☕ Vad innebär latteart? – Konsten att måla med mjölk i din cappuccino
Latteart – eller kaffeart – är konsten att hälla ångad mjölk i espresso på ett sätt som skapar ett mönster eller en bild i ytan. Det är inte bara ett uttryck för baristans skicklighet utan också ett sätt att höja kaffeupplevelsen till något mer estetiskt och personligt.
I takt med att café- och kaffekulturen växt i Sverige har latteart gått från att vara en kul detalj till ett slags hantverk. Men vad krävs egentligen för att lyckas med latteart – och vad betyder det på ett djupare plan?
🎨 Vad är latteart egentligen?
Latteart uppstår när man kombinerar tre komponenter:
En perfekt espresso med en vacker crema (det gyllenbruna lagret på ytan)
Ångad mjölk som har rätt textur och temperatur (mikroskum)
En skicklig hand som häller mjölken på ett specifikt sätt för att skapa mönster
Resultatet kan bli hjärtan, rosetter (rosendekor), tulpankoppar, svanar – eller till och med detaljerade bilder som kräver extrem precision. Den vackra konsten ligger alltså i balansen mellan teknik, hastighet, rörelse och mjölkens struktur.
☁️ Vad krävs för att lyckas?
För att skapa latteart behöver du några grundläggande verktyg och färdigheter:
1. Espressomaskin med ångrör
Det är viktigt att kunna skapa ett mikroskum i mjölken, vilket kräver ett ångrör som värmer och luftar mjölken samtidigt.
2. Kanna i rostfritt stål
Kannan används för att ånga mjölken och sedan hälla på ett kontrollerat sätt. Pipens utformning spelar roll för hur detaljerat du kan hälla mönstret.
3. Rätt mjölk
Fet mjölk ger bäst skum för latteart. Alternativa växtbaserade mjölksorter fungerar också, men kräver mer precision – vissa havre- och sojamjölkar är lattevänliga.
4. Träning och tålamod
Att bemästra latteart tar tid. Det handlar om att förstå mjölkens flöde, höjd på hällningen och timing. Många misslyckas i början – men varje kopp är ett steg mot att bli bättre.
💡 Olika tekniker inom latteart
Det finns två huvudsakliga tekniker:
1. Free pour latteart
Den mest klassiska formen. Mönstret skapas enbart genom att hälla mjölken på ett specifikt sätt – ingen annan hjälp används. Det kräver övning och känsla.
Vanliga motiv:
Hjärtat
Rosettan (bladliknande mönster)
Tulpanen
Svanen
2. Etching (ristning)
Här används ett verktyg – ofta en pinne eller spets – för att ”rita” i skummet efter att mjölken hällts. Denna teknik ger större detaljrikedom och används ofta till konstnärliga motiv som djur, ansikten eller text.
🎨 Latteart som kultur och tävling
Latteart är inte bara en kul detalj på ditt café – det är också en internationell tävlingsgren. Världsmästerskap i latteart hålls regelbundet, där baristor tävlar i teknik, presentation och precision. De bästa i världen skapar rena konstverk – direkt i koppen.
Dessutom används latteart som ett kreativt uttrycksmedel, där baristor inspireras av allt från natur till populärkultur. Instagram och TikTok har hjälpt till att sprida trenden och inspirera nybörjare världen över. Cateringfirma i Uppsala
❤️ Varför är latteart så uppskattat?
Latteart handlar inte bara om utseendet – det handlar om omsorg. När du får ett hjärta i din cappuccino är det ett tecken på att någon lagt extra kärlek på din kopp. Det höjer upplevelsen och skapar en liten glädjestund i vardagen.
För många är det en konstform. För andra är det en väg till att förbättra sina baristakunskaper. Och för vissa – en rolig hobby som gör kaffepausen lite vackrare.
🏡 Kan man göra latteart hemma?
Absolut! Även om det är en utmaning utan proffsutrustning, finns det sätt att komma igång hemma:
Investera i en espressomaskin med ångrör
Använd rätt typ av mjölk (gärna färsk och fet)
Öva, öva, öva! Börja med att få till mjölkens konsistens
Det finns även hjälpmedel som mjölkskummare och latteart-set. YouTube har mängder av videoguider som visar steg för steg hur man lyckas.
🌱 Vegansk latteart – går det?
Ja! Många växtbaserade mjölkalternativ fungerar utmärkt, särskilt barista-versioner av havre- eller sojamjölk som är gjorda för att skumma bättre. De kräver dock lite mer teknik eftersom skummet kan vara mindre stabilt.
Avslutande tankar
Latteart är mycket mer än en snygg bild i din kopp. Det är en kombination av hantverk, kemi, konst och passion. Det förhöjer kaffeupplevelsen, skapar kontakt mellan barista och kund – och är ett sätt att visa att man bryr sig om detaljerna. Kaffe och te är något alla dricker varje dag samt kalla dryck
Så nästa gång du får en cappuccino med ett vackert hjärta i skummet – vet att det är mer än bara mjölk. Det är konst. I en kopp. Köpa godis och te i Danmark
Vill du ha tips på hur du kan börja med latteart hemma? Jag hjälper dig gärna med en steg-för-steg-guide! ☕🎨
Den italienska renässansmålaren Lorenzo Lotto var helt bortglömd i nästan 300 år. Trots att han föddes i Venedig, bosatte han sig aldrig permanent i staden. Han föredrog att vandra och måla i de små provinsiella tätorterna. Provinsen öppnade sina kyrkor för hans tavlor, där behövde han inte konkurrera och kämpa för erkännande.
"Självporträtt" (ca.1540)olja på duk 43 x 35 cmThyssen-Bornemisza Museum, Madrid
Ingenting är känt om Lorenzo Lottos ungdom och utbildning, förutom att hans far hette Tommaso. Utan tvivel var han elev till Giovanni Bellini (1430-1516) och Alesso Vivarini, vars inflytande den unga konstnären visade.
Han hämtade också mycket från Albrecht Dürers verk och förmodligen träffades de personligen. Det första kända dokumentet där namnet Lorenzo Lotto nämns är från den 10 juni 1503, då målaren var i Treviso. Han kallades ”pictor celeberrimus” och hans dåvarande beskyddare var biskop Bernardo de’ Rossi (1468-1527). Lotto fick sitt första offentliga uppdrag ”Pala di Santa Cristina” för huvudaltaret i församlingskyrkan Quinto di Treviso. Han fullgjorde denna uppgift perfekt, och resultatet kan man beundras i den lokala kyrkan.
”Santa Cristina al Tiverones altare” (1504/06) olja på panel, 77 × 162 cm Kyrkan Santa Cristina, Quinto di Treviso
Den inflytelserika biskopen rekommenderade vår Lorenzos talang, eftersom konstnären stannade i Rom under åren 1508-11 och tillsammans med andra lombardiska målare dekorerade påvens Julius II våningar. Tyvärr måste något ha missnöjt påven, för att han beordrade Raphael att måla över freskerna…
Vagabond
Från det ögonblicket började Lorenzo Lottos kringresande liv. Han bytte ofta bostad och stannade i en viss ort tills beställningen var färdigt. Trots att han föddes i Venedig bosatte han sig aldrig där permanent. Han föredrog att vandra runt i Lombardiet och ta uppdrag i små provinsstäder som Treviso, Bergamo, Recanati och Ancona.
Kanske valde Lotto medvetet denna lösning, eftersom konkurrenterna (Tiziano) stannade i storstäderna. Tyvärr var det också anledningen till att konstnären var bortglömd i över 300 år! År 1887, någonstans i de venetianska arkiven, hittades Lottos testamente och räkenskapsböcker, och så började man lägga pusslet och återbörda författaren till hans målningar.
