Självklart! Här är ett längre redaktionellt inlägg som skulle kunna publiceras i ett fiktivt ”Veckomagasin” om Upplands historia – utan externa länkar:
🏰 Veckomagasinet: Upplands historia – Människor, makt och myter
Välkommen till en tidsresa genom Upplands landskap, ett område där Sveriges historia har lämnat starka och synliga spår. Uppland är inte bara rikt på runstenar och kungagravar, utan har också varit skådeplats för maktspel, kyrkans etablering, vetenskapens utveckling och folkets vardagsliv i över tusen år.
🪧 Forntiden – runstenarnas rike
Uppland är Sveriges mest runstensrika landskap. Här finns över 1 300 runinskrifter, fler än någon annanstans i världen. Dessa stenar berättar om vikingarnas liv, död, tro och släktband. De är inte bara gravmonument, utan ofta reses som minnesstenar av anhöriga eller som ett sätt att visa på status och rikedom.
Runstenarna ger oss inblick i en förkristen tid, men också i övergången till kristendomen. Många stenar bär kors, vilket visar att det nya troslivet började etablera sig redan under 1000-talet.
👑 Medeltiden – kyrkans och kungarnas tid
Under medeltiden växte Uppland fram som ett kyrkligt och politiskt maktcentrum. Uppsala – både det gamla hednatemplet i Gamla Uppsala och det senare kristna ärkebiskopssätet i Uppsala stad – var Sveriges religiösa hjärta.
Gamla Uppsala högar: Tre kungshögar tros vara gravplatser för sveakungar, troligen från 500–600-talet. Här låg också det fornnordiska tempel som enligt sagorna rivaliserade med både Rom och Miklagård.
Uppsala domkyrka började byggas på 1200-talet och är fortfarande Nordens största kyrkobyggnad. Här vilar bland andra helgonet Erik den helige och vetenskapsmannen Carl von Linné.
Under denna tid växte även mindre städer fram, såsom Enköping, Sigtuna och Östhammar. Sigtuna grundades redan på 970-talet och anses vara Sveriges första stad med en kunglig myntverkstad.
🌾 Tidigmodern tid – bönder, universitet och stormakt
Från 1500-talet och framåt förändrades samhället dramatiskt. Reformationen gjorde slut på katolska traditioner, och kyrkans egendomar drogs in till kronan.
Under 1600-talet etablerades Uppsala universitet (grundat redan 1477 men fick stor betydelse under stormaktstiden). Här studerade många av rikets blivande präster, vetenskapsmän och makthavare.
Samtidigt levde de flesta upplänningar ett jordnära liv som bönder. Storgods och herrgårdar växte fram, och landskapet präglades av agrara traditioner.
🧪 1700- och 1800-talet – vetenskapens guldålder
Uppland blev under denna tid en intellektuell smältdegel. Uppsala var centrum för svensk vetenskap, främst genom figurer som:
Carl von Linné – skaparen av det moderna systemet för namngivning av växter och djur.
Anders Celsius – fysikern bakom temperaturskalan.
Olof Rudbeck – språk- och naturforskare som även spekulerade om Atlantis i Sverige.
Det sena 1800-talet innebar också en industrialisering, särskilt längs kusterna och järnvägarna. Städerna växte, och nya samhällen etablerades.
🇸🇪 1900-tal till idag – demokrati, folkhem och modern historia
Under 1900-talet blev Uppland en del av Sveriges moderna utveckling. Landskapet fick ökad befolkningstillväxt, fler arbetsmöjligheter och förbättrad infrastruktur. Samtidigt bevarades stora delar av den rika kulturmiljön.
Särskilt Uppsala har fortsatt att vara en plats för vetenskap, utbildning och kultur, medan andra delar av landskapet, som Roslagen, blivit attraktiva för både turism och sommarliv.
📚 Vanliga frågor – FAQ om Upplands historia
❓ Vad betyder namnet ”Uppland”?
Namnet kommer från att området låg ”uppåt landet” i förhållande till kustlandet. Det syftar på det område som låg ovanför det tidiga kustområdet Tiundaland.
❓ Vad är Gamla Uppsala känt för?
För sina tre kungshögar, hednatemplet och som plats för Sveriges kristnande och tidiga kungamakt.
❓ Vilken roll hade Uppsala domkyrka?
Den har varit säte för ärkebiskopen sedan 1164 och är en symbol för Sveriges kyrkliga historia och nationella enhet.
❓ Finns det några kända runstenar?
Ja, bland annat Rökstenen, även om den ligger utanför Uppland, men många unika runstenar finns här – till exempel Jarlabankes bro i Täby, ett unikt exempel på självrepresentation från vikingatiden.
🧭 Avslutande reflektion
Upplands historia är som en väv av makt, tro, vetenskap och vardagsliv. Från järnålderns hövdingar till moderna studenter, har landskapet format – och formats av – det svenska samhället. Här går det bokstavligen att vandra genom historien, från runristningar till universitetssalar.
Vill du att jag utvecklar särskilt något område, som t.ex. Uppländska herrgårdar, Carl von Linné eller vikingatida kvinnor? Jag hjälper gärna!
Sankt Lorenzo Capella Niccolina (1447-49) Vatikanstaten
Under medeltiden var det en religiös skyldighet att hjälpa fattiga och sjuka. Kyrkor och kloster hade plikt att hjälpa alla utsatta människor. På 1500-talet förändrades situationen. Antalet kloster minskade, bördan att hjälpa de behövande föll på kommunala myndigheter eller privatpersoner. Det ökade befolkningstalet innebar stora problem med försörjning och den katolska kyrkan hade minskat sitt stöd till de fattiga.
Italienska städer började bygga vårdanstalter, sjukhus och barnhem. En liknande roll hade gillen, en organisation där medlemmarna ägnade sig åt religiöst fromhetsliv, hjälpverksamhet och sällskapsliv. De hade plikt mot varandra, gemensamma sjuk- och begravningskassor. Ett visst skydd när någon hade dött.
Ospedale del Ceppo grundades i Pistoia redan i 1277 av religiös samfund Santa Maria eller ”del Ceppo dei poveri”- de fattigas offerstam, senare blev det stadens sjukhus. När Pistoia blev annekterad av Florens var det nödvändigt att bekräfta officiellt sjukhus statusläge (1401).
En känd florentinsk arkitekt Michele di Bartolomeo (1456-62) fick i uppdrag att modernisera Ospedale. Tack vare honom fick byggnaden nästan renässansstil, loggian var dekorerad med en keramisk glasyr (en s.k. majolika). En sådan insats utfördes av Luca della Robbia (1400-82) skulptör och keramiker från Florens. Luca var framför allt känd för sin sångläktare (cantoria) och dörrarna till sakristian i den florentinska katedralen Santa Maria del Fiore.
