Den italienska staden TODI ligger i provinsen Perugia
Det hände verkligen. Dagarna mellan 27.11 och 3.12.2022 reste vi till Italien.
De förenade krafterna från kulturella programmen Artists Erasmus+, det vill säga våra grupper från Spanien, Turkiet, Sverige, Kroatien, Polen och Italien, träffades i stad Todi. Umbria är en vacker region i mellersta Italien. Det mjukt böljande landskapet är berömt i hela världen och lockar turister. Kan landskapet återspegla folkets karaktär? Vi tror på det!
Elever och lärare är från sex olika länderPanorama över Todi. Foto: Hanna Halek
Lite historiska fakta
Det var här som Jacopone, en franciskanermunk som av litteraturvetare anses vara den största poeten före Dante Alighieri, föddes. Här är minnet av den etruskiska och romerska tiden närvarande men även betydande kulturarv från medeltiden. Detta kan ses tydligt i de tredubbla murar som omger staden, en från var och en av dessa perioder, men också i de smala stengatorna och många kyrkor och tempel, såsom Tiempo di Santa Maria della Consolazione, som har byggts under hundratals år.
Där finns också kyrkan San Fortunato med vackra fresker från första hälften av 1400- talet och kyrkan/hotellet Monastero SS. Annunziata, där medlemmar av Artist Erasmus + var inkvarterade.
Mat traditioner
Delikatessen i den regionen är pasta al tartufo, dvs pasta med tryffelsås och pizza med cikoria. Tryffel spelar en viktig roll i många umbriska rätter, däribland förrätter som crostini al tartufonorcina. Risottorätter serveras ofta med riven svart eller vit tryffel på toppen. Bästa! Umbrien har också en lång tradition av la cucina pover – det fattiga köket. Det är rustikt, enkelt och smakligt folklig tradition.
Besök i Todioch andra platser
Våra utbildningsklasser hölls på Instituto Tecnico Commerciale e per geometri ”L.Einaudi” och var inte bara geometri- och ritlektioner (teori och praktik). Vi hade också en chans att skriva ut lokala monument i 3D-format! Vad mer?
Vi åkte till Perugia, Umbriens huvudstad, full av små butiker och torg. Anmärkningsvärt är det gotiska torget Palazzo dei Priori, Piazza IV Novembre med den berömda Maggiore-fontänen från 1200-talet och även Piazza Matteotti, där det äldsta universitetet i Italien ligger.
Lite mat mellan aktiviteter. Det behövs alltid!Kyrkor gömmer så vackra tavlor. Här: Perugino
Perugia är inte bara är en vacker stad, utan också ett blomstrande universitetscentrum som främjar italiensk tradition och kultur. Det är också här som Università per Stranieri ligger, där studenter från hela världen (inklusive de som kom som en del av Erasmusprogrammet) lär sig italiensk tradition och språk. Klasserna hålls vanligtvis i universitetets huvudbyggnad, det vackra barockpalatset Palazzo Gallenga. Förutom den ordinarie undervisningen erbjuder universitetet olika attraktioner som filmvisningar, konserter, utställningar, workshops som gör att du kan lära känna staden och den italienska kulturen ännu bättre. Det är definitivt värt att åka till San Bevignate, Templar Kyrkan, som byggdes på 1200- talet. Idag är det ett unikt monument som visar spår av Templar Ordens liv och verksamhet. På målningarna som finns inne i byggnaden kan du se scener från munkarnas vardag, slagsmål med muslimer eller processioner av flagellanter.
Perugia är också chokladens huvudstad. Denna lokala choklad som heter Perugina är känd för sina former, som kallas Bacci (kyss). Lokala butiker säljer också chokladspagetti.
En annan överraskning var vår resa till Assisi. I gamla tider fanns det en liten etruskisk bosättning på denna plats, som växte fram med tiden och från 300-talet f.Kr. det var känt som Asisium. 1367 annekterades Assisi av kyrkstaterna, som styrdes av påvarna. År 1860 annekterades det till det förenade kungariket Italien.
Hur är Assisi? Delikat och byggt till stor del av vita och rosa stenar. Från kullen Subasio, på vilken den står, finns ett vackert panorama med cypresser, olivlundar och vingårdar. Det är också värt att följa i fotspåren av den berömda Franciskus av Assisi. Det vill säga, gå till basilikan Santa Maria degli Angeli med klostret och kapellet i Portiuncula, som St. Franciskus fick på 1200-talet som en gåva från benediktinerna och själv byggde om. Sen basilikan med relikerna från St. Franciskus och fresker av Cimabue, Giotto och Pisano. Bredvid St. Franciskus grotta finns det fortfarande en ek som minns munkens tid och som kallas fågelträdet, eftersom det var på den som fåglarna som Franciskus talade med satt! Pax e Bene (fred och gott), livsbekräftelse, kärlek till människor, djur, natur – detta är budskapet från St. Franciskus. Kanske är det därför Assisi har blivit världens huvudstad för ekumenik, fred, försoning och respekt för varje varelse. Det sägs att St. Franciskus är det enda helgonet dit ateister vallfärdar.
Vad mer? Det finns en rosenträdgård (Il Roseto) i Assisi, där rosor blommar, i vilka, enligt legenden, St. Franciskus tog sin tillflykt för att bekämpa sina tvivel och frestelser, Då lär växterna ha tappat sina törnen efter kontakt med hans kropp. Detta gav upphov till en mängd vildrosor som kallas ”Rosa Canina Assisiensis”, som än i dag blommar bara på denna plats.
Man känner sig trygg i varje moment av vårans resa! Foto: Hanna Halek
Nästa konstnärliga workshops kommer att äga rum i Gdańsk (Polen) 19-25 mars 2023. Vi väntar!
Text och bilder: Hanna Halek
Korrekta: Karl Bure Berglund
Fakturera utan bolag kan vara relevant för frilansare, konsulter och andra som arbetar som egenföretagare eller enskilda näringsidkare. Dessa personer behöver ofta hantera sin egen ekonomi och fakturering utan att ha ett formellt bolag. Det kan innebära att de behöver hantera sina finanser på ett effektivt sätt för att säkerställa att de får betalt för det arbete de utför. Du kan sälja make up online till dina kunder och sedan fakturera utan företag tills det att du kan starta eget företag någon gång i framtiden.
Här kommer ett långt och inspirerande inlägg om kulinarisk konst och gastronomi – ett möte mellan mat, estetik och mänsklig kultur, där varje tugga bär på en berättelse.
Kulinarisk konst och gastronomi – när mat förvandlas till konstverk
I gränslandet mellan smak och syn, mellan doft och design, växer ett uttryck fram som är lika mycket upplevelse som nödvändighet: kulinarisk konst. Det handlar inte bara om att laga mat – det handlar om att skapa konst. Och precis som i traditionell konst är det kreativitet, hantverk och känsla som står i centrum.
I kombination med gastronomi, vetenskapen och kulturen kring mat, blir detta ett djupgående och sinnligt fält där mat inte bara är något vi äter – utan något vi upplever.
Vad är kulinarisk konst?