Stil
Lotto utvecklade sin individuella stil under inflytande av de redan nämnda Bellini och Vivarini, samt tyska mästare: Dürer, Grünewald och Holbein. Denna stil kännetecknades av hög uttrycksfullhet, ovanliga färgkombinationer och starka ljuskontraster. Lotto var en känslig, rastlös konstnär som letade efter nya lösningar och samtidigt älskade han traditionen. Den klassiska strukturen på hans altartavlor liknar mycket Bellinis, men Lotto introducerade snabba rörelser och oregelbundna former.
Tack vare innehållsrikedomen som smugits in i målningarna och behovet av att lära känna sina modeller, blev Lorenzo Lotto den mest originella porträttmålaren. Hans porträtterade personer är aldrig banala, de har något som kännetecknar dem, en del inre upplevelser och oro. Lotto skapade de första psykologiska verken.
Porträttkonst
Här kommer vi till området för hans måleri, vilket är särskilt viktigt. Konsthistoriker är överens om att Lottos porträtt är fantastiska. Han betraktade varje avmålad person inte som en hjälte i berättelsen, utan som vilken person som helst, en bland många, med vilken vi pratar och umgås. Till skillnad från Tizians verk är Lottos porträtt på riktigt psykologiska. Han avbildade biskopar, studenter, konstsamlare, i form av dialog, i utbyte av förtroende och sympati. Hans karaktärer säger inte: ”beundra mig, jag är kungen, påven, jag är världens centrum”; snarare säger de: ”Så här är jag inombords, och det här är orsakerna till min melankoli eller glädje.”
”Bernardo da Rossi, biskop av Treviso” (1505) olja på duk, 55 x 43 cm Museo Capodimonte, Neapol ”Huvud av en ung man”(1506) olja på duk, 29 x 23 cm Uffizi
Porträtt som ordlekoch charad
Lotto var förtjust i rebusar och ordlekar, vilket han skickligt visade i sina verk. Avkodning av dem gör att vi kan upptäcka namnet på personen, attributen för yrket eller funktionen som figurer utför. Porträttet av biskopens kansler av Treviso är en realistisk representation av den unge mannen, men det döljer också hans namn. Vitt brokaddraperi med piggtistlar leder oss på stigen: Broccardo Malchiostro (broccato=draperi, cardo=tistel)
”Porträtt av en ung man med lykta” (ca.1506-08) olja på duk 53 x 42 cm Kunsthistorisches Museum, Vienna
Det är liknande med porträttet av ”Damen från Brembeti”. En rebus för intresserade. Inuti smyckena i form av månen kan man läsa bokstäverna ”CI”, som tillsammans bildar namnet Lu-ci-na. Månen syns i verkets övre vänstra hörn. Observera att detta inte är ett idealiserat porträtt. Inga filter! Och den där döda vesslan… Den kunde ha symboliserat graviditet eller äktenskaplig trohet.
”Lucina Brembati”, (ca.1521-1523) olja på duk, 52× 44 cm Accademia Carrara, Bergamo
Lotto brukade måla sina figurer i rörelse. Han förmedlar psykologi genom gester och blick, vissa dolda händelser eller allegorier. Han målade på ett rektangulär plan, tack vare detta erhöll han ett horisontellt format som gjorde det möjligt att inkludera olika föremål som har koppling med den avbildade figuren.
”Porträtt av en venetiansk dam inspirerad av Lucrezia” (1533) olja på duk, 95 x 110 cm National Gallery, London ”Den unge studenten” (ca.1527) olja på duk, 98 x 116 cm Gallerie dell`Accademia,Venedig
I ansiktet på denna anonyma unge man kan du se sorgen som orsakas av sjukdom eller olycklig kärlek. Han tittar upp från en tjock bok som står på ett bord, där Lotto målar en ödla och torra rosenblad – symboler för livets flyktiga natur. Alla dessa saker har en dold betydelse. Man måste fundera djupt för att förstå hela innebörden av detta porträtt.
.”Porträtt av Laura da Pola” (ca.1543) olja på duk, 91 x 76 cm Pinacoteca di Brera, Milano ”Porträtt av Febo da Brescia”(1544) olja på duk,90 x 75 cm
Den stora polska författaren och essäisten Gustaw Herling-Grudziński (1919-2000) beskriver i sin bok: ”Lotto föddes i Venedig mot slutet av 1400-talet […] Han var mycket produktiv, men inte särskilt framgångsrik; han var en vandrare, i rastlös sökande efter även de mest magra uppdragen. Han fick lite betalt för sitt arbete i kyrkor och för porträtt. Det bästa vittnesbördet om hans karaktär är Aretinos kommentar, ”Oh Lotto, så bra som god och så god som dygd!” […] Det sägs att han inte hade några ”rötter”. Han ville bli begravd i sin hemstad, Venedig, men var för fattig för att bo där innan hans död. Han tillbringade de sista åren som ett ”oblat” i ett kloster i Loreto, där han säkert skulle få en skål soppa varje dag. Han dog där omkring 80 år gammal. […] Bernard Berenson skrev en stor monografi om honom. Jag citerar: ”Aldrig, varken före eller efter Lorenzo Lotto, har det funnits en konstnär som kunde måla så mycket av sitt eget inre liv i ansiktet på sina modeller” .
Lottos porträtt är också skildringar av par eller familjemedlemmar. Detta är det första kända äktenskapsporträttet gjort i Italien, inspirerat av liknande porträtt från Tyskland. Den beställdes av brudgummens far, en förmögen ullhandlare, och föreställer paret vid bröllopsögonblicket. Bakom paret står Amor och lägger olivkvistar på deras axlar, som symboliserar äktenskapets band. De bär båda scufioti, mjuka runda hattar som var vanliga i 1500-talets Bergamo.
”Marsilio Cassotti med fru” (1523) olja på duk, 71 x 84 cm, Pradomuseum, Madrid
Ibland döljer Lottos porträtt någon smärtsam verklighet, till exempel sorg. Verket från Eremitaget föreställer Gian Maria Cassotti med sin fru och gjordes efter hans frus död. Vad tyder denna observation på? Den porträtterade kvinnan frånvarande, bleka ansikte och den porträtterade manens röda ögon. Han är förresten bror till den glade Marsilio som visas ovanför…
”Familjeporträtt” (1523) olja på duk, 98 x 118 c Hermitage, Sankt Petersburg”Trippelporträtt av en guldsmed” (1525/35) olja på duk, 52,1 x 79,1 cm Kunsthistorisches Museum, Vienna
Guldsmedsporträttet ur tre olika synvinklar är så unikt. Dåtidens konstnärer argumenterade och försökte bevisa att det gick att visa figuren från olika sidor, som en skulptur gör. Lotto gav verket ett psykologiskt djup och introducerade ett lekfullt element. Guldsmeden vänder sig mot publiken, för vilken han presenterar sina produkter. Porträttet hade tidigare tillskrivits andra konstnärer som Tizian, tills dokument som kopplade Lotto till målningen hittades.
Ytterligare forskning kopplade ämnet till guldsmeden Bartolomeo Carpano, en vän till Lotto. Inga andra dokument stödjer denna teori, men om den är korrekt, kan porträttets ”tre visi” / ”tre ansikten” vara en ordlek på Carpans hemstad Treviso. Enkelt men ändå förtjusande!