Cantoria (1431-38) 328 x 560 cm nuvarande i Museo dell`Opera del Duomo, Florens
Luca della Robbia utvecklade en teknik att måla keramikglasyrer i olika färger på terrakottafigurer och grundade en riktig verkstad tillsammans med sin familj. De tre nästa generationerna av della Robbia familj tillverkade terrakottafigurer i många italienska städer!
”Madonna della Mela ”(1442-1444) terracotta invetriata, 70 x 52 cm Firenze, Museo Nazionale del Bargello
Hans son, Giovanni della Robbia (1469-1529) inherited the workshop after his father’s death and improved methods for producing multicolored (polychrome) sculptures in a faster and more efficient way. Giovanni’s greatest and perhaps finest work was the polychrome frieze on the outside of Ospedale del Ceppo, designed between 1514-1529. The subject was associated with the hospital’s activities. Giovanni designed ”Seven Works of Mercy”:
Ospedale del Ceppo, Pistoia Här har vi en exempel på en god gärning; – besöka de fångna.
–besöka de sjuka
-begrava de döda
-tvätta fötter av pilgrimer
En allmän vy Ospedale del Ceppo i Pistoia
Ospedale degli Innocenti blev en av första byggnad i Florens i renässanska stilen. Den kända arkiyekt Filippo Brunelleschi arbetade med projekt mellan 1419-27. Några år senare kom Andrea della Robbia (Luccas brorson) att utforma keramiska tondo-porträtter av lindebarn som pryder fasaden. Utsökt arbete!
Fasaden av Ospedale degli Innocenti (ca.1490)
Sjukhuset var en välgörenhetsinstitution för övergivna barn. Det avspeglade en humanistisk lära som präglade den tidiga renässansen i Florens. Målet var att barnen skulle återinföras i samhället. De skulle kunna läsa, skriva och lära sig andra färdigheter. Sjukhuset tillhandahöll medgift för flickorna, och de hade möjlighet att gifta sig eller vara nunnor.
Ospedale della Scala i Siena fanns här från 1100-talet och blev ett separat institution inom kyrkans Santa Maria della Scala verksamheten. Objekten grundades från privata donationer av Sienas medborgare. Intäkterna räckte att servera måltider till fattiga, behandla de sjuka och framför allt att ta hand om överlämnande barn.
Pilgrimer kunde övernatta i Sala del Pellegrinaio (Pilgrims Hall). Sjukhuset fick uppdraget att sköta om pilgrimer, eftersom här har funnits Via Francigena, den viktigaste pilgrimsvägen till Rom, och många folk passerade genom Siena.
De erbjöds gratis rum, måltider och en sorts kuponger för mat och dryck inom Sienas territorium när de fortsatte sina resor. Barnomsorgen har varit bra organiserad. Nunnor tog hand om små barn, vid 8 års ålder lärde de sig ett hantverk och alla vinster de gjorde förvarades åt dem. När de fyllt 18 år hade barnen möjlighet att lämna sjukhuset. I detta fall fick de alla sina sparade intäkter, flickor fick även medgift.
Santa Maria della Scala är berömd för sin konst. De yttre freskerna finns tyvärr inte längre (utfördes av Lorenzetti-bröderna på 1330-talet). Vi kan koncentrera oss på några vackra exempel.
Domenico di Bartolo (ca. 1400-ca.1447) fick uppdrag att föreställa sjukhusets välgörenhet i form av fresker till Sala del Pellegrinaio (1439-44). Det är konstnärens sista färdiga verk och absolut hans mästerverk. Målningarna illustrerar det dagliga livet såväl som sjukhusets historia. Domenico utformade fem scener med imponerande detaljer, där han skildrade verksamhetens vardag.
Fresken avbildar det innersta i sjukhusets verksamheten barn: är omhändertagna från början, senare döpta och till slut får de äktenskapets sakrament
Fottvagning- slutsatscen till den välkända motiv med Kristus som tvättar sina lärjungars fötter
Pilgrimer får kläder, mat och en så kallade allmosa (nådegåva)
Barmhärtighetsverk : att mätta de hungrande blev ett vackert bildmotiv
Måltider serverades för de fattiga tre gånger i veckan. De sjuka fick också gratis mat och behandling. Det var ovanligt för tiden, men på sjukhuset fanns en säng för varje sjuk patient och lakan hölls rena!
Religiösa välgörenhetsinstitutioner verkade också i norra delen av Europa.
Mästare från Alkmaar (Nederländerna) verkade mellan 1490-1515. Hans smeknamn härstammar från en serie målningar som gjorde honom till medlem i Den Helige Andes vid Sint Laurenskerk. Märkte ni att även den protestantiska kyrkan var tillägnad Sankt Laurentius?
Målningarna hette också ”Sju barmhärtiga verk”. Pittoreska och realistiska folkscener framställer alla sju godhjärtade verk. Det är värt att kolla lite närmare på hur man behandlade fattiga i Alkmaar.
”Sju barmhärtiga verk ”(1504) olja på trä, 101 x 55 cm Rijksmuseum
1. Att mätta de hungrande
2. Ge dryck åt de törstande
3. Påklädning av nakna
4. Begrava de döda
5. Ge härbärge åt husvilla
6. Besöka de sjuka
7. Trösta och besöka de fångna
Vi kommer tillbaka till Italien och staden Neapel. Till broderskapet del Pio del Monte della Misericordia utförde den kända barokmästare Caravaggio (1571-1610 )altarverket ”Sju barmhärtiga verk” (1606-07). Konstnären skildrade alla sju handlingar i en enda komposition. Det ljusa ljuset är en metafor för barmhärtighet, medan resten av tavlan sjunker ner i starka kontraster av chiaroscuro.
Det som är så spännande med Caravaggio är att många av hans verk fortfarande finns kvar i de kyrkor som han målade för!
”Sju barmhärtiga verk ” olja på duk, 390 x 260cm fortfarande i kyrkan Pio Monte della Misericordia, Neapel
Oljemålningen visar den katolska doktrinen på ett majestätiskt sätt. Överst på tavlan finns jungfru Maria med barnet Jesus stött av två änglar. Hon representerar medkänsla och förlåtelse. Sju barmhärtiga verk avbildar traditionella exempel som hjälp till pilgrimer, stöd till fattiga eller sjuka. Kompositionen är dessutom mycket dramatisk, vilket är typiskt för Caravaggio.
Sammanfattning
Barmhärtigheten/välgörenheten är ett centralt tema inom Bibeln och har ofta fungerat som ett ledmotiv inom konsten under olika tidsperioder. Renässansen öppnade upp ett intresse för människan och hennes välmående. Men för att utvecklas som en individ-humanist var det obligatoriskt att ta hand om de mest utsatta och svaga i samhället. Konstnärerna ägnade stor omsorg åt den ikonografi som förmedlade välgörenhetens budskap.