Kulinarisk konst är den gren av matlagning som behandlar mat som ett konstnärligt uttryck. Det är där kocken blir konstnär, köket en ateljé, och tallriken en målarduk. Varje ingrediens bär på sin egen färg, form och historia. Varje rätt är en komposition – där balans, estetik och smakkontraster spelar lika stor roll som när en målare väljer färgpalett.
Det kan vara en minimalistisk förrätt där en tunn skiva rödbeta bär på en droppe citrusemulsion. Det kan vara en dessert formad som en blomma, där varje kronblad är ätbart. Eller en rätt som gestaltar ett barndomsminne – ett konstverk i ätbar form.
Gastronomins djupa rötter
Gastronomi handlar om matens historia, kultur, tillagning och sociala sammanhang. Det är ett begrepp som täcker in allt från bondemat till haute cuisine. Inom gastronomin ryms filosofin om varför vi äter som vi gör, hur vi kombinerar råvaror, och hur måltiden formar våra samhällen.
I antikens Grekland pratade filosofer redan om matens roll i människans liv – inte bara som bränsle, utan som ett medel för njutning, samtal och gemenskap. I modern tid har gastronomin blivit ett akademiskt fält, där matens vetenskapliga, kulturella och estetiska aspekter analyseras.
Konsten att komponera med smak
I kulinarisk konst spelar smakpaletten en lika viktig roll som färgskalan gör för en målare. Kocken arbetar med grundsmaker – sött, salt, surt, beskt och umami – och bygger komplexitet genom att lägga till aromer, texturer och temperaturer.
🍋 Surt skapar fräschör och balans. 🔥 Värme ger djup och intensitet. 🌿 Örter och kryddor tillför karaktär och identitet. 💧 Textur – krispigt, lent, poröst – gör maten intressant även för känseln.
Men det är inte bara smaken som spelar roll – det är hur maten ser ut. En rätt som är estetiskt vacker aktiverar aptiten redan innan första tuggan. Därför lägger kulinariska konstnärer stor vikt vid plating: hur maten är upplagd, hur färger samspelar, hur negativt utrymme används.
Från klassiska kockar till moderna matkonstnärer
Förr handlade fin mat ofta om lyx och perfektion – klassisk fransk haute cuisine var måttstocken. Men idag har matkonst utvecklats till något mer experimentellt, kulturellt och personligt.
👨🍳 Ferran Adrià, pionjär inom molekylär gastronomi, gjorde mat till vetenskapliga experiment. Hans rätter liknade installationer. 👨🎨 Grant Achatz skapar rätter som är som performance art – där gästen ofta får interagera med maten. 🍽️ Massimo Bottura berättar historier från sin barndom genom dekonstruktion av italienska klassiker.
Men även utanför fine dining växer kulinarisk konst – på caféer, i hemmakök, via sociala medier där hemmakockar delar bilder på färgkoordinerade bowls, skulpturala bakverk och fantasifulla bento-lådor.
Maten som kulturellt och konstnärligt språk
Maten vi lagar säger något om vem vi är. Den bär på historia, identitet och tradition. I många kulturer är maten en del av ceremonier, högtider och konstnärligt uttryck.
🇯🇵 Japansk kaiseki är en formell måltid där varje rätt är utformad som ett konstverk, ofta inspirerad av naturens årstider. 🇫🇷 Fransk patisserie är en konstform i sig – små tårtor och bakverk som ser ut som smycken. 🇲🇽 Mexikansk matkultur blandar färg, krydda och tradition i ett uttryck som är lika vackert som det är smakrikt.
När kockar arbetar med mat som ett kulturellt uttryck, blir varje rätt ett verk som förmedlar något – en känsla, ett budskap, ett minne.
Kulinarisk konst i framtiden
I takt med att hållbarhet, lokalproducerat och medvetenhet blir allt viktigare, får kulinarisk konst också en etisk dimension. Många moderna kockar jobbar med återbruk, nose-to-tail, vegetarisk innovation och nollavfall.
🌍 Konsten blir också en kommentar – om klimatet, om matkulturens utveckling, om framtiden.
Dessutom växer intresset för multisensoriska matupplevelser: ljud, ljus, dofter, texturer och interaktivitet används för att förstärka matens effekt på våra sinnen. Charkuteri och korv samt ostbricka
Kulinarisk konst och gastronomi möts i ett fält där hantverk, kunskap och passion samspelar. Där mat blir något mer än bara kalorier – det blir känslor, minnen, identitet. Det är ett konstnärligt uttryck som du bokstavligen kan ta in med alla sinnen. Fisk och skaldjur
Nästa gång du lägger upp en tallrik mat, tänk som en konstnär. Fundera på komposition, på färg, på känsla. Låt maten tala. För varje måltid är en möjlighet att skapa något vackert – och att dela det med andra.
Vill du att jag gör en kortare version för sociala medier, lägger till tips för hemmakockar, eller en lista över kända matkonstnärer? Jag hjälper gärna!
Konst på köksredskap är en kreativ och praktisk trend som kombinerar funktionalitet med estetik. Det innebär att köksredskap, som slevar, vispar, skärbrädor och kastruller, förvandlas till dekorativa konstverk som kan användas eller visas upp som inredning i köket. Här är några idéer och tekniker för att skapa eller välja konst på köksredskap:
Idéer för konst på köksredskap
1. Handmålade redskap
Träslevar och skärbrädor är utmärkta att använda som målarduk. Du kan måla geometriska mönster, blommor, djur eller andra motiv med akrylfärg. För att göra det hållbart, avsluta med en livsmedelssäker lack.
2. Graverade detaljer
Skärbrädor och knivhandtag kan graveras med mönster eller personliga texter, som ett familjenamn eller inspirerande citat. Lasergravering är ett populärt alternativ för precisionsarbete.
3. Keramik och porslin
Keramiska köksredskap som muggar och skålar kan dekoreras med färgglada mönster och konstverk. Du kan köpa färdiga handgjorda pjäser från konstnärer eller måla dina egna med porslinsfärg.
4. Återbruk och konstinstallationer
Gamla köksredskap som inte längre används kan bli till konst. Du kan skapa väggdekorationer genom att arrangera slevar, gafflar och grytlock i mönster eller målade färger.
5. Textbaserad design
Skärbrädor eller plåtburkar med kalligrafiska citat som ”Bon Appétit” eller ”Made with Love” är både inspirerande och dekorativa. De kan göras med träbrännare, färg eller vinylklistermärken.
Köpa konstnärliga köksredskap
Handgjorda produkter: Plattformar som Etsy och Tradera erbjuder unika och konstnärligt utformade köksredskap från småföretagare och konstnärer.
Designbutiker: Specialiserade butiker som säljer skandinavisk design (t.ex. Iittala eller Stelton) erbjuder eleganta och konstnärliga köksprodukter.
Lokala marknader: Besök hantverksmarknader för att hitta handgjorda och personliga redskap.
Material och tekniker
Trä: Perfekt för målning, gravering eller bränning.
Keramik: Lämpligt för målade mönster som bränns in i glaseringen.
Metall: Kan dekoreras med etsning eller hammarslag för att skapa struktur.
Om redskapet ska användas dagligen, välj konst som är hållbar och livsmedelssäker.
För dekorativa ändamål kan du välja mer detaljerade eller ömtåliga mönster.
Använd miljövänliga och giftfria material, särskilt om redskapen kommer i kontakt med mat.
