Georges de La Tour (1593-1652) i flammans varma ljus.

Georges de La Tour föddes den 14 mars 1593 i Vic-sur- Seille (Lorraine). Han var en fransk barockmålare bortglömd i nästan 300 år, varefter hans måleri återupptäcktes på nytt under 1900-talet.

La Tours verk kännetecknas av en användning av chiaroscuro. Ljus och skugga kontrasterar starkt. Ibland är stearinljus den enda ljuskällan i skymningsmörkret… Tavlorna har en fantastisk stämning och andlighet.

"Körkille" (ca.1645)
olja på duk, 66,5 x 50 cm
Leicester Museum and Art Gallery

Bakgrunden och första beställningar

Man vet inte så mycket om konstnärens liv. Som många konstnärer på den tiden reste George de La Tour till Italien och förmodligen till Nederländerna. Hans stil indikerar att han kände till Caravaggios stora verk och hans nederländska efterföljare (bl.a. Hendrick Terbrugghen).

24 år gammal gifte han sig med Diana Le Nerf, dotter till en tjänsteman av adligt ursprung. Några år senare bosatte han sig i hennes hemstad Lunéville, där han tack vare goda kontakter utvecklade sin karriär. Olyckor tycktes passera honom tills pesten kom, vilken drabbade Lorraine. Först dog hans fru i januari 1652, sedan två av parets tre barn, och två veckor senare dog han själv…

Lorrainemästarens verk kan delas in i två tydligt olika grupper: dagsscener, som innehåller starka kontraster av ljus och skugga, och nokturner med en enda ljuskälla. Ämnet för den första gruppen är relativt skiftande: porträtt av fattiga och äldre, bilder av helgon. Den andra gruppen omfattar huvudsakligen religiösa teman.

Vilken typ av människa och konstnär var han? Utifrån hans verk framträder en man med rak natur som värderar ärlighet och moral mest. Låt oss titta närmare på Georges La Tours målningar!

Spåkvinna” (1630)
olja på duk, 102 x 123 cm
Metropolitan Museum, New York
Detalj med ung kvinna – tjuvar och hennes koncentrerad ansikte. Mästerverk!

”Spåkvinna” hör till populära ämnen i norra Europa. Det är ett mycket narrativt verk där vi kan observera de upptagna händerna och ögonen som fokuserar på sitt arbete. Vi vet inte vad den gamla zigenaren sa och läste från den unga mannens hand. En fransk titel ”La Diseuse de bonne aventure” antyder att profetissan förutspår en god framtid. Medan zigenaren har den unges uppmärksamhet försöker tre vackra kvinnor råna honom. Motivet är lånat från Caravaggio och har en tydligt moraliserande karaktär.

Falskspelare med Ass-Karo” (ca.1635-40)
olja på duk,106 x 146 cm
Louvre

Här sitter spelare klädda enligt 1700-talets franska mode, två män och en kurtisan. Bredvid damen står hennes tjänstflicka, vars ansikte är delvis i skugga. Scenen handlar om en konspiration mellan de tre personerna. La Tour avbildar hur falskspelarna vinner spelet till sin fördel.

Version med Ass- Trefl” (1630-34)
olja på duk, 97,8 x 156 cm
Kimbell Art Museum, Fort Worth

Georges de La Tours favorit-ämne var scener från Nya Testamentet. Han accepterade kyrkans och religiösa samfunds beställningar. Ingen konstighet att artisten blev uppskattad av hertigen av Lothringen, den franska kungen Ludvik XIV och rika medborgare. Han hade det bra ekonomiskt.

Nokturner

Medan genrescener kännetecknas av starkt ljus, är religiösa scener mystiska, och de flesta äger rum under natten (så kallade ”nattmålningar”). Konsthistoriker hävdar att La Tours stil ändrades under det pågående 30-åriga kriget. Lothringen genomgick kriget särskilt smärtsamt. Regionen ligger på gränsen till de båda fientliga sidorna. Den westfaliska freden (1648) avslutade konflikten, men landet var i ruiner.

Kanske målade Georges de La Tour därför mest nattscener? Han förenklade sin stil genom statiska och geometriska kompositioner. Den dominerande stämningen är allvarsamhet och koncentration.

”Josef med Jesusbarnet i timmermansverkstaden (ca.1645)
olja på duk, 137 x 101 cm
Louvre

Den gamle Josef arbetar i sin verkstad. Framför honom sitter en pojke som håller ett ljus. Han ser på sin far med självförtroende och nyfikenhet. Det känns som en ovillkorlig kärlek till sonen. Ett änglalikt ansikte, ömheten bekräftar barnets gudomlighet! Icke desto mindre är detta ett ovanligt motiv. Det är inte särskilt ofta som Josef påträffas i bildkonsten med sin son. Oftare är det Maria och Jesus.

”Nyfött barn” (ca.1645-48)
olja på duk, 91 x 76 cm
Musee des Beaux-Arts, Rennes

Denna olja på duk föreställer Jesus födelse: Jungfru Maria är i sällskap med Sankt Anna som tänder scenen med ljus.
En perfekt exempel på chiaroscuro, religiösa symboler raderas för att skapa en scen av universell betydelse: allt för att fira mysteriet med ett barns födelse!