Idag kommer jag att presentera ett ovanlig porträtt. Huvudpersonen, snarare sagt, huvuddjuren är indisk noshörning (Rhinoceros unicornis) som heter Clara. Vi har ganska mycket informationer om henne. Clara var sin tids stjärna. Hon föddes i Indien 1738 och var bara en månad gammal när hennes mamma dödades av jägare. Den unga noshörningen omhändertogs sedan av en hög tjänsteman från den holländska Östindiska Kampanjen och blev hon en husattraktion. Efter en kort tid sålde han Clara till sin kollega från företaget kapten Douwe Mout van der Meer (1705-75). Noshörningen fick en ny ägare och en riktigt agent.
Pietro Longhi”Porträtt av noshörningen Clara” (1751) olja på duk, 62 x 50 cm Museo del Settecento Veneziano, Ca’ Rezzonico
Clara på resande fot (upps fötter)
I 17 år, fram till djurets död 1758, visade sjökapten henne i europeiska städer. Clara besökte många platser, hon var i Breslau, Krakow, Warszawa, London och Paris. År 1751 blev hon höjdpunkten på Carnevale di Venezia och porträtterades där på begäran av den lokala aristokraten Giovanni Grimani.
Vi vet inte mer om sådana ”underhålningsresor”, man hoppas bara att kapten tyckte om Clara och tog hand om henne. Han tjänade mycket pengar på faktum att noshörningen fascinerade det europeiska folket.
Vem avbildade familjen Grimaldi och Clara?
Den italienske målaren hette Pietro Longhi (1701-85). Han skildrade scener från vardagen: från besök hos frisör, apotekare till familjelivscener, konserter, evenemang och liknande. Longhi erbjöd alltid en glimt av vad som pågår ”bakom de stängda dörrarna”, bokstavligen och bildligt talat.
Clara poserar till Pietro Longhi
Tillbaka till porträttet.
Kompositionen är mycket intressant; trä staketet delar visuellt duken i två delar; förgrunden där Clara slarvigt äter hö, och bakgrunden där observatörernas finns. Några av nyfikna venetianerna bär masker, det var trots allt karnevalens tid!
Mannen längst till vänster, den arrogant skrattande person utan mask, är kapten van der Meer, han håller i handen Claras horn som hon antingen hade gnuggat av, eller så skars det av, men hur som helst ett nytt horn växte fram senare. I slutändan kan det finnas ett dolt skämt i målningen, eftersom djurets skadat horn kan vara en metafor som ofta används för äktenskapsbrott. Vissa konsthistoriker tror att han vill sälja Claras värdefulla utväxt från nosen. Pulvret från hornet ansågs vara ett beprövat afrodisiakum som återställer manliga krafter. Har det varit allusion till Grimaldis förhållande?
Giovanni Grimaldihade ett privat menageri med många exotiska djur i sin villa på fastlandet
Men hallå, ni kollar inte alls på mig!
Åtta åskådare har kommit för att se föreställningen, noshörningen lugnt äter sitt foder. Ingen av betraktare observerar dock det monstruösa djuret. Varken eleganta damen med den trehörniga hatten eller mannen med lerpipan som mediterar fördjupad i sina tankar. Kvinnan i den gröna tittar åt andra sidan och hennes granne tittar orörlig genom en mask. Inte ens lilla tjejen visar intresse. Alla är stela i sin skenbara livlighet, overkliga bakom masken. Inför detta sällskapet står tyst Clara: tung, apatisk och majestätisk.
Ovanpå hänger affischen ”Vero Ritratto di un Rinocerotto” (trompe l`oeil) som bekräftar att detta är sanna porträttet av noshörningen. Menden venetianska society har blivit så konstigt, att det går inte att överraska dem med sådana typ av underhållning. Allt som är dold bakom masken väcker starkare känslor än ”vanlig” fast exotisk djur.
”Porträtt av noshörningen” är Pietro Longhis mästerverk
Det är utan tvekan en av främsta Longhis verk, som lyckades dokumentera venetianska familjescenen genom att placera Clara i den fascinerande atmosfären av karnevalen. I centrum av kompositionen finner vi Giovanni Grimaldi själv (som då var 23 år) bredvid sin vackra brud, Caterina Contarini, som skulle dö kort efter att ha fött deras enda dotter.
Longhis målning är ganska liten. Å andra sidan den franske målaren Jean-Baptiste Oudry hade målat Clara i full storlek.
Jean- Baptiste Oudry (1686-1755) ”Porträtt av Klara i Paris” (1749) olja på duk, 310 x 456 cm Staatliches Museum Schwerin Visste Clara att hon var så känd?
Verket uppskattades mycket, för att snart målade Longhi liknande tavlan på uppdrag av en annan venetiansk aristokrat- Girolamo Mocenigo. Fyra maskerade ansikten vid räcket gör ett fantastiskt intryck. Mer karneval!
Clara träffar aristokrater, eller aristokrater träffar henne
År 1751 fortsätter Clara och kapten van der Meer deras resa. De passerade genom Verona på vägen till Wien. Nästa målet var London i slutet av året, där hon sågs av den brittiska kungafamiljen. Gent, Prag, Breslau (en andra gång) och Köpenhamn mellan 1753-55. Clara skapar publik, filosofer skriver om henne. Hon återvände till London 1758, där hon ställdes ut på Horse and Groom i Lambeth. Det var här hon dog den 14 april, ungefär 20 år gammal.
Heder och erkännande
1991 höll Natuurhistorisch Museum i Rotterdam en utställning om Clara. År 2008 skapades Clara Memorial på samma museum för att markera 250-årsdagen av noshörningens död.
Longhi lyckades dokumentera Claras besök i Venedig. Hennes porträtt berättar mer för oss om det venetianska samhället, om deras dekadenta stunder. En nypa salt på lyxiga tårtan!
Konstpegel behöver din hjälp mer än någonsin. Jag har inte någon bidrag för att driva portalen. Om du gillar det här sidan och gillar att läsa mina artiklar - stöd mig! Även en liten belopp har en stor betydelse. Tack!
Uppsala är en stad med en rik konst- och kulturhistoria som har fostrat många konstnärer genom åren. Här är några av de mest framstående konstnärerna med koppling till Uppsala, samt några nutida talanger som bidrar till stadens kreativa scen:
Bror Hjorth (1894–1968)
En av Uppsalas mest kända konstnärer är Bror Hjorth, en av Sveriges främsta modernister. Han arbetade med både måleri och skulptur och är kanske mest känd för sina färgstarka och folkloristiska verk. Hans tidigare hem och ateljé är idag Bror Hjorths Hus, ett museum i Uppsala som visar upp hans verk och liv. Hans offentliga konstverk, som ”Resenären” vid Uppsala Centralstation, är en välkänd symbol för staden.