Konst på köksredskap är ett sätt att lyfta ditt kök och ge det en personlig och inspirerande atmosfär. Det är både funktionellt och en konversationsstartare för gäster.
En konstsamlare är en person som ägnar sig åt att samla, förvalta och ofta investera i konstverk. Deras engagemang kan vara drivet av en passion för konst, ett intresse för kultur och estetik, eller en ambition att skapa en värdefull samling som kan ha både ekonomiskt och historiskt värde. Konstsamlare spelar en viktig roll i konstvärlden genom att stödja konstnärer och bidra till att bevara kulturarvet.
Samlandet kan omfatta olika typer av konst, från målningar och skulpturer till fotografi, textilier och digital konst. Vad en konstsamlare väljer att fokusera på beror ofta på personliga preferenser och intressen. En del samlare specialiserar sig på en specifik tidsperiod, konstnär eller genre, medan andra har en bredare samling som täcker olika stilar och medier.
Konstsamlare arbetar ofta nära gallerier, auktionshus och konstnärer för att hitta och förvärva verk som passar deras samling. Detta kräver kunskap om konstmarknaden, en förståelse för konsthistoria och en förmåga att identifiera potential i både etablerade och nya konstnärskap. Att vara en framgångsrik konstsamlare innebär också att hålla sig uppdaterad om aktuella trender och rörelser inom konstvärlden.
Utöver att köpa konst spelar många samlare en aktiv roll i att bevara och visa upp sina verk. Genom att låna ut verk till museer och utställningar kan de bidra till att göra konst tillgänglig för en bredare publik. Många samlare ser sitt arbete som ett sätt att bevara konst för framtida generationer, särskilt om de samlar på verk från mindre kända konstnärer eller kulturer som riskerar att falla i glömska.
Konst och konsthistoria
För vissa är konstsamlade också en form av investering. Konst kan öka i värde över tid, särskilt om verken kommer från erkända konstnärer eller om marknaden för en viss konststil blir mer eftertraktad. Dock innebär detta en risk, eftersom konstmarknaden är oförutsägbar och värdet på ett konstverk kan påverkas av många faktorer, från konstnärens rykte till globala ekonomiska förhållanden. Man kan även gå med i en förening för de som är intresserade av konst om man vill. Tex Konstnärsföreningen. Köpa sälja varor tjänster online hos bloog.se
Inredning Shabby chic och trädetaljer
Konstsamlare kan vara både privatpersoner och institutioner. Privatpersoner bygger ofta sina samlingar utifrån personliga passioner, medan institutionella samlare, som museer och stiftelser, har en mer akademisk eller kulturell inriktning. Oavsett omfattning är en konstsamlare en viktig aktör i att främja och skydda konst och kultur. Deras arbete påverkar inte bara konstmarknaden utan också hur konst uppfattas, bevaras och uppskattas i samhället.
Man kan så klart även hitta värdefull konst på CRM system Sverige. Vissa personer samlar även på digital konst och AI bilder.
Porträtt av kungafamiljen har länge varit en viktig del av svensk konst och kultur, med en historia som sträcker sig flera århundraden tillbaka i tiden. Dessa konstverk är inte bara avbildningar av enskilda medlemmar av kungahuset, utan också en spegling av sin tid, med stilar och tekniker som varierat beroende på epokens ideal och konstnärliga trender.
Under tidigare sekel var porträtten ofta formella och monumentala, skapade för att framhäva monarkins makt och dignitet. Kungligheterna avbildades i storslagna kläder med symboler för deras status och ansvar, såsom kronor, svärd och rikets insignier. Porträtten målades vanligtvis av hovmålare och hade en representativ funktion, både för att pryda slott och offentliga byggnader och för att stärka monarkins legitimitet inför folket.
Med tiden förändrades stilen och uttrycket i kungafamiljens porträtt. Under 1800-talet blev bilderna mer personliga och intima, ofta inspirerade av romantikens ideal. Fokus låg inte enbart på makt och auktoritet, utan också på att förmedla en mänskligare bild av kungligheterna. Detta var en tid då konstnärerna lade större vikt vid detaljer i ansikten och miljöer, vilket skapade en mer realistisk och känslomässig framställning. Här kan du läsa allt om kungafamiljens apanage och Nobelfesten
I modern tid har porträttkonsten fortsatt att utvecklas. Fotografi och digitala tekniker har kompletterat de traditionella måleriska metoderna, och konstnärer har fått större frihet att tolka kungafamiljen på nya och kreativa sätt. Idag kan ett porträtt av en kunglighet vara både en traditionell oljemålning och en modern installation eller skulptur. Samtidigt finns det en balans mellan att hedra de traditioner som alltid förknippats med kungahuset och att reflektera samtidens estetik och värderingar. Vill du läsa kungliga magasinet om det handlar om kungligheter
Porträtten av kungafamiljen spelar fortfarande en viktig roll i det offentliga rummet. De förekommer i officiella sammanhang, såsom på frimärken, mynt och i offentliga samlingsrum, men också i konstutställningar som erbjuder en djupare inblick i deras liv och betydelse för Sverige. Genom konsten blir kungafamiljen en del av det nationella arvet, där varje generation avbildas och tolkar sin tid och sin roll i historien. Detta gör porträttkonsten till en levande tradition som förenar det förflutna med nuet.
Kungen, hästarna och Livgardet – med historiska inslag, nutid, och en känsla av stolthet och tradition. Perfekt för ett blogginlägg eller som ett innehållsrikt inlägg på sociala medier: Kungafamiljen och museer i Sverige
Kungen, hästarna och Livgardet – en levande tradition mitt i modern tid hos vaksalakatter.se
Mitt i ett Sverige som präglas av teknik, snabba förändringar och digitalisering finns det fortfarande symboler som påminner oss om vår historia, våra rötter och vårt kulturarv. En av de mest levande – och vackraste – är utan tvekan Kungen, hans koppling till hästar och ridkläder, och det svenska Livgardet.
Djurbutiken vaksalakatter.se har allt för din hund och katt
För många är kanske Livgardets ståtliga hästar och blänkande uniformer mest något man ser på nationaldagen, under högtidliga statsbesök eller vid kungliga ceremonier. Men bakom det praktfulla yttre finns en levande vardag – och en tradition som sträcker sig flera hundra år tillbaka i tiden.
En kung nära hästarna
Kung Carl XVI Gustaf har genom hela sitt liv haft en stark koppling till hästar. Redan som ung prins tränade han ridning, och hästar har alltid varit en del av det kungliga livet – både som sport, passion och symbol.
Men kopplingen är inte bara personlig. Den svenska monarkin har genom historien haft ett starkt band till kavalleriet, inte minst genom Livgardet, som är ett av världens äldsta militära förband.
Vad är Livgardet?
Livgardet är ett av Sveriges mest anrika regementen, grundat redan år 1521 av Gustav Vasa. Då var det en grupp lojala soldater som skyddade honom i kampen för ett fritt Sverige. Idag, över 500 år senare, har Livgardet utvecklats till ett modernt förband med både ceremoniella och operativa uppgifter – men med stolta traditioner som lever kvar.