En vacker detalj

Den här tavlan markerar början på La Tours sista fas. ”Tillbedjan av herdar” är ett av de mest målade ämnena i västerländsk konst, men La Tour är unik i sin realistiska tolkning. Målningen beställdes antagligen av Lunéville-medborgarna som en hyllning till den nye guvernören, Marquis de la Ferté. Under många år glömdes den bort och återupptäcktes senare i Amsterdam. 1926 köptes tavlan av Louvremuseet.

”Tillbedjan av herdarna” (ca.1643)
olja på duk, 107 x 131 cm
Louvre

Musiker och folkscener

Folkmusikens scener föreställde gatuspelmän och innehöll ”vevlira”-instrument som var typiska för denna typ av musik. Tillskrivningen till Georges de La Tour är tveksam. Men detta verk har samma pittoreska, robusta karaktär som den kända Sankt Hieronymus i Stockholm, och det är målad från en mycket liknande modell.

Hurdy-gurdy player”/”Vevliran spelare” (ca.1620-25)
olja på duk, 162 x 105 cm
Musee d`Artes, Nantes

”Hurdy- Gurdy spelare med ett band” (ca.1640)
olja på duk, 84 x 61 cm
Prado, Madrid
”Hurdy-gurdy spelare med en hund” ( ca.1622)
Musée du Mont-de-Piété de Bergues
Bråk mellan musiker”(ca.1625-30)
olja på duk, 94 x 104 cm
J.Paul Getty Museum

Apostlarna är ”vanliga” människor

Albi-apostlar” är en serie målningar av Kristus som framställer de tolv apostlarna. Några av dessa målningar finns bevarade på Musée Toulouse-Lautrec i Albi. Kompositionerna förstärks genom användningen av klärobskyr, och varje målning har en dystrare stämning som är karaktäristisk för serien. Dessa stämningar bryts dock ibland av färginslag, såsom rött eller gult.

(Albi) Saint Jacques le Mineur (1620)
olja på duk, 66 x 54 c
m
Sankt Thomas” (1620)
olja på duk, 62 x 54 cm
”Sankt Juda
olja på duk, 62 x 51 cm
St. Andreas”
olja på duk, 62 x 50,5 cm
privat kollektion, Schweiz
Försäljningen uppgick till 45,3 miljoner pund (541 miljoner kronor)!
”Sankt Filip”
olja pä duk, 63 x 52 cm
privat kollektio
n

”Sankt Hieronymus”

Den helige kyrkofadern gjorde den första översättningen av Bibeln till latin (Vulgata). Han var pionjär genom utvecklandet av munkväsendet i västerlandet. Ikonografisk är han ofta avbilda som eremit eller som teolog (kyrkolärare).

St. Hieronymus läser ett brev”(ca.1627-29),
olja på duk, 79 x 65 cm
Prado
museet
Den helige Hieronymus botgöring” ( 1630-35)
olja på duk, 157 x 100 cm
Musée de Grenob
le
”Den helige Hieronymus bortgöring”(ca.1640)
olja på duk,153 x 109 cm
Nationalmuseum, Stockholm

Den uppslagna Bibeln, repet, dödskallen och korset i Hieronymus hand förstärker scenens andliga stämning.

Maria Magdalena

”Maria Magdalena” är det mest kända verket av Georges de La Tour. Målningarna föreställer Maria Magdalena, en följeslagare till Kristus, som bytte ut sitt tidigare världsliga livsstil mot ett liv i bot och kontemplation. Hon tittar in i det levande ljuset och håller sin hand på en mänsklig skalle. Ljuset är en metafor för hopp, spegeln, pärlorna på bordet och på golvet symboliserar lyx som hon har kastat åt sidan. Den kvinnliga figuren, förlorad i sina egna tankar, är fascinerande. Hela hennes kropp är mjuk och varm. Enligt La Tour är Maria Magdalena en vacker, mogen kvinna.

”Den tvingande Magdalena” (ca.1638-43)
olja på duk, 133 x 102 cm
Metropolitan Museum of Art, NY

”Magdalena med den rykande lågan”(1640-45)
olja på duk, 156 x 122 cm
Louvre version

På tavlan ”Sankt Josefs dröm” skildrade La Tour det ögonblick när ärkeängeln Gabriel förmedlar ett budskap (flykten till Egypten) till den sovande Josef.

”Sankt Josefs dröm” (ca.1640)
olja på duk, 93 x 81 cm
Musee des Beaux-Arts, Nantes

Josef verkar vara trött, som om han försöker förstå varför Gud lägger en sådan börda på honom. Gabriel (den lilla flickan) ställer inga frågor, ger ingen order. Han rör vid Josefs hand och gör en meningsfull gest som senare kommer att förändra världens historia. På den tavlan skapar La Tour hela sitt mikrokosmos. En utsökt stillhet och naturalism bekräftar bara hans höga position.

Den helige Sebastian -skyddare mot sjukdomar och Sankt Job hånad av sin hustru

Under medeltiden trodde man att Sankt Sebastian kunde skydda mot pesten. En berättelse handlar om änkan Irene och hennes piga som vårdar Sebastians kropp. I en scen drar Irene ut en av pilarna medan han är bunden vid en trädstam i Rom. Detta sker i mörkret av en katakomb.