Olle Norås (1933–2019)
Olle Norås, en konstnär och grafiker med stark koppling till Uppsala, var känd för sina detaljrika och surrealistiska verk. Hans konst bär ofta en drömlik kvalitet och har inspirerat många inom både bildkonst och grafik. Han var också en viktig pedagog för kommande generationer konstnärer.
Göran Brunius (1903–1977)
En annan framstående konstnär från Uppsala är Göran Brunius, som var både målare och konsthantverkare. Han skapade många monumentala verk och hade en stor inverkan på den lokala konstscenen under 1900-talet.
Nutida konstnärer från Uppsala
Staden fortsätter att vara en grogrund för konstnärliga talanger. Här är några exempel på moderna konstnärer som är verksamma i eller har koppling till Uppsala:
Eva Zettervall är en samtida konstnär från Uppsala som är känd för sina expressiva målningar, ofta med motiv som utforskar människans inre liv och känslor.
Johanna Karlsson är en modern konstnär och illustratör som kombinerar traditionella tekniker med digitalt skapande och har uppmärksammats för sina detaljrika och berättande verk.
Petra Lindholm, med koppling till Uppsala, är en multimedia-konstnär som arbetar med både video och ljud. Hennes verk har visats på flera internationella utställningar och speglar ofta naturens skönhet och tidens gång.
Offentliga konstverk i Uppsala
Många konstnärer från Uppsala har också bidragit till stadens offentliga rum. Förutom Bror Hjorths ”Resenären” finns det flera andra konstverk att upptäcka runtom i staden, såsom skulpturer, muralmålningar och installationer som skapats av både etablerade och lokala konstnärer. Finns även många campingplatser i Uppsala samt även husvagnar och husbilar.
Konstscenen i Uppsala idag
Uppsala har en levande konstscen med flera gallerier och konstnärskollektiv. Institutioner som Uppsala Konstmuseum och Bror Hjorths Hus spelar en central roll i att främja och bevara konst från både äldre och nutida konstnärer. Staden är också hem till många kreativa ateljéer och konstnärsdrivna initiativ som ger nya generationer möjlighet att uttrycka sig.
Uppsala fortsätter att vara en dynamisk plats för konst och kultur, och konstnärer med koppling till staden lämnar sina spår både lokalt och internationellt.
När behovet å andra sidan av att köpa dyra konst uppstår kan ett snabblån direkt vara en lösning för att snabbt få tillgång till nödvändiga medel. Snabblån som ofta innebär mindre lånebelopp med kort återbetalningstid, kan ge dig den ekonomiska flexibiliteten du behöver för att göra större inköp omedelbart. Här kan du jämföra gärna olika snabblån direkt,
Flera banker kan erbjuda lån för att köpa dyr konst, men dessa typer av lån klassas ofta som en form av specialiserade lån eller blancolån. Om du planerar att investera i konstverk är det viktigt att välja rätt typ av finansiering och att förstå vilka alternativ som finns tillgängliga. Här är några vanliga alternativ och vad du bör tänka på:
Privatlån utan säkerhet
De flesta banker erbjuder privatlån (även kallat blancolån), vilket innebär att du kan låna pengar utan att lämna något som säkerhet. Detta är ett vanligt alternativ för att finansiera konstinköp eftersom konst inte alltid accepteras som en traditionell säkerhet. Exempel på banker och finansinstitut som erbjuder privatlån:
SEB
Swedbank
Nordea
Handelsbanken
Länsförsäkringar Bank
Ikano Bank
Specialiserade konstlån
I vissa fall kan banker eller finansinstitut erbjuda lån specifikt för konst. I Sverige är det mindre vanligt med specialiserade konstlån jämfört med länder som USA och Storbritannien, men vissa privata banker eller exklusiva finansinstitut kan erbjuda denna typ av tjänst. Private banking-tjänster hos banker som SEB Private Banking eller Nordea Private Banking kan ibland ge råd och finansiering för exklusiva konstinvesteringar.
Pantlån
Vissa aktörer som erbjuder pantlån kan acceptera konstverk som säkerhet för ett lån. Detta innebär att konstverket du planerar att köpa, eller redan äger, används som säkerhet för att få lånet. I Sverige är det dock inte lika vanligt att använda konst som pant jämfört med internationella marknader.
Kreditlinje eller bolån med överskjutande belopp
Om du redan äger en bostad kan du utöka ditt bolån eller använda din bostad som säkerhet för att finansiera konstinköp. Detta är en vanlig strategi eftersom bolån ofta har lägre ränta än privatlån. Diskutera detta med din bank, exempelvis hos Swedbank, Handelsbanken eller Danske Bank.
Internationella konstfinansieringsbolag
Om du köper konst från stora auktionshus som Sotheby’s eller Christie’s kan de ibland erbjuda finansieringslösningar. Dessa bolag har samarbete med banker och specialiserade långivare som förstår konstmarknaden.
Saker att tänka på innan du lånar för att köpa konst
Värdering av konstverket: Se till att konstverket har ett autentiskt värde och att det är verifierat av en auktoriserad värderingsman.
Ränta och villkor: Lån utan säkerhet har oftast högre ränta än lån med säkerhet, så jämför olika alternativ noggrant.
Konstens likviditet: Kom ihåg att konst inte alltid är en likvid tillgång, vilket innebär att det kan vara svårt att sälja snabbt vid behov.
Skatter och avgifter: Vid konstinköp kan skatt och försäkring vara viktiga faktorer att ta hänsyn till.
Genom att kontakta din bank och fråga om deras erbjudanden kan du få en bättre förståelse för vilka alternativ som passar din situation. Om du handlar konst för investering eller samlande är det ofta en bra idé att konsultera en ekonomisk rådgivare eller konstexpert innan du lånar pengar.
Man brukar säga att renässansen ”upptäckte den naturliga världen” som glömdes bort under den hårda medeltiden. Idag vet vi att detta inte är sant, men faktum är att renässanskonstnärer studerade växter och blommor med särskild nyfikenhet. Leonardo da Vinci var pionjär, en av första målare vars intresse kan säkert kallas vetenskapligt!
Leonardo da Vinci ”Studie av liljor” (ca.1480-85) Bläck och svart krita på papper The Royal Collection, Librarian (Windsor)”Flower study” (ca.1504) Penna och bläck på lätt brunaktigt papper, Galeria dell`Accademia, Venedig
Primavera! Finns något av vackraste verk?
Visste ni att Sandro Botticelli (1445-1510) var tvungen att studera dussintals växtarter som förekom i hans ”Primavera”? Blommor prydar och dekorerar figuren av den mytologiska Flora- fruktbarhetsgudinnan. Den tavlan beställdes till Villa di Castanello, som tillhörde Lorenzo och Giovanni di Perifrancesco, kusiner till Lorenzo Medici.