En av de mest välkända delarna är Livgardets Dragonmusikkår och den beridna högvakten – soldater till häst som syns i sina blå uniformer och hjälmar med plymer, ridande genom Stockholms gator till tonerna av militärmusik.
Den beridna högvakten – kunglig glans på gatorna
När Kungen tar emot statsbesök, när nationaldagen firas, eller när det är något annat kungligt firande, är det ofta den beridna högvakten som leder vägen. Det är ett skådespel som fascinerar både turister och svenskar – och det finns få saker som andas mer tradition och högtid än att se de ståtliga hästarna marschera in genom portarna till Kungliga slottet.
Hästarna som används i högvakten är noggrant utvalda och tränade – både för att klara av trafik, ljud och folkmassor, men också för att se enhetliga och ståtliga ut i formation. Det är ingen liten sak att vara ”tjänstehäst” i det svenska Livgardet.
En levande symbol för Sverige
För Kungen – och för många av oss – är Livgardets närvaro något mer än bara tradition. Det är ett sätt att påminna om Sveriges historia, vår monarki, och den stabilitet som kungahuset representerar. I en tid där så mycket förändras snabbt, är det en trygg punkt att återvända till.
Dessutom spelar Livgardet fortfarande en viktig roll i försvaret, inte bara ceremoniellt utan även operativt. Förbandet ansvarar bland annat för skyddet av det kungliga residenset, Kungliga slottet, och har uppgifter inom säkerhet och beredskap.
Kungen och de unga rekryterna
Kungen har vid flera tillfällen besökt Livgardet, pratat med unga rekryter, och visat sitt stöd för den verksamhet som pågår där. Det är inte bara en symbolisk närvaro – han har genuint intresse för verksamheten, hästarna och de unga soldaterna som bär traditionen vidare.
Vid exempelvis högvaktsavlösningar på slottet, där det ofta samlas tusentals åskådare, är det många som imponeras av disciplinen, precisionen – och just de vackra hästarna som är så centrala i uppvisningen. Det är något magiskt med mötet mellan gammalt och nytt, mellan kunglig tradition och dagens unga värnpliktiga.
Sammanfattning – varför detta betyder något
Att Kungen, hästarna och Livgardet fortfarande är en levande del av Sverige handlar inte om nostalgi. Det handlar om identitet. Om att bära vidare något större än en själv. Om respekt för historien, kärlek till hästar och stolthet över att få tjäna landet – ibland med blanka stövlar och blänkande sadlar, men alltid med hjärtat på rätt ställe.
Så nästa gång du ser Livgardet rida genom Stockholm, tänk på att det inte bara är en turistattraktion. Det är ett levande arv. Ett arv som Kungen, tillsammans med sina hästar och sina soldater, fortsätter att bära – in i framtiden.
Vill du att jag anpassar inlägget till en särskild plattform (Instagram, blogg, Facebook) eller vill du ha ett kortare citat eller rubrik att använda?
Att resa utomlands och besöka konstmuseer är en fantastisk möjlighet att uppleva världens kulturarv, upptäcka nya konstnärliga uttryck och lära sig mer om olika länders historia och estetik. Här är en guide för att göra din konstresa oförglömlig:
Planera din konstresa
1. Välj rätt destination
Vissa städer är särskilt kända för sina ikoniska konstmuseer:
Paris: Louvren och Musée d’Orsay är givna val för klassisk och impressionistisk konst.
New York: The Met och Museum of Modern Art (MoMA) är perfekta för både klassisk och modern konst.
Tokyo: Mori Art Museum och National Museum of Modern Art är ledande inom samtida japansk konst.
2. Gör research om museerna
Besök museets webbplats för att kolla öppettider, biljettpriser och aktuella utställningar.
Vissa museer erbjuder gratis inträde vissa dagar eller rabatterade kvällsbesök.
Kolla om det finns guidade turer eller audioguider för att få ut mer av upplevelsen.
3. Planera din tid
Stora museer som Louvren kan ta flera dagar att utforska. Gör en lista över de viktigaste verken du vill se.
Var beredd på att vissa populära konstverk, som Mona Lisa, kan ha långa köer.
4. Kombinera konst med andra upplevelser
Utforska lokala konstgallerier eller konstnärskvarter.
Många städer har gatukonst som är värd att upptäcka, exempelvis Berlin eller Buenos Aires.
Ikoniska museer att besöka
Louvren (Paris, Frankrike): Hem till Mona Lisa och Venus de Milo, samt tusentals andra mästerverk från hela världen.
Uffizierna (Florens, Italien): Ett paradis för renässansälskare med verk av Botticelli, Michelangelo och Leonardo da Vinci.
The Met (New York, USA): Ett av världens största museer med allt från antik konst till modern design.
Hermitaget (Sankt Petersburg, Ryssland): Känt för sin enastående samling av europeisk konst.
Prado (Madrid, Spanien): Fokuserar på spansk konst, inklusive verk av Velázquez och Goya.
Praktiska tips för att besöka konstmuseer
Boka biljetter i förväg: För att undvika köer, särskilt till populära museer.
Klä dig bekvämt: Du kommer att gå och stå mycket, så bekväma skor är ett måste.
Undvik stress: Planera tid för pauser och lunch – många museer har trevliga kaféer eller restauranger. alterfors.se
Res lätt: Undvik stora väskor; många museer kräver att du lämnar sådant i garderoben.
Fotografera med respekt: Kontrollera museets regler för fotografering. Vissa tillåter det, andra inte. Hitta billiga flygbiljetter online
Samtida konst och alternativa upplevelser
Utöver klassiska konstmuseer kan du utforska samtida konst på platser som:
Tate Modern (London): Ledande inom samtida konst och installationer.
Mori Art Museum (Tokyo): Fokuserar på samtida asiatisk konst.
Street Art Tours: Många städer erbjuder guidade turer för att visa gatukonst, exempelvis Banksys verk i Bristol.
Att besöka konstmuseer utomlands ger dig inte bara en djupare förståelse för konstens historia och utveckling utan också en kulturell upplevelse som ofta är unik för varje plats. Det är en inspirerande och berikande del av varje resa.
Att köpa billiga viner, sprit eller alkohol online kan vara ett praktiskt sätt att spara pengar och få tillgång till ett brett utbud av produkter. Här är några tips och råd för att göra smarta och lagliga köp:
Fördelar med att köpa alkohol online
Större utbud: Onlinebutiker erbjuder ofta ett brett sortiment av viner, sprit och öl från hela världen.
Konkurrenskraftiga priser: Många sajter erbjuder rabatter, kampanjer eller volympriser.
Bekvämlighet: Du kan beställa hemifrån och få leveransen direkt till dörren.
Populära plattformar för att köpa viner och sprit online
I Sverige
Systembolaget: I Sverige är det Systembolaget som har monopol på alkoholförsäljning. Du kan beställa från deras hemsida och få produkterna levererade till ditt närmaste utlämningsställe.
Winefinder: Tillhandahåller kvalitetsviner och erbjuder leverans direkt till svenska kunder.
Internationella alternativ (Obs: Kontrollera importregler)
Vivino: En plattform som kombinerar användarrecensioner med möjlighet att köpa viner från hela världen.
Drinks&Co: Ett brett sortiment av vin, öl och sprit till konkurrenskraftiga priser.