Sankta Irene med den sårade Sankt Sebastian” (ca. 1646)
olja på duk,160 x 129 cm
Louvren
En tidigare version från ca. 1635-40
olja på duk, 160 x 129 cm, Gemäldegalerie, Berlin

Den här tavlan visar en scen från Gamla testamentet där Job, en gång en rik och inflytelserik man som på kort tid förlorade sina barn, sina ägodelar och sin hälsa, men inte sin fromhet. Hans hustru, klädd i en röd klänning, står dominans över honom. Hennes kroppsspråk visar att hon hånar den attityd som hennes man håller fast vid… och detta kan man läsa direkt av bildscenen!

”Job hånad av sin fru” (okänt datum närmare 1650-talet)
olja på duk, 145 x 97 cm
Musée départemental d’art ancien et contemporain, Épinal

Det sista men inte minsta verket

Verket beställdes av Henri de La Ferté-Senneterre, guvernör i Lorraine – en av de viktigaste samlarna av La Tours verk. Spelsoldaterna kastar lott om Jesu kläder, men på höger sidan ser vi Sankt Peter och det är han med ljuset som fullständigt dominerar scenen.

Sankt Peters förnekelse” (1650)
olja på duk, 160 x 120 cm,
Nantes Museum of Arts
Jungfrus utbildning (ca.1650)
olja på duk, 83 x 100 cm
Frick Collection
Dice-spelare ”(ca. 1651)
olja på duk, 92,5 x 130 cm
Preston Hall Museum, Stockton-on-Tees, Storbritanien

Även om Georges de La Tour var en imponerande figur i den franska konstens historia, bleknade minnet av honom med tiden. Några av tavlorna tillskrivs andra konstnärer. Han signerade inte sina verk, fast han åtnjöt prestige och en hög position. Kung Ludvig XIII ägde ett av hans verk och det verkar som om hans mäktige minister Richelieu också ägde några målningar. Men konsthistorien har sina mysterier som är outgrundliga för förnuftet. 1915 grävde tyska historiker upp de La Tours verk.

Sedan dess har den begåvade franske konstnären fängslat publiken och håller på att återupptäckas successivt.

En gång
Månadsvis
Årligen

Gör en donation en gång

Gör en donation en gång i månaden

Gör en donation en gång om året

Välj ett belopp

30,00 Skr
90,00 Skr
600,00 Skr
30,00 Skr
90,00 Skr
600,00 Skr
30,00 Skr
90,00 Skr
600,00 Skr

Eller ange ett anpassat belopp

Skr

Ditt bidrag uppskattas.

Ditt bidrag uppskattas.

Ditt bidrag uppskattas.

DoneraDonera en gång i månadenDonera en gång per år

Välgörenhet i konsten.

Sankt Lorenzo
Capella Niccolina (1447-49)
Vatikanstaten

Under medeltiden var det en religiös skyldighet att hjälpa fattiga och sjuka. Kyrkor och kloster hade plikt att hjälpa alla utsatta människor. På 1500-talet förändrades situationen. Antalet kloster minskade, bördan att hjälpa de behövande föll på kommunala myndigheter eller privatpersoner. Det ökade befolkningstalet innebar stora problem med försörjning och den katolska kyrkan hade minskat sitt stöd till de fattiga.

Italienska städer började bygga vårdanstalter, sjukhus och barnhem. En liknande roll hade gillen, en organisation där medlemmarna ägnade sig åt religiöst fromhetsliv, hjälpverksamhet och sällskapsliv. De hade plikt mot varandra, gemensamma sjuk- och begravningskassor. Ett visst skydd när någon hade dött.

Ospedale del Ceppo grundades i Pistoia redan i 1277 av religiös samfund Santa Maria eller ”del Ceppo dei poveri”- de fattigas offerstam, senare blev det stadens sjukhus. När Pistoia blev annekterad av Florens var det nödvändigt att bekräfta officiellt sjukhus statusläge (1401).

En känd florentinsk arkitekt Michele di Bartolomeo (1456-62) fick i uppdrag att modernisera Ospedale. Tack vare honom fick byggnaden nästan renässansstil, loggian var dekorerad med en keramisk glasyr (en s.k. majolika). En sådan insats utfördes av Luca della Robbia (1400-82) skulptör och keramiker från Florens. Luca var framför allt känd för sin sångläktare (cantoria) och dörrarna till sakristian i den florentinska katedralen Santa Maria del Fiore.

Cantoria (1431-38)
328 x 560 cm
nuvarande i Museo dell`Opera del Duomo,
Florens

Luca della Robbia utvecklade en teknik att måla keramikglasyrer i olika färger på terrakottafigurer och grundade en riktig verkstad tillsammans med sin familj. De tre nästa generationerna av della Robbia familj tillverkade terrakottafigurer i många italienska städer!