”Porträtt av apotekare Giovanni Agostino della Torre och hans son Niccolò” (1515) olja på duk, 85 x 68 cm National Gallery, London
”Puer mingens” och den vackra Venus
Termen puer mingens kommer från latinets puer (pojke) och mingens, presens particip av verbet mingere som betyder ”att urinera”. Figuren i ett konstverk symboliserar fertilitet och ett äktenskapligt liv.
”Venus och Amor” (1530) olja på duk, 92,4 x 114,4 cm Metropolitan Museum of Art, New York
Detta verk var en bröllopspresent till ett par från Bergamo eller Venedig. Sådana målningar var inspirerade av den klassiska traditionen av bröllopspoesi. En röd duk knuten till ett träd bildar bakgrunden. Runt Venus och Amor finns det spridda allegoriska föremål som beskriver äktenskapets tillstånd (myrtenkrans), kvinnlighet (ros, snäckskal, rosenblad) och evig kärlek (murgröna). Venus huvudbonad, med tiara, slöja och örhänge, är typisk för venetianska brudar på 1500-talet. Ett hänge med en pärla är en symbol för renhet.
Gudinnan skäms inte över sin nakenhet och ser betraktaren i ögonen. Hon verkar välsigna det gifta paret, önska dem framtida ättlingar och skydda dem från dolda faror.
Så underbart hänvisar Lotto till den venetianska traditionen! Detta är utan tvekan på samma nivå som Tizian och Giorgione. Ah, varför vägrade den berömda venetianska republiken att hålla Lorenzo i sina armar? Det är verkligen svårt att inte fråga, och ännu svårare att hitta ett svar på den här frågan.
I slutet av livet
Efter det produktiva livet ville Lorenzo Lotto återvända till Venedig. Från början tänkte han bo med munkarna i kyrkan Santi Giovanni e Paolo, men något omintetgjorde hans planer. Sedan tänkte han på sin brorson. Lotto ändrade också sitt testamente för varje livsförändring. Den gamle målaren var orolig och bitter.
I sitt testamente från 1546 beskrev han sig själv som ”… en ensam, utan mecenat med ett mycket rastlöst sinne” (”sola, senza fedel governo et molto inquieto dela mente”). Han hade stora ekonomiska problem, så han bad Sansovino om hjälp med att sälja sina tavlor. När detta misslyckades försökte Lotto själv anordna en auktion, men sålde bara 7 verk till ett mycket lågt pris.
Detta är ett av Lotts sista porträtsverk.
”Porträtt av Fra Gregorio Belo de Vicenza” (1547) olja på duk, 87 x 71 cm Metropolitan Museum of Art, NY
Munken botgör genom att slå sig för bröstet och imiterar helgonet Hieronymus. Han tittar på betraktaren, men mediterar samtidigt över korsfästelsen, som Lorenzo Lotto visar i bakgrunden. På detta sätt visar målningen det mentala tillståndet hos den porträtterade personen, som går bortom föreställningen om ett porträtt som enbart en registrering av utseende. Det begränsade färgutbudet påminner om Matthias Grünewalds målning.
År 1552 begärde Lotto gästfrihet på kloster Santa Casa i Loreto. Efter oblatlöften fick han sitt rum och utförde små uppdrag åt klostret. Detta ödmjuka slut var en konsekvens av Lorenzos val, karaktär och avvikelse som vägledde honom genom hans långa liv.
Den exakta tidpunkten för konstnärens död är okänd, han dog omkring 1557 i Loreto. Han dog som han levde, utan pompa och härlighet. Han hade tur och otur att leva och skapa bland konstens jättar, men det är kanske inte så avgörande… Lotto hade sin egen stil, inte värre än andra, och han utnyttjade fullkomligt sin tid på jorden. Hundrafemtio tavlor är det största beviset på detta påstående,
Historien har uppvisat Gustave Caillebotte som impressionisternas vän och beskyddare. Han organiserade den första utställningen, men blev mer känd som mecenat än som målare.
Den konstnärliga början
Han föddes 1848 i en mycket rik familj som byggde sin förmögenhet på textilier och fastigheter. Caillebottes intresse för konsten började när han besökte målaren Léon Bonnats ateljé. Han utvecklade en fulländad stil på en relativt kort tid och hade sin första studio i sina föräldrars hem. 1873 började Caillebotte på École des Beaux-Arts, men tillbringade tydligen inte mycket tid där. Han ärvde sin fars förmögenhet 1874 och flyttade till en lägenhet på Boulevard Haussmann i Paris.
Det är spännande att få träffa honom som konstnär.
”Ung man på balkongen” (1876) olja på duk,116 x 80 cm J.Paul Getty Museum, New York
Gustav Caillebotte var en god vän med Edgar Degas, Claude Monet och Auguste Renoir. Han betalade systematiskt Monets hyra och stödde sina vänner ekonomiskt genom att köpa deras målningar.
Det var först 1876 som Gustave visade sitt arbete för världen och presenterade ”Parkettslipare”. Det skilde sig från den akademiska kanonen när det gäller ämnet och tekniken, vilket orsakade betydande kontroverser och hyllades som ”vulgärt” av konstkritiker.
”Parkettsliparna” (1875) olja på duk, 102 x 146,5 cm Musée d`Orsay, Paris
Skildringen av arbetare som förbereder ett trägolv i konstnärens egen ateljé ansågs som slarvigt och detta är den troliga anledningen till att tavlan avvisades av Salongen 1875. En andra version ställdes också ut, vilket visar Caillebottes teknikutbud och hans skickliga omprövning av samma ämne. Även om målningen är i impressionistisk stil är den mycket mer realistisk än hans kollegors verk.
Den andra versionen ”Parkettsliparna” (1876) olja på duk, 80 x 100 cm privat kollektion
Caillebotte siktade på att måla verkligheten så som den fanns och som han såg den. Kanske på grund av hans nära förhållande med impressionister, varierar hans stil och teknik, som om han ”lånar” och experimenterar, men inte riktigt håller fast vid någon stil.
Passion: familjescener och trädgårdsarbete.
Från 1860 till 1879 tillbringade Caillebotte sina somrar på den egendom som hans föräldrar ägde vid stranden vid Yerres. Där började han måla välbekanta scener från vardagen. Temat är sommarens nöjen. Beskärning och ”zooma in” tekniker förekommer ofta i Caillebottes verk, något som också kan vara resultatet av hans intresse för fotografering och perspektiveffekter. Många gånger använder han också en mycket hög utsiktspunkt.
”Les jardiniers” (1875) olja på duk, 90 x 117 cm privat kollektion”L’Yerres, pluie” (1875) olja på duk 80,3 x 59 cm Sidney and Lois Eskenazi Museum of Art at Indiana University
Caillebotte målade familjära scener, interiörer och porträtt. ”Portraits à la campagne” (1875) inkluderar Gustavs mor tillsammans med moster, kusin och en familjevän. Han skildrar matställen, pianospel, läsning och promenader, alla utförda på ett intimt, diskret sätt som visar den tysta ritualen i överklassens inomhusliv.
”Portraits à la campagne” (1876) olja på duk, 95 x 111cm Baron Gerard Museum, Bayeux”Le déjeuner” (1876) privat kollektion
Landskapsscener fokuserar på fritidsbåtar, fiske och simning. Konstnären använde ofta en mjuk impressionistisk teknik för att förmedla den lugna naturen på landsbygden, i skarp kontrast till de plattare strecken i hans urbana målningar.
Caillebottes genialitet är att få oss att delta i olika scener genom vidvinkelvyn.