Master of Malt: Specialiserad på whisky och annan fin sprit, med internationell frakt.
Hur man köper billig alkohol online
1. Jämför priser
Använd jämförelsesajter eller appar som Vivino för att hitta bästa priset på specifika viner och spritsorter.
2. Leta efter rabatter och kampanjer
Många onlinebutiker erbjuder kampanjer under högtider som jul och nyår.
Anmäl dig till nyhetsbrev från plattformar för att få exklusiva rabatter.
3. Köp i större mängder
Att köpa lådor eller flera flaskor på en gång kan ge rabatt och lägre fraktkostnader.
4. Kontrollera fraktkostnader
Vissa sajter erbjuder fri frakt vid större beställningar eller kampanjer, medan andra tar höga avgifter. Planera för att maximera besparingarna.
Lagliga och praktiska överväganden
Importregler i Sverige
Du kan köpa alkohol från andra EU-länder, men du ansvarar för att betala svensk alkoholskatt och följa tullregler.
Kontrollera att återförsäljaren är licensierad och att leveransen sker på lagligt sätt.
Ålderskontroll
Seriösa sajter kräver verifiering av din ålder vid köp och leverans.
Kvalitetssäkring
Läs recensioner från andra kunder för att säkerställa att du handlar från en pålitlig återförsäljare.
Tips för att välja billiga viner eller sprit
Viner: Leta efter prisvärda flaskor från mindre kända vinregioner, som Portugal, Sydafrika eller Chile, där du kan få hög kvalitet till lägre pris.
Sprit: Testa mindre kända märken eller lokalt producerade alternativ för att hitta bra kvalitet till lägre kostnad.
Kundrecensioner: Plattformar som Vivino ger en bra indikation på prisvärdheten för ett specifikt vin.
Avslutande tips
Att köpa viner och sprit online kan ge stora fördelar, men det är viktigt att vara medveten om svenska regler och välja pålitliga butiker. Med rätt strategi kan du njuta av kvalitetsprodukter till ett bra pris.
Impressionismen var det viktigaste som hade hänt i den europeiska konsten sedan renässansen. Det var den första konstriktningen som kopplades samman med en grupp självmedvetna artister. Dess utövare ordnade en rad egna utställningar, men i själva verket var de olika som människor och som konstnärer. I den mansdominerade gruppen hittar vi några viktiga exemplar på kvinnliga artister.
Öppna dörrarna, släpp in lite ljus i det borgerliga huset, gå ut och börja måla på dina stafflier- verkar säga till oss impressionister. Kvinnliga artister var produktiva, respekterade av dåtidens kritiker och beundrade av publiken. Varför har dem ändå strukits från konsthistorien? Dags att svara på obesvarade frågor och presentera korta fakta om dessa exceptionella kvinnor!
9.Eliza Cecilia Beaux (1855-1942) var en amerikansk konstnärinna som specialiserade sig på i samhällsporträtt. Hennes far var av fransk påbrå, Jean Adolphe Beaux, ritade underbara teckningar och Eliza Cecilia ärvde pappas förmåga! Hon utbildade sig vid Pennsylvanias Academy of the Fine Arts. Tyvärr kunde hon inte heller få ”hela paketet”. Med tanke på den viktorianska ålderns partiskhet nekades kvinnliga studenter direktstudier i anatomi och de kunde inte delta i ritkurser med levande modeller.
Beaux hade stora ambitioner och bestämde sig att resa till Frankrike för att studera vid välkända Académie Julian och Académie Colarossi. När hon anlände till Paris började impressionisterna organisera egna oberoende utställningar. Sommaren1888 målade hon i fiskebyn Concarneau. Eliza Cecilia utvecklade sitt konstnärliga temperament nära av impressionismen, men hon förblev en realistisk målare resten av sin karriär.
Cecilia Beaux”Sita och Sarita” (Ung flicka med en katt) Porträtt av Sarah Allibone Leavitt (1893–1894) olja på duk, 94 x 63,5 cm Musée d´Orsay, Paris
Detta porträtt avbildar konstnärens kusin, Sarah Allibone Leavitt, klädd i vit klädning med sin svarta katt på axeln. Verket refererar till Edouard Manets målning ”Olympia”, där en katt sitter liknande poserad vid foten av Olympias säng.
Cecilia Beaux dog vid 87 års ålder i 1942. Hon hedrades av Eleanor Roosevelt som ”den första amerikanska kvinnan som hade gjort det största bidraget till världens kultur”.
Ernesta (1894)
8. Eva Gonzalès (1849-83) var en fransk konstnärinna av spansk härkomst. Hon började studera hos den akademiska målaren Charles Joshua Chaplin. 1869 blev Eva Gonzalès elev till Édouard Manet. Enda elev, för att Manet inte brukade ha praktikanter! Liksom sin lärare har hon aldrig deltagit i de kontroversiella parisiska impressionistutställningarna, men anses vara en representant för denna grupp på grund av sin målarstil.
”Loge på Théâtre des Italiens” (1874) Museum d’Orsay
Gonzalès arbete betraktas kanske inte som nyskapande, men det har ändå charm och en känsla av personliga uttryck som ger det ett betydande värde. Eva trivdes bra i hemmiljö, hon avbildade ofta kvinnor bland vardagliga sysselsättningar.
”Morgonuppvaknande” (1877) olja på duk, 81 x 100 cm Kunsthalle Bremen”Vita skor” (1880) olja på duk, 32 x 23 cm privat kollektion
År 1879 gifte hon sig med Henri Guérard. I april 1883 fick paret en son Jean, kort innan de fick beskedet om Manets död. Kanske dog hon på grund av förlossningen, kanske av längtan efter sin mästare? Livets märkliga öde…Hur som helst dog Eva Gonzalès bara fem dagar efter Edouard Manets död.
Efter hennes död organiserade hennes man och far en retrospektiv utställning som innehöll 88 verk. En del av målningarna såldes under evenemanget, medan många sedan auktionerades ut och skingrades.
7. Lilla Cabot Perry (1848-1933) var en amerikansk konstnärinna från Boston och en tidig förespråkare av den impressionistiska stilen i Förenta Stater. Hon hörde till det bostonska ”high society” och kunde njuta av sina privilegier. Som en väl uppfostrad flicka gifte hon sig med en bra kandidat- Thomas Sergeant Perry (1845-1928). Han undervisade i engelska samt litteraturhistoria på Harvard och hade en briljant framtid framför sig.
1884 startade Perry sin formella konstnärliga utbildning hos Alfred Quinton Collins och hos Robert Vonnoh, amerikanska, impressionistiska målare. Tack vore finansiella möjligheter kunde Lilla studera konst direkt i Paris (Académie Colarossi.) I den franska huvudstaden blev hon snabbt vän med Mary Cassatt, Camille Pissarro och Claude Monet.
”The Green Hat” (1913) självporträtt”Haystacks, Giverny” (1896) privat kollektion
Vänskapen med Monet inspirerade Lilla Cabbot så intensiv att hon tillbringade några sommar i Giverny, där Monet bodde.