Madonna della Mela ”(1442-1444)
terracotta invetriata, 70 x 52 cm
Firenze, Museo Nazionale del Bargello

Hans son, Giovanni della Robbia (1469-1529) inherited the workshop after his father’s death and improved methods for producing multicolored (polychrome) sculptures in a faster and more efficient way. Giovanni’s greatest and perhaps finest work was the polychrome frieze on the outside of Ospedale del Ceppo, designed between 1514-1529. The subject was associated with the hospital’s activities. Giovanni designed ”Seven Works of Mercy”:

Ospedale del Ceppo, Pistoia
Här har vi en exempel på en god gärning;
– besöka de fångna.

besöka de sjuka

-begrava de döda

-tvätta fötter av pilgrimer

En allmän vy Ospedale del Ceppo i Pistoia

Ospedale degli Innocenti blev en av första byggnad i Florens i renässanska stilen. Den kända arkiyekt Filippo Brunelleschi arbetade med projekt mellan 1419-27. Några år senare kom Andrea della Robbia (Luccas brorson) att utforma keramiska tondo-porträtter av lindebarn som pryder fasaden. Utsökt arbete!

Fasaden av Ospedale degli Innocenti (ca.1490)

Sjukhuset var en välgörenhetsinstitution för övergivna barn. Det avspeglade en humanistisk lära som präglade den tidiga renässansen i Florens. Målet var att barnen skulle återinföras i samhället. De skulle kunna läsa, skriva och lära sig andra färdigheter. Sjukhuset tillhandahöll medgift för flickorna, och de hade möjlighet att gifta sig eller vara nunnor.

Ospedale della Scala i Siena fanns här från 1100-talet och blev ett separat institution inom kyrkans Santa Maria della Scala verksamheten. Objekten grundades från privata donationer av Sienas medborgare. Intäkterna räckte att servera måltider till fattiga, behandla de sjuka och framför allt att ta hand om överlämnande barn.

Pilgrimer kunde övernatta i Sala del Pellegrinaio (Pilgrims Hall). Sjukhuset fick uppdraget att sköta om pilgrimer, eftersom här har funnits Via Francigena, den viktigaste pilgrimsvägen till Rom, och många folk passerade genom Siena.

De erbjöds gratis rum, måltider och en sorts kuponger för mat och dryck inom Sienas territorium när de fortsatte sina resor. Barnomsorgen har varit bra organiserad. Nunnor tog hand om små barn, vid 8 års ålder lärde de sig ett hantverk och alla vinster de gjorde förvarades åt dem. När de fyllt 18 år hade barnen möjlighet att lämna sjukhuset. I detta fall fick de alla sina sparade intäkter, flickor fick även medgift.

Santa Maria della Scala är berömd för sin konst. De yttre freskerna finns tyvärr inte längre (utfördes av Lorenzetti-bröderna på 1330-talet). Vi kan koncentrera oss på några vackra exempel.

Domenico di Bartolo (ca. 1400-ca.1447) fick uppdrag att föreställa sjukhusets välgörenhet i form av fresker till Sala del Pellegrinaio (1439-44). Det är konstnärens sista färdiga verk och absolut hans mästerverk. Målningarna illustrerar det dagliga livet såväl som sjukhusets historia. Domenico utformade fem scener med imponerande detaljer, där han skildrade verksamhetens vardag.

Fresken avbildar det innersta i sjukhusets verksamheten barn: är omhändertagna från början, senare döpta och till slut får de äktenskapets sakrament

Fottvagning- slutsatscen till den välkända motiv med Kristus
som tvättar sina lärjungars fötter

Pilgrimer får kläder, mat och en så kallade allmosa (nådegåva)

Barmhärtighetsverk : att mätta de hungrande blev ett vackert bildmotiv

Måltider serverades för de fattiga tre gånger i veckan. De sjuka fick också gratis mat och behandling. Det var ovanligt för tiden, men på sjukhuset fanns en säng för varje sjuk patient och lakan hölls rena!

Mästare från Alkmaar (Nederländerna) verkade mellan 1490-1515. Hans smeknamn härstammar från en serie målningar som gjorde honom till medlem i Den Helige Andes vid Sint Laurenskerk. Märkte ni att även den protestantiska kyrkan var tillägnad Sankt Laurentius?

Målningarna hette också ”Sju barmhärtiga verk”. Pittoreska och realistiska folkscener framställer alla sju godhjärtade verk. Det är värt att kolla lite närmare på hur man behandlade fattiga i Alkmaar.

”Sju barmhärtiga verk ”(1504)
olja på trä, 101 x 55 cm
Rijksmuseum

1. Att mätta de hungrande

2. Ge dryck åt de törstande

3. Påklädning av nakna

4. Begrava de döda

5. Ge härbärge åt husvilla

6. Besöka de sjuka

7. Trösta och besöka de fångna

Vi kommer tillbaka till Italien och staden Neapel. Till broderskapet del Pio del Monte della Misericordia utförde den kända barokmästare Caravaggio (1571-1610 )altarverket ”Sju barmhärtiga verk” (1606-07). Konstnären skildrade alla sju handlingar i en enda komposition. Det ljusa ljuset är en metafor för barmhärtighet, medan resten av tavlan sjunker ner i starka kontraster av chiaroscuro.

Det som är så spännande med Caravaggio är att många av hans verk fortfarande finns kvar i de kyrkor som han målade för!