”Primavera” (ca. 1477-82) tempera on panel, 203 x 314 cm Uffizi
Giorgio Vasari (1511-74) nämner i sin krönika” Berömda renässanskonstnärers liv” (1551) att tavlan representerar ”Venus, dekorerad av gracerna med blommor, som tillkännager vårens ankomst”. Och det var faktiskt Vasari som först kallade verk ”Primavera”.
DetaljFloras klädning
Botticellis ikonisk bild anses också vara en extraordinär botanisk samling, eftersom målaren presenterade cirka 500 identifierade växter: apelsin (citrus sinensis), tusensköna (belis perennis), iris (iris), viola (viola), klinter (centaurea), kornvallmo (papaver rhoeas), hyacinter (hyacinthus).
Men det är i norra delen av Europa hände revolution. Konstnärer visade detaljer i naturbilder och uppnått perfektion. Ingen förut såg gräs som Albrecht Dürer gjorde. Enligt honom var naturen världen i sig själv, han iakttog den, förundrades över den, och avbildade….grästuvan.
Ett banal ämne eller ett genialt ämne?
Albrecht Dürer”Den stora grästuvan” (1503) Akvarell penna och bläck monterad på kartong, 40 x 31 cm Albertina, WienAlbrecht Dürer”Den lilla grästuvan” (ca.1495-1500) Akvarell, 42,7 x 28,8 cm Albertina, Wien
Båda studier är perfekta i sin realism. De är faktiskt första kända naturstudierna i den europeiska konsthistoria. Dürer blandade sina akvareller i olika gröna nyanserna och skapade en känsla av djup i hela kompositionen. Meisterstück! Han urskilde så många växter; maskrosor, groblad, tusensköna, teveronika och röllika.
Luca Ghini (1490-1556) och första botaniska trädgården i Europa.
Tillbaka till Italien!
Tack vore florentinska borgarsläkt Medici och deras mecenat pluggade Luca Ghini filosofi och medicin. Sedan blev han professor i botanik. År 1543 grundade han Orto dei semplici, den botaniska trädgården i Pisa, två år senare en liknande i Florens. Ghini katalogiserade växter, beskrev dem. På sådana sätt skapade han världens första herbarium.
Luca di Ghino
Herbarier och växtsamlingsböcker.
För mer praktiska ändamål började man på 1500-talet sammanställa systematiska kataloger över växter som var användbara inom medicin – herbaria. Senare i tiden tog det formen av vetenskapliga arbeten. Herbarier används för att studera noggrann växter, för att verifiera växters klassificering. Därför var det önskvärt att så mycket som möjligt av växten tas tillvara, liksom blommor, stjälk, blad och rötter. Växten brukar läggas så att både fram- och baksida på blad och blomblad syns. En fransk målare François Clouet (1510-72) skapade en av sina bästa verk som avbildar apotekaren med sin herbarium. Mannen heter Pierre Quthe (1519-88) och poserar majestätiskt med en öppen bok där torkade och pressade växtprover förvaras.
François Clouet ”Apotekare Pierre Quthe” (1562) oil on wood, 91 x 70 cm Louvre Vacker detalj
Basilius Besler (1561-1629) och Hortus Eystettensis (1613).
”Hortus Eystettensis” är en växtsamlingsbok skrivet av apotekaren, botanikern och samlaren från Nürnberg , Basilius Bessler. Verket visar växtarter från hela världen, inklusive 349 arter som förekom i Tyskland, 209 av sydösteuropeiskt ursprung, 63 asiatiska, 9 afrikanska och 23 amerikanska arter. Han arbetade för fursbiskop Johannes Konrad von Gemmingen, som investerade nästan 20 000 gulden att anlägga Eichstätt-trädgård. Detta magnifika bok är ständigt aktuellt och eftertraktat som mest omfattande växtboken genom tiderna.
”Hortus Eystettensis” (1613) Plate 79: Late white tulip, Golden garlic, Mountain garlicSolros”Papaver laciniatum” (1613)- Vallmoväxt
Leonhart Fuchs (1501-1566) samlar växteroch beskriver deras medicinska egenskaper.
Fuchs var inte bara botaniker, han var också doktor i medicin och en av första tyska humanister. Hans egna botaniska anteckningar kännetecknas av att han försökte identifiera vilka plantor som de antika författarna skrivit om. Och så skapade Fuchs De historia stirpium commentarii (1542), ett verk som beskriver 400 vilda och 100 odlade växter och deras medicinska egenskaper i alfabetisk ordning. Icke desto mindre anlände han en av Tysklands äldsta botaniska trädgårdar vid universitetet i Tübingen.
Heinrich Füllmaurer”Porträtt av Leonhart Fuchs” (1541) oil on fir wood, Landesmuseum, Württemberg Vackra illustrationer utförde Heinrich Füllmaurer, detsamma som skildrade Leonhart på porträtten.Boken är fortfarande ett riktigt kompendium inom botanikens område!
Kåra vänner, det var bara exempel på botaniska upplevelse i konsten! Det börjades under Renässansen och fortsatt, fortsatt hela tiden. Summariskt: människor var alltid nyfikna och undrande över naturens hemligheter. Är det konstigt att man ville framställa skapelses skönhet?
Minns ni Maria Sibylla Merian och hennes supervackra kopparplåtar? Hon fascinerade mig, jag levde med hennes drömmar! https://konstspegel.com/2020/01/10/463/
Konstpegel behöver din hjälp mer än någonsin. Jag har inte någon bidrag för att driva portalen. Utan dina donationer kommer jag inte att ha medel för publikationer. Därför är ditt stöd mycket viktigt. Om du gillar det här stället och gillar att läsa mina artiklar – stöd mig! Även en liten belopp har en stor betydelse.
Leonardo da Vinci (1452–1519) är en av historiens mest berömda och mångsidiga genier. Han var inte bara en framstående konstnär utan också en vetenskapsman, uppfinnare, ingenjör, anatom, arkitekt och filosof. Hans arbete och vision har haft en djupgående inverkan på både konstens och vetenskapens historia.
Tidiga år och utbildning
Leonardo föddes den 15 april 1452 i byn Vinci nära Florens i Italien. Han var född utom äktenskapet som son till en notarie och en bondkvinna. Trots detta fick han en god utbildning som ung. Som tonåring blev han lärling hos konstnären Andrea del Verrocchio i Florens, där han lärde sig måleri, skulptur och tekniska färdigheter. Det var här han började utveckla sitt mångsidiga intresse för både konst och vetenskap.