En ny inspiration kom in i hennes liv 1897 när hennes man fick en professorstjänst i Japan som undervisare i engelska vid Keio Gijuku University. I tre år bodde paret i Japan. Den asiatiska konstvärlden påverkade hennes arbete i hög grad och gjorde det möjligt att utveckla en helt unik stil. Hon fortsatte att måla fram till sin död.
”I en japansk trädgård” (1898-1901)
Lilla Cabot Perry hade stött både den impressionistiska rörelsen i Frankrike och främjade de amerikanska konstnärerna.
6.Helen Maria Turner (1858-1958)
Vi stannar fortfarande i Amerika.
Helen Maria Turner föddes i en rik familj i Louisiana, vars hem och förmögenhet förstördes i inbördeskriget. 1895 flyttade hon till New York för att studera vid Art Students League. Där träffade hon William Merritt Chase (1849-1915), en lärare som verkligen uppskattade hennes konstnärliga talanger. Chase brukade ta sina elever på en rundtur i Italien, Frankrike för att utveckla deras skicklighet.
Helen älskade ljus och vad ljus gjorde med färg, och det närmade henne till impressionisterna.
”Girl with Lantern” (1923) olja på duk, 103,5 x 123,8 cm Chrysler Museum of Art, Norfolk, Virginia
I sin ateljé på Manhattan skapade hon porträtt, stilleben, men målade gärna utomhusverk under sina sommarvistelser i Cragsmoor. Där kastade hon sig in i sin värld av trädgårdar, impressionistiska spel av ljus och skugga.
”Summer” (1913) oil on canvas, 78 x 101,6 cm Tweed Museum of Art, Duluth
Hon fortsatte att måla fram till mitten av 1930-talet. Sedan försämrades hennes syn gradvis och hon kunde inte måla alls efter 1949.
5. MARIE BRACQUEMOND (1840-1916) beskrivs som en av impressionismens ”les trois grandes dames” tillsammans med Berthe Morisot och Mary Cassatt.
Bracquemond studerade för Jean-Auguste-Dominique Ingres och ställde regelbundet ut målningar på Parissalongen från 1864. Som student i Ingres privata ateljé i Paris skrev hon att ”Monsieur Ingres skrämde mig på allvar … eftersom han tvivlade på modet och uthålligheten hos kvinnor inom målarområdet … Han skulle bara tilldela dem målning av blommor, frukter, stilleben, porträtt ochgenrescener.”
Under 1870-talet blev hon mer och mer påverkad av Claude Monet och började måla en plein air (friluftsmåleri).
”På terrassen i Sèvres” (1889) Olja på duk, 88 x 115 cm Musée du Petit Palais
En dag, när hon skissade på Louvren, träffade hon Felix Bracquemond (1869-1914), sin blivande man. Paret hade blivit oskiljaktigt och gifte sig så småningom.
Félix och Marie Bracquemond arbetade tillsammans i ateljén Haviland i Auteuil. Problemet var att hennes man ogillade impressionister och försökte intressera hustrun för de äldre mästarna. Förgäves… Mellan 1887 och 1890, under påverkan av impressionisterna, började Maries stil att förändras. Hennes färger intensifierades. Monet och Degas blev hennes mentorer.
”Under lampan” (1877) olja på duk, 68,5 x 113 cm privat ägo
Enligt parets son Pierre var båda föräldrarna bittra och besvikna på varandra. I ett opublicerat manuskript skrivet av Pierre (” La Vie de Félix et Marie Bracquemond”) skildrar han några exempel på den ständiga kampen mellan dem. År 1890 kapitulerar Marie Bracquemond och övergav sitt måleri med undantag för några privata verk…
”Les tros femmes aux ombrelles” (okänt år) Musée d´Orsay
4.HANNA HIRSCH- PAULI (1864-1940) var en svensk konstnärinna som tidigt upptäckte sin konstnärliga förmåga. Redan som 12-åring började hon studera för August Malmström och under åren 1881-1885 antogs hon till Konstakademin på ”fruntimmersavdelningen”. Vilken skillnad från hennes europeiska kvinnliga kollegor! Och dessutom kunde hon avbilda nakna modeller!
Hanna var mest road av porträtt- och landskapsmåleri. Ändå visste hon att centrum för all konst ligger i Paris och hösten 1885 bosatte hon sig i Montparnasse och studerade på Académie Colarossi. Två år senare lyckades hon få ett porträtt av den finländska ateljékamraten Venny Soldan accepterat till Parissalongen. Porträttet blev epokgörande genom sin stil, komposition och moderna lösningar. Pauli avbildade en kvinnlig konstnär mitt i den skapande processen. Helt otroligt! Venny sitter på golvet i sin ateljé och har enkla arbetskläder.
”Porträtt av Venny Soldan-Brofeldt” (1887) olja på duk, 125,5 x 134 cm Göteborg Konstmuseum
Var Hanna Pauli en impressionistisk konstnär? Jag har några bevis på detta påstående och det viktigaste är hennes verk ”Frukostdags”.
Hanna Pauli ” Frukostdags” (1887) olja på duk, 87 x 91 cm Nationalmuseum, Stockholm
Frukostdags är en friluftsmålning. Den borgerliga matsalen förflyttad ut i naturen. Konstnärinnan har tydligt inspirerats av impressionisternas sätt att skildra ljuset. Naturligtvis upprörde så många livliga färger flera kritiker. En gick så långt att han antog att ljusfläckarna på bordduken berodde på att Hanna Pauli torkade sina penslar på den. Tavlan blev känd och ställdes bland annat ut på Världsutställningen 1900 i Paris och Chicago.
Hanna visade sunt förnuft och valde konstnären Georg Pauli till sin make. Äktenskapet fungerade väl och båda makarna var lyckliga privat och yrkesmässigt. Hennes konstnärliga produktion är kanske inte så stor men likafullt inspirerande till nästa generationer.
3. ANNA BILINSKA-BOHDANOWICZ (1854-93) är den första polska konstnärinnan utbildad i Paris som banade spår för de andra. Hon studerade hos Wojciech Gerson, men Académie Julian blev hennes viktigaste utbildningsväg.
Bilińska var otroligt ambitiös. Som om det inte var nog, efter bara två dagars plugg- planerade hon att ta kvällslektioner, och efter ett halvår försökte hon (förgäves) att flytta till ett manligt klassrum, där undervisningsnivån var något högre.
Trots att hon inte umgicks med impressionister och själv talade om denna trend ganska ogynnsamt, influerades hon av vissa metoder. Mycket nära impressionistiska verk ligger målningarna: ”Unter den Linden, Berlin” och ”Kvinna med japansk paraply”. Några av Annas Bilinska-Bohdanowicz tavlor bevisar att impressionismen inte bara hade ett ansikte.
”Kvinna i kimono med ett japanskt paraply ” (1888) pastell på duk, 94 x 74 cm Christophe Emmanuel Del Debbio kollektion, Paris”Unter den Linden, Berlin” (1890) olja på duk, 82 x 60 cm Nationalmuseum, Warszawa Uppenbarligen skissade hon den berlinska gatan från fönstret i sitt eget rum!
Hennes ”Självporträtt med palett” väckte både kritik på grund av det rufsiga håret och samtidigt beundran. Anna avbildade sig själv som medveten och mogen konstnärinna. Tavlan fick en silvermedalj i Paris 1889.