”Sju barmhärtiga verk ”
olja på duk, 390 x 260cm
fortfarande i kyrkan Pio Monte della Misericordia, Neapel
Oljemålningen visar den katolska doktrinen på ett majestätiskt sätt. Överst på tavlan finns jungfru Maria med barnet Jesus stött av två änglar. Hon representerar medkänsla och förlåtelse. Sju barmhärtiga verk avbildar traditionella exempel som hjälp till pilgrimer, stöd till fattiga eller sjuka. Kompositionen är dessutom mycket dramatisk, vilket är typiskt för Caravaggio.

Sammanfattning

Barmhärtigheten/välgörenheten är ett centralt tema inom Bibeln och har ofta fungerat som ett ledmotiv inom konsten under olika tidsperioder. Renässansen öppnade upp ett intresse för människan och hennes välmående. Men för att utvecklas som en individ-humanist var det obligatoriskt att ta hand om de mest utsatta och svaga i samhället. Konstnärerna ägnade stor omsorg åt den ikonografi som förmedlade välgörenhetens budskap.

Beundra bara deras verk!

En gång
Månadsvis
Årligen

Make a one-time donation

Make a monthly donation

Make a yearly donation

Välj ett belopp

5,00 Skr
15,00 Skr
100,00 Skr
5,00 Skr
15,00 Skr
100,00 Skr
5,00 Skr
15,00 Skr
100,00 Skr

Eller ange ett anpassat belopp

Skr

Your contribution is appreciated.

Your contribution is appreciated.

Your contribution is appreciated.

DonateDonate monthlyDonate yearly

BODEGONES – en väldigt levande stil i den spanska konsthistoria…

Bodega betyder på spanska en källare med vin, kött och grönsaker, ett ställe i husets hjärta, dit ljuset kommer inte så ofta…Ett ställe i vilken förvarar man varor och intar måltiden, smakar man på vinet. Det följande vill jag fokusera på en period i spansk konsthistoria när bilder av köksinteriörer blomstrade och blev mycket populära.

Hur det börjades?

På början hade stillebensverk ingenting med konst att göra. Målningar av arrangerade matvaror fanns alltid som en del av verkliga scener, som t.ex. landskap, blommor i en vas eller i fönster, men aldrig som grundmotiv!

I slutet av renässansen skapas hos några konstnärer tavlor som skiljer sig ifrån de vanliga. Det var en effekt av kontakter med flamländska artister som Pieter Breugel, Pieter Aersten eller Joachim Beuckelauer , vilka utövade stort inflytande på konsten i Italien och Spanien. Dags att presentera de mest eftertraktade artisterna:

  • Vincenzo Campi (1536-91) italiensk målare var aktiv i Cremona. Han var mest känd som den första konstnär som skapade stilleben på ett mycket realistiskt sätt. Det är fortfarande scener från vardagslivet med vackra skildringar av frukter, fiskar och olika matvaror.
” Köket” (1580-90) oil on canvas, 145 x 220 cm
Pinacoteca di Brera, Milano
Vincenzo Campi ”Pescivendoli ”
”Fisksäljare”(1579), oil on canvas,
Musee de la Roche-sur-Yonne
Kristus hemma hos Marta och Maria
(ca.1580)
Galeria Estense; Modena
”Kvinna som säljer frukter” (1580)
Pinacoteca di Brera, Milano

Det är inte möjligt att peka på datum: när utvecklades stilleben som ett självständigt motiv? Mycket förändrades med Caravaggios modiga tavlor. Han var bestämd i sin stil och brukade säga att en bra tavla kräver samma svett och jobb oavsett den framställer människor, helgon eller blommor.

Cirka 1598 målade han ”Fruktkorg” till kardinalen Francesco del Monte, vilken hade en enormt stort konstsamling med 600 tavlor. Michelangelo Merisi da Caravaggio (1571-1610) kände väl konstmarknaden och sina potentiella chanser. För första gången hände det att konstnären bara målade ett föremål. Det finns ingen narrativ berättelse eller scen på tavlan! Dessutom innehåller korgen mogna, lite för mogna frukter med torra blad och spår av insekter. Caravaggio skapade en ny genre- stilleben.

Canestra di frutta” eller ”Fiscella” blev en av första stilleben målning i den västerländska konsthistoria.
(1598-99)
Pinakoteka Ambrosiana, Milano

Alla lärde sig från Caravaggio teknik som heter ”chiaroscuro” eller ”maniera tenebrosa”, en dramatisk kontrast mellan mörkaste delar i tavlan och ljuskällan. På detta sätt byggde han tredimensionell illusion och introducerade realism i konsten. Caravaggio hade ganska många efterföljare i Spanien och stilleben-måleri blomstrade faktiskt där som egendomlig stil.