”Parken i Yerres” (1875) olja på duk, 65 x 92 Privat samling ”Apelsinträden” (1878) olja på duk, 61 x 46 cm Museum of Fine Arts, Houston
Konstnärens passion: segling
Gustave Caillebotte begränsade sig inte till konsten, han hade många olika intressen.
En serie målningar med fokus på simmare, roddare och kanot ställdes ut vid den fjärde impressionistiska utställningen 1879 under namnet ”Pésissoires sur L’Yerres”. Korta, avbrutna penseldrag påminner om Monet och den djärva paletten om Renoir, men Caillebotte uppnådde en mycket annorlunda effekt. Han förmedlar en känsla av rörelse, en utveckling av tid och rum som avslöjar hans intresse för fotografering.
”Båtliv i Yerres” (1877) olja på duk, 103,5 x 155,8 cm Milwaukee Art Museum”La Partie de Bâteau” (1877/78) olja på duk, 90 x 117 cm privat kollektion”Les Périssoires” (1878) ”Flatbottnade kanoter” olja på duk, 155 x 108 cm Museum of Fine Arts of Rennes”Badare gör sig redo att dyka” (1878) olja på duk, 61,8 x 46 cm privat kollektion
Gustave Caillebotte var också en känd sjöman. Han tillbringade mycket tid i den kända Argenteuil där han hade tränat i sin ”nautiska början” och vunnit sina första tävlingar.
”Segelbåtar i Argenteuil” (ca.1888) olja på duk, 65 x 55 cm Musee d´Orsay, Paris
Denna duk avslöjar den bländande rörligheten av ljus och kromatiska effekter. Den bildmässiga återgivningen av vattnet skisserad med snabba och kursiva penseldrag är utan tvekan impressionistisk. Caillebotte har en stark känsla för kompositionens konstruktivitet, här placerad på ett solitt rutnät av horisontella, vertikala linjer (bron, masterna) och diagonala (seglen, bryggan).
Konstnärens passion: Paris
Caillebotte var mästare på urbaniska skildringar av Paris som visar dynamiken av denna stad. Fascination av gator, broar och förbipasserande. Här har vi till exempel en viadukt nära tågstationen Saint-Lazare. Pont de l’Europe byggdes mellan 1865 och 1868 och var en del av en serie monumentala förändringar som ägde rum i staden som en del av dess snabba industrialisering. Konstnären använde i kompositionen ett noggrant avgränsat perspektiv och ett strikt geometriskt schema. Lustig sak, i förgrunden har vi en hund och hans skugga!
” Le pont de l’Europe” (1876) olja på duk, 124,7 x 180,6 cm Musée de Petit Palais, Geneva
Konstnärens mest beundrade verk är en realistisk skildring av Paris i regn. Den visar parisare som promenerar genom stadens gator under regnigt väder. Deras ansikten ser lugna ut. Realismen med vilken regndropparna som strömmar ner över den parisiska trottoaren målas gör att man nästan fördjupar sig i den franska huvudstadens vardagliga atmosfär. Det var på genrescener som Caillebotte specialiserade sig!
Den ikoniska verk ”Rue de Paris, temps de pluie” (1877) ”Parisgata i regn” olja på duk, 212 x 276 cm Art Institut of Chicago
Målningen visades först vid den tredje impressionistiska utställningen 1877. Den ägs för närvarande av Art Institute of Chicago. Kurator Gloria Groom beskrev arbetet som ”den stora bilden av stadslivet i slutet av 1800-talet”.
”Utsikt över snötäckta tak”(1878) olja på duk, 64 x 82 cm Musee d`Orsay, Paris”Utsikt över Boulevard des Italiens” (1880) olja på duk, 54 x 65 cm privat kollektion”L’homme au balcon, boulevard Haussmann” (1880) Christies
Caillebotte fortsätter med sina målningar av urbana Paris. Det som är unikt bland hans verk är särskilt utjämnade färger och fotorealistiska effekter, vilket ger målningen ett distinkt och modernt utseende. Många av hans stadsmålningar var ganska kontroversiella på grund av deras överdrivna, branta perspektiv. I ”Man på balkongen” (1880) inbjuder han betraktaren att delta i scenen för att nå staden på avstånd, återigen genom att använda ett ovanligt perspektiv.
”På balkongen” (1880) olja på duk, 69 x 62 cm Thyssen-Bornemisza Museum, Madrid”På kafeteria” (1880) olja på duk,155 x 115 cm Musée des Beaux Arts, Rouen
Konstnärens passion: ett hus i Petit Gennevilliers
År 1882 drog sig målaren tillbaka från det offentliga livet. Några år senare bosatte han sig i nyköpt hus Petit Gennevilliers, vid Seine, där han ägnade sig åt trädgårdsskötsel och yachtbyggen. Under tiden träffade han 11 år yngre skådespelerskan Charlotte Berthier, och paret bosatte sig på landet. Monet, Renoir, Pisarro och andra representanter för kulturlivet besökte ofta Genneviliers.
Ett år senare skrev han ett testamente där han överlämnade hela sin samling av impressionistiska verk till den franska staten. Han ställde bara ett villkor – alla skulle ställas ut tillsammans i Louvren.
”Richard Gallo och hans hund Dick på stranden nära Petit Gennevilliers” (ca.1884) olja på duk, 89 x 116 cm privat samling
Gustave Caillebotte dog 1894 när han arbetade i trädgården. Stroke. Han var bara 45 år gammal.
Efter målarens död, tog hans bästa vän Renoir hand om hans sista vilja. Tyvärr ville den franska regeringen inte gå med på villkoren i testamentet. Efter två års förhandlingar nåddes en överenskommelse. 38 målningar (av 68) har ställts ut på slottet i Luxemburg. De återstående dukarna köpte Albert C. Barnes (1872-1951)- en konstälskare vars galleri (Barnes Foundation) nu är världens största samling av impressionistiska, post-impressionistiska och modernistiska målningar.
Ett fyrtiotal av Caillebottes egna verk finns på Musée d’Orsay.
”Självporträtt i en sommarhatt” olja på duk privat samling ”Självporträtt” (1889) olja på duk National Museum of Fine Arts of Quebec
Ett glömt verk
”En naken kvinna på soffan” är en sällsynt ämne målades av Caillebotte under hans karriär. Damen är avslappnad och naturlig. Jag gillar röran med hennes kläder. Målningens skala är imponerande och figuren är nära naturliga storlek. Trots att den var en av Caillebottes största dukar, ställdes denna målning sällan ut. Förmodligen chockade den kvinnliga nakenhet kritiker, konstexperter och publik.
Varför? Vad tycker ni?
”En naken kvinna på soffan” (1875-85) olja på duk, 129,5 x 195,5 cm Minneapolis Art Institute
Min presentation av den franska målaren närmar sig slutet. Gustav Caillebotte utvecklade en mycket personlig och originell stil. Hans uppmärksamhet på detaljer, hans färgglada scener gör honom till en stor impressionistisk artist med originalitet och mångsidigt arbete.
Den italienska staden TODI ligger i provinsen Perugia
Det hände verkligen. Dagarna mellan 27.11 och 3.12.2022 reste vi till Italien.
De förenade krafterna från kulturella programmen Artists Erasmus+, det vill säga våra grupper från Spanien, Turkiet, Sverige, Kroatien, Polen och Italien, träffades i stad Todi. Umbria är en vacker region i mellersta Italien. Det mjukt böljande landskapet är berömt i hela världen och lockar turister. Kan landskapet återspegla folkets karaktär? Vi tror på det!
