konst är att hitta balansen mellan hjärta och hjärna.
Köp med hjärtat – välj verk som verkligen berör dig.
Men tänk med hjärnan – förstå marknaden, riskerna och kostnaderna.
Att kombinera passion med kunskap gör att konstköpet blir både meningsfullt och hållbart.
Att köpa dyr konst är en resa fylld av känslor, historia och möjligheter. Det handlar om att:
Förstå konstmarknaden.
Känna sin egen smak och budget.
Vara noggrann med autenticitet och proveniens.
Se konst som både upplevelse och investering.
Konst är mer än ett föremål – det är ett uttryck för kreativitet, mänsklighet och tidlöshet. När du köper konst investerar du inte bara i färg på duk – du investerar i kultur, själ och framtid.
KONSTSPEGEL 