  • Juan Cotan Sanchez (1560-1627) var mycket berömd konstnär känd av stilleben måleri och pionjär inom chiaroscuro-teknik.
”Stilleben med vildfågel, grönsaker och frukt”
(1602) 68 x 88,2 cm
Prado, Madrid
”Stilleben med frukter”
(1602), oil on canvas, 68 x 84,4 cm
The Fine Arts Gallery, San Diego
Stilleben med blommor, grönsaker och en korg med körsbär” (ca.1600 )olja på duk, 89 x 109 cm,
fransk privat samling
  • Juan van der Hamen (1596-1631) han var son till flamländske hovmannen och tack vore den skapade han en bra position som Filips IV hovmålare. Han var särskilt begåvad inom blomstermåleri, presenterade ofta föremål från kungliga hovet: vackra serviser, venetianska glas, bägare, förgyllda plattor och vaser. Han komponerade allt detta på ett extremt elegant sätt.
”Stilleben med blommor, kronärtkockor och glas” (1627)
Prado
Stilleben med frukt och glas” (1626) oil on canvas, 84 x 11 cm,
Museum of Fine Arts, Houston
”Lådor och burkar av sötsaker” (1621), oil on canvas, 38 x 49 cm,
Museo de Bellas Artes de Granada

Den stora duken är inte exempel på stilleben måleri, men presenterar Juan van der Hamen som enastående skickligt inom blommiga motiv. Han utförde en av de vackraste målningarna av vårens allegori.

Offer till Flora, (1627) 216 x 140 cm
Pradomuseet, Madrid
Kanske ni undrar varför så stor format på bilden?
Tavlan gör ett överväldigande intryck på besökande på grund av sin storlek
  • Francisco Zurbaran (1598-1664) var känd av sina religiösa tavlor och porträtt. På grund av sin kärlek till teknik ”chiaroscuro” kallas man honom en spansk Caravaggio. Zurbaran utförde några vackra stillebens tavlor:
Stilleben (ca.1633), oil on canvas, 46 x 84 cm
Prado
Stilleben med frukter och en rosa”
(1633) oil on canvas, 60 x 107 cm
The Norton Simon Foundation, Pasadena

Zurbarans målningar är enkla och visar respekt till vardagliga frågor. Här finns ordning, varje objekt har sin plats och inget är viktigare än den andra. En religiös symbolik är tydlig. Tre grupper av föremål anordnade i asketisk ordning kan symbolisera den heliga treenigheten. Bildkompositionen är mycket minimalistisk, man vill stanna längre och kontemplera…

  • Diego Velazquez (1599-1660) född i Sevilla var mest framstående spansk målare. Under 1620-talet utförde han några stilleben måleri där man särskilt kan nämna: ”Den gamla kokerskan”. Två nästa bodegones är i bakgrunden religiösa scener men på första plan kan vi se kvinnor som förbereder måltid.
Kristus hemma hos Marta och Maria”
(1616-1618)
National Gallery, London
”Kökspiga med scen Kvällsmat på Emmaus”
(1618-22) oil on canvas, 55 x 118 cm
National Gallery, Dublin

Denna tavla har en intressant historia. Som en typisk bodegón hängde målningen i Nationalgalleriet tills den mörka bakgrunden konserverades under rutinunderhåll i år 1933. Då visade sig att i det övre vänstra hörnet finns ett fönster genom vilket man kan se Kristus under kvällsmat på Emmaus. Frälsare dök upp i den här staden för två av sina elever. De kände igen honom vid kvällsmat vid det gemensamma bordet.
Varför beslutade konstnären på ett så ovanligt sätt att måla en viktig religiös scen? Den viktigaste händelse är dold i bakgrunden och Velazquez fokuserar mer på en piga och detaljerna i köket än på det bibliska berättelse.

Låt oss titta lite närmare.

Jesus visade sig för sina lärjungar för att berätta sanningen om hans uppståndelse. Det verkar att Velazquez ville betona hur viktiga är Kristus ord till varje människa oavsett status och yrke. Våran kökspiga är vittne och verkar analysera allt vad hon hörde.

I Spanien på XVI-talet infördes målningen i motreformationens tjänst och bodegones hade sina religiösa ändamål. Sublima frågor presenterades i vanliga former av vardagen på mycket realistiskt sätt. Den spanska stillebenmåleri är oerhört vacker och speglas både materiella och andliga värden.

Stor samling av bodegones finns i Prado-museet och är populärt bland konstälskare från hela världen.

https://www.museodelprado.es/en/the-collection/art-works?search=bodegones

En gång
Månadsvis
Årligen

Gör en donation en gång

Gör en donation en gång i månaden

Gör en donation en gång om året

Välj ett belopp

30,00 Skr
90,00 Skr
600,00 Skr
30,00 Skr
90,00 Skr
600,00 Skr
30,00 Skr
90,00 Skr
600,00 Skr

Eller ange ett anpassat belopp

Skr

Ditt bidrag uppskattas.

Ditt bidrag uppskattas.

Ditt bidrag uppskattas.

DoneraDonera en gång i månadenDonera en gång per år

Francisco de Zurbarán (1598-1664)- en spansk Caravaggio.

Francisco de Zurbarán var en spansk målare, särskilt känd för sina skildringar av munkar, nunnor och martyrer. Francisco föddes i Fuente de Cantos i Extremadura år 1598. Som barn gillade han att rita i träkol och vid 16 års ålder skickade hans far honom till Sevilla för att utbilda honom som konstnär. Först lärde sig den unge Francisco vid Juan de Roelas-skolan i sin hemstad, senare kom han till verkstaden hos Pedro Díaz de Villanueva. 1617 blev han utbildad målare, gifte sig och fick tre barn.