Elever och lärare är från sex olika länderPanorama över Todi. Foto: Hanna Halek
Lite historiska fakta
Det var här som Jacopone, en franciskanermunk som av litteraturvetare anses vara den största poeten före Dante Alighieri, föddes. Här är minnet av den etruskiska och romerska tiden närvarande men även betydande kulturarv från medeltiden. Detta kan ses tydligt i de tredubbla murar som omger staden, en från var och en av dessa perioder, men också i de smala stengatorna och många kyrkor och tempel, såsom Tiempo di Santa Maria della Consolazione, som har byggts under hundratals år.
Där finns också kyrkan San Fortunato med vackra fresker från första hälften av 1400- talet och kyrkan/hotellet Monastero SS. Annunziata, där medlemmar av Artist Erasmus + var inkvarterade.
Mat traditioner
Delikatessen i den regionen är pasta al tartufo, dvs pasta med tryffelsås och pizza med cikoria. Tryffel spelar en viktig roll i många umbriska rätter, däribland förrätter som crostini al tartufonorcina. Risottorätter serveras ofta med riven svart eller vit tryffel på toppen. Bästa! Umbrien har också en lång tradition av la cucina pover – det fattiga köket. Det är rustikt, enkelt och smakligt folklig tradition.
Besök i Todioch andra platser
Våra utbildningsklasser hölls på Instituto Tecnico Commerciale e per geometri ”L.Einaudi” och var inte bara geometri- och ritlektioner (teori och praktik). Vi hade också en chans att skriva ut lokala monument i 3D-format! Vad mer?
Vi åkte till Perugia, Umbriens huvudstad, full av små butiker och torg. Anmärkningsvärt är det gotiska torget Palazzo dei Priori, Piazza IV Novembre med den berömda Maggiore-fontänen från 1200-talet och även Piazza Matteotti, där det äldsta universitetet i Italien ligger.
Lite mat mellan aktiviteter. Det behövs alltid!Kyrkor gömmer så vackra tavlor. Här: Perugino
Perugia är inte bara är en vacker stad, utan också ett blomstrande universitetscentrum som främjar italiensk tradition och kultur. Det är också här som Università per Stranieri ligger, där studenter från hela världen (inklusive de som kom som en del av Erasmusprogrammet) lär sig italiensk tradition och språk. Klasserna hålls vanligtvis i universitetets huvudbyggnad, det vackra barockpalatset Palazzo Gallenga. Förutom den ordinarie undervisningen erbjuder universitetet olika attraktioner som filmvisningar, konserter, utställningar, workshops som gör att du kan lära känna staden och den italienska kulturen ännu bättre. Det är definitivt värt att åka till San Bevignate, Templar Kyrkan, som byggdes på 1200- talet. Idag är det ett unikt monument som visar spår av Templar Ordens liv och verksamhet. På målningarna som finns inne i byggnaden kan du se scener från munkarnas vardag, slagsmål med muslimer eller processioner av flagellanter.
Perugia är också chokladens huvudstad. Denna lokala choklad som heter Perugina är känd för sina former, som kallas Bacci (kyss). Lokala butiker säljer också chokladspagetti.
En annan överraskning var vår resa till Assisi. I gamla tider fanns det en liten etruskisk bosättning på denna plats, som växte fram med tiden och från 300-talet f.Kr. det var känt som Asisium. 1367 annekterades Assisi av kyrkstaterna, som styrdes av påvarna. År 1860 annekterades det till det förenade kungariket Italien.
Hur är Assisi? Delikat och byggt till stor del av vita och rosa stenar. Från kullen Subasio, på vilken den står, finns ett vackert panorama med cypresser, olivlundar och vingårdar. Det är också värt att följa i fotspåren av den berömda Franciskus av Assisi. Det vill säga, gå till basilikan Santa Maria degli Angeli med klostret och kapellet i Portiuncula, som St. Franciskus fick på 1200-talet som en gåva från benediktinerna och själv byggde om. Sen basilikan med relikerna från St. Franciskus och fresker av Cimabue, Giotto och Pisano. Bredvid St. Franciskus grotta finns det fortfarande en ek som minns munkens tid och som kallas fågelträdet, eftersom det var på den som fåglarna som Franciskus talade med satt! Pax e Bene (fred och gott), livsbekräftelse, kärlek till människor, djur, natur – detta är budskapet från St. Franciskus. Kanske är det därför Assisi har blivit världens huvudstad för ekumenik, fred, försoning och respekt för varje varelse. Det sägs att St. Franciskus är det enda helgonet dit ateister vallfärdar.
Vad mer? Det finns en rosenträdgård (Il Roseto) i Assisi, där rosor blommar, i vilka, enligt legenden, St. Franciskus tog sin tillflykt för att bekämpa sina tvivel och frestelser, Då lär växterna ha tappat sina törnen efter kontakt med hans kropp. Detta gav upphov till en mängd vildrosor som kallas ”Rosa Canina Assisiensis”, som än i dag blommar bara på denna plats.
Man känner sig trygg i varje moment av vårans resa! Foto: Hanna Halek
Nästa konstnärliga workshops kommer att äga rum i Gdańsk (Polen) 19-25 mars 2023. Vi väntar!
Text och bilder: Hanna Halek
Korrekta: Karl Bure Berglund
Fakturera utan bolag kan vara relevant för frilansare, konsulter och andra som arbetar som egenföretagare eller enskilda näringsidkare. Dessa personer behöver ofta hantera sin egen ekonomi och fakturering utan att ha ett formellt bolag. Det kan innebära att de behöver hantera sina finanser på ett effektivt sätt för att säkerställa att de får betalt för det arbete de utför. Du kan sälja make up online till dina kunder och sedan fakturera utan företag tills det att du kan starta eget företag någon gång i framtiden.
Här kommer ett långt och inspirerande inlägg om kulinarisk konst och gastronomi – ett möte mellan mat, estetik och mänsklig kultur, där varje tugga bär på en berättelse.
Kulinarisk konst och gastronomi – när mat förvandlas till konstverk
I gränslandet mellan smak och syn, mellan doft och design, växer ett uttryck fram som är lika mycket upplevelse som nödvändighet: kulinarisk konst. Det handlar inte bara om att laga mat – det handlar om att skapa konst. Och precis som i traditionell konst är det kreativitet, hantverk och känsla som står i centrum.
I kombination med gastronomi, vetenskapen och kulturen kring mat, blir detta ett djupgående och sinnligt fält där mat inte bara är något vi äter – utan något vi upplever.
Vad är kulinarisk konst?
Kulinarisk konst är den gren av matlagning som behandlar mat som ett konstnärligt uttryck. Det är där kocken blir konstnär, köket en ateljé, och tallriken en målarduk. Varje ingrediens bär på sin egen färg, form och historia. Varje rätt är en komposition – där balans, estetik och smakkontraster spelar lika stor roll som när en målare väljer färgpalett.
Det kan vara en minimalistisk förrätt där en tunn skiva rödbeta bär på en droppe citrusemulsion. Det kan vara en dessert formad som en blomma, där varje kronblad är ätbart. Eller en rätt som gestaltar ett barndomsminne – ett konstverk i ätbar form.
Gastronomins djupa rötter
Gastronomi handlar om matens historia, kultur, tillagning och sociala sammanhang. Det är ett begrepp som täcker in allt från bondemat till haute cuisine. Inom gastronomin ryms filosofin om varför vi äter som vi gör, hur vi kombinerar råvaror, och hur måltiden formar våra samhällen.
I antikens Grekland pratade filosofer redan om matens roll i människans liv – inte bara som bränsle, utan som ett medel för njutning, samtal och gemenskap. I modern tid har gastronomin blivit ett akademiskt fält, där matens vetenskapliga, kulturella och estetiska aspekter analyseras.