”Självporträtt med palett” (1887) olja på duk, 117 x 90 cm Nationalmuseum, Krakow
Hon bodde i Frankrike till 1892, då hon gifte sig med doktor Antoni Bohdanowicz. Efteråt återvände paret till Warszawa, där Anna hade för avsikt att öppna en konstskola i parisisk stil för kvinnor. Tyvärr, insjuknade hon i en hjärtsjukdom och dog ett år senare den 18 april 1893.
2.MARY CASATT (1844-1926)
Ett annat nytillskott till impressionismens från amerikanska high society var Mary Stevensson Cassatt, född i Pittsburgh och av fransk härstamning. Hon hade inget problem med att skaffa sig konstnärlig utbildning. Efter 5 år vid Pennsylvania Academy of Fine Arts (1861-65) kom hon som 21-årig till Europa. Så snabb som möjligt flyttade Mary (1866) till Paris.
En stor del av hennes arbete domineras av familjelivets teman, hon målade många porträtt av mödrar med barn och förmedlade deras nära relationer.
”Kvinnan i pärlhalsband i en teaterloge” (1879) olja på duk, 81,3 x 59 cm Philadelphia Museum of Art”Flicka i blå fåtölj” (1878) olja på duk, 89,5 x 129 cm National Gallery of Art, Washington Fjärde impressionistutställningen i Paris 1879
Mary Cassatt var begränsad i sitt motivval på grund av kön och klasstillhörighet. I slutet av 1800-talet kunde inte kvinnor vistas ute på samma villkor som män. Hon presenterade den omgivande verkligheten, precis som hennes kollegor målade caféerna, dansbanorna, hästkapplöpningar – hon målade det som fanns tillgängligt för henne. Teatern och operan, mödrar med barn var två motiv som Cassatt ofta återkom till. Att avbilda den manliga kroppen ansågs oanständigt för kvinnor. Att vara ensam med en man i ateljén kunde nedvärdera damens rykte, såvida det inte var någon familjemedlem!
”Torreador” (1873) olja på duk, 82,5 x 64 cm Art Institute of Chicago
Hennes konst påverkades tydligt av Degas. Men samtidigt inmutade hon ett eget område åt sig inom grafiken- ett nytt medium som de flesta impressionisterna provade. Året 1890 organiserade École des Beaux-Arts en omfattande utställning om japanska träsnitt. Mary Cassatt besökte utställningen några gånger. Det öppnades en helt ny värld framför henne. Cassatt hade en särskilt bra hand med etsningen. Hennes grafik visar klart inflytandet från japansk konst.
”La Toilette” (1889-94) torrnålsgravyr och akvatint, 43,3 x 32,2 cm Brooklyn Art Museum
Från 1912 försämrades konstnärinnas partiella blindhet, som hon lidit av länge och som ledde till fullständig blindhet, så hon tvingades överge måleriet.
1. BERTHE MORISOT (1841-95) är absolut nummer ett bland kvinnliga impressionister. Hon föddes i en medelklassfamilj och var barnbarnsbarn till Jean-Honoré Fragonard. Både Berthe och hennes syster Edma utvecklade sina kulturella intressen, först hos privata lärare (Joseph Guichard, Camille Corot)och sedan vid École des Beaux-Arts.
”Spegel” (1876) olja på duk, 68 x 54 cm Thyssen-Bornemisza Collection, Madrid
1868 träffade hon Manet och sex år senare gifte hon sig med hans bror Eugen. Även om Manet hade ett stort inflytande på hennes arbete, utvecklade hon snart sin egen stil. Samtidigt påverkade hennes uttrycksätt i sin tur Manets måleri och uppmuntrade honom att måla ”au plein air”.
”Vaggan” (1872) olja på duk, 56 x 46 cm Musée d´Orsay
Verket ”Vaggan” visades på den första impressionistutställningen 1874. Är detta en skildring av moderskärlek? Eller snarare längtan efter ouppfyllda drömmar? Systrarna Morisot stormade Paris, tyvärr avslutade äktenskap och moderskap Edmas planer. Från och med nu målade hon bara sporadiskt och Berthe skildrar det dubbla budskap som finns i målningen med full förståelse.
Berthe Morisot trivdes med den impressionistiska stilen. Snabba skisser, betoningen av färg präglades hennes arbete och var betygsatt av samtida på en hög nivå. Hon umgicks med flera av de manliga impressionisterna och räknade dem som vänner. Trots det glömdes Morisot bort fram till återupptäckandet och den stora retrospektiva utställningen 1987!
Hon skildrade ofta sin man Eugene och dotter Julia ”I trädgården” (1883) olja på duk, 60 x 73,5 cm okänd ägo
Ärligheten i bildskapandet, förmågan att fritt uttrycka emotionella känslor präglar Morisots stil. Hon överlämnade sig åt handens instinkt, målade snabbt och produktivt. Ibland skapade hon flera verk parallellt.
”Sommardag i Bois de Boulogne” (1879) olja på duk, 45,7 x 75 cm National Gallery, London
Märkligt är att Berthe Morisot inte hade sin egen ateljé under större delen av sitt liv. Hon målade i vardagsrummet eller i sovrummet. Efter avslutat arbetet täckte hon dukarna med en duk, och gömde färger och penslar i skåpet.
Berthe dör den 2 mars 1895 vid 54 års ålder till följd av lunginflammation, som hon fick när hon tog hand om sin sjuka dotter. I dödsattesten, under rubriken ”yrke”, stod ordet ”utan yrke”, på hennes gravsten finns endast en inskription: ”Här ligger Berthe Morisot, änka efter Eugène Manet”.
Här kommer ett långt och inspirerande inlägg om konst på porslin och köksredskap – ett ämne som kombinerar vardag med kreativitet, historia med hantverk och funktion med skönhet. Perfekt för en blogg, ett magasin, eller ett passionerat socialt inlägg:
Konst på porslin och köksredskap – där vardag möter estetik
Vi använder dem varje dag. Tallrikar, muggar, skålar, slevar och kastruller. De står där i skåpen, ligger i lådorna och radas upp på hyllor i våra kök. Men tänk om de inte bara var praktiska – utan också konstverk? Tänk om varje kopp kunde bära en berättelse, varje sked en känsla, och varje tallrik ett avtryck av mänsklig fantasi?
Välkommen till världen av konst på porslin och köksredskap – där funktion möter form, och vardagen får en dos magi.
Porslin – mer än bara något att äta på
Porslin har alltid haft en särskild plats i hemmet – från finservisen i vitrinskåpet till favoritmuggen som gör morgonkaffet lite bättre. Men det är också ett material som bär på en lång konstnärlig tradition.
Från kinesiskt blåvitt porslin på 1300-talet till nordiskt modernistiskt stengods på 1900-talet har keramiker, konstnärer och formgivare använt porslin som en duk. Och än idag fortsätter konstnärer att förvandla detta material till något personligt, berättande och vackert.
Handmålat och unikt
Det finns något särskilt med handmålat porslin. Penseldrag som varierar, färger som skiftar, och motiv som kanske inte är helt perfekta – men just därför så levande.
Många samtida konstnärer och keramiker använder idag porslin som sin ”canvas”. De målar blommor, ansikten, poesi, politiska budskap eller abstrakta mönster direkt på tallrikar, kannor och koppar. Varje föremål blir ett unikt konstverk – något att både titta på och använda.