”Sankta Dorotea” (ca.1648)
olja på duk, 180,2 x 101,5 cm
Sothebys

1622 var Zurbarán så erkänd konstnär att han anlitades för att måla en altartavla till sin stad. Hans stil präglas av Caravaggios manér, framför allt hans chiaroscuro, en form av konst som kännetecknas av starka och djärva kontraster mellan ljus och mörker, vilket påverkade hela kompositionen.

Första viktiga verk

Zurbarán var känd som en målare av storskaliga religiösa tavlor, mycket efterfrågade för kyrkor och kloster i hela Spanien och den nya världen. Hans färgpalett var begränsad och hans kompositioner strikt enkla. Kombinationen av detalj och stark belysning ger hela målningen en intensiv, nästan mystisk närvaro. Nu är det dags att utforska Francisco de Zurbarán närmare!

  • Kristus på korset” (1627) var så beundrat av hans samtida att Sevillas kommunalråd övertalade Zurbaran att etablera bostad och ateljé i denna spanska staden. Kristus är spikad vid grovt träkors, den ljusa vita duken som draperas runt midjan står i kontrast till den välformade kroppen. Det outhärdliga lidandet gör plats för den sista önskan- uppståndelse. Zurbaran visar detta visuellt, på ett genialt sätt!
Cristo en la Cruz” (1627)
olja på duk, 290 x 168 cm
Institute of Art, Chicago

För jämförelse visar jag Diegos Velazquez verk om samma motiven:

  • 1628 undertecknade Zurbaran ett nytt uppdrag till klostret Nuestra Señora de la Merced Calzada. Han målade till salen De profundis målningen av San Serapio (en av martyrerna, som dog 1240 efter att ha torterats, troligen av saracenska pirater).
”Sankt Serapion” (1628)
olja på duk, 120 x 103 cm
kolektion Woldsworth Atheneum, Connecticut

Mercedarians kloster var en riddarorden som grundades i Barcelona 1218 av Peter Nolasco (1182/89-1256/59). Munkarna praktiserade de traditionella löftena om kyskhet, fattigdom och lydnad. Huvudsyftet med denna religiösa församling var att befria kristna slavar från muslimska händer. Konvent hade två grenar: prästerskap och riddare. Bröderna-riddare hade ett separat löfte att slåss mot morer för att befria hela Spanien från deras händer.

”Fra Pedro Machado” (1630-34)
olja på duk, 193 x 122 cm
Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. Madrid
  • 1626 nästa stora uppdrag var ett kontrakt med en dominikanorden San Pablo el Real i Sevilla. Zurbarán producerade 21 målningar på bara åtta månader. Fjorton av verk skildrade Sankt Dominikus liv, de andra representerade Sankt Bonaventura, Sankt Thomas av Aquino
”Sankt Bonaventuras begravning”(1629-30)
olja på duk, 245 x 220 cm
Louvre, Paris
Apoteos av Thomas av Aquino” (1631)
olja på duk, 475 x 375 cm
Zurbarán fick i uppdrag att måla denna apoteos och fick exakta instruktioner om dess utförande: verkets dimensioner, positionering, karaktärer etc. Den enorma duken placerades i Colegio de Santo Tomás de Sevilla. Denna skola har utbildat framtidens läkare, så ämnet är inget annat än en upphöjning av kollegiets och dess munks arbete.
  • 1630 utnämndes Francesco Zurbaran till hovmålare för kungen Filip IV. Uppdraget var att utsmycka det nya kungliga palatset, Buen Retiro i Madrid med en svit målningar, som bland annat Herkules stordåd (1642)
”Hercules kämpar med Lernas hydra” (1634)
olja på duk, 136 x 167 cm
Prado
Försvaret av Cádiz mot engelsmännen” (1634)
Museo del Prado
  • Från 1628 till 1640 arbetade han på ett större antal målningar för Hieronymusklostret i Guadalupe
”Sankt Hieronymus frestelser”
Bröder Juan de Carrions farväll ” (1637-40)
Guadalupekloster
  • 1634 första resa till Madrid, Zurbaran träffade sin vän Diego Velazquez och beundrade verk av italienska konstnärer som Guido Reni
  • 1635 stannade konstnären igen i Sevilla och började ett framgångsrikt decennium
  • 1636 en stor serie bilder av heliga kvinnor. Zurbaran skapade de för olika religiösa institutioner. Han framställer vanligtvis unga och mycket eleganta kvinnliga karaktärer, fyllda med skönhet och fred, utan tecken på smärta eller lidande. Målningarna kritiserades som för mycket pompösa och utsmyckade. De heliga såg ut som vanliga andalusiska damer! Zurbarán försvarade sig mot kritik och argumenterade att de vackra klänningarna gav karaktärernas realism och stärkte de troendes tillbedjan!
”St. Cassilda”(ca. 1630)
olja på duk, 171 x 107 cm
Museum Thyssen- Bornemisza
Sankt. Isabel de Portugal” (ca.1635)
olja på duk, 184 x 98 cm
Prado
Sankt Apolonia” (1636)
olja på duk, 113 x 66 cm
Louvre