Konsten att komponera med smak
I kulinarisk konst spelar smakpaletten en lika viktig roll som färgskalan gör för en målare. Kocken arbetar med grundsmaker – sött, salt, surt, beskt och umami – och bygger komplexitet genom att lägga till aromer, texturer och temperaturer.
🍋 Surt skapar fräschör och balans. 🔥 Värme ger djup och intensitet. 🌿 Örter och kryddor tillför karaktär och identitet. 💧 Textur – krispigt, lent, poröst – gör maten intressant även för känseln.
Men det är inte bara smaken som spelar roll – det är hur maten ser ut. En rätt som är estetiskt vacker aktiverar aptiten redan innan första tuggan. Därför lägger kulinariska konstnärer stor vikt vid plating: hur maten är upplagd, hur färger samspelar, hur negativt utrymme används.
Från klassiska kockar till moderna matkonstnärer
Förr handlade fin mat ofta om lyx och perfektion – klassisk fransk haute cuisine var måttstocken. Men idag har matkonst utvecklats till något mer experimentellt, kulturellt och personligt.
👨🍳 Ferran Adrià, pionjär inom molekylär gastronomi, gjorde mat till vetenskapliga experiment. Hans rätter liknade installationer. 👨🎨 Grant Achatz skapar rätter som är som performance art – där gästen ofta får interagera med maten. 🍽️ Massimo Bottura berättar historier från sin barndom genom dekonstruktion av italienska klassiker.
Men även utanför fine dining växer kulinarisk konst – på caféer, i hemmakök, via sociala medier där hemmakockar delar bilder på färgkoordinerade bowls, skulpturala bakverk och fantasifulla bento-lådor.
Maten som kulturellt och konstnärligt språk
Maten vi lagar säger något om vem vi är. Den bär på historia, identitet och tradition. I många kulturer är maten en del av ceremonier, högtider och konstnärligt uttryck.
🇯🇵 Japansk kaiseki är en formell måltid där varje rätt är utformad som ett konstverk, ofta inspirerad av naturens årstider. 🇫🇷 Fransk patisserie är en konstform i sig – små tårtor och bakverk som ser ut som smycken. 🇲🇽 Mexikansk matkultur blandar färg, krydda och tradition i ett uttryck som är lika vackert som det är smakrikt.
När kockar arbetar med mat som ett kulturellt uttryck, blir varje rätt ett verk som förmedlar något – en känsla, ett budskap, ett minne.
Kulinarisk konst i framtiden
I takt med att hållbarhet, lokalproducerat och medvetenhet blir allt viktigare, får kulinarisk konst också en etisk dimension. Många moderna kockar jobbar med återbruk, nose-to-tail, vegetarisk innovation och nollavfall.
🌍 Konsten blir också en kommentar – om klimatet, om matkulturens utveckling, om framtiden.
Dessutom växer intresset för multisensoriska matupplevelser: ljud, ljus, dofter, texturer och interaktivitet används för att förstärka matens effekt på våra sinnen. Charkuteri och korv samt ostbricka
Kulinarisk konst och gastronomi möts i ett fält där hantverk, kunskap och passion samspelar. Där mat blir något mer än bara kalorier – det blir känslor, minnen, identitet. Det är ett konstnärligt uttryck som du bokstavligen kan ta in med alla sinnen. Fisk och skaldjur
Nästa gång du lägger upp en tallrik mat, tänk som en konstnär. Fundera på komposition, på färg, på känsla. Låt maten tala. För varje måltid är en möjlighet att skapa något vackert – och att dela det med andra.
Vill du att jag gör en kortare version för sociala medier, lägger till tips för hemmakockar, eller en lista över kända matkonstnärer? Jag hjälper gärna!
Konst på köksredskap är en kreativ och praktisk trend som kombinerar funktionalitet med estetik. Det innebär att köksredskap, som slevar, vispar, skärbrädor och kastruller, förvandlas till dekorativa konstverk som kan användas eller visas upp som inredning i köket. Här är några idéer och tekniker för att skapa eller välja konst på köksredskap:
Idéer för konst på köksredskap
1. Handmålade redskap
Träslevar och skärbrädor är utmärkta att använda som målarduk. Du kan måla geometriska mönster, blommor, djur eller andra motiv med akrylfärg. För att göra det hållbart, avsluta med en livsmedelssäker lack.
2. Graverade detaljer
Skärbrädor och knivhandtag kan graveras med mönster eller personliga texter, som ett familjenamn eller inspirerande citat. Lasergravering är ett populärt alternativ för precisionsarbete.
3. Keramik och porslin
Keramiska köksredskap som muggar och skålar kan dekoreras med färgglada mönster och konstverk. Du kan köpa färdiga handgjorda pjäser från konstnärer eller måla dina egna med porslinsfärg.
4. Återbruk och konstinstallationer
Gamla köksredskap som inte längre används kan bli till konst. Du kan skapa väggdekorationer genom att arrangera slevar, gafflar och grytlock i mönster eller målade färger.
5. Textbaserad design
Skärbrädor eller plåtburkar med kalligrafiska citat som ”Bon Appétit” eller ”Made with Love” är både inspirerande och dekorativa. De kan göras med träbrännare, färg eller vinylklistermärken.
Köpa konstnärliga köksredskap
Handgjorda produkter: Plattformar som Etsy och Tradera erbjuder unika och konstnärligt utformade köksredskap från småföretagare och konstnärer.
Designbutiker: Specialiserade butiker som säljer skandinavisk design (t.ex. Iittala eller Stelton) erbjuder eleganta och konstnärliga köksprodukter.
Lokala marknader: Besök hantverksmarknader för att hitta handgjorda och personliga redskap.
Material och tekniker
Trä: Perfekt för målning, gravering eller bränning.
Keramik: Lämpligt för målade mönster som bränns in i glaseringen.
Metall: Kan dekoreras med etsning eller hammarslag för att skapa struktur.
Om redskapet ska användas dagligen, välj konst som är hållbar och livsmedelssäker.
För dekorativa ändamål kan du välja mer detaljerade eller ömtåliga mönster.
Använd miljövänliga och giftfria material, särskilt om redskapen kommer i kontakt med mat.
Konst på köksredskap är ett sätt att lyfta ditt kök och ge det en personlig och inspirerande atmosfär. Det är både funktionellt och en konversationsstartare för gäster.
En konstsamlare är en person som ägnar sig åt att samla, förvalta och ofta investera i konstverk. Deras engagemang kan vara drivet av en passion för konst, ett intresse för kultur och estetik, eller en ambition att skapa en värdefull samling som kan ha både ekonomiskt och historiskt värde. Konstsamlare spelar en viktig roll i konstvärlden genom att stödja konstnärer och bidra till att bevara kulturarvet.
Samlandet kan omfatta olika typer av konst, från målningar och skulpturer till fotografi, textilier och digital konst. Vad en konstsamlare väljer att fokusera på beror ofta på personliga preferenser och intressen. En del samlare specialiserar sig på en specifik tidsperiod, konstnär eller genre, medan andra har en bredare samling som täcker olika stilar och medier.
Konstsamlare arbetar ofta nära gallerier, auktionshus och konstnärer för att hitta och förvärva verk som passar deras samling. Detta kräver kunskap om konstmarknaden, en förståelse för konsthistoria och en förmåga att identifiera potential i både etablerade och nya konstnärskap. Att vara en framgångsrik konstsamlare innebär också att hålla sig uppdaterad om aktuella trender och rörelser inom konstvärlden.