Det handlar om att göra konsten tillgänglig. Istället för att hänga på en vit vägg på ett galleri får den en plats vid middagsbordet, i vardagen, i händerna på den som använder den.
Köksredskap som uttrycksform
Men det är inte bara porslinet som kan vara vackert – även köksredskap kan bli konst.
Tänk dig en sleiv med snidade blommor i handtaget. En skärbräda med ett inbränt citat. En tekanna i oväntad form. Eller varför inte bestick i lekfull design, med färger och former som bryter mot det förväntade?
Allt fler konstnärer, slöjdare och formgivare arbetar idag i gränslandet mellan konst och bruk. Trä, metall, keramik – alla material kan förvandlas från det rent funktionella till något som väcker känslor och nyfikenhet.
När konsten flyttar in i köket
I en tid då många letar efter det personliga, hållbara och vackra i vardagen, har konst i köket blivit ett växande fenomen. Det handlar inte längre om att gömma konsten i ett finrum – den får flytta in där vi faktiskt lever.
Att duka med handmålade tallrikar från en lokal keramiker. Att laga mat med en träsked snidad av en slöjdare du träffat på en marknad. Att servera te ur en kanna som är mer skulptur än servisdel – det gör något med upplevelsen.
Maten smakar liksom lite bättre när den serveras på något som någon har lagt sin själ i.
Hantverkstrenden och det personliga hemmet
I kontrast till massproducerade, identiska köksartiklar från stora kedjor, växer intresset för det handgjorda, det unika och det lokala. Porslinskonst och dekorativa köksredskap passar perfekt in i den rörelsen.
De ger karaktär åt hemmet. De säger något om vem du är. Och de påminner om att det finns människor bakom sakerna vi använder – händer som målat, format, bränt, slipat och glaserat.
Att investera i sådana föremål handlar inte bara om estetik – det handlar också om värderingar. Att värdesätta det långsamma, det meningsfulla, det som inte finns i tusentals kopior.
Inspiration – hur du kan få in konst i köket
Här är några tips för dig som vill göra ditt kök lite mer konstnärligt:
🎨 Satsa på ett fåtal unika delar – kanske en handmålad frukostskål eller en vacker kanna att ställa fram på bordet.
🖌️ Mixa gammalt och nytt – kombinera arvegods med samtida keramik för ett levande uttryck.
🔍 Utforska lokala konstnärer och keramiker – gå på marknader, öppna ateljéer eller sök på Instagram och Etsy.
Hotell och restaurang guiden
🍴 Våga använda konstverken – det är lätt att bli rädd om dem, men de är gjorda för att användas. Konst får gärna bli lite nött av livet.
📷 Styla din mat – att duka vackert med konstfulla föremål gör varje måltid till en liten ritual. Ekologisk mat och dryck även ekologisk livsmedel
adamphotography.se
Konst på köksmaskiner och köksredskap är mer än bara pynt. Det är ett sätt att föra in skönhet i vardagen, att ge själen något att vila ögonen på – mitt i matlagning, disk och vardagsbestyr.
I en värld där vi ofta springer för fort är det ett slags påminnelse: att livet också kan få vara långsamt, vackert och meningsfullt. En tallrik kan vara mer än en tallrik. Den kan vara ett konstverk. En berättelse. Ett sätt att uttrycka sig.
Och kanske, bara kanske, kan vi börja se hela köket som ett litet galleri – där varje redskap och varje porslinsdel har sin egen plats i en levande utställning av vardagens konst.
Vill du att jag gör en kortare version för Instagram, eller kanske en serie texter till en kampanj för en lokal keramiker eller konstnär? Jag hjälper gärna!
Under sin korta tid i Arles kämpade Vincent med sin psykiska sjukdom och kände sig ensam. Trots sitt lidande skapade han fantastiska och berömda målningar. Den vackra provensalska solen, det färgglada landskapet och de unika färgerna inspirerade honom och gjorde honom till en av de största målarna någonsin!
.
Enligt nya teorier vet vi att grälet gällde en prostituerad kvinna. Gauguin var förövaren och han sårade van Gogh med ett svärd.
Vincent van Gogh (1853–1890) är en av konsthistoriens mest kända och hyllade konstnärer. Trots att han inte fick någon större framgång under sin livstid, har hans verk kommit att definiera modern konst och gjort honom till en symbol för passion, kreativitet och den ibland tragiska kopplingen mellan konstnärligt geni och mentalt lidande.
Liv och karriär
Vincent Willem van Gogh föddes den 30 mars 1853 i Groot-Zundert, Nederländerna. Han var son till en präst och växte upp i en strikt och religiös familj. Hans karriär började inte som konstnär, utan han arbetade först som konsthandlare, lärare och predikant innan han vid 27 års ålder bestämde sig för att helt ägna sig åt måleriet.
Van Gogh reste mycket under sitt liv, med perioder i Nederländerna, Belgien och framför allt Frankrike. Han levde i Paris, där han påverkades av impressionismen och postimpressionismen, och i Arles, där hans mest produktiva period tog form. Trots detta kämpade han ständigt med psykisk ohälsa och svår fattigdom.
Konstnärligt uttryck
Van Goghs stil är känd för sina intensiva färger, kraftfulla penseldrag och känslomässiga intensitet. Han använde konst som ett sätt att uttrycka sina tankar och känslor, vilket gav hans verk en unik och personlig prägel.
Några av hans mest kända målningar inkluderar:
”Stjärnenatt” (1889): Ett mästerverk av svepande virvlar och lysande färger som skildrar natthimlen ovanför Saint-Rémy-de-Provence.
”Solrosor” (1888): En serie målningar av gyllene blommor som blivit symboler för optimism och livets skönhet.
”Självporträtt”: Han skapade över 30 självporträtt, vilket ger en inblick i hans självkänsla och identitet.
”Kaféterrass på natten” (1888): En ikonisk målning av ett kafé i Arles, med lysande ljus och en drömlik atmosfär.
Mentalt lidande och tragiskt slut
Van Gogh kämpade med psykiska problem genom hela sitt liv. Han hade svåra episoder av depression, ångest och hallucinationer, och ett av de mest kända ögonblicken i hans liv är när han skar av en del av sitt eget öra under en mental kris 1888.
Han tillbringade sina sista år på mentalsjukhus och dog den 29 juli 1890 efter att ha skjutit sig själv, bara 37 år gammal. Hans bror Theo, som stöttade honom genom hela livet, dog kort därefter.
Arvet efter van Gogh
Trots att van Gogh bara sålde ett fåtal målningar under sin livstid, är hans verk idag bland de mest värdefulla och älskade i världen. Hans måleri påverkade hela modernismen och konstnärer som Matisse, Picasso och många fler.
Hans brev till sin bror Theo är också en viktig del av hans arv. De ger en djup inblick i hans tankar om konst, livet och hans kamp med mentala utmaningar.
Idag kan du se hans verk på museer som Van Gogh-museet i Amsterdam, Musée d’Orsay i Paris, och många andra runt om i världen. Hans liv och konst fortsätter att fascinera och inspirera miljoner människor.
KONSTSPEGEL 