Kunde man på den tiden något om CBD olja Sverige? Vem vet kanske använde även Leonardo denna olja för att han var hemlighetsfull och väldigt klok.
Mästare inom konst
Leonardo da Vinci är mest känd för sina mästerverk inom måleriet. Några av hans mest berömda verk inkluderar:
”Mona Lisa” (1503–1506): En av de mest kända målningarna i världen. Mona Lisas mystiska leende och subtila detaljer har fascinerat generationer av konstälskare. Målningen finns idag på Louvren i Paris.
”Nattvarden” (1495–1498): Ett storslaget väggmåleri som visar Jesu sista måltid med sina lärjungar. Den finns i klostret Santa Maria delle Grazie i Milano och är ett mästerverk inom komposition och dramatisk effekt.
”Vitruvianske mannen” (cirka 1490): En teckning som kombinerar konst och vetenskap genom att visa proportionerna av den mänskliga kroppen baserade på Vitruvius teorier.
Leonardo strävade efter att fånga naturens skönhet och komplexitet i sina verk. Han experimenterade med tekniker som sfumato, som gav hans målningar mjuka övergångar mellan ljus och skugga.
Vetenskapliga och tekniska framsteg
Leonardo var inte bara konstnär, utan också en passionerad vetenskapsman och uppfinnare. Han fyllde sina anteckningsböcker med skisser och observationer om anatomi, mekanik, optik, geologi och flygning. Han dissekerade kroppar för att bättre förstå människans anatomi och gjorde noggranna studier av muskler, organ och skelett. Hans teckningar av människokroppen är än idag kända för sin detaljrikedom.
Han ritade också prototyper för maskiner som föregick sin tid, inklusive flygmaskiner, stridsvagnar och hydrauliska system. Många av hans idéer kunde inte realiseras under hans livstid på grund av tekniska begränsningar, men de visar på hans banbrytande tänkande.
Arbete i olika städer
Leonardo tillbringade sitt liv i flera italienska städer och vid olika hoven. Han arbetade för den mäktiga familjen Medici i Florens, hertigen av Milano och senare den franska kungen Frans I. Han fick uppdrag som spände från att måla och designa byggnader till att skapa militära ingenjörsverk.
De sista åren
Mot slutet av sitt liv flyttade Leonardo till Frankrike, inbjuden av kung Frans I, som var en stor beundrare av hans arbete. Han bodde på slottet Clos Lucé i Amboise och fortsatte att arbeta fram till sin död den 2 maj 1519.
Leonardos arv
Leonardo da Vinci personifierar renässansens ideal om den ”universella människan,” som strävar efter att bemästra många olika områden av kunskap. Hans kombination av konstnärlig skicklighet och vetenskaplig nyfikenhet gör honom unik i historien. Hans anteckningsböcker, fyllda med skisser och idéer, fortsätter att inspirera konstnärer, ingenjörer och forskare.
Leonardos mästerverk och innovationer är en påminnelse om att kreativitet och vetenskaplig utforskning kan samverka för att skapa något tidlöst. Han är än idag en av de mest beundrade och studerade figurerna i historien.
Pieter Breugel d.ä ”Schlaraffenland” (1567) oil on panel, 52 x 78,3 cm, Alte Pinakothek, Monachium
När jag startade min blogg visste jag en sak: konsten inte låter sig beskrivas och ibland man måste läsa mellan raderna. Det finaste är att leta efter än att hitta. Vad serveras idag? Meny är en gott bondomelett och en flaska vin Rooiseheide Riesling. Kan vi säga årgång 1567? Jag hör skeptiska röster. Låt mig fantisera, för att huvudmeny tavlan handlar om ett riktigt sagoland.
”Schlaraffenland” skapade Pieter Bruegel den äldre (1525/30-1569) två år inför sin död. Han skildrade tre sovande figurer som föreställde tre olika sociala grupper. Liksom ett ståndssamhälle, men vänta lite…det fattas prästen. På något oförklarligt sätt glömde eller missade Bruegel att avbilda någon kyrkoherde.
Då har vi här: en legosoldat (landsknekt) med en spade, skribenten med en bok, och bonde med en slaga, alla tycks ligga lat och i fullständigt tillfredsställt läge. Deras kroppar bildar ett osynligt hjul – är det ”lyckohjulet”? Bruegel använder ofta medeltidens konst sinnebild och tecken.
Ser ni i bakgrunden sjömjölk och lilla båten?
Huvudpersoner är alldeles stilla, fullproppade med mat. Dem kan knappt röra på sig. Överflöd av mat, vin och alla goda grejer. Schlaraffenland är ett fantasi land, där ingen kan vara hungrig eller törstig. På tyska innebär orden ”Schlaraffe” en slöfock, dåre- kort sagt en lathund! Samtidigt känns att Bruegel kritiserar inte sådana lata människor. Han skapade sin egen definition av den där platsen, ett ställe där all folk kunde föreställa sig den absoluta friheten från sina egna rädslor och livets svårigheter.
En nykomling har precis ätit sig igenom deg-berg.
Personligen älskar jag Bruegels sätt att tänka, att skapa en miniatyrvärld tack vore oändliga detaljrikedom. Målningen är grotesk intill parodins gränser. Den vida panorama och en hög utsiktspunkt bekräftar att konstnären parodierade verkligheten. Ämnesvalet och dess hantering pekar på en ganska nedslående bild av mänskligheten.
Han visste.
Han kände till folks beteende och vanor. Han ansåg att människans njutningslystnad är meningslös och ynklig.
Detalj
För att komma till mjölkens och honungens land måste en kandidat först äta sig igenom ett berg av mask. Om det görs kommer han att befinna sig på en plats där nästan allt är ätbart. Lyckligare kan äta och vila. Göra ingenting mer. Här är lathet en dygd. Detta motiv var oerhört populärt på 1500-talet, tillsammans med berättelser om paradiset och dårhistorier. Inspirationer hittade Bruegel i satiriska dikten ”Narrskeppet” (1494) av humanistisk författare Sebastian Brandt. Skalden beskriver ett skepp full av gycklare som är på väg till overkliga landet Narragonia.
Albrecht Dürer (?) utförde träsnitt ”Dumheter” till detta litterära verk
Bakom den sagolika fantasilandet, där det finns näring i överflöd, ligger upplevelsen av ständigt återkommande hunger och svält.
Den senmedeltida världen kämpade mot brutala verkligheten. Folk hotades ständig av krig och hunger. Om vi tittar på politisk situation i Nederländerna kan vi förstå bättre sinnesstämningen i Bruegels verk. Hans land var under spanskt styre och när makten gick till Filip II av Spanien, blev inkvisitionen ännu strängare än förut. Det största upprorsförsöket gjordes 1567 under ledning av Vilhelm av Oranien. Tyckte Bruegel kanske att det innebär slut på konflikter och oroligheter? Målningen gjordes precis i år 1567. Vi borde se hans verk som ett ljus för Nederländerna och deras samhälle!