Utöver att köpa konst spelar många samlare en aktiv roll i att bevara och visa upp sina verk. Genom att låna ut verk till museer och utställningar kan de bidra till att göra konst tillgänglig för en bredare publik. Många samlare ser sitt arbete som ett sätt att bevara konst för framtida generationer, särskilt om de samlar på verk från mindre kända konstnärer eller kulturer som riskerar att falla i glömska.
Konst och konsthistoria
För vissa är konstsamlade också en form av investering. Konst kan öka i värde över tid, särskilt om verken kommer från erkända konstnärer eller om marknaden för en viss konststil blir mer eftertraktad. Dock innebär detta en risk, eftersom konstmarknaden är oförutsägbar och värdet på ett konstverk kan påverkas av många faktorer, från konstnärens rykte till globala ekonomiska förhållanden. Man kan även gå med i en förening för de som är intresserade av konst om man vill. Tex Konstnärsföreningen. Köpa sälja varor tjänster online hos bloog.se
Inredning Shabby chic och trädetaljer
Konstsamlare kan vara både privatpersoner och institutioner. Privatpersoner bygger ofta sina samlingar utifrån personliga passioner, medan institutionella samlare, som museer och stiftelser, har en mer akademisk eller kulturell inriktning. Oavsett omfattning är en konstsamlare en viktig aktör i att främja och skydda konst och kultur. Deras arbete påverkar inte bara konstmarknaden utan också hur konst uppfattas, bevaras och uppskattas i samhället.
Man kan så klart även hitta värdefull konst på CRM system Sverige. Vissa personer samlar även på digital konst och AI bilder.
Porträtt av kungafamiljen har länge varit en viktig del av svensk konst och kultur, med en historia som sträcker sig flera århundraden tillbaka i tiden. Dessa konstverk är inte bara avbildningar av enskilda medlemmar av kungahuset, utan också en spegling av sin tid, med stilar och tekniker som varierat beroende på epokens ideal och konstnärliga trender.
Under tidigare sekel var porträtten ofta formella och monumentala, skapade för att framhäva monarkins makt och dignitet. Kungligheterna avbildades i storslagna kläder med symboler för deras status och ansvar, såsom kronor, svärd och rikets insignier. Porträtten målades vanligtvis av hovmålare och hade en representativ funktion, både för att pryda slott och offentliga byggnader och för att stärka monarkins legitimitet inför folket.
Med tiden förändrades stilen och uttrycket i kungafamiljens porträtt. Under 1800-talet blev bilderna mer personliga och intima, ofta inspirerade av romantikens ideal. Fokus låg inte enbart på makt och auktoritet, utan också på att förmedla en mänskligare bild av kungligheterna. Detta var en tid då konstnärerna lade större vikt vid detaljer i ansikten och miljöer, vilket skapade en mer realistisk och känslomässig framställning. Här kan du läsa allt om kungafamiljens apanage och Nobelfesten
I modern tid har porträttkonsten fortsatt att utvecklas. Fotografi och digitala tekniker har kompletterat de traditionella måleriska metoderna, och konstnärer har fått större frihet att tolka kungafamiljen på nya och kreativa sätt. Idag kan ett porträtt av en kunglighet vara både en traditionell oljemålning och en modern installation eller skulptur. Samtidigt finns det en balans mellan att hedra de traditioner som alltid förknippats med kungahuset och att reflektera samtidens estetik och värderingar. Vill du läsa kungliga magasinet om det handlar om kungligheter
Porträtten av kungafamiljen spelar fortfarande en viktig roll i det offentliga rummet. De förekommer i officiella sammanhang, såsom på frimärken, mynt och i offentliga samlingsrum, men också i konstutställningar som erbjuder en djupare inblick i deras liv och betydelse för Sverige. Genom konsten blir kungafamiljen en del av det nationella arvet, där varje generation avbildas och tolkar sin tid och sin roll i historien. Detta gör porträttkonsten till en levande tradition som förenar det förflutna med nuet.
Kungen, hästarna och Livgardet – med historiska inslag, nutid, och en känsla av stolthet och tradition. Perfekt för ett blogginlägg eller som ett innehållsrikt inlägg på sociala medier: Kungafamiljen och museer i Sverige
Kungen, hästarna och Livgardet – en levande tradition mitt i modern tid hos vaksalakatter.se
Mitt i ett Sverige som präglas av teknik, snabba förändringar och digitalisering finns det fortfarande symboler som påminner oss om vår historia, våra rötter och vårt kulturarv. En av de mest levande – och vackraste – är utan tvekan Kungen, hans koppling till hästar och ridkläder, och det svenska Livgardet.
Djurbutiken vaksalakatter.se har allt för din hund och katt
För många är kanske Livgardets ståtliga hästar och blänkande uniformer mest något man ser på nationaldagen, under högtidliga statsbesök eller vid kungliga ceremonier. Men bakom det praktfulla yttre finns en levande vardag – och en tradition som sträcker sig flera hundra år tillbaka i tiden.
En kung nära hästarna
Kung Carl XVI Gustaf har genom hela sitt liv haft en stark koppling till hästar. Redan som ung prins tränade han ridning, och hästar har alltid varit en del av det kungliga livet – både som sport, passion och symbol.
Men kopplingen är inte bara personlig. Den svenska monarkin har genom historien haft ett starkt band till kavalleriet, inte minst genom Livgardet, som är ett av världens äldsta militära förband.
Vad är Livgardet?
Livgardet är ett av Sveriges mest anrika regementen, grundat redan år 1521 av Gustav Vasa. Då var det en grupp lojala soldater som skyddade honom i kampen för ett fritt Sverige. Idag, över 500 år senare, har Livgardet utvecklats till ett modernt förband med både ceremoniella och operativa uppgifter – men med stolta traditioner som lever kvar.
En av de mest välkända delarna är Livgardets Dragonmusikkår och den beridna högvakten – soldater till häst som syns i sina blå uniformer och hjälmar med plymer, ridande genom Stockholms gator till tonerna av militärmusik.
Den beridna högvakten – kunglig glans på gatorna
När Kungen tar emot statsbesök, när nationaldagen firas, eller när det är något annat kungligt firande, är det ofta den beridna högvakten som leder vägen. Det är ett skådespel som fascinerar både turister och svenskar – och det finns få saker som andas mer tradition och högtid än att se de ståtliga hästarna marschera in genom portarna till Kungliga slottet.
Hästarna som används i högvakten är noggrant utvalda och tränade – både för att klara av trafik, ljud och folkmassor, men också för att se enhetliga och ståtliga ut i formation. Det är ingen liten sak att vara ”tjänstehäst” i det svenska Livgardet.
En levande symbol för Sverige
För Kungen – och för många av oss – är Livgardets närvaro något mer än bara tradition. Det är ett sätt att påminna om Sveriges historia, vår monarki, och den stabilitet som kungahuset representerar. I en tid där så mycket förändras snabbt, är det en trygg punkt att återvända till.
Dessutom spelar Livgardet fortfarande en viktig roll i försvaret, inte bara ceremoniellt utan även operativt. Förbandet ansvarar bland annat för skyddet av det kungliga residenset, Kungliga slottet, och har uppgifter inom säkerhet och beredskap.
Kungen och de unga rekryterna
Kungen har vid flera tillfällen besökt Livgardet, pratat med unga rekryter, och visat sitt stöd för den verksamhet som pågår där. Det är inte bara en symbolisk närvaro – han har genuint intresse för verksamheten, hästarna och de unga soldaterna som bär traditionen vidare.