Sankt Ursula”(1636)
Musei di Strada Nuova, Genua
St. Margareta i fårdräkt”(1630-34)
olja på duk, 194 x 112 cm
National Gallery, London
Hon avbildades i en bondeklänning från Andalusien. Den färgglada väskan står i kontrast till den mörkblå jackan.
” Abbot Hugo av Cluny i kartusianernas refektorium” (ca.1633-35)
olja på duk, 262 x 307 cm
Museo de Bellas Artes, Sevilla
  • St. Hugo vördas som helgon i den romersk-katolska kyrkan. Zurbaran avbildade kartusianer i sina vita dräkter, framför varje munk är en skål med kött och bitar av bröd. Den enorma stor tavla visar upp Bruno av Köln, som grundade konvent i 1084 och de sex andra medlemmar
  • 1639 Zurbaran målade också en serie målningar för kyrkor till spanska kolonier i Amerika och exporterade dem genom sin hustrus familj, bosatt i Peru. Men han hade problem med att få betalt för sitt jobb.
  • Francisco de Zurbaran avbildade ofta ”Poverello” från Assisi, St. Franciskus ett av de mest Kristus-lika helgonen:
Den helige Franciskus i bön”(1635-39)
olja på duk, 152 x 99 cm
National Gallery, London
De flesta av ”franciskanerna” runt om i världen målades av Zurbarán kommer också från denna period, framställda på knä, stående eller i extasen.
St.Franciskus av Assisi enligt påven Nicholas vision”(ca. 1640)
olja på duk, 110 x 180,5 cm
Museum Nacional d’Art de Catalunya, Barcelona
St. Franciskus in meditation”(1639)
National Gallery, London

Målningen representerar den tridentinska ikonografiska linjen,
-en asketisk inställning
-mystisk kontemplation.
Helgonet håller en skalle nära bröstet, en traditionell symbol för askes. Franciskus mediterar över döden. Hans klänning är rivd på ärmen för att visa hans fattigdom. Bakgrunden är slät och mörk, vilket ökar målningens intensitet.

Agnus Dei eller Guds lam” (ca.1635-40)
olja på duk, 38 x 62 cm
Prado

Zurbarans hela verk skapades i tjänst för kyrkan och motreformationen. Religiösa scener bekräftade den katolska kyrkans position. Nya ikonografiska regler visade helgonen mediterande i naturlig storlek för att närma de oss och samtidigt fånga tillbaka folket till kyrkans makt!

Veronikas svetteduk” (1650)
olja på duk, 70 x 51, 5 cm
Nationalmuseum, Stockholm
Zurbaran avbildade svetteduken i dramatisk sidbelysning och med en hyper-realism som väckte respekt hos betraktaren.

Zurbaráns sätt att arbeta är en av de mest intressanta, och det verkar som att målaren självporträtterade sig i figuren av Sankt Lukas. Konstnären fortsätter med en mörk naturalism, och scenen är mycket realistisk. Det starka ljuset från vänster skapar kontraster mellan områden med ljus och skugga, precis som arvet efter Caravaggio.

St. Lukas som målar korsfästelsen” (c.1650) även känd som korsfästelsen med heliga Lukas
olja på duk, 105 x 84 cm
Prado
Detalj
Sankt Lucas eller Francesco Zurbaran med paletten.

Sista men inte minst är Zurbarans stillebenmåleri – lugna, välbyggda kompositioner med utmärkt återspegling av material. Han utförde några av sina bästa ”nature morte”-tavlor.

Stilleben med frukter och en rosa” (1633)
The Norton Simon Foundation, Los Angeles
Bodegon con cacharros”(1633)
Pradomuseet

”Bodegones” imponerar med sin originalitet, där föremål målade av Zurbaran arrangeras ceremoniellt. Objekten är placerade på samma plan och bildar ett galleri av former, storlekar och olika material. Zurbaran arbetade noggrant med att få fram ljuset som passerade genom porslin, lervaser och till slut den kalla metallen.

Jag har skrivit om bodegones i januari 2020 (inlägg). Låt mig citera:

”Zurbarans stilleben är enkla och visar respekt till vardagliga frågor. Här finns ordning, varje objekt har sitt plats och inget är viktigare än den andra. En religiös symbolik är tydlig. Tre grupper av föremål anordnades i asketisk ordning kan symbolisera den heliga treenigheten. Bildkompositionen är mycket minimalistisk, man vill stanna längre och kontemplera…”

Det var först 1658, sent i Zurbaráns liv, som han flyttade till Madrid för att söka arbete och återuppta kontakten med Velázquez. Det populära ryktet om att Zurbarán dog i fattigdom var falskt. Vid hans död var värdet på hans tillgångar cirka 20 000 reales. Hans hus i Fuente de Cantos har blivit ett museum och väcker fortfarande stort intresse bland turister.

https://www.fuentedecantos.eu/casa-de-francisco-de-zurbaran/

En gång
Månadsvis
Årligen

Gör en donation en gång

Gör en donation en gång i månaden

Gör en donation en gång om året

Välj ett belopp

30,00 Skr
90,00 Skr
600,00 Skr
30,00 Skr
90,00 Skr
600,00 Skr
30,00 Skr
90,00 Skr
600,00 Skr

Eller ange ett anpassat belopp

Skr

Ditt bidrag uppskattas.

Ditt bidrag uppskattas.

Ditt bidrag uppskattas.

DoneraDonera en gång i månadenDonera en gång per år