Märkligt är att Bruegel värderade mycket Hieronymus Bosch måleri, uppskattade hans levnadsvisdom kryddad med en stor dos av grotesk och absurd.
Ägget är ”lånat” från Hieronymus Bosch!
En skapande fantasi och en underliggande realism gör att Bruegels tavlor tillhör de bästa visuella skämten i europeisk konst. En spegelbild för oss, en chans att se hur levde våra förfäder 400 år sedan!
Konstpegel behöver din hjälp mer än någonsin.
Jag har inte någon bidrag för att driva portalen. Utan dina donationer kommer jag inte att ha medel för publikationer. Därför är ditt stöd mycket viktigt.
Om du gillar det här stället och gillar att läsa mina artiklar - stöd mig!
Även en liten belopp har en stor betydelse.
Tack!
Att gå onlinekurser har blivit en populär och tillgänglig väg för många att utveckla sina färdigheter och bredda sina kunskaper. Med teknikens framsteg har utbildning flyttat utanför klassrummens väggar och gjort det möjligt för människor att studera när och var de vill. Oavsett om du är intresserad av att lära dig ett nytt språk, fördjupa dig i programmering eller utforska kreativt skrivande, finns det kurser som kan anpassas efter dina behov och intressen.
En av de största fördelarna med onlinekurser är flexibiliteten. Du kan studera i din egen takt, vilket är perfekt för den som har ett hektiskt schema eller vill kombinera studier med arbete och andra åtaganden. Det stora utbudet av plattformar och ämnen innebär också att det finns något för alla, från grundläggande introduktionskurser till avancerade och specialiserade program. Många av dessa kurser erbjuder också interaktiva moment, såsom diskussionsforum och möjligheter att ställa frågor till lärare, vilket ger en känsla av gemenskap och stöd trots det digitala formatet.
En annan fördel är tillgängligheten till världsledande experter och utbildningar som kanske inte hade varit möjliga att nå geografiskt. Genom att delta i kurser från internationella universitet eller organisationer kan du få insikter och kunskap som är globala i sin natur. Dessutom kan onlinekurser vara mer kostnadseffektiva jämfört med traditionella utbildningar, och många plattformar erbjuder gratis eller prisvärda alternativ.
För att få ut det mesta av en onlinekurs är det viktigt att vara motiverad och disciplinerad. Eftersom du oftast studerar på egen hand är det bra att skapa en plan och avsätta tid för studierna. Att ha tydliga mål och förstå varför du vill ta en kurs kan också hjälpa dig att hålla fokus och engagemang. Vilka onlinekurser finns det i Sverige?
Onlinekurser öppnar upp möjligheten att växa, både professionellt och personligt, på ett sätt som är anpassat till den moderna livsstilen. Oavsett om du vill stärka ditt CV, utforska nya intressen eller helt byta karriär kan de vara en kraftfull resurs för lärande och utveckling.
År 1911 mötte Egon Schiele en 17-årig tjej som poserade för Gustav Klimt. Flickan blev hans musa, Schiele skildrade henne väldigt ofta. Wallys hypnotiska ögon och karakteristiska hår är allmänt kända idag, men kvinnas liv förblir i stor utsträckning ett mysterium. Vem var Wally Neuzil?
Wally hette faktiskt Wallburga Neužil. Hon föddes i augusti 1894 i en fattig familj i österrikiska Tattendorff. Hon kom till världen som utomäktenskaplig barn, hennes föräldrar gifte sig senare, och de fick ytterligare tre döttrar. Farsan dog i 1905. Ett år senare flyttade familjen Neuzil till Wien.
Situationen var säkert komplicerat och Wally började jobba som modell. Hennes söta ansikte och vacker kropp fångade Egon Schiele. Hon var naturligt, hon poserade bra, vilket snart förde dem närmare varandra. Strax efter flyttade paret ihop.
”Porträtt av Wally Neuzil” (1912) oil on panel, 32 x 39,8 cm Leopold Museum
blev populära och igenkännliga verk. Skildringen av Wally är oerhört vacker. Rödbruna hår omger ett intressant ansikte och en vit krage inramar hennes smal hals. Wallys porträtt fick namnet ”wienerska Mona Lisa” tack vore intensiva blicken och dolda känslor.
Egon och Wally letade efter platsen att leva och ägna sin tid åt kärlek och måleri. Samtidigt ville artisten fly från den klaustrofobiska wienermiljön, så reste paret till Krumau (Český Krumlov) en idylliskt stad, hans morsan födelseort. Tyvärr parets livsstil upprörde invånarna och de kastade dem ut ur staden.
Det konstnärliga tandem flyttade till Neugelbach och dåliga rykte tillsammans med dem.
Den hjälpsamma Wally.
Redan i april 1912 arresterades Schiele för förförelse av en minderårig tjej. När polisen kom till hans ateljé fann de över hundra teckningar som de ansåg vara pornografiska. I resultaten satt Schiele en månad i häktet. Under denna tid stödde Wally konstnären genom att regelbundet förse honom med mat och konstförnödenheter så att han kunde fortsätta skapa.
”Rumet i Neulengbach” (1911) oil on wood, 40 x 31,7 cm Kunsthistorisches Museum, WienFängelse ”I Feel Not Punished but Purified” (1912)
Wally var inte bara modell för konstnären, utan också hans vän och lojala följeslagare fram till våren 1915. Under fyra år spelade hon en nyckelroll i Schieles liv och arbete. Medan han skapade sig själv som artist, Wally gav honom redskap och verktyg som han behövde! En ärlig, öppen sexualitet som utvecklades utan begränsningar och inom en känslomässigt förhållande. Samtidigt arbetade flickan som kassörska och mannekäng i en klädbutik. Trots olika krissituationer, var Wally alltid nära sin kära Egon.
”Wally” (1912) Landessammlung Niederösterreich
När Schiele släpptes från häktet var det uppenbart för paret att återvända till Wien där han hyrde en studio som han behöll för resten av sitt liv. Adressen var: Hietzingerhauptstrasse 101.
Den narcisstiska konstnären.
Det är inte mening att bedöma artisten. Alla konstnärer är ju egocentriska och självupptagna. Egon Schiele insåg tidigt att han inte skulle uppnå framgång genom att imitera Gustave Klimt. Så han bestämde sig för att fokusera på provokativa ämnen som ingen någonsin hade hanterat. Sexuella poser skulle bli kännetecknet för hans verk. I sina många självporträtt skildrade han egna manliga attraktionskraft. Och tack vore dem kan konsthistoriker och psykologer bygga sina teorier. Vi fokuserar på konsten!