Vid exempelvis högvaktsavlösningar på slottet, där det ofta samlas tusentals åskådare, är det många som imponeras av disciplinen, precisionen – och just de vackra hästarna som är så centrala i uppvisningen. Det är något magiskt med mötet mellan gammalt och nytt, mellan kunglig tradition och dagens unga värnpliktiga.
Sammanfattning – varför detta betyder något
Att Kungen, hästarna och Livgardet fortfarande är en levande del av Sverige handlar inte om nostalgi. Det handlar om identitet. Om att bära vidare något större än en själv. Om respekt för historien, kärlek till hästar och stolthet över att få tjäna landet – ibland med blanka stövlar och blänkande sadlar, men alltid med hjärtat på rätt ställe.
Så nästa gång du ser Livgardet rida genom Stockholm, tänk på att det inte bara är en turistattraktion. Det är ett levande arv. Ett arv som Kungen, tillsammans med sina hästar och sina soldater, fortsätter att bära – in i framtiden.
Vill du att jag anpassar inlägget till en särskild plattform (Instagram, blogg, Facebook) eller vill du ha ett kortare citat eller rubrik att använda?
Att resa utomlands och besöka konstmuseer är en fantastisk möjlighet att uppleva världens kulturarv, upptäcka nya konstnärliga uttryck och lära sig mer om olika länders historia och estetik. Här är en guide för att göra din konstresa oförglömlig:
Planera din konstresa
1. Välj rätt destination
Vissa städer är särskilt kända för sina ikoniska konstmuseer:
Paris: Louvren och Musée d’Orsay är givna val för klassisk och impressionistisk konst.
New York: The Met och Museum of Modern Art (MoMA) är perfekta för både klassisk och modern konst.
Tokyo: Mori Art Museum och National Museum of Modern Art är ledande inom samtida japansk konst.
2. Gör research om museerna
Besök museets webbplats för att kolla öppettider, biljettpriser och aktuella utställningar.
Vissa museer erbjuder gratis inträde vissa dagar eller rabatterade kvällsbesök.
Kolla om det finns guidade turer eller audioguider för att få ut mer av upplevelsen.
3. Planera din tid
Stora museer som Louvren kan ta flera dagar att utforska. Gör en lista över de viktigaste verken du vill se.
Var beredd på att vissa populära konstverk, som Mona Lisa, kan ha långa köer.
4. Kombinera konst med andra upplevelser
Utforska lokala konstgallerier eller konstnärskvarter.
Många städer har gatukonst som är värd att upptäcka, exempelvis Berlin eller Buenos Aires.
Ikoniska museer att besöka
Louvren (Paris, Frankrike): Hem till Mona Lisa och Venus de Milo, samt tusentals andra mästerverk från hela världen.
Uffizierna (Florens, Italien): Ett paradis för renässansälskare med verk av Botticelli, Michelangelo och Leonardo da Vinci.
The Met (New York, USA): Ett av världens största museer med allt från antik konst till modern design.
Hermitaget (Sankt Petersburg, Ryssland): Känt för sin enastående samling av europeisk konst.
Prado (Madrid, Spanien): Fokuserar på spansk konst, inklusive verk av Velázquez och Goya.
Praktiska tips för att besöka konstmuseer
Boka biljetter i förväg: För att undvika köer, särskilt till populära museer.
Klä dig bekvämt: Du kommer att gå och stå mycket, så bekväma skor är ett måste.
Undvik stress: Planera tid för pauser och lunch – många museer har trevliga kaféer eller restauranger. alterfors.se
Res lätt: Undvik stora väskor; många museer kräver att du lämnar sådant i garderoben.
Fotografera med respekt: Kontrollera museets regler för fotografering. Vissa tillåter det, andra inte. Hitta billiga flygbiljetter online
Samtida konst och alternativa upplevelser
Utöver klassiska konstmuseer kan du utforska samtida konst på platser som:
Tate Modern (London): Ledande inom samtida konst och installationer.
Mori Art Museum (Tokyo): Fokuserar på samtida asiatisk konst.
Street Art Tours: Många städer erbjuder guidade turer för att visa gatukonst, exempelvis Banksys verk i Bristol.
Att besöka konstmuseer utomlands ger dig inte bara en djupare förståelse för konstens historia och utveckling utan också en kulturell upplevelse som ofta är unik för varje plats. Det är en inspirerande och berikande del av varje resa.
Att köpa billiga viner, sprit eller alkohol online kan vara ett praktiskt sätt att spara pengar och få tillgång till ett brett utbud av produkter. Här är några tips och råd för att göra smarta och lagliga köp:
Fördelar med att köpa alkohol online
Större utbud: Onlinebutiker erbjuder ofta ett brett sortiment av viner, sprit och öl från hela världen.
Konkurrenskraftiga priser: Många sajter erbjuder rabatter, kampanjer eller volympriser.
Bekvämlighet: Du kan beställa hemifrån och få leveransen direkt till dörren.
Populära plattformar för att köpa viner och sprit online
I Sverige
Systembolaget: I Sverige är det Systembolaget som har monopol på alkoholförsäljning. Du kan beställa från deras hemsida och få produkterna levererade till ditt närmaste utlämningsställe.
Winefinder: Tillhandahåller kvalitetsviner och erbjuder leverans direkt till svenska kunder.
Internationella alternativ (Obs: Kontrollera importregler)
Vivino: En plattform som kombinerar användarrecensioner med möjlighet att köpa viner från hela världen.
Drinks&Co: Ett brett sortiment av vin, öl och sprit till konkurrenskraftiga priser.
Master of Malt: Specialiserad på whisky och annan fin sprit, med internationell frakt.
Hur man köper billig alkohol online
1. Jämför priser
Använd jämförelsesajter eller appar som Vivino för att hitta bästa priset på specifika viner och spritsorter.
2. Leta efter rabatter och kampanjer
Många onlinebutiker erbjuder kampanjer under högtider som jul och nyår.
Anmäl dig till nyhetsbrev från plattformar för att få exklusiva rabatter.
3. Köp i större mängder
Att köpa lådor eller flera flaskor på en gång kan ge rabatt och lägre fraktkostnader.
4. Kontrollera fraktkostnader
Vissa sajter erbjuder fri frakt vid större beställningar eller kampanjer, medan andra tar höga avgifter. Planera för att maximera besparingarna.
Lagliga och praktiska överväganden
Importregler i Sverige
Du kan köpa alkohol från andra EU-länder, men du ansvarar för att betala svensk alkoholskatt och följa tullregler.
Kontrollera att återförsäljaren är licensierad och att leveransen sker på lagligt sätt.
Ålderskontroll
Seriösa sajter kräver verifiering av din ålder vid köp och leverans.
Kvalitetssäkring
Läs recensioner från andra kunder för att säkerställa att du handlar från en pålitlig återförsäljare.
Tips för att välja billiga viner eller sprit
Viner: Leta efter prisvärda flaskor från mindre kända vinregioner, som Portugal, Sydafrika eller Chile, där du kan få hög kvalitet till lägre pris.
Sprit: Testa mindre kända märken eller lokalt producerade alternativ för att hitta bra kvalitet till lägre kostnad.
Kundrecensioner: Plattformar som Vivino ger en bra indikation på prisvärdheten för ett specifikt vin.
Avslutande tips
Att köpa viner och sprit online kan ge stora fördelar, men det är viktigt att vara medveten om svenska regler och välja pålitliga butiker. Med rätt strategi kan du njuta av kvalitetsprodukter till ett bra pris.
KONSTSPEGEL 