”Självporträtt” (1912) pencil, watercolor and tempera, 46,5 x 31,5 cm Privat kollektion
Glöm inte atmosfären runt i Wien. Schiele var precis som dessa stad, självsäker, narcissistisk, fanatiskt koncentrerad på sin egen kropp. Vid den tiden var Wien ett ställe som var genomsyrad av Sigmund Freuds innovativa teser om det undermedvetna, psykoanalysen och i stort sett förstått mänsklig sexualitet. Tiden och trender präglar människor.
Den poserande Wally.
Wallburga medverkade i flera av Schieles kända målningar, bland annat ” Wally Neuzil in Black Stockings” (1912) och ”Wally in Red Blouse with Raised Knees” (1913).
”Wally Neuzil in Black Stockings ” (1912)”Wally with a Red Blouse with Raised Knees” (1912) private collection
Hon poserade med glädje, helt naturligt i kläder och utan kläder. Wally fungerade som Schieles agent och levererade personligen erotiska teckningar till dem som var beställare. Vän och beskyddare till Egon, Arthur Roessler (1877-1955), kallade Wally ”hans skugga”. Jag tycker att det var helt tvärtom. Utan Wally kunde inte Schiele arbeta så produktiv och känslomässigt. Hon var hans musa, hans fabrik, hans väninna och älskarinna.
”Two Female Nudes” (1912)”Woman in orange stockings. Wally Neuzil” (1914) pencil, watercolour and gouache on paper
Överfylld av sensualitet och utan tabun inspirerade hon Schiele att måla henne om och om igen. I sina bilder förmedlade han sina speciella känslor för modellen, bilder är fulla av värme som gör dem extremt attraktiva. De kommer direkt in i vårt sinne och stannar där för alltid.
”Självporträtt med Wally” (1914-15) gouache and pencil on paper, 47,4 x 30,5 cm Sammlung Heinrich Böhler”Liebesakt” (1915) pencil and gouache on paper, 33,5 x 52cm Leopold Museum
Den provokativa Wally.
”Kardinal und Nonne” (Liebkosung)/ ”Cardinal and Nun” (Caress) (1915) oil on 70 x 80,5 cm Leopold Museum
Bilden är en ren provokation. Den busiga titeln ”Caress” hjälper inte alls att förstå bildsammanhang. Nunnan verkar vara rädd – för kardinalen, vars röda, hämningslösa lust (i form av mantel) omger henne. Eller är hon mer rädd för sig själv, för den sexuella åtrå som hon känner när det inte får vara det? Schiele omvandlar roller, leker med oss. Nunnan liknar konstnären. Kardinalfiguren tolkats ofta som en manlig version av Wally Neuzil. Schiele tog på sig kyrkans kritik. Fanns det någon som kunde stoppa honom?
Hans teckningar alltid pendlade på gränsen mellan pornografi och ”den nya sakligheten”. Schiele utforskade kvinnornas kroppar på olika sätt. Figurer var spända, nervösa och framför allt erotiska.
Farväl med Wally.
År 1914 var Schieles ekonomiska situation bedrövlig trots att han fick goda recensioner och hade fått ett par nya beskyddare. Samma år gifter sig hans favoritsyster Gertri med hans vän. Det var vid denna tidpunkt som Schiele insåg att han behövde en fru, så skrev han i ett brev till Arthur Roessler ”Jag planerar att gifta mig – mest fördelaktigt – förmodligen inte med Wally”. En total ”marriage de raison”.
I april 1915 bröt Wallys och Egons förhållande oväntat upp. Schiele bestämde sig för att gifta sig med Edith Harms. Hur träffade han henne? Edith bodde inte långt från Schieles studio. Hennes familj var anständig och respektabel.
Målaren såg intressant på sina grannar- familjen med två systrar, Adele och Edith. Han ville lära känna systrarna bättre, men det var inte lätt. Så Schiele fick be Wally om hjälp. Den älskade modellen har blivit en brevbärare. I inbjudan till mötet skrev han: ”Kära fröken Ed. & Ad. eller Ad. & Ed. Jag tror att din mamma kommer att låta dig följa med mig och Wally på bio […] eller vart du vill ”
På början var Schiele inte säker på vilken av systrarna lockar honom mest. Så varför blev Edith vald? Kanske för att hon var yngre?
Konstnären hade dock inte gett upp sin relation till Wally. I Café Eichberger, där de träffades för sista gången, informerade han tjejen om sina planer med Edith, men föreslog att ta en gång om året en sommarlov. Wally tackade nej till ett så förnedrande erbjudande och de träffades aldrig igen. Kärlekshistoria tog slut. Nästa avsnitt gäller en helt annat person. Men döden gäller dem alla…
”Döden och Jungfrun” (1915) oil on canvas, 150 x 180 cm Österreichische Galerie Belvedere, Wien
Den hela situationen ledde till att Schiele målade ”Döden och Jungfrun”. Verket är förmodligen ett självbiografiskt svar på det avslutade förhållandet med Wally. Målaren gifte sig med Edith Harms och fördes också in i militärtjänst under första världskriget. Dödens närvaro, eviga sambandet mellan döden och kärlek i flera av hans verk är förknippad med tavlan. Motivet ”döden och jungfrun” har varit känd sedan renässansen: kvinnan omfamnar döden som är hennes älskare, men döden skrämmer inte. Figuren är inte avbildad traditionell som ett skelett, utan i munkens kläder och förlorar faktiskt sin ohygglighet… .
Vad hade hänt med Wally?
Schieles onda ord slog henne inte. Tvärtom, hon utbildade sig till sjuksköterska och arbetade sedan på ett krigssjukhus i Wien. I slutet av 1917 besökte Wally Kroatien på Röda Korset uppdrag. Helt oväntat fick hon skarlagensfeber och dog, knappt 23 år gammal.
Kände Egon sig ansvarig för hennes död? Ödesmakt är skoningslös. Schiele hade dock väldigt lite kvar av sitt liv: tio månader senare insjuknades hans gravida hustru i spanska sjukan. Han drabbades också och gick bort tre dager efter henne…
Wally Neuzil i Gmunden (1913), Wien Museum
Hur kan jag avsluta mitt inlägg? Wally och Egon hade ett känslomässigt förhållande. Kanske han tänkte mest erotisk om henne, kunde han välja henne som mor till hans barn? Arvingar?
Den erotiska driften brände honom. Helt och hållet. Och bara aska återstod.
Konstpegel behöver din hjälp mer än någonsin.
Jag har inte någon bidrag för att driva portalen. Utan dina donationer kommer jag inte att ha medel för publikationer. Därför är ditt stöd mycket viktigt.
Om du gillar det här stället och gillar att läsa mina artiklar - stöd mig!
Även en liten belopp har en stor betydelse.
Tack!
KONSTSPEGEL 